Geschichte der Malerei 
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Die Malerei ist eine der antiken Künste, die sich über viele Jahrhunderte von paläolithischen Felsmalereien zu den neuesten Bewegungen des 20. und sogar des 21. Jahrhunderts entwickelt hat. Diese Kunst wurde fast mit dem Aufkommen der Menschheit geboren. Alte Menschen, die sich nicht einmal vollständig als Menschen erkannten, verspürten das Bedürfnis, die Welt um sie herum an der Oberfläche darzustellen. Sie haben alles gemalt, was sie gesehen haben: Tiere, Natur, Jagdszenen. Zum Zeichnen verwendeten sie etwas Ähnliches wie Farben aus natürlichen Materialien. Das waren erdige Farben, Kohle, schwarzer Ruß. Pinsel wurden aus Tierhaaren hergestellt oder einfach mit den Fingern bemalt.
Infolge der Veränderungen entstanden neue Arten und Gattungen der Malerei. Der Antike folgte die Antike. Es bestand der Wunsch von Malern und Künstlern, das reale Umfeld, wie es der Mensch sieht, nachzubilden. Der Wunsch nach Genauigkeit der Übertragung führte zur Entstehung der Grundlagen der Perspektive, der Grundlagen der Schwarz-Weiß-Konstruktionen verschiedener Bilder und zu deren Untersuchung durch Künstler. Und sie haben zunächst studiert, wie man den Volumenraum auf der Ebene der Wand in einer Freskenmalerei darstellt. Einige Kunstwerke, wie der volumetrische Raum, Helldunkel, wurden zur Dekoration von Räumen, religiösen Zentren und Bestattungen verwendet.
Die nächste wichtige Periode des vergangenen Gemäldes ist das Mittelalter. Zu dieser Zeit war die Malerei religiöser und die Weltanschauung begann sich in der Kunst zu widerspiegeln. Die Kreativität der Künstler richtete sich auf Ikonenmalerei und andere Melodien der Religion. Die wichtigsten Punkte, die der Künstler hervorheben sollte, waren weniger eine genaue Wiedergabe der Realität als vielmehr eine Übertragung der Spiritualität, selbst in einer Vielzahl von Gemälden. Die Leinwände der damaligen Meister beeindruckten durch Konturen, Rassigkeit und Farbenpracht. Mittelalterliche Malerei scheint uns flach. Alle Figuren der damaligen Künstler sind in einer Linie. Und so viele Werke scheinen uns etwas stilisiert.
Die Periode des grauen Mittelalters ersetzte die hellere Periode der Renaissance. Die Renaissance brachte erneut einen Wendepunkt in der historischen Entwicklung dieser Kunst. Neue Stimmungen in der Gesellschaft, eine neue Weltanschauung wurden dem Künstler diktiert: Welche Aspekte der Malerei sollten vollständiger und klarer offenbart werden? Malerei-Genres wie Porträt und Landschaft werden zu eigenständigen Stilen. Künstler drücken die Gefühle des Menschen und seiner inneren Welt durch neue Formen der Malerei aus. Das 17. und 18. Jahrhundert sorgte für ein noch ernsteres Wachstum der Malerei. In dieser Zeit verliert die katholische Kirche an Bedeutung und die Künstler reflektieren in ihren Werken zunehmend die wahren Typen von Menschen, Natur, Alltag und Alltag. In dieser Zeit entstanden auch Genres wie Barock, Rokoko, Klassizismus und Manierismus. Es entsteht eine Romantik, die später durch einen spektakuläreren Stil ersetzt wird - den Impressionismus.
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts veränderte sich die Malerei dramatisch und es entstand eine neue Richtung der modernen Kunst - die abstrakte Malerei. Die Idee dieser Richtung ist es, die Harmonie zwischen Mensch und Kunst zu vermitteln, Harmonie in Kombinationen von Linien und Farbakzenten zu schaffen. Diese Kunst hat keine Objektivität. Sie verfolgt nicht die exakte Übertragung eines realen Bildes, sondern - vermittelt, was in der Seele des Künstlers steckt, seine Emotionen. Eine wichtige Rolle für diese Kunstform spielen Formen und Farben. Es geht darum, bisher bekannte Objekte auf eine neue Art und Weise zu vermitteln. Hier haben Künstler die völlige Freiheit ihrer Fantasien. Dies gab der Entstehung und Entwicklung moderner Trends wie Avantgarde, Underground und abstrakter Kunst einen Impuls. Vom Ende des 20. Jahrhunderts bis zur Gegenwart hat sich die Malerei ständig verändert. Trotz aller neuen Errungenschaften und modernen Technologien bleiben die Künstler der klassischen Kunst treu - Öl- und Aquarellmalerei, schaffen ihre Meisterwerke mit Farben und Leinwänden.
Natalia Martynenko
Kunstgeschichte
Die Geschichte der Malerei ist eine endlose Kette, die mit den ersten gemalten Bildern begann. Jeder Stil wächst aus den Stilen, die vor ihm standen. Jeder große Künstler trägt etwas zu den Leistungen früherer Künstler bei und beeinflusst spätere Künstler.
Wir können es genießen, für seine Schönheit zu malen. Seine Linien, Formen, Farben und Zusammensetzung (Anordnung der Teile) mögen unsere Gefühle erfreuen und in unseren Erinnerungen verweilen. Der Genuss von Kunst steigt jedoch, wenn wir lernen, wann und warum und wie sie geschaffen wurde.
Die Geschichte der Malerei wurde von vielen Faktoren beeinflusst. Geographie, Religion, nationale Besonderheiten, historische Ereignisse, die Entwicklung neuer Materialien - all dies prägt die Vision des Künstlers. Im Laufe der Geschichte hat die Malerei eine sich verändernde Welt und unsere Vorstellungen darüber reflektiert. Im Gegenzug lieferten die Künstler einige der besten Aufzeichnungen über die Entwicklung der Zivilisation und enthüllten manchmal mehr als das geschriebene Wort.
