Die Wechselfälle des Schicksals:
Wie sich in Großbritannien die Haltung gegenüber der Arbeit von Caravaggio änderte Automatische übersetzen

LONDON: Nächsten Monat eröffnet die National Gallery in London Beyond Caravaggio „, eine Ausstellung“, die Werke von Nachfolgern des italienischen Barockmeisters zeigt. Die Ausstellung umfasst 49 Gemälde, hauptsächlich aus britischen Institutionen, von Künstlern wie Orazio Gentileschi, Jusepe de Ribera und Valentin de Boulogne.

Abendessen in Emmaus (1601-02)

Die National Gallery ist in der glücklichen Lage, drei Gemälde von Caravaggio zu besitzen, eines aus jeder wichtigen Schaffensphase des Künstlers, aber die Umstände des Erwerbs zeigen, dass ihre Reise zum Trafalgar Square eher zufällig als geplant war. „Das Abendmahl in Emmaus“ (Das Abendmahl in Emmaus, 1601), ein unbestrittenes Meisterwerk, wurde der Galerie 1839 geschenkt, acht Jahre nachdem der Besitzer es bei einer Auktion nicht verkaufen konnte. Das Gemälde „Salome empfängt das Haupt Johannes’ des Täufers“ (Salome empfängt das Haupt Johannes’ des Täufers, 1609-10) war lange umstritten und wäre wahrscheinlich nie gekauft worden, wenn Denis Mahon, ein Treuhänder der Galerie, nicht so hartnäckig gewesen wäre und den Verwaltungsrat davon überzeugt hätte, gegen die Meinung des Direktors und für das Bild zu stimmen. „Der von einer Eidechse gebissene Junge“ (Boy bite by a Lizard, 1594-95), eines der schönsten Jugendwerke Caravaggios, wurde an einen amerikanischen Privatsammler verkauft, und nur ein Ausfuhrverbot rettete das Gemälde für das Land.

Die Gemälde von Caravaggio

Obwohl Caravaggio heute einer der bedeutendsten und bekanntesten Künstler der Kunstgeschichte ist, wurden seine Persönlichkeit und sein Werk erst im 20. Die Rehabilitierung Caravaggios wurde durch zwei Ausstellungen begünstigt. Die erste fand 1922 in Florenz statt und war den italienischen Künstlern des XVII-XVIII Jahrhunderts gewidmet, unter denen Caravaggio eine herausragende Rolle spielte. Die zweite war die Ausstellung von Roberto Longhi in Mailand im Jahr 1951, bei der die Werke von Caravaggio und seinen Nachfolgern zum ersten Mal ins Rampenlicht gerückt wurden.

Ähnliche bahnbrechende Ausstellungen wurden später in Cleveland (1971) und New York (1985) gezeigt, nicht jedoch in Großbritannien. Und der Grund dafür war nicht das Fehlen herausragender wissenschaftlicher Arbeiten über das Werk des Italieners, ganz im Gegenteil. Ellis K. Waterhouse (1905-1985), Universitätsprofessor und Spezialist für den italienischen Barock, Roger Hinks (1903-1963), der die erste englischsprachige Monografie über Caravaggio veröffentlichte, und Denis Mahon (1910-2011), ein begeisterter Anhänger und Sammler italienischer Barockgemälde, der sich während seiner langen Karriere als Kunsthistoriker mit Caravaggio beschäftigte, waren alle in Großbritannien tätig. Den größten Beitrag leistete jedoch Benedict Nicolson (1914-1978), Herausgeber des wissenschaftlichen Burlington Magazine, der in den 1970er Jahren einen umfassenden Katalog der Gemälde von Caravaggio und seinen Nachfolgern veröffentlichte. Dies war der erste ernsthafte Versuch, das Werk der Caravaggio-Künstler zu kategorisieren. Nicholsons Arbeit ist auch heute noch für jeden, der sich mit Caravaggio beschäftigt, von Bedeutung.

Die Neubewertung von Caravaggios Beitrag zur Kunstgeschichte in Großbritannien hat viel Zeit in Anspruch genommen. Diese Entwicklung wurde zum Teil durch die abschätzigen Äußerungen von John Ruskin (1819-1900) und Roger Fry (1866-1934), zwei populären Kritikern, gefördert, die beide über viele Jahre hinweg einen großen Einfluss auf die Gestaltung des öffentlichen Geschmacks in der zweiten Hälfte des 19. und Anfang des 20. Für Ruskin war Caravaggio ein Synonym „für Vulgarität, Dummheit und Gottlosigkeit“. In seiner „Künstlerskala“ wurden Caravaggio, Raffael, Guido Reni und Carracci in die Kategorie der „Schule des Irrtums und des Lasters“ eingeordnet. Ruskin nannte Caravaggios Werk vulgär und verdorben, er glaubte, dass Caravaggio auf seiner Suche nach Wahrheit seine Unfähigkeit zeigte, die Schönheit der Welt zu sehen, sondern nur „das Grauen und die Hässlichkeit und Unreinheit der Sünde“.

