Abstrakte Kunst: Definition, Geschichte, Typen, Eigenschaften Automatische übersetzen

Definition und Bedeutung

Der Begriff „abstrakte Kunst“, auch „gegenstandslose Kunst“, „gegenstandslose Kunst“, „gegenstandslose Kunst“, „geometrische Abstraktion“ ist ein eher vager Oberbegriff für alle Gemälde oder Skulpturen, die keine erkennbaren Gegenstände oder Szenen darstellen .

Wie wir sehen werden, gibt es jedoch keinen klaren Konsens über die Definition, die Arten oder die ästhetische Bedeutung der abstrakten Kunst. Picasso war der Meinung, dass es so etwas nicht gibt, und einige Kunsthistoriker sind der Meinung, dass alle Kunst abstrakt ist, weil zum Beispiel kein Gemälde mehr sein kann als eine grobe Verallgemeinerung (Abstraktion) dessen, was der Künstler sieht. Selbst führende Kommentatoren sind sich manchmal nicht einig darüber, ob ein Gemälde als „expressionistisch“ oder „abstrakt“ bezeichnet werden sollte - zum Beispiel das Aquarell Ship on Fire (1830, Tate) und das Ölgemälde Snowstorm - Steamship at the Harbour Mouth (1842, Tate), beide von William Turner (1775-1851). Ein ähnliches Beispiel ist Lilie (1916-20, National Gallery, London) von Claude Monet (1840-1926). Außerdem gibt es eine gleitende Skala der Abstraktion: von halbabstrakt bis völlig abstrakt. Während also die Theorie relativ klar ist - abstrakte Kunst ist von der Realität losgelöst - kann die praktische Aufgabe, das Abstrakte vom Nicht-Abstrakten zu trennen, viel problematischer sein.

Was ist die Idee hinter der abstrakten Kunst?

Die Grundprämisse der Abstraktion - übrigens eine Schlüsselfrage der Ästhetik - ist, dass die formalen Qualitäten eines Gemäldes (oder einer Skulptur) genauso wichtig (wenn nicht sogar wichtiger) sind als seine gegenständlichen Qualitäten.

Lassen Sie uns mit einer sehr einfachen Illustration beginnen. Ein Gemälde kann eine sehr schlechte Zeichnung eines Mannes enthalten, aber wenn seine Farben sehr schön sind, kann es uns dennoch als ein schönes Gemälde erscheinen. Dies zeigt, wie eine formale Qualität (Farbe) eine repräsentative Qualität (Zeichnung) überlagern kann.

Auf der anderen Seite kann ein fotorealistisches Bild eines Reihenhauses eine elegante Darstellung zeigen, aber das Thema, die Farbgebung und die Gesamtkomposition können völlig langweilig sein.

Die philosophische Rechtfertigung für die Beurteilung des Wertes der formalen Qualitäten eines Kunstwerks leitet sich von Platons Aussage ab, dass: „gerade Linien und Kreise… nicht nur schön sind…. sondern ewig und absolut schön sind“.

Im Wesentlichen bezeichnete Platon, dass nicht-naturalistische Bilder (Kreise, Quadrate, Dreiecke usw.) absolute, unveränderliche Schönheit besitzen. Ein Gemälde kann also nur wegen seiner Linien und Farben geschätzt werden - es muss keinen natürlichen Gegenstand oder eine Szene darstellen. Der französische Maler, Lithograf und Kunsttheoretiker Maurice Denis (1870-1943) hatte dasselbe im Sinn, als er schrieb: "Erinnern Sie sich daran, dass ein Gemälde, bevor es zu einem Schlachtross oder einem Frauenakt wird, im Wesentlichen eine ebene Fläche ist, die mit Farben bedeckt ist, die in einer bestimmten Reihenfolge angeordnet sind."

Einige abstrakte Künstler beschreiben ihr Werk mit den Worten, dass sie das visuelle Äquivalent eines Musikstücks schaffen wollen, das allein um seiner selbst willen geschätzt werden kann, ohne die Frage zu stellen: „Was ist dieses Gemälde?“ Whistler zum Beispiel gab einigen seiner Gemälde musikalische Titel, wie Nocturne: Blue and Silver - Chelsea (1871, Tate Collection). (Siehe auch: Bewertung von Kunst: Wie man Kunst bewertet .)

Arten von abstrakter Kunst

Der Einfachheit halber können wir die abstrakte Kunst in sechs Haupttypen einteilen. Einige dieser Arten sind weniger abstrakt als andere, aber alle beinhalten die Trennung von Kunst und Realität.

