Die Wechselfälle des Schicksals: Wie sich in Großbritannien die Haltung gegenüber der Arbeit von Caravaggio änderte Automatische übersetzen

LONDON. Nächsten Monat eröffnet die National Gallery in London die Ausstellung "After Caravaggio" (Jenseits von Caravaggio), in der die Werke von Anhängern des italienischen Barockmeisters gezeigt werden. Die Ausstellung umfasst 49 Gemälde, die hauptsächlich von Bildungseinrichtungen in Großbritannien stammen, darunter Orazio Gentileschi, Jusepe de Ribera und Valantin de Boulogne.

Abendessen in Emmaus (1601-02)

Die Nationalgalerie hatte großes Glück - sie besitzt drei Gemälde von Caravaggio, eines aus jeder der Hauptetappen ihrer Karriere, aber die Umstände der Übernahme zeigen, dass ihr Weg zum Trafalgar Square eher zufällig als geplant war. Das "Abendmahl in Emmaus" (1601), ein unbestrittenes Meisterwerk, wurde 1839 auf die Galerie übertragen, acht Jahre nachdem der Besitzer es nicht auf einer Auktion verkaufen konnte. Über das Gemälde "Salome mit dem Haupt Johannes des Täufers" (Salome empfängt das Haupt Johannes des Täufers, 1609-10) wurde sehr lange diskutiert, und es wäre wahrscheinlich nicht gekauft worden, wenn es nicht gewesen wäre die Hartnäckigkeit von Denis Mahon), dem Galerie-Treuhänder, der den Rat überredete, gegen die Meinung des Direktors und für das Bild zu stimmen. Und schließlich „Der von einer Eidechse gebissene Junge“ (1594-95: Der von einer Eidechse gebissene Junge), eines von Caravaggios besten jugendlichen Werken, das an einen amerikanischen Privatsammler verkauft wurde und nur das Exportverbot das Bild für das Land bewahrte.

Caravaggio-Malereien

Obwohl Caravaggio heute einer der wichtigsten und bekanntesten Künstler der Kunstgeschichte ist, wurden seine Persönlichkeit und sein Werk erst im 20. Jahrhundert vollständig verstanden. Die Rehabilitation von Caravaggio trug zu zwei Ausstellungen bei. Das erste fand 1922 in Florenz statt und war italienischen Künstlern des 17.-18. Jahrhunderts gewidmet, unter denen Caravaggio eine herausragende Rolle spielte. Die zweite ist die Roberto Longhi-Ausstellung in Mailand im Jahr 1951, bei der die Werke von Caravaggio und seinen Anhängern erstmals im Rampenlicht standen.

Ähnliche wegweisende Ausstellungen fanden später in Cleveland (1971) und New York (1985) statt, jedoch nicht in Großbritannien. Und der Grund dafür war nicht das Fehlen herausragender Wissenschaftler bei der Arbeit des Italieners, ganz im Gegenteil. Ellis K. Waterhouse (1905-1985), Universitätsprofessor und italienischer Barockspezialist, und Roger Hinks (1903-1963), der die erste Monografie über Caravaggio in englischer Sprache veröffentlichte, arbeiteten ebenfalls in Großbritannien. Denis Maon (1910-2011), ein begeisterter Anhänger und Sammler italienischer Barockmalereien, studierte Caravaggio während seiner langen Karriere als Kunsthistoriker. Aber vielleicht mehr als jeder andere Beitrag leistete Benedict Nicolson (1914-1978), Herausgeber der wissenschaftlichen Zeitschrift Burlington Magazine, der in den 1970er Jahren einen vollständigen Katalog von Gemälden von Caravaggio und seinen Anhängern veröffentlichte, einen Beitrag. Dies war der erste ernsthafte Versuch in der Geschichte, das Werk karavagistischer Künstler zu klassifizieren. Nicholsons Schriften sind immer noch relevant für alle, die Caravaggio studieren.

Die Neubewertung von Caravaggios Beitrag zur Kunstgeschichte in Großbritannien nahm viel Zeit in Anspruch. Dies wurde zum Teil durch die abfälligen Meinungen von John Ruskin (1819-1900) und Roger Fry (1866-1934) erleichtert, zwei populären Kritikern, die jeweils einen tiefgreifenden Einfluss auf die Bildung des öffentlichen Geschmacks in der zweiten Hälfte des XIX und des XIX hatten Anfang des zwanzigsten Jahrhunderts. Caravaggio war für Ruskin ein Synonym für „Vulgarität, Dummheit und Gottlosigkeit“. In seiner „Artist Scale“ wurden Caravaggio, Raphael, Guido Reni und Carracci in die Kategorie „School of Error and Vice“ eingestuft. Die Arbeit von Caravaggio Ruskin nannte ihn vulgär und verdorben, er glaubte, dass Caravaggio auf der Suche nach der Wahrheit seine Unfähigkeit zeigte, die Schönheit der Welt zu sehen, aber nur "Entsetzen und Hässlichkeit und die Unreinheit der Sünde".

