Francisco Zurbaran: Spanischer religiöser Maler, Caravaggist Automatische übersetzen

Biografie: Frühes Leben und Arbeiten

Einer der frommsten in Spanien Alte Meister und Schöpfer einiger der intensivsten Bilder in Spanische Malerei Francisco Zurbaran wurde in der westspanischen Stadt Fuente de Cantos in der Provinz Badajoz (Estremadura) als Sohn eines wohlhabenden Ladenbesitzers baskischer Herkunft geboren. 1614 wurde er Lehrling des Malers Pedro Diaz de Villanueva in Sevilla. Drei Jahre später zog er nach Llerena, der wichtigsten Stadt der Region, wo er Maria Paez heiratete, eine neun Jahre ältere Erbin. Nachdem er drei Kinder bekommen hatte, verstarb seine Frau und 1623 heiratete er eine andere Frau aus Llerena – Beatriz de Morales , eine Witwe. Zurbaran blieb elf Jahre in Llerena und war während seines Aufenthalts stark vom spanischen Quietismus beeinflusst, einer katholischen Bewegung, die durch unterwürfiges Schweigen ein Verständnis für Gott förderte, und einem Programm von Bußaufgaben, die alle natürlich einen bedeutenden Einfluss auf ihn hatten Malerei der schönen Kunst. Er bleibt einer der aktivsten
Mitwirkende an Katholische Gegenreformation Art in Spanien.

1626 erhielt er vom Dominikanerkloster San Pablo el Real in Sevilla den Auftrag, eine Serie von Gemälden zu malen Ölgemälde für seine Kapelle. Eines dieser Werke, Christ on the Cross (1627, Art Institute of Chicago), machte sich einen Namen. Beeinflusst vom dramatischen Licht und Schatten des italienischen Malers Caravaggio (1573–1610), der spanische Tenebroso Francisco Ribalta (1565–1628) und die Modellierung der Spanier Barock- Künstler Juan Martinez Montanes (1568–1649) zeigt das Gemälde einen naturalistischen Christus, dessen skulpturale Wirkung durch einen dunklen Hintergrund und starke Beleuchtung verstärkt wird. Obwohl die durchsichtige Stille des Körpers auf den Tod hindeutet, wird durch das Absinken eine dramatische Spannung erzeugt, die dazu führt, dass der Kopf Jesu gegen seine Schulter fällt. Ein Meisterwerk der katholischen Christliche Kunst Es ist ein perfektes Beispiel für die Natürlichkeit und Klarheit, die die Propagandakampagne der Gegenreformation fordert.

In Sevilla die Reife erreichen

1629 übersiedelte Zurbaran nach Sevilla, wo er sich (bis ca. 1640) als führender Maler Andalusiens etablierte. Während dieser Zeit erhielt er Aufträge für Altarbilder und andere religiöse Gemälde für Klöster und Klöster verschiedener Orden (Kartäuser, Kapuziner, Dominikaner, Jeronymiten ua) sowie Kathedralen und andere kirchliche Autoritäten. Die meisten Aufträge betrafen die Darstellung der berühmten Heiligen der betreffenden Mönchsorden. Für das Kloster des Merced Calzada in Sevilla schuf er beispielsweise eine Reihe von Werken (z. B. Peter der Apostel, 1628, Prado, Madrid), die das Leben des Heiligen Peter Nolasco, des Ordensgründers, veranschaulichen.

Seine frühen Arbeiten zeigen oft die schmucklose Einfachheit der Holzskulptur. Die Figuren, die nahe der Bildoberfläche positioniert sind, werden durch dramatische Beleuchtung vor dunklem Hintergrund stark modelliert. In den 1630er Jahren sein realistischer Stil – veranschaulicht in seiner berühmten Apotheose von St. Thomas von Aquin (1631), einer seiner beste barocke Gemälde – verleiht Werken wie der Anbetung der Hirten (1638) einen mystischeren Ausdruck, der von der Figuration und der raschen Pinselführung des großen neapolitanischen spanischen Künstlers beeinflusst wird Jose Ribera (1591-1652) und die Intimität von Velazquez (1599 & ndash; 1660).