Gekrümmte abstrakte Kunst

Diese Art der kurvilinearen Abstraktion ist eng verwandt mit der keltischen Kunst, die eine Reihe von abstrakten Motiven wie Knoten (acht Haupttypen), Wechselmuster und Spiralen (einschließlich Triskele oder Triskelion) verwendet hat. Diese Motive waren keine Erfindung der Kelten - viele andere frühe Kulturen hatten diese keltischen Muster schon seit Jahrhunderten verwendet: zum Beispiel die Spiralgravuren auf einem neolithischen Grab in Newgrange in Co Meath, die 2.000 Jahre vor den Kelten entstanden. Dennoch kann man sagen, dass die Kelten diesen Mustern neues Leben einhauchten und sie viel komplexer und komplizierter machten. Diese Muster tauchten später als dekorative Elemente in frühen Manuskripten (ca. 600-1000 n. Chr.) wieder auf. Später kehrten sie während der keltischen Wiedergeburtsbewegung im 19. Jahrhundert und der einflussreichen Jugendstilbewegung des 20. Jahrhunderts zurück: vor allem in Bucheinbänden, Textilien, Tapeten und Chintz-Designs, in den Werken von Autoren wie William Morris (1834-1896) und Arthur McMurdo (1851-1942). Die kurvenförmige Abstraktion wird auch durch „unendliche Strukturen“ veranschaulicht, ein weit verbreitetes Merkmal der islamischen Kunst .

Farbige oder helle abstrakte Kunst

Dieser Typus zeigt sich in den Werken von Turner und Monet, die die Farbe (oder das Licht) so einsetzen, dass das Kunstwerk von der Realität getrennt wird, wenn sich das Objekt in einem Wirbel von Pigmenten auflöst. Zwei Beispiele für die expressive Abstraktion im Stil von Turner wurden bereits erwähnt, zu denen wir sein Interieur in Petworth (1837, Sammlung Tate) hinzufügen können. Weitere Beispiele sind Monets letzte Gemäldeserie „Seerose“ (1840-1926), „Talisman“ (1888, Musee d’Orsay, Paris) von Paul Sérusier (1864-1927), dem Anführer von Les Nabis, sowie mehrere fauvistische Werke von Henri Matisse (1869-1954). Mehrere expressionistische Gemälde Kandinskys, die während seiner Zusammenarbeit mit Deur Blue Reiter entstanden sind, stehen der Abstraktion sehr nahe, so auch „Hirsch im Wald II“ (1913-14, Staatliche Kunsthalle, Karsruhe) von seinem Kollegen Franz Marc (1880-1916). Der tschechische Künstler Frank Kupka (1871-1957) schuf einige der ersten lebhaften abstrakten Gemälde, die Robert Delaunay (1885-1941) beeinflussten, der in seinem vom Kubismus inspirierten Stil ebenfalls auf Farbe setzte. Die farbbezogene Abstraktion taucht in den späten 1940er und 50er Jahren in Form der von Mark Rothko (1903-1970) und Barnett Newman (1905-1970) entwickelten Farbfeldmalerei wieder auf. Im Frankreich der 1950er Jahre entstand eine parallele Form der abstrakten Malerei, die sich auf die Farbe bezieht und als „Lyrische Abstraktion“ bekannt ist.

Diese Form der intellektuellen abstrakten Kunst entstand um 1908. Eine frühe rudimentäre Form war der Kubismus, insbesondere der analytische Kubismus, der die lineare Perspektive und die Illusion räumlicher Tiefe in einem Gemälde ablehnte, um sich auf seine zweidimensionalen Aspekte zu konzentrieren. Die geometrische Abstraktion ist auch als konkrete Kunst und nicht-gegenständliche Kunst bekannt. Wie nicht anders zu erwarten, zeichnet sie sich nicht durch naturalistische Bilder aus, sondern in der Regel durch geometrische Formen wie Kreise, Quadrate, Dreiecke, Rechtecke usw. In gewissem Sinne ist sie die reinste Form der Abstraktion, da sie keinerlei Bezüge zur natürlichen Welt aufweist. Man könnte sagen, konkrete Kunst ist Abstraktion und Veganismus ist Vegetarismus. Die geometrische Abstraktion wird vertreten durch „Schwarzer Kreis“ (1913, Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg), gemalt von Kasimir Malewitsch (1878-1935) (Begründer des Suprematismus); „Broadway Boogie Woogie“ (1942, MoMA, New York), von Piet Mondrian (1872-1944) (Begründer des Neoplastizismus); und „Komposition VIII (Kuh)“ (1918, MoMA, New York) von Theo Van Doesburg (1883-1931) (Begründer von De Stijl und Elementalismus). Weitere Beispiele sind die Gemälde „Dedication to the Square“ von Joseph Albers (1888-1976) und op art von Victor Vasarely (1906-1997).