Prähistorische Malerei
Höhlenbewohner waren die ersten Künstler. Auf Höhlenwänden in Südfrankreich und Spanien wurden Farbzeichnungen von Tieren zwischen 30.000 und 10.000 v. Chr. Gefunden. Viele dieser Zeichnungen sind überraschend gut erhalten, da die Höhlen seit vielen Jahrhunderten versiegelt sind. Frühe Menschen haben die wilden Tiere gemalt, die sie gesehen haben. In Afrika und Ostspanien wurden sehr unhöfliche menschliche Figuren gefunden, die in Lebenslagen hergestellt wurden.
Höhlenkünstler füllten die Wände der Höhle mit Zeichnungen in leuchtenden Farben. Einige der schönsten Gemälde befinden sich in der Höhle von Altamira in Spanien. Ein Detail zeigt einen verwundeten Bison, der nicht mehr stehen kann - wahrscheinlich das Opfer eines Jägers. Es ist rotbraun lackiert und schlicht, aber gekonnt schwarz umrandet. Die von Höhlenkünstlern verwendeten Pigmente sind Ocker (Eisenoxide, deren Farbe von hellgelb bis dunkelorange reicht) und Mangan (dunkles Metall). Sie wurden zu einem feinen Pulver zerkleinert, mit Fett (möglicherweise mit Fettöl) gemischt und mit einem Pinsel auf die Oberfläche aufgetragen. Manchmal hatten Pigmente die Form von Stiften, ähnlich wie Buntstifte. Mit Pulverpigmenten vermischtes Fett bildete eine Farbe und einen Lack, und die Pigmentteilchen klebten zusammen. Die Bewohner der Höhle machten Pinsel aus Tierhaaren oder Pflanzen und scharfe Werkzeuge aus Silikon (zum Malen und Kratzen).
Bereits vor 30.000 Jahren erfanden die Menschen die grundlegenden Werkzeuge und Materialien für die Malerei. Methoden und Materialien wurden in den folgenden Jahrhunderten verbessert und verbessert. Aber die Entdeckungen des Höhlenbewohners bleiben die wichtigsten für die Malerei.
Ägyptische und mesopotamische Malerei (3400-332 v. Chr.)
Eine der ersten Zivilisationen erschien in Ägypten. Aus den von den Ägyptern hinterlassenen schriftlichen Aufzeichnungen und Kunstwerken ist viel über ihr Leben bekannt. Sie glaubten, dass der Körper erhalten bleiben sollte, damit die Seele nach dem Tod leben könne. Die großen Pyramiden waren komplexe Gräber für die reichen und mächtigen ägyptischen Herrscher. Viel ägyptische Kunst wurde für die Pyramiden und Gräber von Königen und anderen wichtigen Personen geschaffen. Um absolut sicher zu sein, dass die Seele weiter existiert, haben die Künstler Bilder eines Toten in Stein gemeißelt. Sie reproduzierten auch Szenen aus dem menschlichen Leben in Wandgemälden in Bestattungskammern.
Ägyptische Kunsttechniken sind seit Jahrhunderten unverändert. In einer Methode wurde Aquarell auf Ton- oder Kalksteinoberflächen aufgetragen. In einem anderen Prozess wurden die Konturen in Steinmauern geschnitzt und mit Wasserfarben bemalt. Ein Material namens Gummi arabicum wurde wahrscheinlich verwendet, um Farbe auf die Oberfläche zu kleben. Glücklicherweise verhinderten das trockene Klima und die versiegelten Gräber, dass einige dieser Aquarellbilder vor Feuchtigkeit zusammenbrachen. Viele Jagdszenen von den Wänden der Gräber in Theben aus der Zeit um 1450 v. Chr. Sind gut erhalten. Sie zeigen, wie Jäger Vögel oder Fische jagen, um zu fischen. Diese Grundstücke sind noch heute erkennbar, da sie ordentlich und sorgfältig bemalt wurden.
Die mesopotamische Zivilisation, die von 3200 bis 332 v. Chr. Bestand, befand sich in einem Tal zwischen den Flüssen Tigris und Euphrat im Nahen Osten. Die Häuser in Mesopotamien wurden hauptsächlich aus Lehm gebaut. Während der Lehm mit dem Regen weicher wird, zerfallen ihre Gebäude zu Staub und zerstören alle Wandgemälde, die sehr interessant sein könnten. Erhalten geblieben sind dekorierte Keramik (bemalt und gebrannt) und bunte Mosaike. Obwohl Mosaike nicht als Gemälde angesehen werden können, beeinflussen sie sie oft.
Ägäische Zivilisation (3000–1100 v. Chr.)
Die dritte große frühe Kultur war die ägäische Zivilisation. Die Ägäis lebten auf Inseln vor der Küste Griechenlands und auf der Halbinsel Kleinasien ungefähr zur gleichen Zeit wie die alten Ägypter und Mesopotamier.
Im Jahr 1900 begannen Archäologen, den Palast von König Minos in Knossos auf der Insel Kreta auszugraben. Bei Ausgrabungen wurden Kunstwerke entdeckt, die um 1500 v. Chr. Entstanden sind. in einem ungewöhnlich freien und anmutigen Stil der Zeit. Offensichtlich waren die Kreter sorglose, naturverbundene Menschen. Zu ihren Lieblingsthemen in der Kunst gehörten Meereslebewesen, Tiere, Blumen, Sport, Massenprozessionen. In Knossos und anderen ägäischen Palästen wurden auf feuchten Gipswänden Gemälde mit Farben aus Mineralien, Sand und Erdocker gemalt. Die Farbe war mit feuchtem Putz getränkt und wurde ein fester Bestandteil der Wand. Diese Bilder wurden später Fresken genannt (vom italienischen Wort "frisch" oder "neu"). Die Kreter mochten die hellen Gelb-, Rot-, Blau- und Grüntöne.
Griechische und römische klassische Malerei (1100 v. Chr. - 400 v. Chr.)
Die alten Griechen schmückten die Wände von Tempeln und Palästen mit Fresken. Aus alten literarischen Quellen und aus römischen Kopien der griechischen Kunst können wir sagen, dass die Griechen kleine Gemälde und Mosaike gemalt haben. Die Namen der griechischen Meister und ein wenig von ihrem Leben und Werk sind bekannt, obwohl nur sehr wenige griechische Gemälde die Jahrhunderte und Folgen der Kriege überstanden haben. Die Griechen schrieben nicht viel in die Gräber, so dass ihre Arbeit nicht geschützt war.