Fry, der Ruskin in den meisten Punkten nicht zustimmte, akzeptierte in diesem Fall seinen Standpunkt. Ihm zufolge waren es die italienischen Künstler, die "die Vulgarität und insbesondere die vulgäre Originalität in der Kunst erfanden". Fry warf Caravaggio vor, alles "grausam und übertrieben" zu lieben. Diese Aussagen stimmen mit den Worten von Giovan Pietro Bellori überein, dessen überwiegend negative, aber äußerst überzeugende Darstellung von Caravaggios Leben immense Popularität erlangte. Bellory kritisierte, dass Caravaggio die Natur ohne jede Auswahl sklavisch kopiert, und es ist kein Zufall, dass seine Definition von Caravaggios Anhängern als „Naturforscher“ unter Kritikern des 19. Jahrhunderts in Großbritannien so gut Fuß gefasst hat.

Ruskin verurteilte Caravaggio nicht nur wegen des Inhalts, sondern auch wegen der Technologie. Er beschuldigte den Künstler des Missbrauchs von Schatten, er habe "um des Schattens willen" gemalt. Und trotz der sehr kleinen biografischen Informationen über Caravaggio, die zu dieser Zeit verfügbar waren (mit Ausnahme von Bellorys Geschichten), wurde eine solche Beleuchtung in den Gemälden dem matschigen Charakter des Künstlers zugeschrieben. In der Mitte des 19. Jahrhunderts wurde der Name Caravaggio oft mit Kerzenlichtszenen in Verbindung gebracht, obwohl er kein einziges Gemälde mit einer Kerze malte. Kerzen sind charakteristischer für einen anderen Künstler, Gerrit van Honthorst, und diese beiden Künstler werden oft verwechselt. Was ist die Geschichte davon, wie Van Honthorst Caravaggios „Einnahme Christi“ fast zwei Jahrhunderte lang zuschrieb?

Darüber hinaus wurden Bilder mit starkem Helldunkel unabhängig von ihrem Stil oder ihren individuellen Merkmalen als "Caravaggio" bezeichnet. Heute mag es überraschend erscheinen, aber in der Mitte des 17. Jahrhunderts gerieten die Kunst von Caravaggio und seinen Anhängern in die endgültige Stille, und eine vollständige Neubewertung ihrer Arbeit erfolgte erst 300 Jahre später. Die Tatsache, dass Caravaggio Italien bereiste und das Land nie verließ, reiste in vielerlei Hinsicht nie nach Europa, wie beispielsweise Peter Paul Rubens oder in geringerem Maße Gentileschi und Honthorst, die beide am Hof ​​von Karl arbeiteten. hat zu dieser Haltung beigetragen. I. Um den größten Teil der Arbeit von Caravaggio zu würdigen, musste man nach Italien kommen, aber nur sehr wenige entschieden sich für diese Reise.

Während die Museen in Großbritannien Caravaggios Werk völlig missachteten, ließen die amerikanischen Museen im Gegenteil die Gelegenheit, sein Werk zu kaufen, nicht aus. So wurde „Johannes der Täufer in der Wildnis“ (1603-04, Saint John the Baptist in the Wilderness) 1952 an das Nelson-Atkins-Kunstmuseum in Kansas City verkauft. Im selben Jahr wurden The Musicians (1595) vom Metropolitan Museum of Art, New York, und Martha and Mary (1598) vom Detroit Institute of Arts gekauft. 1973, nur zwei Jahre später, konnte das Gemälde in London nicht versteigert werden. Das Interesse ist nach der Longy-Ausstellung 1951 in Mailand noch gewachsen.

Interessanterweise schrieb der Eigentümer der Musiker, WG Thwaytes, im Februar 1952 an den Direktor der Nationalgalerie und berichtete, dass das Metropolitan Museum 25.000 Pfund für das Gemälde anbot. Bevor er jedoch einem Deal zustimmte, wollte er wissen, ob es sich um eine Galerie handelte interessiert sich für dieses Bild. Thwaites Angebot wurde abgelehnt, die "Musiker" erhielten ordnungsgemäß eine Exportlizenz und gingen nach New York. Die Archive haben Informationen erhalten, dass in diesen Jahren die Galerieleitung kein Interesse an der Arbeit von Karavoggio hatte und der Regisseur Philip Hendy überhaupt nichts über einen solchen Künstler wusste. Mahon wurde 1957, fünf Jahre nach dem Verkauf von "Johannes dem Täufer in der Wüste" und "Musikern", Treuhänder der Nationalgalerie.

Ebenso verließen die Gemälde der Anhänger von Caravaggio Großbritannien. Ein anschauliches Beispiel war die Wahrsagerin (1620) Valantena, die der neunte Herzog von Rutland unter dem Deckmantel von Caravaggio verkaufte. Heute befindet sich das Gemälde im Toledo Museum of Art.

Trotz dieses Ergebnisses sind sowohl öffentliche als auch private Sammlungen auf den britischen Inseln erstaunlich reich an Gemälden von Caravaggio und seinen Anhängern. Die Neubewertung der Kreativität, die im letzten Jahrhundert stattfand, bestätigte sein Können und seine wahre Originalität als Künstler. Sogar Roger Fry, kein Fan seines Talents, bemerkte vor mehr als hundert Jahren mit Scharfsinn, dass Caravaggio in vielerlei Hinsicht „der erste zeitgenössische Künstler, der erste Künstler, der eine Revolution vollbrachte“.

Originalartikel: Die Wechselfälle von Caravaggio: Wie die Nationalgalerie die Gelegenheit nutzte und verpasste, Werke des Meisters zu erwerben von Letizia Treves © DIE KUNSTZEITUNG

Übersetzung: Anna Sidorova © Gallerix.ru