Emotionale oder intuitive abstrakte Kunst

Diese Art der intuitiven Kunst umfasst eine Kombination von Stilen, deren gemeinsames Thema eine naturalistische Tendenz ist. Dieser Naturalismus zeigt sich in der Art der verwendeten Formen und Farben. Im Gegensatz zur geometrischen Abstraktion, die fast antinatürlich ist, beschreibt die intuitive Abstraktion oft die Natur, aber auf eine weniger gegenständliche Weise. Zwei wichtige Quellen für diese Art der abstrakten Kunst sind die organische Abstraktion (auch biomorphe Abstraktion genannt) und der Surrealismus . Man könnte argumentieren, dass der berühmteste Künstler, der sich auf diese Art von Kunst spezialisiert hat, der in Russland geborene Mark Rothko war - siehe: Gemälde von Mark Rothko (1938-1970). Weitere Beispiele sind Gemälde von Kandinsky wie „Komposition Nr. 4“ (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) und „Komposition VII“ (1913, Tretjakow-Galerie); „Typischer Erzähler, Gabel und Nabel“ (1923, Privatsammlung) von Jean Arp (1887-1966), „Frau“ (1934, Privatsammlung) von Juan Miró (1893-1983), „Inscape: Psychologische Morphologie #104“ (1939, Privatsammlung) von Matta (1911-2002); und „Unendliche Teilbarkeit“ (1942, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo) von Yves Tanguy (1900-1955). In der Bildhauerei wird diese Art der Abstraktion veranschaulicht: „Kuss“ (1907, Kunsthalle, Hamburg) von Constantin Brancusi (1876-1957); „Mutter und Kind“ (1934, Tate) von Barbara Hepworth (1903-1975); Giant Pip (1937, Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou) von Jean Arp; „Three Permanent Figures“ (1953, Guggenheim Museum, Venedig) von Henry Moore (1898-1986).

Gestische abstrakte Kunst

Dies ist eine Form des Abstrakten Expressionismus, bei der der Entstehungsprozess eines Gemäldes wichtiger ist als sonst. Die Farbe kann auf ungewöhnliche Weise aufgetragen werden, die Pinselstriche sind oft sehr locker und schnell. Berühmte amerikanische Vertreter der Gestenmalerei sind Jackson Pollock (1912-1956), der Erfinder des Action-Painting, seine Frau Lee Krasner (1908-1984), die ihn mit ihrer eigenen Form des Drip-Painting inspirierte; Willem de Kooning (1904-1997), bekannt für seine Werkserie „Woman“ ; und Robert Motherwell (1912-1956), bekannt für seine Serie „Elegy to the Spanish Republic“. In Europa ist es Tachisme, sowie die Gruppe Cobra, und insbesondere Karel Appel (1921-2006).

Minimalistischer Abstraktionismus

Diese Art der Abstraktion war eine Art Avantgardekunst, frei von allen äußeren Bezügen und Assoziationen. Sie ist das, was man sieht - und sonst nichts. Sie nimmt oft eine geometrische Form an, die von Skulpturen dominiert wird, obwohl auch dieser Typus von einigen großen Künstlern verwendet wurde. Weitere Informationen zur minimalistischen Kunst finden Sie unter „Postmoderne Abstraktion“.

Ursprünge und Geschichte

Abstrakte Gemälde der Steinzeit

Soweit wir wissen, begann die Geschichte der abstrakten Kunst vor etwa 70 000 Jahren mit prähistorischen Gravuren, nämlich zwei Steinstücken mit eingravierten abstrakten geometrischen Mustern, die in der Blombos-Höhle in Südafrika gefunden wurden. Es folgten abstrakte rot-ockerfarbene Punkte und Schablonen, die in den Felsmalereien von El Castillo gefunden wurden und auf 39 000 v. Chr. datiert werden, eine Neandertalergravur in Gorham’s Cave, Gibraltar und ein klavikelförmiges keulenförmiges Bild unter Altamira Höhlenzeichnungen (ca. 34 000 v. Chr.) Abstrakte Symbole wurden dann die vorherrschende Form der paläolithischen Höhlenkunst, doppelt so zahlreich wie figürliche Darstellungen. Siehe Prähistorische abstrakte Zeichen .

Vom akademischen Realismus zur Abstraktion

Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts folgten die meisten Gemälde und Skulpturen den traditionellen Prinzipien des klassischen Realismus, die an den großen europäischen Akademien gelehrt wurden. Diese Grundsätze besagen, dass die erste Aufgabe der Kunst darin besteht, eine erkennbare Szene oder einen erkennbaren Gegenstand zu schaffen. Unabhängig davon, wie stark die Anforderungen des Stils oder des Umfelds das Kunstwerk beeinflussen, sollte es die äußere Realität nachahmen oder darstellen. Im letzten Viertel des 19. Jahrhunderts begann sich dies jedoch zu ändern. Die Kunst des Impressionismus zeigte, dass der strenge akademische Stil der naturalistischen Malerei nicht mehr die einzig authentische Art und Weise war, Dinge zu tun. Dann, zwischen 1900 und 1930, lieferten die Entwicklungen in anderen Bereichen der modernen Kunst zusätzliche Techniken (einschließlich Farbe, Verzicht auf dreidimensionale Perspektive und neue Formen), die für das weitere Streben nach Abstraktion genutzt werden konnten.