Bemalte Vasen sind alles, was heute von der griechischen Malerei erhalten ist. Keramik war eine große Industrie in Griechenland, insbesondere in Athen. Gefragt waren Container, die exportiert wurden, sowie Butter und Honig und für inländische Zwecke. Die früheste Vasenmalerei erfolgte in geometrischen Formen und Ornamenten (1100-700 v. Chr.). Die Vasen waren mit menschlichen Figuren in brauner Glasur auf hellem Ton verziert. Bis zum 6. Jahrhundert malten Vasenmaler oft schwarze menschliche Figuren auf natürlichen roten Ton. Details wurden mit einem scharfen Werkzeug in Ton geschnitzt. Dadurch konnte das Rot in den Tiefen des Reliefs erscheinen.
Der rot figurierte Stil ersetzte schließlich Schwarz. Das heißt, umgekehrt: Die Figuren sind rot und der Hintergrund ist schwarz geworden. Der Vorteil dieses Stils war, dass der Künstler einen Pinsel verwenden konnte, um Konturen zu erstellen. Der Pinsel ergibt eine lockerere Linie als das Metallwerkzeug, das in schwarzen lockigen Vasen verwendet wird.
Römische Wandgemälde wurden hauptsächlich in Villen (Landhäusern) in Pompeji und Herculaneum gefunden. 79 n. Chr. Wurden diese beiden Städte durch den Ausbruch des Vesuvs vollständig begraben. Die Archäologen, die dieses Gebiet ausgegraben haben, konnten in diesen Städten viel über das antike römische Leben lernen. Fast jedes Haus und jede Villa in Pompeji hatte Gemälde an den Wänden. Römische Maler bereiteten die Oberfläche der Wand sorgfältig vor und trugen eine Mischung aus Marmorstaub und Gips auf. Sie polierten die Oberfläche zu einem Marmorende. Viele der Gemälde sind Kopien von griechischen Gemälden aus dem 4. Jahrhundert vor Christus. Die anmutigen Posen der Figuren an den Wänden der Villa der Mysterien in Pompeji inspirierten die Künstler des 18. Jahrhunderts, als die Stadt ausgegraben wurde.
Griechen und Römer malten auch Porträts. Eine kleine Anzahl von ihnen, hauptsächlich Porträts von Mumien, die von ägyptischen Künstlern im griechischen Stil angefertigt wurden, sind in der Nähe von Alexandria in Nordägypten erhalten geblieben. Alexandria wurde im 4. Jahrhundert v. Chr. Von Alexander dem Großen aus Griechenland gegründet und entwickelte sich zum führenden Zentrum der griechischen und römischen Kultur. Die Porträts wurden in der Enkaustiktechnik auf Holz gemalt und nach dem Tod der abgebildeten Person in Form einer Mumie gesetzt. Encaustic-Gemälde, die in mit geschmolzenem Bienenwachs gemischter Farbe hergestellt wurden, werden sehr lange gelagert. Tatsächlich sehen diese Porträts immer noch frisch aus, obwohl sie im zweiten Jahrhundert vor Christus entstanden sind.
Frühchristliche und byzantinische Malerei (300–1300)
Das Römische Reich zerfiel im 4. Jahrhundert n. Chr. Gleichzeitig gewann das Christentum an Stärke. 313 erkannte der römische Kaiser Konstantin die Religion offiziell an und übernahm das Christentum.
Die Entstehung des Christentums hat die Kunst stark beeinflusst. Die Künstler wurden angewiesen, die Wände der Kirchen mit Fresken und Mosaiken zu schmücken. Sie stellten Tafeln in Kirchenkapellen her, illustrierten und schmückten Kirchenbücher. Unter dem Einfluss der Kirche sollten Künstler die Lehren des Christentums so klar wie möglich vermitteln.
Die frühen Christen und byzantinischen Künstler setzten die Mosaik-Technik fort, die sie von den Griechen gelernt hatten. Kleine flache Stücke aus farbigem Glas oder Stein wurden auf feuchten Zement oder Gips gelegt. Andere feste Materialien, wie Stücke von gebranntem Ton oder Muschel, wurden manchmal verwendet. Im italienischen Mosaik sind die Farben besonders tief und voll. Italienische Künstler machten den Hintergrund mit Stücken des vergoldeten Glases. Sie zeigten menschliche Figuren in satten Farben vor einem Hintergrund aus funkelndem Gold. Der Gesamteffekt war flach, dekorativ und nicht realistisch.
Mosaike byzantinischer Künstler waren oft noch weniger realistisch und noch dekorativer als die Motive der frühen Christen. "Byzantinisch" ist der Name für den Kunststil, der sich um die antike Stadt Byzanz (heute Istanbul, Türkei) entwickelte. Die Mosaik-Technik passte perfekt zum byzantinischen Geschmack der wunderschön dekorierten Kirchen. Die berühmten Mosaiken von Theodora und Justinian, die um 547 n. Chr. Angefertigt wurden, zeugen von einer Vorliebe für Wohlstand. Der Schmuck auf den Figuren glitzert, und die farbigen Gerichtskleider funkeln vor dem Hintergrund des brillanten Goldes. Byzantinische Künstler verwendeten Gold auch für Fresken und Tafeln. Gold und andere wertvolle Materialien wurden im Mittelalter verwendet, um spirituelle Objekte von der Alltagswelt zu trennen.
Mittelalterliche Malerei (500-1400 Jahre)
Der erste Teil des Mittelalters, von ungefähr 6 bis 11 Jahrhunderten unserer Zeitrechnung, wird gewöhnlich die Finsternis genannt. In dieser Zeit der Unruhen lagerte die Kunst hauptsächlich in Klöstern. Im 5. Jahrhundert n. Chr. Durchstreiften Warran-Stämme aus Nord- und Mitteleuropa den Kontinent. Hunderte von Jahren beherrschten sie Westeuropa. Diese Menschen schufen Kunst, bei der das Muster das Hauptelement ist. Sie waren besonders an Strukturen von verwobenen Drachen und Vögeln interessiert.