Maler an den König

1634 reiste Zurbaran nach Madrid, um einen königlichen Auftrag zu erfüllen, der ihm auf Betreiben von Velazquez (1599–1660) – inzwischen Hofmaler König Philipps IV. – erteilt worden war, der die Dekoration des neuen Königspalastes in Madrid beaufsichtigte. Für die Hall of Realms im Buen Retiro Palace schuf Zurbaran zehn Geschichtsbilder Darstellung der Arbeit des Herkules und einer Kampfszene, Die Verteidigung von Cadiz gegen die Engländer, wobei Letzteres Teil einer Serie ist, die Velazquez ’enthält Übergabe von Breda (1635). Entgegen der Tradition des 17. Jahrhunderts, mythologische Helden an klassischen Figuren zu modellieren, entschied sich Zurbaran stattdessen dafür, Herkules zu einem erdigen, robusten Individuum von außergewöhnlicher Stärke zu machen. Sein Erfolg wurde gebührend mit dem Ehrentitel des Malers an den König gewürdigt.

Neben seinen zahlreichen Gemäldeserien führte Zurbaran auch zahlreiche Einzelwerke aus, darunter über vierzig Gemälde des Heiligen Franziskus von Assisi. Die mystische Ekstase dieser Bilder wird durch die aufgerissenen Augen und den offenen Mund des Heiligen Franziskus in der Meditation (1635–1640) perfekt illustriert. Zur gleichen Zeit produzierte Zurbaran eine Reihe von exquisiten Stillleben Gemälde, wie Stillleben mit Zitronen, Orangen und einer Rose (1633) und sein Meisterwerk Stillleben mit Orangen (1633).

Ablehnen und fallen

Obwohl Zurbaran Ende der 1630er Jahre auf dem Höhepunkt seiner schöpferischen Kräfte stand, geriet er in einen Sturzflug. Erstens war Zurbaran 1639 vom Tod seiner Frau Beatriz de Morales tief betroffen. Diesem folgte der plötzliche Zusammenbruch der spanischen Wirtschaft: eine Rezession, die die Einnahmen und Ausgaben seiner wichtigsten Förderer, der spanischen Ordensgemeinschaften, stark einschränkte. Gleichzeitig wurde sein strenger Malstil immer weniger geeignet für die wachsende religiöse Mode der zarten Frömmigkeit, die die Weichzeichner-Sentimentalität des in Sevilla geborenen Meisters begünstigte Bartolomé Esteban Murillo (1617 & ndash; 82).

Um diese Verluste auszugleichen, begann Zurbaran mit dem Export auf den südamerikanischen Markt, insbesondere in religiöse Zentren wie Lima und Buenos Aires. Er hat auch offeneren Emotionalismus in Gemälden wie Christus, der das Kreuz trägt (1653) eingebaut. Nach einer dritten Ehe (1644) und der Unterhaltszahlung von vier weiteren Kindern fiel es ihm jedoch zunehmend schwer, über die Runden zu kommen. 1658 zog er nach Madrid, wo er Velazquez ’Stil nachahmte Porträtkunst wie Doktor der Gesetze (c.1658-1660). Leider wurde seine Kunst nicht mehr geschätzt und er starb mittellos im August 1664.

Die Kunst von Zurbaran: Ein kurzer Leitfaden

Der strenge Aspekt des religiösen Realismus in Spanien wird am besten von Francisco de Zurbaran vertreten. Die asketischen Orden machten ihn natürlich zu ihrem Maler, und sein bestes Werk ist mit klösterlichen Legenden verbunden. Sein Stil ist paradoxerweise eng, linear und dennoch malerisch. Er nutzt den breiten, dunklen Schatten der Karawaggianer frei, hält ihn aber im Einklang mit seinem Positiven Farbe. Er moduliert seine glatten Oberflächen so, dass sie jede Art von Textur ausdrücken. Seine Kunst ist sowohl nachdrücklich als auch zurückhaltend, ganz andersweltlich, auch wenn es am spezifischsten erscheint. Er ist auf seine Weise einer der kompromisslosesten katholischen und ernsthaftesten Maler, die die Welt je gesehen hat Spanischer Barock Maler des 17. Jahrhunderts, vielleicht die spanischsten.

