Wie die Namen der Musikstile erschienen

Wenn es um bestimmte Musikrichtungen geht, sind einige der Namen selbsterklärend: Sie können sich leicht vorstellen, wie Drum and Bass und Trance klingen (und selbst wenn Sie sich irren, werden Sie wahrscheinlich immer noch ungefähr verstehen, welche Sprache Sie sprechen). Namen, die für uns selbstverständlich sind, wie "Metal" oder für uns ungewohnt klingen, etwa in Bezug auf Neue Musik oder völlig vergessene, seltene Stücke, nehmen jedoch abstrakte Formen an, wenn man anfängt, darüber nachzudenken Ursprung. Was sind also die etymologischen Wurzeln einiger unserer Lieblingsgenres? Fangen Sie an zu lesen, jetzt werden wir es herausfinden.

Techno

Zunächst könnte man meinen, dass "Techno" auf dem Papier Sinn macht: Hochelektronische Tanzmusik basiert natürlich auf einer abgekürzten Version des Wortes "Technologie". Während seine Ursprünge als Bezeichnung für ein Genre bis in die Mitte der 1980er Jahre zurückverfolgt werden können (was ziemlich logisch ist, da die Leute abendfüllende Arrangements aufgegeben haben, um mit immer ausgefeilteren neuen digitalen Geräten Musik zu machen), vergessen wir nicht dass die Griechen das Wort „téchnē“ benutzten, um Meisterschaft und Handwerkskunst zu bezeichnen und eine weitere Ebene hinzuzufügen. Ebenso neigen andere Subgenres wie „Trance“ dazu, sich auf das Gefühl der Befreiung zu konzentrieren, das in hohem Tempo auftritt, was bald zu Euphorie führt.

Land

Wenn man darüber nachdenkt, ist "Country" ein seltsamer Begriff für "Country Music", weil die Beschreibung ihres Sounds einen ganzen Nationalstaat zu verkörpern scheint. Der Weg der "Country-Musik" war jedoch ein langer, der bis zu dem zurückreicht, was die Leute in den 1920er Jahren "Country-Musik" nannten. Der Begriff wurde ursprünglich verwendet, um südliche Gospel- und amerikanische Folk-Stile zu beschreiben, aber der Begriff Country-Musik selbst (manchmal vielleicht genauer als Country-Western-Musik definiert) tauchte erst in den 1940er Jahren auf, als Radioprogramme wie Grand Ole Opry“ Streicher und Songwriter direkt in die Häuser vieler amerikanischer Familien und festigten so „Country“ als stark lokalisiertes Musikgenre.

Reggae

Wenn es um die Popularisierung des Begriffs "Reggae" geht, sind seine Ursprünge überraschend leicht zu verfolgen. Der Satz gelangte erstmals 1968 mit The Maytals ins öffentliche Bewusstsein, deren Frontmann Toots Hibbert einen Song namens "Do the Reggay" schrieb. Dieser Rocksteady-Song trug dazu bei, eine Bewegung zu definieren, die seit den 1960er Jahren aktiv war, nämlich die Art und Weise, wie jamaikanische Musiker Ska, Rock und Calypso mischten. Toots beschrieb seine Version des Wortes Reggae als sich auf eine ungepflegte oder etwas ungepflegte Person beziehend (es gab frühere Slang-Varianten wie "rege", "strege" und "rege-rege"), aber als Genre begann "Reggae" zu symbolisieren den schönen, friedlichen und manchmal geradezu spirituellen Stil des Grooves.

Yachtfelsen

Obwohl es Yachtrock seit Mitte der 70er Jahre gibt, erhielt er seinen offiziellen Namen erst, als eine Webserie im Jahr 2005 beschloss, sich liebevoll über eine bestimmte Art von High-End-Softrock aus dieser Zeit lustig zu machen. Dieser moderne Begriff wird oft mit leichten, jazzigen und glänzenden Melodien in Verbindung gebracht und umfasst Steely Dan, Hall & Oates und Christopher Cross. Obwohl der Begriff mittlerweile ziemlich verbreitet ist und in bestimmten Indie-Pop-Kreisen als Subgenre verehrt wird, diskutieren manche Puristen immer noch oft, ob bestimmte Interpreten auf dem Boot sind oder nicht. Für das Protokoll, England Dan & JF Coley sind definitiv im Boot.