Das Beste der keltischen und sächsischen Kunst findet sich in Handschriften des 7. und 8. Jahrhunderts. Buchillustrationen, Beleuchtung und Miniaturmalerei, die seit der späten Römerzeit praktiziert wurden, verbreiteten sich im Mittelalter. Beleuchtung ist die Dekoration von Text, Großbuchstaben und Feldern. Es wurden Gold, Silber und helle Farben verwendet. Ein Thumbnail ist ein kleines Bild, oft ein Porträt. Dieser Begriff wurde ursprünglich verwendet, um einen dekorativen Block um die Anfangsbuchstaben in einem Manuskript zu beschreiben.
Karl der Große, der zu Beginn des 9. Jahrhunderts zum Kaiser des Heiligen Römischen Reiches gekrönt wurde, versuchte, die klassische Kunst der spätrömischen und frühchristlichen Epoche wiederzubeleben. Während seiner Regierungszeit ahmten Miniaturkünstler die klassische Kunst nach, vermittelten aber auch persönliche Gefühle durch ihre Sujets.
Seit dem Mittelalter sind nur sehr wenige Wandmalereien erhalten. Die im romanischen Zeitalter (11. bis 13. Jahrhundert) erbauten Kirchen hatten mehrere großartige Fresken, von denen die meisten jedoch verschwanden. In den gotischen Kirchen (XII-XVI Jahrhundert) war nicht genügend Platz für Wandmalereien. Buchillustration war das Hauptwerk des gotischen Malers.
Zu den am besten illustrierten Manuskripten gehörten Uhrenbücher - Sammlungen von Kalendern, Gebeten und Psalmen. Eine Seite aus einem italienischen Manuskript zeigt sorgfältig gearbeitete Initialen und eine fein detaillierte Randszene, in der der heilige Georg einen Drachen tötet. Die Farben sind brillant und sehen aus wie Edelsteine, wie in Buntglas, und Gold flackert über der Seite. Exquisit zarte Blatt- und Blumenmuster fassen den Text ein. Wahrscheinlich verwendeten Künstler Lupen, um solch komplexe, detaillierte Arbeiten auszuführen.
Italien: Cimabue und Giotto
Italienische Künstler arbeiteten Ende des 13. Jahrhunderts noch im byzantinischen Stil. Menschliche Figuren wurden flach und dekorativ gemacht. Gesichter hatten selten Ausdruck. Die Körper waren schwerelos und schienen zu schweben, anstatt fest auf dem Boden zu stehen. In Florenz versuchte der Künstler Cimabue (1240-1302), einige der alten byzantinischen Methoden zu modernisieren. Engel in "Madonna on the Throne" sind aktiver als üblich in Gemälden der Zeit. Ihre Gesten und Gesichter zeigen etwas menschlichere Gefühle. Cimabue fügte seinen Gemälden ein neues Gefühl von Monumentalität oder Erhabenheit hinzu. Er folgte jedoch weiterhin vielen byzantinischen Traditionen, wie einem goldenen Hintergrund und einer gemusterten Anordnung von Gegenständen und Figuren.
Es war der große Florentiner Künstler Giotto (1267-1337), der tatsächlich mit der byzantinischen Tradition brach. Seine Freskenserie in der Kapelle der Arena in Padua lässt die byzantinische Kunst weit hinter sich. In diesen Szenen aus dem Leben Mariens und Christi gibt es echte Emotionen, Spannungen und Naturalismus. Alle Qualitäten menschlicher Wärme und Sympathie sind vorhanden. Menschen scheinen nicht völlig unrealistisch oder himmlisch. Giotto beschattete die Konturen der Figuren und legte tiefe Schatten in die Falten der Kleidung, um ein Gefühl von Rundheit und Stärke zu erzeugen.
Für seine kleinen Tafeln verwendete Giotto reines Eitempera, ein Medium, das im 14. Jahrhundert von den Florentiner perfektioniert wurde. Die Klarheit und Helligkeit seiner Farben dürfte die Menschen, die an die dunklen Farben byzantinischer Paneele gewöhnt sind, stark beeinflusst haben. Temperagemälde erwecken den Eindruck, dass sanftes Tageslicht auf die Bühne fällt. Sie wirken im Gegensatz zum Glanz des Ölgemäldes fast flach. Eitempera blieb die Hauptfarbe, bis sie im 16. Jahrhundert durch Öl fast vollständig ersetzt wurde.
Spätmittelalterliche Malerei nördlich der Alpen
Zu Beginn des 15. Jahrhunderts arbeiteten Künstler in Nordeuropa in einem ganz anderen Stil als die italienische Malerei. Nordische Künstler erreichten Realismus, indem sie ihren Gemälden unzählige Details hinzufügten. Alle Haare waren elegant konturiert und jedes Detail des Vorhangs oder des Fußbodens wurde präzise angebracht. Die Erfindung des Ölgemäldes vereinfachte die Detaillierung von Details.
Der flämische Künstler Jan van Eyck (1370-1414) hat einen großen Beitrag zur Entwicklung des Ölgemäldes geleistet. Bei Verwendung von Tempera müssen die Farben separat aufgetragen werden. Sie können sich nicht gut beschatten, weil die Farbe schnell trocknet. Mit langsam trocknendem Öl kann der Künstler komplexere Effekte erzielen. Seine Porträts von 1466-1530 wurden in flämischer Öltechnik ausgeführt. Alle Details und sogar die Spiegelreflexion sind klar und präzise. Die Farbe ist haltbar und hat eine harte, emailleartige Oberfläche. Eine grundierte Holzplatte wurde auf die gleiche Weise hergestellt, wie Giotto seine Platten für Tempera vorbereitet hatte. Van Eyck schuf das Gemälde in Schichten einer subtilen Farbe namens Glasur. Tempera wurde vermutlich im Original-Understory und zur Blendung eingesetzt.
Italienische Renaissance
Während van Eyck im Norden arbeitete, stiegen die Italiener in das goldene Zeitalter von Kunst und Literatur ein. Diese Periode wird Renaissance genannt, was Wiedergeburt bedeutet. Italienische Künstler ließen sich von der Skulptur der alten Griechen und Römer inspirieren. Die Italiener wollten den Geist der klassischen Kunst wiederbeleben, der die Unabhängigkeit und den Adel der Menschen verherrlicht. Renaissancekünstler malten weiterhin religiöse Szenen. Sie betonten aber auch das irdische Leben und die Leistungen der Menschen.