Verfechter des asketischen Mönchtums

Francisco de Zurbaran wurde 1598 in einer Bauernfamilie im Dorf Fuente de Cantos im Norden Andalusiens geboren. Von hier aus ging er nach Sevilla, wo er zunächst bei einem Anhänger von Morales, später bei Juan de Roelas und einem unbekannten Designer für Stickereien, Pedro Diaz de Villanueva, studierte. Einige Historiker glauben, dass der diskrete Glanz eng verlegter Seidenfäden Hinweise auf Zurbarans sehr subtilen Umgang mit seiner Farbe geliefert haben könnte. Er wurde bald zum Lieblingsmaler der älteren und asketischeren Mönchsorden – Augustiner, Dominikaner, Kartäuser, Franziskaner. Es sei daran erinnert, dass die vom Konzil von Trient eingeleiteten Reformen zweifache Auswirkungen auf die Formen der katholischen Frömmigkeit hatten. In den Mönchsorden, die zum großen Teil in die Grausamkeiten der Heiligen Inquisition verwickelt waren, brachte die Gegenreformation eine neue Betonung des Glaubens und eine Rückkehr zu strenger Disziplin hervor. Von diesem regenerierten und verhärteten Mönchtum ist Zurbaran der visuelle Chronist, einzigartig für seine Kraft und Wahrhaftigkeit.

Die fromme Sentimentalität seines Rivalen Murillo

Aber unter den Laien, besonders unter den Frauen, förderte die vom Jesuitenorden geschickt unterstützte Gegenreformation einen neuen und stark emotionalisierten Pietismus, ganz zu schweigen von Sentimentalismus. Die Muttergottes, sei es in der Geburt Christi oder in ihrer Himmelfahrt inmitten von Wolken, muss ein sehr hübsches und ansprechendes Mädchen sein, Mönchsheilige müssen das Christuskind kuscheln oder leidenschaftlich die Füße des gekreuzigten Christus umklammern. Der Angriff auf die Empfindlichkeiten ist schonungslos. Natürlich ist Murillo der Maler, der diesen sentimentalen Pietismus am besten sichtbar macht. Zurbaran macht hin und wieder Zugeständnisse, und wenn er dies tut, ist er in seinen Madonnen, Heiligen Familien, jugendlichen Marys im Gebet oder Stricken oft sentimental bis zur Albernheit.

Der heilige Bonaventura über das Kruzifix des heiligen Thomas von Aquin

Da sich Zurbarans Stil kaum weiterentwickelt, lassen wir möglicherweise relativ unwichtige frühe Werke aus und gehen zu einem Meisterwerk seiner frühen Reife über, wie St. Bonaventura, das St. Thomas von Aquin auf das Kruzifix (Berlin) verweist. Es wurde 1629 als Teil einer Serie für ein Franziskanerkloster gemalt. Wie alle derartigen Serien wurde es zerstreut, als die religiösen Orden unterdrückt und die einzelnen Bilder in vielen Galerien verstreut wurden. Die Legende hinter diesem Bild besagt, dass der große dominikanische Theologe Thomas von Aquin, der die Zelle des franziskanischen Theologen Bonaventura in Paris besuchte, ihn nach der Quelle seiner göttlichen Weisheit fragte. Bonaventura wendet sich von den Regalen mit den Büchern der großen Kirchenväter ab, zieht einen Vorhang zu und zeigt auf ein Kruzifix. Thomas von Aquin hebt verwundert die Hände. Hinter ihm beobachtet eine Gruppe von vier Franziskanern die Szene mit Erbauung und Freude.

Dies ist eines der dramatischsten Bilder einer Zeit und Rasse, die das Dramatische schätzten. Aber das Drama ist zurückhaltend und edel. Ohne Kenntnis der Legende würde man eine Art moralischen Notfall verspüren. Dieser Eindruck vertieft sich nur, wenn wir erkennen, dass ein zu rationalisierender Geist an die wahre Quelle allen gültigen Wissens erinnert wird. Technisch gibt es nur wenige feinere Zurbarans als diese. Es ist hart oder in der Malersprache "eng", aber seine Enge ist sehr ausdrucksstark und kostbar. Ein Großteil des Effekts hängt von der subtilen Modulation der scheinbar harten und gleichmäßigen Kanten ab. Hier liegt vielleicht Zurbarans technische Überlegenheit gegenüber Ribera. Kompositorisch ist das Erkennen von dunklen und hellen Bereichen – der Stuhl, Bonaventuras Bücher auf dem Tisch und in den Regalen, die Vorhänge, das Kruzifix, die Hand von Thomas von Aquin und der weiße Ärmel, das Öffnen der Tür – brillant und sogar aufregend und führt ein Element von ein Animation in ein allgemein sehr statisches Design. Auch hier sind die scheinbar flach gestrichenen, breiten Bereiche sehr sorgfältig variiert, um die Textur von Wollsachen oder Seide, Fleisch, Holz, Pergament zu suggerieren – all dies mit minimalen Anzeichen größter Verfeinerung, wie wir es eher bei einem erwarten Niederländischer Genremaler als in einem spanischen Maler von religiösen Legenden. Es ist dieses Paradox einer sehr malerischen Exquisitheit in der Arbeit, die ohne weiteres völlig unmalerisch erscheint, was einen großen Teil der ästhetischen Anziehungskraft eines feinen Zurbaran ausmacht.