Die Künstler beginnen, sich von der Realität zu entfernen

Die erste der großen modernen Kunstbewegungen, die den akademischen Stil des klassischen Realismus untergruben, war der Impressionismus (1870-1880), dessen Farbpalette oft entschieden nicht-naturalistisch war, obwohl seine Kunst fest und eindeutig von der realen Welt abgeleitet blieb, auch wenn Claude Monets letztes Werk „Seerosen“ eher der Abstraktion zuzuordnen war. Das Aufkommen der abstrakten Kunst beeinflusste auch die Bewegung des Jugendstils (Art Nouveau) (1890-1914).

Kandinsky, der Expressionismus und der Fauvismus demonstrieren die Macht der Farbe

Die Verwendung von Farbe und Form, um den Betrachter zu bewegen, war für die Entwicklung der abstrakten Kunst von größter Bedeutung. Der Impressionismus, einschließlich der Varianten des neoimpressionistischen Pointillismus und des Postimpressionismus, hatte bereits die Aufmerksamkeit auf die Kraft der Farbe gelenkt, aber der deutsche Expressionismus machte sie zum Eckpfeiler der Malerei. Einer der Begründer dieser Bewegung, Wassily Kandinsky (1866-1944), veröffentlichte das Buch „Über das Geistige in der Kunst“ (1911), das zur Grundlage der abstrakten Malerei wurde.

Kandinsky war von den emotionalen Eigenschaften der Form, der Linie und vor allem der Farbe in der Malerei überzeugt. (Er hatte eine abnorme Farbempfindlichkeit, die man Synästhesie nennt.) Er war der Meinung, dass die Malerei nicht intellektuell analysiert werden sollte, sondern den Teil des Gehirns erreichen sollte, der mit der Musik verbunden ist.

Dennoch warnte er davor, dass ernsthafte Kunst sich nicht von dem Wunsch leiten lassen sollte, dass Abstraktion zu bloßer Dekoration wird. Die meisten deutschen Expressionisten (z. B. Ernst Kirchner, Karl Schmidt-Rottlaff, Max Ernst, Alexej Jawlensky, Oskar Kokoschka, Franz Marc, August Macke und Max Beckmann) waren keine abstrakten Künstler, aber ihre lebhaften Farbpaletten - zusammen mit Kandinskys theoretischen Schriften - machten andere, zur Abstraktion neigende Künstler auf die Macht der Farbe als Mittel zur Erreichung ihrer Ziele aufmerksam.

Der parallele Pariser Avantgarde-Stil, der Fauvismus (1905-08), betonte die Wirkung der Farbe nur in Werken von Henri Matisse, wie Red Studio (1911, MoMA, NY).

Der Kubismus lehnt die Perspektive und die bildliche Tiefe ab

Der Kubismus (1908-14) war eine Reaktion auf den dekorativen Reiz des Impressionismus. Picasso (1881-1973) und Georges Braque (1882-1963) entwickelten diesen neuen Stil in mehreren Etappen: zunächst den Prototypischen Kubismus (siehe Picassos halbabstraktes Les Demoiselles d’Avignon, 1907, MoMA, NY); dann den Analytischen Kubismus (vgl. „Nude Staircase No. 2“, 1912, Philadelphia Museum of Art) von Marcel Duchamp (1887-1968); dann Synthetischer Kubismus, der sich mehr an der Collage orientiert. Ihr Grundkonzept war die Abkehr von der schönen, aber trivialen Kunst des Impressionismus und die Hinwendung zu einer intellektuelleren Kunstform, die neue Methoden zur Darstellung der Wirklichkeit erforschte.

Insbesondere lehnten sie die akademische Methode ab, die Realität mit Hilfe der linearen Perspektive (Tiefe) darzustellen, um den üblichen dreidimensionalen Effekt in der Malerei zu erzeugen. Stattdessen hielten sie alles auf einer zweidimensionalen, flachen Ebene fest, auf der sie verschiedene „Ansichten“ desselben Objekts anordneten: ein Verfahren, das dem Fotografieren eines Objekts aus verschiedenen Blickwinkeln, dem anschließenden Zerschneiden der Fotos und dem Aufkleben auf eine flache Oberfläche ähnelte. Diese Methode, eine ebene Fläche zur Darstellung der dreidimensionalen Realität zu verwenden, erschütterte die Kunst in ihrem Kern. Obwohl die meisten kubistischen Werke immer noch von Objekten oder Szenen aus der realen Welt abgeleitet waren und daher nicht als vollständig abstrakt angesehen werden konnten, untergrub die Ablehnung des traditionellen Blickwinkels durch die Bewegung den natürlichen Realismus in der Kunst vollständig und öffnete so die Tür zur reinen Abstraktion.