Shoegaze

Die britische Rockszene in den späten 80ern war interessant, da der gigantische Erfolg von Gothic Rock wie The Cure eine ganze Reihe von rauflustigen und unterschiedlichen Subgenres hervorgebracht hat, von Neo-Psychedelia bis hin zu der Tanzform Madchester. Über „shoegaze“ wurde jedoch zuerst in der inzwischen eingestellten britischen Wochenzeitung Sounds geschrieben, wo sie diesen Deskriptor für die Band Moose verwendeten und feststellten, dass die Band ihren charakteristischen wirbelnden Gitarrensound erreichte, indem sie auf ihre Stompboxen starrte und nicht in die Visuals trat. Kontakt zum Publikum. Schon bald wurde "shoegaze" von anderen Publikationen aufgegriffen und bei Bands wie Jesus und Mary Chain und vor allem My Bloody Valentine populär. Ihr 1991er Album "Loveless" gilt als eines der größten Rockalben aller Zeiten und ist der Maßstab für das Genre.

Urwald

Während die Tanzstile der 90er wie Techno und Trance den Weg für den widerlichen Stadion-EDM ebneten, den wir heute hören, war einer der aufregendsten Teile der Tanzmusik der frühen 90er, wie schlecht sie defragmentiert war. Es entstanden Subgenres wie Big Beat und Hardcore, aber aus all dem entstanden die unverwechselbaren Sounds von "Jungle Techno". Aus Liebe zum Dancehall geboren, wurde Jungle durch die Einbeziehung von Reggae-ähnlichen Bässen in Dance-Tracks definiert. Der Song "We Are IE" von Lennie De-Ice aus dem Jahr 1991 wird oft als einer der grundlegenden Klangbausteine dieser Bewegung bezeichnet. Jungle mischte eine Weltbeat-Ästhetik mit etwas Spontanem und Tanzbarem wie Techno und wurde schließlich zu einem Ventil für den Ausdruck vieler junger urbaner Produzenten in Großbritannien. Gelobt dafür, dass es einen ansonsten möglicherweise rassisch gefärbten Begriff in Ermächtigung verwandelt hat,Jungle war in Großbritannien beliebt, gewann aber in den USA nie einen gleich starken Unterstützer.

Brill-Gebäude

In der Jugend war Popmusik im Trend, und neue Songs und skurrile Ohrenschmaus waren im Trend (denken Sie daran: Die Chordettes nahmen die Songs "Mr. Sandman" und "Lollipop" auf und machten sie zu einer echten Kraft der Zeit). Aber als die Ära der 60er Jahre anbrach, suchte eine bestimmte Kaste von Songwritern nach etwas Anspruchsvollem. Neil Sedaka machte einige seiner ersten gescheiterten Singles rückgängig, indem er den Song „Oh! Carol "über seine Ex-Freundin Carol King. Jeden Tag trafen die beiden im Brill Building in New York aufeinander, wo zahlreiche Labels und Songwriter-Teams daran arbeiteten, Tag für Tag Radiogold abzuliefern. Der Sound ist so prominent geworden, dass " Brill Building" ist zu einer Genrebezeichnung für sich geworden, und Songwriter wie Neil Diamond, Ellie Greenwich, Bert Baharach und Andy Kim,waren einige der größten Namen, die in diesem winzigen Gebäude arbeiteten und den Lauf der Popmusik veränderten.

Industrie

Dank des 1989er Debütalbums "Pretty Hate Machine" von Nine Inch Nails, das sofort zu einer Sensation wurde, begann die breite Öffentlichkeit zu verstehen, was "Industriemusik" war. Während NIN-Frontmann Trent Reznor auf seiner zugegebenermaßen Industrial-Pop-LP den Sound echter Drills verwendet, war er bei weitem nicht der erste Künstler, der das Genre betrat. Obwohl der Begriff "Industrial Music" erstmals in der Pre-Rock-Ära verwendet wurde, um Schostakowitschs Symphonie zu beschreiben, waren es die harten Synthesizer-Pulsationen der Kraftwerk-Erneuerer, die heute den Grundstein für die industrielle Musik legten, ganz zu schweigen von der offenen Arbeit von Pink Floyd. Miles Davis, Joy Division und Captain. Rinderherz. Nichtsdestotrotz begann für viele mit den manchmal quälenden Klängen von Throbbing Gristle alles, und ihr Einfluss hält bis heute an.