Apotheose des heiligen Thomas von Aquin

Die prächtigste, Renaissancereichste von Zurbarans Kompositionen ist die Apotheose des heiligen Thomas von Aquin (1631, Sevilla). Unten, in einem Kreuzgang, blicken acht Mönche oder gewöhnliche Geistliche nach oben zu einer Vision, in der der heilige Thomas mit seinem Stift und seinem Buch auf einer Wolke steht, die die sitzenden vier lateinischen Ärzte trägt. Die Anordnung der fünf Figuren ist ein verkürzter Halbkreis, der von vier Heiligen im oberen Himmel hoch und weiter entfernt wiederholt wird. Im allgemeinen geht die Komposition auf eine symmetrische Komposition der Renaissance zurück, wie die des Streits über das Sakrament von Raphael. Die Grablegung des Grafen Orgaz in Toledo von El Greco könnte der Vermittler gewesen sein, obwohl Raffaels Kompositionen vollständig zugänglich waren in Form von Gravur.

Die Wirkung der Apotheose des hl. Thomas von Aquin beruht weitgehend auf dem Erfolg, mit dem realistische Figuren in eine Komposition eingepasst werden, die natürlich eine Stilisierung der Figuren erfordern würde. Nur wenige Bilder drücken so viel Spiritualität durch erdige Elemente aus. Zurbaran lokalisiert seine Vision in einer Loggia, durch deren Bögen Sie auf einen spanischen Domplatz blicken. Sogar die Wolken, die seine verherrlichten Heiligen stützen, scheinen so schwer zu sein wie das Dach einer Kalksteinhöhle. Es gibt keine konventionelle Poesie, die solche Themen und Kompositionen gewöhnlich charakterisiert. stattdessen nur eine männliche und sonore Andachtsprosa.

Hl. Hugo Betritt das Refektorium

Die Bilder, die 1636 für ein Kartäuserkloster gemalt wurden, sind schöne Zurbarans, die frei sind von Renaissance beeinflussen. Der auffälligste Vertreter der Serie ist der heilige Hugo, der das Refektorium (Sevilla) betritt. Sieben strenge Kartäuser sitzen an einem Tisch, um Gnade zu sagen. Von rechts torkelt der gealterte und altersschwache Mitbegründer des Ordens, der heilige Hugo, nur vom Kellner unbemerkt herein. Die allgemeine Strenge und Steifheit der Komposition wird durch das große Bild an der Wand und den Blick durch eine Tür rechts belebt. Der Effekt hängt weniger von stilistischen Merkmalen als von der Energie der Charakterisierung und den bereits beschriebenen Verfeinerungen der Verarbeitung ab.

Arbeiten von Herkules

1637 wurde Zurbaran nach Madrid berufen, um die Arbeiten des Herkules für den königlichen Palast von Buen Retiro zu malen. Die Arbeit, an der zweifellos Assistenten beteiligt waren, offenbart seine Grenzen. Er benutzte vulgäre Modelle, übertrieb alle Muskelanstrengungen und ging im Allgemeinen genauso schlecht mit dem Thema um wie jeder italienische Amateur der Generation vor ihm. Hat überhaupt irgendein Spanier jemals ein klassisches Thema mit irgendeiner Überzeugung gemalt – ganz zu schweigen von irgendeiner Poesie? Der Sinn für eine schönere und großartigere Jugend der Welt scheint einfach im nationalen Temperament zu fehlen.