Florenz
Giottos Erfolge im frühen 14. Jahrhundert markierten den Beginn der Renaissance. Italienische Maler des 17. Jahrhunderts setzten es fort. Masaccio (1401-1428) war einer der Führer der ersten Generation von Renaissancekünstlern. Er lebte in Florenz, einer reichen Handelsstadt, in der die Kunst der Renaissance begann. Zum Zeitpunkt seines Todes Ende der zwanziger Jahre revolutionierte er die Malerei. In seinem berühmten Fresko "The Tribute Money" setzt er solide skulpturale Figuren in eine Landschaft, die weit in die Ferne zu rücken scheint. Möglicherweise hat Masaccio die Perspektive des Florentiner Architekten und Bildhauers Brunelleschi (1377-1414) studiert.
Die Wandtechnik war in der Renaissance sehr beliebt. Es war besonders für große Gemälde geeignet, da die Farben auf dem Wandbild trocken und vollkommen flach sind. Das Bild kann in jedem Winkel ohne Blendung oder Reflexion betrachtet werden. Auch Wandbilder sind erschwinglich. Normalerweise hatten Künstler mehrere Helfer. Die Arbeiten wurden in Teilen ausgeführt, da sie im noch feuchten Zustand des Putzes beendet werden mussten.
Masaccios vollständiger „dreidimensionaler“ Stil war typisch für die neue progressive Richtung des 15. Jahrhunderts. Der Stil von Fra Angelico (1400-1455) ist ein traditionellerer Ansatz, der von vielen Künstlern der Frührenaissance verwendet wird. Er war weniger mit der Aussicht beschäftigt und mehr an dekorativen Mustern interessiert. Seine „Krönung der Jungfrau Maria“ ist ein Beispiel für Tempera in der schönsten Aufführung. Spaß, vibrierende Farben gegen einen Goldhintergrund und mit Gold betont. Das Bild sieht aus wie eine vergrößerte Miniatur. Lange schmale Figuren haben mit Masaccio wenig gemein. Die Komposition ist in breiten Bewegungslinien organisiert, die sich um die zentralen Figuren von Christus und Maria drehen.
Ein anderer Florentiner, der im traditionellen Stil arbeitete, war Sandro Botticelli (1444-1515). Fließende rhythmische Linien verbinden die Abschnitte der Botticelli "Spring". Die vom Westwind getragene Frühlingsfigur schwenkt nach rechts. Drei Grazien tanzen im Kreis, die flatternden Falten ihrer Kleider und die anmutigen Bewegungen ihrer Hände drücken den Rhythmus des Tanzes aus.
Leonardo da Vinci (1452-1519) studierte Malerei in Florenz. Er ist bekannt für seine wissenschaftlichen Forschungen und Erfindungen sowie für seine Gemälde. Nur sehr wenige seiner Gemälde sind erhalten geblieben, zum Teil, weil er oft mit verschiedenen Methoden zum Erstellen und Auftragen von Farbe experimentierte, anstatt bewährte und zuverlässige Methoden anzuwenden. Das letzte Abendmahl (geschrieben zwischen 1495 und 1498) wurde in Öl gemalt, aber leider malte Leonardo es auf eine feuchte Wand, wodurch die Farbe Risse bekam. Aber auch in schlechtem Zustand (vor der Restaurierung) hatte das Bild die Fähigkeit, bei jedem, der es sieht, Emotionen zu wecken.
Eines der charakteristischen Merkmale von Leonardos Stil war seine Methode, Licht und Dunkelheit darzustellen. Die Italiener nannten es schwaches Licht "sphumato", was rauchig oder neblig bedeutet. Die Figuren in der "Madonna of the Rocks" sind in einer sphumato-Atmosphäre verhüllt. Ihre Formen und Merkmale sind sanft schattiert. Leonardo erzielte diese Effekte mit sehr subtilen Abstufungen von hellen und dunklen Tönen.
Rom
Der Höhepunkt der Renaissance-Malerei fand im 16. Jahrhundert statt. Gleichzeitig verlagerte sich das Zentrum für Kunst und Kultur von Florenz nach Rom. Unter Papst Sixtus IV. Und seinem Nachfolger Julius II. Wurde die Stadt Rom von Künstlern der Renaissance prächtig und reich geschmückt. Einige der ehrgeizigsten Projekte dieser Zeit wurden während des Papsttums von Julius II ins Leben gerufen. Julius beauftragte den großen Bildhauer und Maler Michelangelo (1475-1564), die Decke der Sixtinischen Kapelle zu bemalen und eine Skulptur für das Grab des Papstes zu schnitzen. Julius lud auch den Maler Raphael (1483-1520) ein, mitzuhelfen, den Vatikan zu schmücken. Raphael malte mit seinen Assistenten vier Räume der Papstappartements im Vatikanpalast.
Michelangelo, ein gebürtiger Florentiner, entwickelte einen monumentalen Malstil. Die Figuren in seinem Gemälde sind so solide und voluminös, dass sie wie Skulpturen aussehen. Die Sixtinische Decke, die von Michelangelo 4 Jahre gedauert hat, besteht aus Hunderten von menschlichen Figuren aus dem Alten Testament. Um dieses grandiose Fresko fertigzustellen, musste Michelangelo im Wald auf dem Rücken liegen. Einige Experten betrachten Michelangelos Selbstporträt als das nachdenkliche Gesicht Jeremias unter den Propheten, die die Decke umgeben.
Rafael kam als sehr junger Mann aus Urbino nach Florenz. In Florenz nahm er die Ideen von Leonardo und Michelangelo auf. Als Rafael nach Rom ging, um im Vatikan zu arbeiten, war sein Stil einer der schönsten. Er liebte besonders seine wunderschönen Porträts von Madonna und Kind. Sie wurden zu Tausenden reproduziert; Sie sind überall zu sehen. Seine Madonna del Granduka ist wegen ihrer Einfachheit erfolgreich. Zeitlos in seiner Ruhe und Reinheit, ist es für uns genauso attraktiv wie für Italiener der Raphael-Ära.
Venedig
Venedig war die wichtigste norditalienische Renaissancestadt. Er wurde von Künstlern aus Flandern und anderen Regionen besucht, die von den flämischen Experimenten mit Ölfarbe wussten. Dies stimulierte den frühen Einsatz von Öltechnologie in der italienischen Stadt. Die Venezianer lernten, auf eng gespannter Leinwand zu malen, nicht auf den in Florenz üblichen Holztafeln.