Progrock

"Prog-Rock" ist eine etwas ungewöhnliche Bezeichnung des Genres, da fast jeder die in diesem Stil spielenden Bands kennt, aber nur wenige ihre absoluten Bewohner richtig identifizieren können. Eine offensichtliche Abkürzung für "Progressive Rock", Prog wurde wirklich durch seinen Ehrgeiz definiert. Geboren aus der Dynamik von Art Rock und Studioexperimenten in den 70er Jahren, lässt sich Prog-Rock am besten durch seinen Maßstab definieren: ein Genre "epischer" Songs, die oft von reinem technischen Können durchdrungen sind. Es wird empfohlen, die zeitlichen Signaturen zu ändern, und wenn Sie das Album, das Sie erstellen, um ein Konzept herum erstellen (oder es sogar zu einer Oper machen), werden Sie gelobt. Zu den frühen Champions des Programms gehören Bands wie Emerson, Lake & Palmer, Pink Floyd und Yes. Bands wie Porcupine Tree und The Mars Volta heutzutage, egal welche Iteration wir treffen,das Erbe des Programms geht weiter.

Rhythmus und Blues

Mit seinen Ursprüngen in schwarzen Musiktraditionen wie Boogie-Woogie, Gospel und Blues ist es ein wenig überraschend zu erfahren, dass R&B 1948 zum ersten Mal in gedruckter Form verwendet wurde, als es im Billboard-Magazin erschien. Dieser Satz ersetzte den zutiefst unangenehmen Begriff "Racial Music", der zuvor verwendet wurde, und auch heute wird R&B als allgemeiner Begriff verwendet, um eine große Anzahl von schwarzer Musik zu klassifizieren. Sogar das 1983er Album Break Out der Poynter-Schwestern, das Hits wie Automatic, Neutron Dance und Jump (For My Love) enthielt, schaffte es gleichzeitig, die Billboard-Pop-Charts und die R&B-Charts zu erreichen. Es gab im Laufe der Jahrzehnte viele legendäre R&B-Alben, die ein Muss für jeden Musikkenner mit Selbstachtung sind, und wir lieben sie. Trotz der etwas unglücklichen Etymologie von R&B.

Dampfwelle

Während der Indie-Pop-Revolution Anfang der 2000er Jahre fiel die immer zugänglichere Musikproduktionssoftware in die Hände der immer online stehenden Generation. In der Folge begannen sich in rasender Geschwindigkeit musikalische Formen zu entwickeln. "Chillwave" ist ein eigenständiges Subgenre, in dem eisige Synthies auf einen stilvollen Groove gelegt werden, der von Bands wie Neon Indian Pionierarbeit geleistet hat. Vaporwave (ein Begriff aus der Computerindustrie für künstliche Produkte, die nie verwirklicht wurden: Vaporware) ist sowohl ein Musikstil als auch eine Art von Ikonographie, die oft die Konsumkultur von Unternehmen satirisch darstellt. Oft haben Künstler vulgäre, konsumorientierte Ikonographie (wie Smooth Jazz oder Elevator Muzak) genommen, verlangsamt, zerkleinert und auf ein höheres künstlerisches Niveau gebracht, während sie ausnahmslos funky blieben. Es gab sogar Subgenres innerhalb dieses Subgenres )leicht in die "Simpsonswave" Pit), aber einige der bekanntesten Vertreter des Genres, wie George Clanton und Saint Pepsi / Skylar Spence, veröffentlichen bis heute neue Musik.

Jazz

Überraschenderweise wissen wir nicht genau, woher das Wort "Jazz" stammt. Wir wissen, dass dies ein eigenständiger Amerikanismus ist, der um 1905-1910 hätte bemerkt werden können, aber er erschien erst 1915 zur Beschreibung von Musik in gedruckter Form. Seine Wurzel stammt von einem alten umgangssprachlichen Begriff aus der Mitte des 19. Jahrhunderts namens Jasm, was Energie bedeutet oder Kraft. In Artikeln aus den frühen 1910er Jahren wurde das Genre abwechselnd als „Jazz“ und manchmal als „Jasm“ bezeichnet, aber der erste Begriff begann bald den populären Diskurs zu dominieren. Jazz ist allumfassend, da sich Jazz sowohl auf die Big-Band-Tanzmusik der 1920er Jahre als auch auf die komplexere, polyphone Form beziehen kann, an die wir heute denken.

Funk

Wenn Sie Funk haben, haben Sie oft schlechte oder depressive Stimmung. Wenn du funky Musik hörst, liegt das normalerweise daran, dass du dich einkuschelst und im Takt zitterst. Funky entstand als umgangssprachlicher Begriff, um etwas muffiges oder stinkendes zu beschreiben. In frühen afrikanischen Gemeinden hatte Funk eine positive Konnotation, da der Schweißgeruch mit harter, harter Arbeit in Verbindung gebracht wurde. Songs mit dem Wort "funky" im Titel lassen sich bis ins Jahr 1907 zurückverfolgen, aber die Art und Weise, wie wir Groove, Sexy und Dance-Funky-Musik heute wahrnehmen, nahm erst in den 1960er Jahren vollständig Gestalt an, als Künstler wie James Brown sie dem Mainstream vorstellten. In den 1970er Jahren nahmen Pi-Funk und andere Spielarten neue Lebensformen an und auch heute noch Interpreten wie Bruno Mars und Anderson. Paak, will nichts anderes, wie man seinen Funk-Helden Tribut zollt und auch nach all den Jahrzehnten noch immer an der Spitze der Charts steht.