Frye, der mit Ruskin in den meisten Fragen nicht übereinstimmte, übernahm in diesem Fall seine Ansicht. Ihm zufolge waren es italienische Künstler „, die die Vulgarität und insbesondere die vulgäre Originalität in der Kunst erfunden haben“. Fry warf Caravaggio seine Liebe zu allem „Gewaltsamen und Exzessiven“ vor. Diese Aussagen stehen im Einklang mit den Worten von Giovan Pietro Bellori, dessen weitgehend negative, aber äußerst überzeugende Darstellung von Caravaggios Leben große Popularität erlangte. Bellori kritisierte Caravaggio für sein sklavisches Kopieren der Natur, ohne jegliche Auswahl, und es ist kein Zufall, dass seine Definition von Caravaggios Nachfolgern als „Naturalisten“ bei den Kritikern des neunzehnten Jahrhunderts in Großbritannien so gut ankam.

Ruskin verurteilte Caravaggio nicht nur wegen des Inhalts, sondern auch wegen der Technik. Er warf dem Künstler vor, Schatten zu missbrauchen, zu malen „um der Schatten willen“. Und trotz der wenigen biografischen Informationen, die damals über Caravaggio zur Verfügung standen (abgesehen von Belloris Berichten), wurde eine solche Beleuchtung in den Gemälden auf den düsteren Charakter des Künstlers zurückgeführt. Jahrhunderts wurde Caravaggios Name oft mit Szenen bei Kerzenlicht in Verbindung gebracht, obwohl er kein einziges Gemälde mit einer Kerze gemalt hat. Kerzen sind eher für das Werk eines anderen Künstlers, Gerrit van Honthorst, charakteristisch, und die beiden Künstler wurden oft verwechselt. Die Geschichte, wie Caravaggios „Kuss des Judas“ (Entführung Christi) fast zwei Jahrhunderte lang van Honthorst zugeschrieben wurde.

Außerdem wurde jedes Gemälde mit starken Lichtschattierungen als „Caravaggio“ bezeichnet, unabhängig von seinem Stil oder seiner Individualität. Es mag heute überraschen, aber Mitte des 17. Jahrhunderts war die Kunst Caravaggios und seiner Nachfolger endgültig in Verruf geraten, und eine vollständige Neubewertung ihres Werks erfolgte erst 300 Jahre später. Diese Haltung wurde zum großen Teil dadurch begünstigt, dass Caravaggio durch ganz Italien reiste und das Land nie verließ. Auch reiste er nicht durch Europa wie etwa Peter Paul Rubens oder in geringerem Maße Gentileschi und Honthorst, die beide am Hof Karls I. tätig waren. Um die meisten Werke Caravaggios zu schätzen, musste man nach Italien reisen, aber nur wenige wagten diese Reise.

Während die britischen Museen das Werk Caravaggios völlig vernachlässigten, ließen sich die amerikanischen Museen die Gelegenheit zum Erwerb seiner Werke nicht entgehen. So wurde „Der Heilige Johannes der Täufer in der Wüste“ (Saint John the Baptist in the Wilderness, 1603-04) 1952 an das Nelson-Atkins Museum of Art in Kansas City verkauft. Im selben Jahr kaufte das Metropolitan Museum of Art in New York „Die Musiker“ (The Musicians, 1595), und 1973 kaufte das Detroit Institute of Arts „Martha und Maria“ (Martha and Mary, 1598), nur zwei Jahre nachdem das Gemälde bei einer Auktion in London nicht verkauft werden konnte. Nach Longas Ausstellung 1951 in Mailand wuchs das Interesse noch mehr.

Interessanterweise schrieb der Eigentümer „von „Musicians“ W. W. G. Thwaytes im Februar 1952 an den Direktor der National Gallery und teilte ihm mit, dass das Metropolitan Museum of Art 25.000 Pfund für das Gemälde geboten hatte, dass er aber, bevor er dem Geschäft zustimmte, wissen wollte, ob die Galerie an dem Gemälde interessiert sei. Tuytes’ Angebot wurde abgelehnt, „Musicians“ besorgte sich eine Ausfuhrgenehmigung und machte sich auf den Weg nach New York. Aus den Archiven geht hervor, dass die Leitung der Galerie in jenen Jahren kein Interesse an Caravaggios Werken hatte und der Direktor Philip Hendy den Künstler überhaupt nicht kannte. Mahon wurde 1957 Treuhänder der National Gallery, fünf Jahre nach dem Verkauf von „Johannes der Täufer in der Wüste“ und „Die Musikanten“.

Gemälde von Caravaggios Nachfolgern verließen Großbritannien auf ähnliche Weise. Ein bemerkenswertes Beispiel war „Fortune Teller“ (Wahrsager, 1620) von Valantin, das der neunte Herzog von Rutland unter dem Deckmantel von Caravaggio verkaufte. Heute befindet sich das Gemälde im Kunstmuseum von Toledo (Toledo Museum of Art).

Trotz dieser Abwanderung sind die öffentlichen und privaten Sammlungen auf den britischen Inseln nach wie vor erstaunlich reich an Gemälden von Caravaggio und seinen Nachfolgern. Die Neubewertung seines Werks im letzten Jahrhundert hat sein Können und seine wahre Originalität als Künstler bestätigt. Selbst Roger Fry, keineswegs ein Bewunderer seines Talents, stellte vor über hundert Jahren scharfsinnig fest, dass Caravaggio in vielerlei Hinsicht „der erste moderne Künstler war, der erste Künstler, der die“ revolutionierte.

Originalartikel: Die Wechselfälle des Caravaggio: Wie die Nationalgalerie Gelegenheiten nutzte - und verpasste -, Werke des Meisters zu erwerben von Letizia Treves © THE ART NEWSPAPER

Abschrift: Anna Sidorova © Gallerix.ru