Zu den vom Kubismus inspirierten abstrakten Bildhauern gehören Constantin Brancusi (1876-1957), der auch von der afrikanischen und orientalischen Kunst beeinflusst war; Raymond Duchamp-Villon (1876-1918), der kubistische Elemente zur Darstellung von Bewegung verwendete; Jacques Lipchitz (1891-1973).

Für einen abstrakten Malstil des frühen 20. Jahrhunderts, der versuchte, kubistische Komposition mit Farbe und Musik zu verbinden, siehe: Orphismus . Eine britische Kunstbewegung der Vorkriegszeit, die stark vom kubistischen Idiom beeinflusst war, war Vortizismus (1913-14), gegründet von Percy Wyndham Lewis (1882-1957).

Die italienische Bewegung Futurismus (1909-13), die von Marinetti (1876-1944) gegründet wurde und der unter anderem Gino Severini (1883-1966) und Giacomo Balla (1871-1958) angehörten, wurde ebenfalls vom Kubismus beeinflusst und inspirierte ihrerseits zahlreiche Künstler. In der Bildhauerei hatte der Futurismus den größten Einfluss auf die Entwicklung der kinetischen Kunst und beeinflusste abstrakte Bildhauer wie Naum Gabo (1890-1977) und Alexander Calder (1898-1976) (berühmt für seine Handys).

„Der von Fernand Léger (1881-1955) erfundene Toubismus“ war eine Form des Kubismus, die zylindrische und kugelförmige Figuren anstelle der flachen, sich überlappenden Figuren des Kubismus verwendete und zahlreiche maschinenähnliche Motive enthielt, die Légers futuristische Technikgläubigkeit widerspiegelten. Siehe zum Beispiel Werke wie „Soldaten spielen Karten“ (1917, Kroller-Muller State Museum, Otturlo); Der Mechaniker (1920, National Gallery of Canada); Drei Frauen (Le Grand Dejeuner) (1921, Museum of Modern Art, New York).

Suprematismus und De Stijl führen neue geometrische Figuren ein

Die traditionelle Malerei und Bildhauerei stützt sich auf Formen, die der realen Welt entnommen sind, und es gibt viele Beispiele dafür. Im Gegensatz dazu sind abstrakte Künstler auf künstliche, nicht-natürliche Formen angewiesen. So geht es in der abstrakten Kunst meist um die Herstellung verschiedener geometrischer Formen. Die Größe und Beschaffenheit dieser Formen, ihr Verhältnis zueinander und die im Werk verwendeten Farben werden zu den bestimmenden Motiven der Abstraktion.

Russischer Suprematismus

Die russische Bewegung der abstrakten Kunst, die als Suprematismus bekannt ist und von ihrem Anführer Kasimir Malewitsch (1878-1935) so genannt wurde, weil er die Vorherrschaft des Gefühls in der Kunst behauptete, entstand 1915. Zweifellos von Kandinsky beeinflusst, schuf Malewitsch eine Reihe herausragender avantgardistischer abstrakter Gemälde - rechteckige Blöcke aus einfachen Farben, die auf weißem Grund schweben -, die ihrer Zeit um Jahrzehnte voraus waren. Er sah sie als Nachfolger der traditionellen Ikonographie der russisch-orthodoxen Kirche im flachen byzantinischen Stil der Antike. Im Jahr 1927 wurde seine suprematistische Theorie in einem Buch mit dem Titel Die gegenstandslose Welt veröffentlicht. Ljubow Popowa (1889-1924) gilt zusammen mit Alexander Rodtschenko (1891-1956) als eine der Schöpferinnen des russischen Stils Der Konstruktivismus (eine Schule, die sich mit Raum, neuen Materialien, dreidimensionalen Formen sowie mit Wissenschaft und sozialen Reformen befasste) war ein weiteres wichtiges Bindeglied der suprematistischen Bewegung. Eine weitere interessante russische Kunstrichtung, die neue Bilder präsentierte, war der Luchismus (1912-14), gegründet von Michail Larionow (1881-1964) und Natalia Gontscharowa (1881-1962). Zu den abstrakten Bildhauern, die von den Ideen des Suprematismus und des Konstruktivismus beeinflusst wurden, gehören Sophie Tauber-Arp (1889-1943) und Naum Gabo (1890-1977).