Rock ’n’ Roll

Der Begriff Rock and Roll ist eine Abkürzung für Rock and Roll und wurde ursprünglich verwendet, um raue Gewässer für Boote zu beschreiben. Natürlich könnten verdorbenere Leute denken, dass dies ein Euphemismus für Sex ist, der für dieses oft tabubrechende Genre großartig wäre. Als dynamischere Form von Country, Gospel und Blues hatte Rock viele Variationen und frühe Champions, von Schwester Rosetta Tharp bis Chuck Berry und Elvis Presley. Schon die Phrase "Rockabilly" kombiniert "Rock and Roll" und "Redneck" zu einem ganz eigenen verstärkten Sound. Schließlich wurde dieses Genre sehr populär, aber wir können uns an keine einzige Rockband erinnern. Kennst du mindestens einen?

Alternative

Ben Gibbard von Death Cab for Cutie scherzte einmal über die Einteilung der Genres: In den 80ern nannten sie es "College Rock", in den 90ern "Alternative" und in den 2000ern "Indie Rock". Er lag nicht falsch, denn der künstlerischere Cousin des Mainstream-Rock hat so viele Beschreibungen wie Evolutionen durchgemacht. Kurz gesagt, "alternative" ist einfach eine Variation von mehr Mainstream-Rock, die oft leicht verdaulich ist, aber mit höherem Ehrgeiz gefüllt ist. Das Indie-Label REMs waren einige der ersten "alternativen Superstars", die trotz ihrer manchmal undurchdringlichen Texte erfolgreich waren, und die ewigen Fantasien der Smashing Pumpkins trugen dazu bei, "Alt-Rock" für einen Großteil der 90er Jahre zu definieren…. Während einige das behaupten würden zeitgenössische Bands wie Twenty One Pilots entsprechen der Definition von "alternativ"Das Genre hat in den 2020er Jahren nicht viele Fackelträger.

Schwermetall

Wenn Sie darüber nachdenken, was macht Heavy Metal zur treffendsten Beschreibung für Hardrock-Musik? In der Welt der Wissenschaft bedeutet "Heavy Metal" Metall mit einer ganz bestimmten hohen Schwerkraft, und das Militär verwendet den Begriff oft, um sich auf eine größere Waffe oder Schussart zu beziehen. In der Popkultur wurde der Begriff "Heavy Metal" ursprünglich von der Ikone der Gegenkultur, William S. Burroughs, in den frühen 1960er Jahren in einer Reihe von Werken verwendet. Diese Referenzen hatten nichts mit Musik zu tun, aber Burroughs Einfluss auf die aufstrebende Beatles-Generation machte Metal zu einem zufälligen Hinweis auf langsamere, lautere Songs. Das 1968er Debütalbum von Iron Butterfly trug den Titel "Heavy", und zu dieser Zeit wurde "Metal" von Kritikern verwendet, um sich auf die Klänge von Bands wie den Rolling Stones und Electric Flag zu beziehen. Dann,als Led Zeppelin und Black Sabbath in den frühen 70ern auftraten, bekam Heavy Metal eine ganz neue Bedeutung, und der Rest war die Geschichte von Speaker Fuzz.

Aufruhr grrrl

In den späten 80er und frühen 90er Jahren wurde die Rockmusik – und insbesondere Hardrock und Punk – von Männern dominiert. Obwohl Künstler wie Lita Ford und Joan Jett in den späten 1980er Jahren im Hair Metal erfolgreich waren, waren sie eher die Ausnahme als die Regel. Als die Grunge-Szene im pazifischen Nordwesten Gestalt annahm, gab es auch eine feministische Bewegung für Mädchen, sich an die Gitarre zu setzen und vor Mikrofone zu stehen. Die Zine-Kultur war zu dieser Zeit stark und selbstverlegte Werke wie "Interrobang?!", "Chainsaw" und "Jigsaw" fanden Erfolg darin, sowohl Punkrock als auch die Verbreitung von Geschlechternormen zu behandeln. Frauenfrontbands wie Bikini Kill und Bratmobile begannen an Bedeutung zu gewinnen. Jen Smith von Bratmobile sprach darüber, dass sie einen "Mädchenaufstand" auf der Bühne haben wollen, und die dritte Ausgabe von "Jigsaw"trug den Untertitel "angry grrrl zine". Es dauerte sehr wenig, bis "riot grrrl" zum Deskriptor der Bewegung an sich wurde und deren Einfluss noch heute spürbar ist, um die abweisende Anziehungskraft der Männer auf "Mädchen" und Veränderung zu entfernen der Name für ein wütenderes Tierknurren.