Giovanni Bellini (1430-1515) war der größte venezianische Künstler des 15. Jahrhunderts. Er war auch einer der ersten italienischen Künstler, die Öl auf Leinwand verwendeten. Giorgione (1478-1151) und Tizian (1488-1515), der berühmteste aller venezianischen Künstler, waren Auszubildende in der Bellini-Werkstatt.
Meister der Öltechnik Tizian malte riesige Leinwände in warmen, satten Farben. In seinen reifen Gemälden opferte er Details, um atemberaubende Effekte zu erzielen, wie in "Madonna Pesaro". Er benutzte große Pinsel, um große Striche zu machen. Seine Farben sind besonders reich, weil er geduldig Glasuren kontrastierender Farben geschaffen hat. Normalerweise wurden Glasuren auf eine braune Oberfläche aufgetragen, die dem Bild einen einheitlichen Farbton verlieh.
Ein weiterer großer venezianischer Künstler des 16. Jahrhunderts war Tintoretto (1518-1594). Im Gegensatz zu Tizian arbeitete er normalerweise direkt auf Leinwand ohne vorläufige Skizzen oder Konturen. Oft verzerrte er seine Formen (verdrehte sie), um Komposition und Dramatik der Handlung zu verbessern. Seine Technik, die breite Striche und dramatische Kontraste von Licht und Dunkelheit umfasst, wirkt sehr modern.
Der Künstler Kyriakos Teotokopoulos (1541-1614) war als El Greco ("Griechisch") bekannt. El Greco wurde auf der von der venezianischen Armee besetzten Insel Kreta geboren und von italienischen Künstlern ausgebildet. Als junger Mann studierte er in Venedig. Der kombinierte Einfluss der byzantinischen Kunst, den er auf Kreta erlebte, und der italienischen Renaissancekunst zeichnete El Grecos Werk aus.
In seinen Gemälden verzerrte er natürliche Formen und verwendete noch seltsamere, unheimlichere Farben als Tintoretto, den er bewunderte. Später zog El Greco nach Spanien, wo die Dunkelheit der spanischen Kunst seine Arbeit beeinflusste. In seiner dramatischen Vision von Toledo tobt ein Sturm über der tödlichen Stille der Stadt. Kalte Blautöne, Grüntöne und blauweiße Nuancen breiten sich kalt über die Landschaft aus.
Renaissance in Flandern und Deutschland
Das goldene Zeitalter der Malerei in Flandern (heute Teil Belgiens und Nordfrankreichs) war das 15. Jahrhundert, die Zeit van Eycks. Im 16. Jahrhundert ahmten viele flämische Künstler italienische Renaissancekünstler nach. Einige Flamen setzten jedoch die flämische Tradition des Realismus fort. Dann breitete sich die Genremalerei aus - Szenen aus dem Alltag, die manchmal charmant und manchmal fantastisch waren. Jerome Bosch (1450-1515), der den Genrekünstlern vorausging, hatte eine ungewöhnlich lebhafte Phantasie. Für The Temptation of St. Anthony hat er alle möglichen seltsamen, grotesken Kreaturen erfunden. "Peter Bruegel der Ältere (1525-1569) arbeitete ebenfalls in der flämischen Tradition, fügte aber seiner Genreszene die Perspektive und andere Merkmale der Renaissance hinzu.
Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein der Jüngere (1497-1543) und Lucas Cranach der Ältere (1472-1553) waren die drei wichtigsten deutschen Künstler des 16. Jahrhunderts. Sie haben viel getan, um den düsteren Realismus der frühen deutschen Malerei zu mildern. Dürer war mindestens einmal in Italien, wo er von Gemälden von Giovanni Bellini und anderen Norditalienern beeindruckt war. Durch diese Erfahrung vermittelte er der deutschen Malerei Kenntnisse der Perspektive, einen Sinn für Farbe und Licht sowie ein neues Verständnis der Komposition. Holbein lernte noch mehr italienische Leistungen. Sein feinfühliges Zeichnen und seine Fähigkeit, nur die wichtigsten Details auszuwählen, machten ihn zu einem Porträtmaler.
Barockmalerei
Das 17. Jahrhundert ist in der Kunst als Barockzeit bekannt. In Italien präsentierten die Künstler Caravaggio (1571-1610) und Annibale Carracci (1560-1609) zwei gegensätzliche Standpunkte. Caravaggio (bürgerlicher Name Michelangelo Merisi) hat sich immer direkt von den Realitäten des Lebens inspirieren lassen. Eines seiner Hauptprobleme war es, die Natur so genau wie möglich zu kopieren, ohne sie in irgendeiner Weise zu verherrlichen. Carracci hingegen folgte dem Schönheitsideal der Renaissance. Er studierte antike Bildhauerei und die Werke von Michelangelo, Raphael und Tizian. Caravaggios Stil begeisterte viele Künstler, insbesondere den Spanier Ribera und den jungen Velazquez. Carracci inspirierte Nicolas Poussin (1594-1665), einen berühmten französischen Maler des 17. Jahrhunderts.
Spanien
Diego Velazquez (1599-1660), der Hofmaler des spanischen Königs Philipp IV., War einer der größten spanischen Künstler. Als Fan von Tizians Werk war er ein Meister darin, satte, harmonische Farben zu verwenden. Kein Künstler könnte besser die Illusion von reichem Gewebe oder menschlicher Haut schaffen. Das Porträt des kleinen Prinzen Philip Prosper zeigt diese Fähigkeit.
Flandern
Die Gemälde des flämischen Künstlers Peter Paul Rubens (1577-1640) verkörpern den farbenfrohen Barockstil. Sie strotzen vor Energie, Farbe und Licht. Rubens brach mit der flämischen Tradition, kleine Gemälde zu malen. Seine Leinwände sind riesig und voller menschlicher Figuren. Er erhielt mehr Aufträge und größere Gemälde, als er fertigstellen konnte. Deshalb zeichnete er oft nur eine kleine Farbskizze. Dann übertrugen seine Assistenten die Skizze auf eine große Leinwand und fertigten das Gemälde unter der Anleitung von Rubens an.