Portrait von Suso

Dr. Kehrer schreibt, Zurbarans Hauptanliegen sei es gewesen, die einzelne Figur auf monumentalste Weise zu malen. In diesem Fall ist er vielleicht besser durch seine besten Einzelfiguren vertreten als durch seine Kompositionen. Hervorzuheben unter vielen idealen Porträts ist das des deutschen Mystikers Suso, Sevilla. Es ist bemerkenswert für die Sanftmut, mit der religiöse Ekstase zum Ausdruck kommt, und diese Zärtlichkeit spiegelt sich in einer idyllischen Landschaft wider. Unter den wenigen reinen Porträts ist keines besser als das eines Kartäussers (Hispanic Society, New York). Wie üblich betont Zurbaran das Bewusstsein eines Zuschauers, vielleicht sogar ein wenig überbetont. Aber das Gemälde ist von der nüchternsten, prächtigsten Art, die Modulationen der Schatten der größten Verfeinerung, und alles, was für einen melancholischen und doch standhaften Charakter spricht.

Porträts weiblicher Heiliger

Die wohl bekanntesten und beliebtesten Zurbaraner sind seine idealen Ganzporträts der beliebtesten weiblichen Heiligen. Er vertritt sie als große Damen seines eigenen Spaniens. So geben ihm ihre reichen Kostüme Möglichkeiten als Kolorist, die sich seine klösterlichen Untertanen nicht leisten können. Unter ihnen zu wählen ist schwierig. Die jungfräulichste und dekorativste ist die heilige Elisabeth. Noch besser für seinen spanischen Stolz ist die St. Mathilda in Straßburg. Um der Persönlichkeit und dem reichen Kostüm den vollen Wert zu verleihen, werden alle Bilder dieser Art ohne Zubehör und mit dem einfachsten Hintergrund gemalt. Es sollte beachtet werden, dass der Effekt so massiv wie reich ist.

Stillleben-Malerei

Möglicherweise zeigt sich der exquisite Techniker in Zurbaran noch deutlicher in einigen Stillleben, die ihm die jüngsten Forschungen restauriert haben. In der Darstellung der in einem langen Rechteck angeordneten Metallreihen und Tongefäße beherrscht Zurbaran die spektrale Betonung unserer modernen Surrealisten, während er im Gegensatz zu ihnen die unterschiedlichen Texturen zurückhaltend, aber vollständig vorschlägt. Die Arbeit zeigt den reinen Maler, der vom religiösen Druck befreit ist.

Porträt des Heiligen Franziskus

Über Zurbarans letzte Jahre gibt es wenig zu bemerken, außer einer Intensivierung seines religiösen Gefühls und einer Äußerung davon, die gelegentlich von seiner üblichen klaren Aussage abweicht und Geheimnisse aufwirft. Dies ist der Fall bei St. Francis (National Gallery, London), wo selbst mit im Schatten fast verborgenen Gesichtern und Augen das vollste Gefühl leidenschaftlichen Gebets vorhanden ist. Der Umgang mit den Rändern der Figur ist absolut stark und feinfühlig.

In den späteren Jahren gibt es Hinweise auf einen unglücklichen Einfluss des jugendlichen Wunders Murillo auf bestimmte hoch sentimentalisierte Madonnen. Das vielleicht letzte und bemerkenswerteste Denkmal von ihm ist das seltsame Bild in einer Privatsammlung in Madrid, das den gealterten und verstörten Künstler darstellt, der zum gekreuzigten Christus aufblickt. Es ist ein sehr schmerzhaftes Bild, in gewisser Hinsicht ein schlechtes Bild, aber es ist auch ein beeindruckendes Bild für den Ausdruck von tief religiösem Mitgefühl. Kurz nachdem er es gemalt hatte, starb Zurbaran 1664 mit 66 Jahren.

Erbe

Nach seinem eigenen Spanien hinterließ er einen bleibenden Eindruck. Im viktorianischen Zeitalter Gustave Courbet betrachtete ihn als ein Wunder. Als Ende des achtzehnten Jahrhunderts die spanischen Orden verboten wurden, waren die Museen der Welt froh, seine zerstreuten Bilder zu kaufen, mit dem Ergebnis, dass er vielleicht von allen ist Spanische Barockkünstler die zugänglichsten für Kunstliebhaber im Allgemeinen. Sein einschneidender religiöse Kunst ist eine einfache und vollständige Aussage, und kein Maler braucht weniger kritische Kommentare. Es ist leicht, seine Grenzen zu erkennen. Es wäre töricht, sie als Mängel zu betrachten, denn gerade aus diesen Gründen hat er in seiner wirklich wunderbaren Darstellung des Themas der asketischen Frömmigkeit positive Eigenschaften.

Werke von Francisco Zurbaran sind im zu sehen beste Kunstmuseen über den Globus.