Spezifische Musik

Soweit wir wissen, gab es bisher noch kein Musique Concrète-Album, das die Charts anführt, aber das liegt vor allem am Design. Aufnahmen in diesem Stil bestanden oft aus aufgenommenen Klängen, die später verzerrt, manipuliert und in neue, einnehmende Formen arrangiert wurden. Eine Schlüsselfigur dieser Bewegung ist der französische Komponist Pierre Schaeffer, der davon besessen war, neue Klangformen zu finden, und schließlich die "Concrete Music Research Group" gründete, ein Kollektiv, das durch technische und kompositorische Innovationen Klangexperimente ermöglichte limitieren. Obwohl dieser Name nichts anderes als die offensichtliche "spezifische Musik" bedeutet, waren es Schaeffer und der ägyptische Tonbandgerät Halim El-Dubh, die bestehende Vorstellungen von Songwriting und Aufnahme in Frage stellten und dadurch den Lauf der Musik für immer veränderten Entwicklung.

Neue Wagenheberschaukel

Manchmal als "Swingbeat" bezeichnet, gab es in den späten 1980er und frühen 1990er Jahren eine Zeit, in der ein neuer Jack Swing unvermeidlich war. Dieser Sound wird oft mit R&B- und Pop-Produzenten wie Teddy Riley und Jam & Lewis in Verbindung gebracht, metallischer Schimmer. Die Kombination mehrerer Slang-Begriffe im Village-Voice-Artikel über Riley war das erste Mal, dass New Jack Swing eingeführt wurde, und Tracks wie Janet Jacksons legendäre Control und ein Großteil von Bobby Browns Popularität wurden typisch für diesen Sound. Mit der Popularität kam jedoch auch die Übersättigung, und jetzt wird der neue Jack Swing mehr als Produktionszeitstempel der Ära in Erinnerung behalten.(Obwohl Janets frühe Aufnahmen auch heute noch hart klingen).

Hardcore

Hardcore kann für verschiedene Genres unterschiedliche Bedeutungen haben, aber egal, ob Sie über Hardcore-Punkrock oder Hardcore-Tanzmusik sprechen, "Intensität" wird das Schlüsselmerkmal sein. Interessanterweise reichen die endgültigen Ursprünge des Begriffs bis in die Punk-Ära zurück, und dies liegt daran, dass DOA ihre zweite LP 1981 "Hardcore ’81" nannte und damit den Begriff populär machte. Seitdem hat es viele andere Variationen bekommen, aber wenn Sie sehen, dass etwas als Hardcore angezeigt wird, werden Sie höchstwahrscheinlich für Ihre Ohren bestraft.

IDM

IDM ist ein Akronym für "intellektuelle Tanzmusik", mit der viele DJs und andere kommerzielle elektronische Künstler lange nicht einverstanden sind (was machen sie schließlich, "dumme" Tanzmusik?). In den frühen 90er Jahren wurde diese Klassifizierung jedoch verwendet, um eine zunehmend zerebrale, manchmal trotzig gemeinnützige elektronische Musikmarke zu definieren, die Ende der 80er Jahre aus dem Ambient hervorgegangen ist. Warp Records ist seit langem die Heimat von Ambient-Elektro-Pionieren, und Werke von Künstlern wie Aphex Twin, The Orb, Autechre und dem deutschen Glitch-Pionier Oval fallen unter die IDM-Klassifizierung. Einst übernahm IDM die musikalischeren Internet-Listenserver und befeuerte die Online-Fan-Revolution, die dazu führte, dass Message Boards und Blogs in den folgenden Jahrzehnten einen großen Einfluss auf den Internet-Diskurs hatten.