Holland
Die Leistungen des niederländischen Malers Rembrandt (1606-1669) gehören zu den herausragendsten in der Geschichte. Er hatte eine wunderbare Gabe - menschliche Emotionen genau zu erfassen und zu vermitteln. Wie Tizian arbeitete er lange Zeit an der Schaffung von mehrschichtigen Gemälden. Erdenfarben - Ockergelb, Braun und Braunrot - waren seine Favoriten. Seine Bilder sind überwiegend in dunklen Farben gehalten. Die Bedeutung dunkler Mehrschichtteile macht seine Technik ungewöhnlich. Die Betonung wird durch helles Licht im Verhältnis zu hellen Bereichen vermittelt.
Jan Vermeer (1632-1675) gehörte zu einer Gruppe niederländischer Künstler, die bescheidene Szenen des Alltags schrieben. Er war ein Meister im Zeichnen von Texturen - Satin, Perserteppiche, Brotkrusten, Metall. Der allgemeine Eindruck von Vermeers Interieur ist ein sonniger, fröhlicher Raum voller ikonischer Haushaltsgegenstände.
Gemälde aus dem 18. Jahrhundert
Im 18. Jahrhundert brachte Venedig mehrere schöne Künstler hervor. Der berühmteste war Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Er verzierte die Innenräume von Palästen und anderen Gebäuden mit großartigen farbenfrohen Wandgemälden, die Szenen des Reichtums darstellen. Francesco Guardi (1712-1793) war sehr geschickt mit einem Pinsel, mit nur wenigen Farbflecken konnte er die Idee einer winzigen Figur in einem Boot zaubern. Spektakuläre Ausblicke auf Antonio Canaletto (1697-1768) sangen den vergangenen Ruhm Venedigs.
Frankreich: Rokokostil
In Frankreich führte die Vorliebe für Pastellfarben und komplizierte Oberflächen im frühen 18. Jahrhundert zur Entwicklung des Rokoko-Stils. Jean Antoine Watteau (1684-1721), der Hofmaler König Ludwigs XV. Und später François Boucher (1703-1770) und Jean Honore Fragonard (1732-1806) wurden mit den Tendenzen des Rokoko in Verbindung gebracht. Watteau malte träumerische Visionen, ein Leben, in dem alles Spaß macht. Im Mittelpunkt des Stils stehen Picknicks in Parks und auf Waldpartys, bei denen sich lustige Herren und elegante Damen in der Natur vergnügen.
Andere Künstler des 18. Jahrhunderts zeigten Szenen des normalen bürgerlichen Lebens. Wie der Holländer Vermeer schätzte Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) einfache Geschichten und Stillleben. Seine Farben sind im Vergleich zu Watteau nüchtern und ruhig.
England
Im 18. Jahrhundert entwickelten die Briten zunächst eine eigene Malschule. Der Kern bestand hauptsächlich aus Porträtmalern, die von Künstlern der venezianischen Renaissance beeinflusst wurden. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) und Thomas Gainsborough (1727-1788) sind die bekanntesten. Reynolds, der durch Italien reiste, folgte den Idealen der Renaissance-Malerei. Seine Porträts, charmant und berührend, sind nicht besonders interessant in Farbe oder Textur. Gainsborough dagegen hatte eine Brillanz. Die Oberflächen seiner Bilder erstrahlen in strahlender Farbe.
Gemälde aus dem 19. Jahrhundert
Das 19. Jahrhundert wird manchmal als die Zeit angesehen, in der die zeitgenössische Kunst Gestalt anzunehmen begann. Einer der wichtigsten Gründe für die sogenannte Revolution in der Kunst war zu dieser Zeit die Erfindung der Kamera, die Künstler dazu zwang, den Zweck des Malens zu überdenken.
Eine bedeutendere Entwicklung war die weit verbreitete Verwendung von vorgefertigten Farben. Bis zum 19. Jahrhundert stellten die meisten Künstler oder ihre Assistenten ihre eigenen Farben durch Mahlen von Pigmenten her. Frühe kommerzielle Farben waren Handfarben unterlegen. Ende des 19. Jahrhunderts stellten die Künstler fest, dass die dunklen Blau- und Brauntöne früherer Gemälde für mehrere Jahre schwarz oder grau wurden. Sie verwendeten wieder reine Farben, um ihre Arbeit zu bewahren, und manchmal, weil sie versuchten, das Sonnenlicht in Straßenszenen genauer zu reflektieren.
Spanien: Goya
Francisco Goya (1746-1828) war der erste große spanische Künstler, der ab dem 17. Jahrhundert auftrat. Als Lieblingskünstler des spanischen Hofes fertigte er viele Porträts der königlichen Familie an. Die königlichen Figuren sind mit eleganten Kleidern und wunderschönem Schmuck ausgestattet, aber auf einigen Gesichtern spiegeln sich nur Eitelkeit und Gier wider. Neben Porträts malte Goya dramatische Szenen wie den 3. Mai 1808. Dieses Gemälde zeigt eine Aufführung einer Gruppe spanischer Rebellen durch französische Soldaten. Mutige Kontraste von hellen und dunklen und düsteren Farben, durchzogen von roten Spritzer, verursachen einen düsteren Schrecken des Spektakels.
Obwohl Frankreich im 19. Jahrhundert ein großes Kunstzentrum war, leisteten die englischen Landschaftsmaler John Constable (1776-1837) und Joseph Mallord William Turner (1775-1851) einen wertvollen Beitrag zur Malerei des 19. Jahrhunderts. Beide interessierten sich für das Malen von Licht und Luft, zwei Aspekte der Natur, die Künstler des 19. Jahrhunderts umfassend erforschten. Der Constable verwendete eine Technik, die als Teilung oder gebrochene Farbe bekannt ist. Er verwendete Kontrastfarben über der Vordergrundfarbe. Er benutzte oft ein Spachtel, um die Farbe fest aufzutragen. Das Gemälde "Hay Wain" machte ihn nach der Schau in Paris im Jahr 1824 berühmt. Dies ist eine einfache Dorf-Heu-Szene. Wolken ziehen über mit Sonnenflecken bedeckte Wiesen. Turners Gemälde sind dramatischer als die von Constable, der die majestätischen Sehenswürdigkeiten der Natur gemalt hat - Stürme, Seestücke, leuchtende Sonnenuntergänge, hohe Berge.Oft verbirgt ein goldener Dunst Objekte in seinen Gemälden und lässt sie im unendlichen Raum schweben.