De stijl

De Stijl war der Name einer niederländischen Zeitschrift für Design und Ästhetik und einer avantgardistischen Kunstbewegung, die sich der geometrischen Abstraktion (ungegenständlichen Kunst) widmete und von Theo Van Doesburg (1883-1931) gegründet und geleitet wurde . Ihre führende Figur war Piet Mondrian (1872-1944), der für seine Serie einfacher rechteckiger Gitter bekannt ist, die nur Schwarz, Weiß und Primärfarben verwenden - ein Stil, den er Neoplastizismus ) Nieuwe Beelding) nannte. Als einer der einflussreichsten Pioniere der Konkreten Kunst zwischen 1920 und 1944 entwickelte er seinen präzisen geometrischen Stil als Gegenargument gegen das emotionale Chaos und die Ungewissheit in der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts. Jahrhunderts. Er war Mitglied des Cercle et Carre Abstrakte Gruppe (1929-31) und der Abstraction-Creation Group (1930-6). 1938 zog er nach New York und war angeblich der erste Künstler, der zur Musik des Grammophons arbeitete.

Van Doesburg war weniger dogmatisch und vertrat eine entspanntere Form des Neoplastizismus, den Elementarismus . Im Jahr 1930 prägte er auch den Begriff „Konkrete Kunst“. Leider starb er 1931, aber seine Ideen wurden nicht nur von den Studenten der Schule für Gestaltung am Bauhaus (wo er unterrichtete) weitergeführt, sondern auch von der Gruppe Abstrakte Kreativität, die von dem belgischen Künstler Georges Vantongerloo (1886-1965) und den französischen Künstlern Jean Helion (1904-1987) und Auguste Herbin (1882-1960) geleitet wurde. Zu den weiteren Mitgliedern der Gruppe gehörte die Crème de la Crème der europäischen Abstraktionisten wie Jean Arp (1886-1966), Naum Gabo (1890-1977), El Lissitzky (1890-1941), Antoine Pevsner (1886-1962), Barbara Hepworth (1903-1975) und Ben Nicholson (1894-1982). Der Schweizer Ex-Bauhaus-Architekt, Bildhauer und Designer Max Bill (1908-1994) war ein weiterer Anhänger, der dazu beitrug, das Genre in der Schweiz, Italien, Argentinien und Brasilien zu fördern.

Surrealismus und organische Abstraktion

Parallel zur Entwicklung des Betonismus im geometrischen Stil begannen die Mitglieder des Surrealismus in den 1920er und 1930er Jahren, eine Reihe von phantasievollen, quasi-naturalistischen Bildern zu schaffen. Die führenden Vertreter dieses Stils der biomorphen/organischen Abstraktion waren Jean Arp und Juan Miró, die beide, wie ihre zahlreichen vorbereitenden Skizzen belegen, die Technik des Automatismus verwendeten. Ihr surrealistischer Kollege Salvador Dalí (1904-1989) schuf ebenfalls mehrere ungewöhnliche Gemälde, wie „Konstanz der Erinnerung“ (1931, MoMA, New York) und „Weiche Konstruktion mit gekochten Bohnen“ (1936, Philadelphia Museum of Art).

Jean Arp war ebenfalls ein aktiver Bildhauer, der sich auf die organische Abstraktion spezialisiert hatte, ebenso wie die englischen Bildhauer Henry Moore (1898-1986) und Barbara Hepworth (1903-1975). (Siehe: Moderne britische Bildhauerei 1930-70) Mehrere europäische abstrakte Künstler suchten später Zuflucht in Amerika, wo sie eine neue Generation von „einheimischen Abstrakten“ beeinflussten. Zu diesen einflussreichen Emigranten gehörten Künstler wie Hans Hofmann (1880-1966), Max Ernst (1891-1976), André Masson (1896-1987), Arshile Gorky (1904-1948), Yves Tanguy (1900-1955) und andere. Als dies geschah, gab es trotz der Kontroverse um Armory Shaw in New York 1913 ein reges Interesse an der Abstraktion in der Stadt. Das Museum of Modern Art wurde 1929 gegründet, das Museum of Non-Objective Painting (später umbenannt in Samuel R. Guggenheim Museum) 1939.

Hinweis: Zu zwei Sammlern abstrakter Malerei und Skulptur aus der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts siehe: Solomon Guggenheim (1861-1949) und Peggy Guggenheim (1898-1979).

Anmerkung: zur Avantgarde-Abstraktion in Großbritannien (ca. 1939-75) siehe St Ives School .