Bohren

Rapmusik hatte schon immer ihren Anteil an Pop-Highlights und Wendungen in Richtung Düsteres und Autobiografisches, aber "Drill" war etwas ganz anderes. Die Drila-Darsteller, die kurz vor den 2010er Jahren hauptsächlich in Chicago auftraten, scheuten sich nicht, die grausamen und tragischen Dinge, die sie auf der Straße erlebten, darzustellen, ohne Details zu verschonen. Es unterschied sich von anderen Genres, wie zum Beispiel fiktionaler Horror-Core-Gewalt, weil dril immer einen persönlicheren Charakter hatte, den Texten eine dunkle Ernsthaftigkeit verlieh und die Beats oft genauso düster waren. Etymologisch ist "Drill" ein Slang für Vergeltung, aber seine Verwendung variiert, ebenso wie die Tatsache, dass "Drill" als Genre mehr von seinen Themen als von seinem spezifischen Klang bestimmt wird. Es gibt bemerkenswerte britische und Brooklyn-Sorten von Bohrern,aber Künstler wie Chief Keef und Produzenten wie Lex Luger haben viel Macht über eine Szene, die erst vor kurzem den Mainstream-Rap infiltriert zu haben scheint.

Ska

Die Ska-Musik hat ihren Ursprung in den späten 1950er Jahren in Jamaika, und seitdem gab es mehrere Wellen, deren "dritte Welle" in den Vereinigten Staaten zu dem Ruhm von Künstlern wie The Mighty Mighty Bosstones, Operation Ivy. geführt hat und kein Zweifel. Aber der Begriff "ska" selbst? Niemand weiß wirklich, woher es kam, aber die meisten Geschichten handeln von Bassistin Clouette Johnson. Seine Gruppe Clue J & His Blues Blasters war eine der ersten Ska-Bands der Szene, und einige ihrer Mitglieder wurden Teil der bis heute aktiven Skatalites. Viele sagen, dass das Genre seinen Namen davon hat, dass Johnson einem anderen Bandmitglied sagte, er solle Gitarre in einer Ska-Ska-Ska-Manier spielen, aber andere bestreiten dies. Wie auch immer der Name entstanden sein mag, er ist höchstwahrscheinlich in der einen oder anderen Form lautmalerisch - und bis dahinsolange wir diese jazzigen Bläserlinien und den schnellen Rhythmus haben, werden wir immer Ska haben.

Dubstep

Das Interessante an Dubstep ist, wie sich seine Bedeutung in einem Jahrzehnt verändert hat. Ursprünglich in den späten 1990er und frühen 2000er Jahren erschienen, bedeutete ein "Dub"-Remix von etwas oft eine synkopierte, oft Reggae-bezogene Überarbeitung eines Songs, sei es eine melodische Änderung oder eine repräsentative Überarbeitung. Dub-Mixe sind jedoch dem "Dubstep" gewichen, einer neuen Art von Beat-Genre, die aus der Garagenbewegung in Großbritannien hervorgegangen ist. Die ersten Dubstep-Alben von Bands wie Burial waren bekannt für ihre kalte Atmosphäre und emotionalen Brüche. Der Begriff für das Genre änderte sich jedoch erneut mit dem Aufkommen der etwas spöttischen "Brostep"-Bewegung, in der Interpreten wie Skrillex mit ihren explosiven rhythmischen Stößen und anderen Arena-EDM-Affekten die Oberhand hatten.

Honky-Tonk

Ein Wörterbuch beschreibt den Ursprung des Wortes "Honky-Tonk" als "Honk-basierte Reimverbindung". Es ist eine unglaubliche Art, einen Satz darzustellen, der sowohl als Genre als auch als eine Art Ort funktioniert. Honky-Tonk kann eine Bar bedeuten, in der Country-Musik gespielt wird, und das Genre selbst wird oft als Klaviermusik angesehen, die man in einem alten Saloon hört. Von manchen als „mehr an Rhythmus als an Melodie interessiert“ beschrieben, wurde Honky-Tonk in einer Vielzahl von Kontexten adaptiert, von Boogie-Woogie am Klavier bis zum Country-Style-Songwriting-Stil solcher Größen des „goldenen Zeitalters“. wie George Jones und Hank Williams.

HipHop

Wir könnten eine ganze Liste erstellen, die die Symbiose all der sehr unterschiedlichen Untergenres des Rap (wie Boom-Bap, Crunk, Grime und Trap) beschreibt, aber sie alle neigen dazu, unter einen gemeinsamen kulturellen Marker zu fallen - Hip-Hop. Obwohl in der Nachkriegsterminologie „Hippie-Hop“ häufig verwendet wurde, um sich auf Teen-House-Partys zu beziehen, beziehen sich viele auf Grandmaster Flash und die Furious Five Keith Cowboy (Keith Wiggins), die „Hip“ und „Hop“ wie ein Sergeant auf einem Militärmarsch. schreit "links-rechts-links". Die Phrase „Hip-Hop“ hat sich nach den Live-Auftritten der Furious Five schnell durchgesetzt, und die Phrase selbst wurde in der Eröffnungsstrophe von The Sugarhill Gangs ikonischer Single „Rapper’s Delight“ verwendet. Heutzutage ist Hip-Hop weniger mit einem bestimmten Musikstil verbunden, sondern mehr mit der gesamten Kultur (Mode, Kunst usw.), die um ihn herum entstanden ist.