Frankreich
In der Zeit Napoleons und der Französischen Revolution tauchten in der französischen Kunst zwei gegenläufige Tendenzen auf: Klassizismus und Romantik. Jacques-Louis David (1748-1825) und Jean-Auguste Dominique Ingres (1780-1867) ließen sich von der antiken griechischen und römischen Kunst und der Renaissance inspirieren. Sie betonten Details und verwendeten Farbe, um feste Formen zu schaffen. Als Lieblingskünstler der revolutionären Regierung schrieb David oft historische Ereignisse dieser Zeit. In seinen Porträts wie Madame Recamier strebte er nach klassischer Einfachheit.
Theodore Gerico (1791-1824) und der romantische Eugene Delacroix (1798-1863) lehnten sich gegen den Stil Davids auf. Für Delacroix war Farbe das wichtigste Element in der Malerei und er hatte nicht die Geduld, klassische Statuen nachzuahmen. Stattdessen bewunderte er Ruben und die Venezianer. Für seine Bilder wählte er farbenfrohe, exotische Motive, die vor Licht funkeln und voller Bewegung sind.
Die Künstler von Barbizon waren auch Teil der allgemeinen romantischen Bewegung, die von etwa 1820 bis 1850 dauerte. Sie arbeiteten in der Nähe des Dorfes Barbizon am Rande des Fontainebleau-Waldes. Sie ließen sich von der Natur inspirieren und fertigten in ihren Ateliers Gemälde an.
Andere Künstler haben mit Alltagsgegenständen experimentiert. Die Landschaften von Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) spiegeln seine Liebe zur Natur wider, und seine Studien des menschlichen Körpers zeigen eine Art ausgewogene Ruhe. Gustave Courbet (1819-1877) nannte sich selbst Realist, weil er die Welt so porträtierte, wie er sie sah - auch ihre raue, unangenehme Seite. Er beschränkte seine Palette auf ein paar düstere Farben. Edouard Manet (1832-1883) nahm auch die Grundlage für seine Geschichten aus der Außenwelt. Die Menschen waren schockiert von seinen bunten Kontrasten und ungewöhnlichen Tricks. Auf den Oberflächen seiner Bilder befindet sich oft eine flache, gemusterte Textur von Strichen. Manets Methoden zur Anwendung von Lichteffekten auf Formen haben junge Künstler, insbesondere die Impressionisten, beeinflusst.
In den 1870er und 1880er Jahren wollte eine Gruppe von Künstlern, die als Impressionisten bekannt sind, die Natur so darstellen, wie sie war. Sie gingen viel weiter als Constable, Turner und Manet, um die Auswirkungen von Licht in Farben zu untersuchen. Einige von ihnen haben wissenschaftliche Farbtheorien entwickelt. Claude Monet (1840-1926) schrieb oft denselben Blick zu verschiedenen Tageszeiten, um zu zeigen, wie er sich bei verschiedenen Lichtverhältnissen ändert. Was auch immer das Thema ist, seine Bilder bestehen aus Hunderten winziger Pinselstriche nebeneinander, oft in kontrastierenden Farben. In einiger Entfernung mischen sich die Striche, um den Eindruck fester Formen zu erzeugen. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) verwendete die Methoden des Impressionismus, um die Feiertage des Pariser Lebens einzufangen. In seinem Tanz bei den Moulins de la Galette drängten sich Menschen in bunten Kleidern und tanzten fröhlich.Renoir malte das ganze Bild in kleinen Strichen. Farbpunkte und -striche erzeugen auf der Oberfläche des Gemäldes eine Textur, die ihm ein besonderes Aussehen verleiht. Menschenmassen scheinen sich im Sonnenlicht aufzulösen und flackernden Farben.
Malerei des 20. Jahrhunderts
Einige Künstler wurden bald unzufrieden mit dem Impressionismus. Künstler wie Paul Cezanne (1839-1906) waren der Meinung, dass der Impressionismus nicht die Stärke von Formen in der Natur beschreibt. Cezanne liebte es, Stillleben zu zeichnen, weil sie es ihm ermöglichten, sich auf die Form von Früchten oder anderen Gegenständen und deren Anordnung zu konzentrieren. Die Objekte seiner Stillleben wirken solide, weil er sie auf einfache geometrische Formen reduziert. Seine Technik, Farbflecken und kurze, farbreiche Striche nebeneinander zu färben, zeigt, dass er viel von den Impressionisten gelernt hat.
Vincent Van Gogh (1853-90) und Paul Gauguin (1848-1903) reagierten auf den Realismus der Impressionisten. Im Gegensatz zu den Impressionisten, die sagten, dass sie die Natur objektiv betrachteten, kümmerte sich Van Gogh wenig um Genauigkeit. Oft verzerrte er Objekte, um seine Gedanken kreativer auszudrücken. Er verwendete impressionistische Prinzipien, um kontrastierende Farben nebeneinander zu platzieren. Manchmal drückte er die Farbe aus den Tuben direkt auf die Leinwand, wie in The Field of Yellow Corn.
Gauguin war die fleckige Farbe der Impressionisten egal. Er trug sanft Farbe auf große flache Bereiche auf, die er durch Linien oder dunkle Kanten voneinander trennte. Bunte tropische Völker stellten die meisten seiner Geschichten zur Verfügung.
Cezannes Methode, mit einfachen geometrischen Formen Raum zu schaffen, wurde von Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) und anderen entwickelt. Ihr Stil wurde als Kubismus bekannt. Die Kubisten malten Objekte, als könnten sie aus mehreren Blickwinkeln gesehen werden, oder als wären sie zerlegt und auf einer ebenen Leinwand montiert. Oft glichen Objekte nichts Bestehendem in der Natur. Manchmal schnitzten Kubisten Figuren aus Stoff, Pappe, Tapeten oder anderen Materialien und klebten sie auf die Leinwand, um eine Collage zu erstellen. Die Texturen variierten ebenfalls und fügten dem Lack Sand oder andere Substanzen hinzu.
Neuere Trends haben sich weniger auf das Thema konzentriert. Die Komposition und Bildtechnik gewann zunehmend an Bedeutung.
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