Abstrakter Expressionismus - mehr Farbe, mehr Geometrie

Obwohl die europäischen Künstler der Nachkriegszeit ihr Interesse an der abstrakten Kunst auf dem Pariser Salon des Realites Nouvelles aufrechterhielten, hatte sich das Zentrum der modernen Kunst bis 1945 nach New York verlagert, wo die Avantgarde durch die New York School des Abstrakten Expressionismus vertreten wurde. Diese aus der Großen Depression und dem Zweiten Weltkrieg hervorgegangene Bewegung, die nie mit einem kohärenten Programm als solchem verbunden war, wurde von Jackson Pollock (1912-1956), Mark Rothko (1903-1970), Willem de Kooning (1904-1997), Clifford Still (1904-1980), Barnett Newman (1905-1970) und Adolph Gottlieb (1903-1974) angeführt. Zur nächsten Generation gehörten Künstler wie Robert Motherwell. Der Name der Bewegung wurde von Robert Coates, einem Kunsthistoriker aus New York, geprägt. Nahe stehende Stile waren Pollocks „Action Painting“ und Rothkos „Colour Field Painting“, sowie der kuriose „Abstrakte Impressionismus“ von Philip Guston (1913-1980).

Abstrakt-expressionistische Malerei ist nach wie vor ein vager Begriff - der oft verwirrend auf Künstler angewandt wird, die weder wirklich abstrakt noch expressionistisch sind - der eine Form der abstrakten Malerei (nicht figurativ, nicht naturalistisch) beschreibt, in der die Farbe Vorrang vor der Form hat und die Form nicht mehr geometrisch ist. Die frühen Werke dieses Stils neigen dazu, großformatige Leinwände zu füllen, deren Größe den Betrachter verblüffen und in eine andere Welt ziehen soll. Die Beschäftigung der abstrakten Expressionisten mit visuellen Effekten, insbesondere mit dem Einfluss der Farbe, spiegelt ihr primäres Ziel wider, die grundlegenden menschlichen Emotionen anzusprechen und zu erforschen. Daher lässt sich die abstrakte expressionistische Malerei am besten intuitiv verstehen, indem man sich die Frage stellt: „Was fühlen Sie dabei?“ - und nicht „Was sagt es aus?“

Es sollte betont werden, dass es sich um eine breite Bewegung handelte, die eine Vielzahl von Stilen umfasste, darunter (wie bereits erwähnt) Werke, die halb- oder nicht-abstrakt waren, sowie solche, die durch die Art des Farbauftrags gekennzeichnet waren, wie z. B. Jackson Pollocks Gemälde und die Arbeiten von Willem de Kooning (gestische Pinselstriche). Zwei interessante frühe Werke, die die unterschiedlichen Stile dieser beiden Künstler veranschaulichen, finden Sie unter: Sitzende Frau (1944, Metropolitan Museum of Art) von Willem de Kooning und Pasiphae (1943, Met) von Jackson Pollock. Die Tatsache, dass es sich um die erste große künstlerische Bewegung handelt, die in den USA entstanden ist, verleiht ihr zusätzliches Gewicht und Bedeutung - zumindest in den Augen der Kritiker.

Später entstanden aus dem Abstrakten Expressionismus viele einzelne Stile unter der Ägide der Post-Painterly Abstraction, einer anti-gestalterischen Tendenz. Zu diesen einzelnen Stilen gehören: starre Farbgebung, Farbgebung, Washingtoner Töne, amerikanische lyrische Abstraktion und geformte Leinwand. Der Abstrakte Expressionismus rief auch avantgardistische Reaktionen bei verschiedenen anderen Künstlern hervor, darunter: Cy Twombly (1928-2011), dessen kalligrafische Inschriften teils Zeichnung, teils Graffiti sind, und der kalifornische abstrakte Bildhauer Mark Di Suvero (geb. 1933), der für seine großformatigen Eisen- und Stahlskulpturen bekannt ist.

Europa: Art Informel, Tachisme & Cobra Group Gesturalismus

In Europa entstand in den späten 1940er Jahren eine neue Kunstbewegung, die als Art Informel bekannt wurde. Sie gilt als europäische Version des Abstrakten Expressionismus, ist aber in Wirklichkeit eine Dachbewegung mit vielen Untervarianten. Zu diesen Minibewegungen gehören:

(1) Der Tachismus, ein Stil abstrakter Malerei, der durch Farbflecken und -striche gekennzeichnet ist, entstand als französische Antwort auf den amerikanischen Abstrakten Expressionismus. Ein wichtiger Einfluss war der amerikanische Avantgardekünstler Mark Tobey (1890-1976), dessen Stil der kalligrafischen Malerei dem von Pollock voraus war. Zu den wichtigen Mitwirkenden gehören Jean Fauré (1898-1964), Georges Mathieu (1921-2012), Pierre Soulages (geb. 1919) und die portugiesische Künstlerin Maria Helena Vieira da Silva (1908-1992) sowie der amerikanische abstrakte Expressionist Sam Francis (1923-1994).