Hyperpop

Vielleicht eines der neuesten Phänomene auf dieser Liste, "Hyperpop" wird verwendet, um eine Form von Pop zu definieren, die die Grenzen der Musik verschiebt, die immer noch einen eingängigen Hook betont, aber alle Regeln der Musikproduktion bricht. Dies ist vor allem dem PC Music-Kollektiv unter der Leitung des Produzenten AG Cook zu verdanken und brachte bald so einflussreiche Künstler wie Sophie und Charli XCX hervor. Während sie die Konsumkultur bejubeln und lächerlich machen, können "Hyperpop"-Künstler explosive und beglückende Musik kreieren, denn ein 100 Gecs-Song kann einem mit atonalem Klang aus den Lautsprechern die Ohren kratzen und gleichzeitig für mehrere Wochen im Kopf stecken bleiben. Hyperpop-Darsteller und -Fans identifizieren sich oft (aber nicht ausschließlich) als Mistkerle. Das ist Popmusik, aber der „Hyper“-Teil geht über einfache Vergleiche mit Happy Hardcore hinaus, denn darin steckt eine neue Generation,Futurismus und häufiger Retro-Futurismus. Obwohl Hyperpop erst in den letzten Jahren aufgetaucht ist, sieht es so aus, als ob er gleich um die Ecke wäre.

Bossa nova

So verbreitet die Bossa Nova auch im Samba-Königreich war, ihre Entstehung fand erst vor relativ kurzer Zeit, in den späten 1950er Jahren, statt. Aus dem Portugiesischen übersetzt bedeutet "Bossa Nova" "neuer Trend" oder "neue Richtung", insbesondere in dem Sinne, dass dieses Genre die rhythmischen Elemente des Samba nahm und sie mit klassischer Gitarre anstelle von traditionellem Schlagzeug nachbildete. Der legendäre Gitarrist João Gilberto und der zukünftige Autor des Songs „The Girl from Ipanema“ Antonio Carlos Jobim werden oft als „Väter von Boss Nova“ bezeichnet. Nach dem Erfolg von Sergio Mendes und Brazil 66 begannen in den 1960er Jahren mehrere amerikanische Jazzkünstler, ihre eigenen Bossa-Nova-Aufnahmen zu machen, die dem Genre weltweite Anerkennung verschafften und diesen bemerkenswerten Aspekt der brasilianischen Kultur beleuchteten.

Neues Zeitalter

Oder, wie manche das Genre scherzhaft nennen, "die Musik von Wyndham Hill". Obwohl dieses Plattenlabel in den 80er und 90er Jahren dafür bekannt war, den Markt mit glückseligen, fast schon komisch offensichtlichen Soundtracks für Day Spas und Massagesalons zu überschwemmen, ist New Age-Musik der Ambient-Musik sehr nahe. Während Ambient-Musik oft komplett instrumental ist und je nach künstlerischem Zweck des Stücks entspannend oder verstörend wirken kann, wurde New Age speziell entwickelt, um die Stimmung zu heben und zu zentrieren, zu beruhigen und zu entspannen. New Age war ursprünglich eine Non-Profit-Bewegung, aber in den 1980er Jahren wurden New-Age-Künstler durch Kataloge und Werbung für CDs und Kassetten in Geschäften von zu Hause ohne die Unterstützung von Major-Labels im Massenbewusstsein verankert (daher die Flut von Windham Hill Produkte).Seinen engsten Namen erhielt das Genre aufgrund seiner Verbindung mit der New Age-Spiritualitätsbewegung der 1970er Jahre, die den Westen fegte und alternative Wege zur inneren Ruhe bot, und bestimmte Kassetten und später CDs dienten als musikalische Untermalung dieser Bewegung.

Haus

Laut einem nicht sehr informativen Nachrichtensprecher der 80er Jahre "wurde Hausmusik zuerst in den Häusern ihrer Schöpfer geschaffen". Das stimmt bis zu einem gewissen Grad, aber die Massenproduktion von Elektronik in den 1980er Jahren gab den Menschen mehr Zugang zu Studioequipment, ohne Studiozeit bestellen zu müssen (auch wenn diese Ausrüstung manchmal unerschwinglich war). Die wahren Ursprünge der House-Musik, wie sie bekannt war, lassen sich jedoch bis ins Chicago der frühen 1980er Jahre zurückverfolgen. Dort, in Chicagos Stadtteil West Loop, brachte DJ Frankie Knuckles das inzwischen geschlossene Warehouse in Gang, nahm Disco-Songs auf und überarbeitete sie in längere und manchmal fleischigere Formen. Zu dieser Zeit kreierten Knuckles und andere gleichgesinnte DJs wie Ron Hardy perkussiven Sound, der neue Tanzstile inspirierte (wie "Fußarbeit" und "Jacking") und ist bis heute einflussreich.

Zydeco

Obwohl es viele interessante und schmackhafte Variationen der Cajun-Musik gibt, werden Sie das Zydeko-Lied sofort erkennen, wenn Sie es hören. Typische Blues-Kompositionen mit kreolischen und indianischen Einflüssen, das Markenzeichen von Zydeco-Kompositionen ist das Klavierakkordeon, das in den meisten Kompositionen oft im Mittelpunkt steht (die Perkussion auf dem Waschbrett sticht ebenfalls hervor). Der Begriff "Zydeco" hat keine spezifische Wurzel, aber viele sagen, dass er von der Aussprache des französischen Idioms "les haricots ne sont pas salés" stammt, was "nicht gesalzene Bohnen" bedeutet. Dieser Ausdruck von Schwierigkeit hat wenig mit den normalerweise lustigen Melodien zu tun, die mit Zydeco verbunden sind, aber wie bei allem, was Zydeco damit zu tun hat, muss es keinen Sinn ergeben, gut zu klingen.

Punk

Lange bevor Punkmusik von Mohawks und lauten Gitarren definiert wurde, wurde der Begriff "Punk" seit Jahrhunderten verwendet, beginnend mit Shakespeare (der ihn in Windsors Jolly Wives und Measure for Measure verwendete, um Frauen mit geringer sozialer Verantwortung zu beschreiben") Die Chicago Tribune verwendete den Begriff zum ersten Mal 1970 zur Beschreibung von The Fugs, er wurde jedoch von The Cream, Rolling Stone und anderen bekannten Kritikern aufgegriffen. Obwohl der Garagenrock der 1960er in Retrospektiven der 1970er Jahre, The Stooges und The New York, als "Garage Punk" bezeichnet wurde Dolls gehörten zu den ersten zeitgenössischen Bands, die die Bezeichnung "Punk" erhielten. Seitdem ist der Name für so impulsiven Anti-Establishment-Rock geblieben und Punkrock-Fans haben es nie bereut.

Umgebungs

Eric Satie, der Komponist, der mit Gymnopedias einige der schönsten Melodien der Welt geschaffen hat, versuchte sich einmal an einem neuen Kompositionsstil, den er "Möbelmusik" nannte. Obwohl diese Musik lebendig und reich an Wechseln und Melodien war, konzipierte er sie dennoch als Musik, die im Hintergrund erklingen und nicht die volle Aufmerksamkeit auf sich ziehen sollte. Der französische Name für "Möbelmusik"? Musique d’ameublement. In den folgenden Jahrzehnten sind verschiedene Formen strukturloser oder stimmungsbasierter Musik und Kompositionen entstanden, die darauf abzielen, die Stimmung in andere Formen als Lieder, wie wir sie traditionell kennen, zu verändern. Brian Enos Aufnahme von "Discreet Music" aus dem Jahr 1975 wurde jedoch als Durchbruch bei der Definition des zeitgenössischen Genres der Ambient-Musik angesehen und er zementierte es schließlich.nannte seine experimentelle Aufnahme von 1978 "Ambient 1: Music for Airports" und festigte damit für immer den Namen des Genres in der öffentlichen Meinung.

Blues

Es ist allgemein anerkannt, dass der "Blues" so genannt wird, weil die Texte eine gewisse Traurigkeit oder Sehnsucht darstellen. Die Dichterin und Aktivistin Charlotte Fortin schrieb einmal, dass Lieder wie diese „nicht ohne ein volles Herz und einen unruhigen Geist gesungen werden können“, ein Gefühl, das Bluesmusiker seit über einem Jahrhundert mit sich tragen. Manche sagen, der Begriff Blues selbst stamme von einem Ausdruck des 17. Jahrhunderts ab. "Blue Devils ", von dem angenommen wurde, dass es das ist, was eine Person im Rausch (und manchmal auch in Melancholie) sieht. Als sich die Songs im späten 19. Jahrhundert entwickelten und Anfang des 20. Jahrhunderts mit der Aufnahme begannen, umfasste Bluesmusik alles, von Neger Spirituals bis hin zu Arbeitsliedern und balladen, manchmal humorvoll, aber oft gespickt mit schmerz und entbehrung. der blues diente später als basis für alles von jazz bis rock and roll.

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