(2) Avantgarde Gruppe „Cobra“, die den gestischen oder „martialischen Malstil“ des amerikanischen Abstrakten Expressionismus praktizierte. Sie wurde von Malern, Bildhauern und Grafikern der dänischen Gruppe Host, der niederländischen Gruppe Reflex und der belgischen revolutionären surrealistischen Gruppe gegründet, darunter: Asger Jorn (1914-1973), der belgische Schriftsteller Christian Dautremont (1922-1979), Pierre Aleczynski (geb.1927), Karel Appel (1921-2006) und Constant (CA Nieuwenhuys) (1920-2005). Paul Bury (1922-2005) war ebenfalls Mitglied, gab jedoch 1953 die Malerei auf, um sich der kinetischen Bildhauerei zu widmen.

(3) Lyrische Abstraktion, ein ruhigerer, harmonischerer Stil Art Informel . Zu den führenden Künstlern gehören Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) (1913-1951), Hans Hartung (1904-1989), Jean-Michel Atlan (1913-1960), Pierre Soulages (*1919), Georges Mathieu (1921-2012) und Jean-Paul Riopelle (1923-2002).

Andere Untergruppen: „New Forces“ und „Art Non Figuratif“.

Op-Art: eine neue geometrische Abstraktion

Einer der ausgeprägtesten Stile der geometrisch-abstrakten Malerei, die während der Ära der Moderne aufkam, war die „Op-Art“ Bewegung (kurz für „optische Kunst“), deren Markenzeichen es war, die Augen durch komplexe, oft monochrome, geometrische Muster zu fesseln, um sie Farben und Formen sehen zu lassen, die eigentlich nicht vorhanden waren. Zu den führenden Vertretern gehörten der ungarische Künstler und Grafikdesigner Victor Vasarely (1908-1997) und die englische Künstlerin Bridget Riley (geb. 1931). Die Bewegung verschwand in den frühen 1970er Jahren.

Postmoderne Abstraktion

Seit dem Beginn der Postmoderne (ab Mitte der 60er Jahre) neigt die aktuelle Kunst dazu, sich in kleinere, lokalere Schulen aufzuteilen. Das liegt daran, dass die Bewegungen der zeitgenössischen Kunst von einer Philosophie des Misstrauens gegenüber den großen Stilen des frühen 20. Jahrhunderts beherrscht wurden. Eine Ausnahme bildet die Schule des Minimalismus, ein Stil der geometrischen Abstraktion, der auf den Hauptprinzipien der Postmoderne basiert. Bildhauer: Donald Judd (1928-1994), Sol LeWitt (1928-2007), Robert Morris (geb.1931), Walter de Maria. (geb. 1935), und Carl Andre (geb. 1935). Ein weiterer wichtiger minimalistischer Bildhauer ist Richard Serra (geb. 1939), zu dessen abstrakten Werken „Inclined Arc“ (1981, „Federal Plaza“, New York) und „The Case of Time“ (2004, Guggenheim, Bilbao) gehören. Zu den bemerkenswerten abstrakten Künstlern, die mit dem Minimalismus in Verbindung gebracht werden, gehören Ad Reinhardt (1913-1967), Frank Stella (*1936), dessen großformatige Gemälde ineinandergreifende Form- und Farbcluster enthalten; Sean Scully (*1945), ein irisch-amerikanischer Künstler, dessen rechteckige Farbformen die monumentalen Formen prähistorischer Strukturen nachzuahmen scheinen, sowie Joe Baer (*1929), Ellsworth Kelly (*1923), Robert Mangold (*1937), Bryce Marden (*1938), Agnes Martin (1912-2004) und Robert Ryman (*1930).

Der Neoexpressionismus, der teilweise dem strengen Minimalismus folgte, war eine weitgehend figurative Bewegung, die in den frühen 1980er Jahren entstand. Dennoch zählten prominente abstrakte Künstler wie der Engländer Winner Howard Hodgkin (geb. 1932) sowie die deutschen Künstler Georg Baselitz (geb. 1938), Anselm Kiefer (geb. 1945) und andere zu ihren Reihen. Zu den anderen international bekannten abstrakten Künstlern, die in den 1980er und 1990er Jahren Anerkennung fanden, gehört der britische Bildhauer Anish Kapoor (*1954), der für seine großformatigen Werke aus grob behauenem Stein, gegossenem Metall und rostfreiem Stahl bekannt ist. Sowohl Hodgkin als auch Kapoor wurden mit dem Turner-Preis ausgezeichnet.

Sammlungen für abstrakte Kunst

Ungegenständliche Kunst ist in den meisten der wichtigsten Kunstmuseen der Welt zu sehen.