Lute Player Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610)
Michelangelo Merisi da Caravaggio – Lute Player
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Maler: Michelangelo Merisi da Caravaggio
Caravaggios Gemälde Der Lautenist oder Junger Mann mit Laute ist ein eindrucksvolles Exponat in der Eremitage. Das Gemälde ist aber auch in mehreren anderen Museen auf der ganzen Welt zu sehen, wie zum Beispiel im Metropolitan Museum of Art in New York. Und noch immer sind sich die Experten uneins darüber, welches Werk das Original und welches eine Kopie ist. Caravaggio schuf sein Bild 1595 im Auftrag des Kardinals del Monte.
Beschreibung von Michelangelo Merisi da Caravaggio’s Der junge Mann mit der Laute
Caravaggios Gemälde Der Lautenist oder Junger Mann mit Laute ist ein eindrucksvolles Exponat in der Eremitage. Das Gemälde ist aber auch in mehreren anderen Museen auf der ganzen Welt zu sehen, wie zum Beispiel im Metropolitan Museum of Art in New York. Und noch immer sind sich die Experten uneins darüber, welches Werk das Original und welches eine Kopie ist.
Caravaggio schuf sein Bild 1595 im Auftrag des Kardinals del Monte. Größe 100 mal 126 Zentimeter. Und es wird in Öl gemacht. Auf dem Bild stellt der Künstler einen Jungen dar, der auf einem seltsamen Instrument spielt. Er hält eine Laute in der Hand, ein Instrument, das im Mittelalter sehr beliebt war.
Der Junge wurde nicht zufällig für diese Pose ausgewählt. Es wird angenommen, dass er ein Freund von Caravaggio war. Der Künstler hat ihn auch mehrfach in seinen Gemälden porträtiert. Der Junge hat dunkles, dichtes Haar. Er ist mit einem einfachen weißen Hemd bekleidet. Sein schwarzer Mantel liegt achtlos auf seinem rechten Arm. Sein Mund ist leicht geöffnet, aber man kann sehen, dass es ihm Spaß macht, ein Instrument zu spielen.
Auf der linken Seite des Gemäldes sind Blumen zu sehen, ein bunter Strauß mit gelben Gänseblümchen, kleinen roten Rosen und den üblichen Wildblumen. Und vor dem Mann mit der Laute steht ein Tisch.
Darauf befinden sich Notenhefte, in denen man sogar durch die Zeilen blättern kann. Auf dem Tisch liegen auch eine Geige und ein Bogen. Vielleicht ist der Junge auf dem Bild ein begabter Musiker, der mehrere Instrumente spielt. Neben diesem "musikalischen Durcheinander" auf dem Tisch liegen einige reife Früchte.
Caravaggio liebte das Gemälde selbst. Ihm gefiel alles: sein Freund, die Komposition, das Motiv, die Farben. Übrigens ist der Künstler bei der Wahl der Töne mit größter Verantwortung vorgegangen. In diesem Gemälde dominieren warme Töne.
Im linken Teil des Bildes wollte der Autor offensichtlich einige helle Punkte hinzufügen. So hat er Blumen und Früchte gemalt. Ohne sie wäre das Bild ausschließlich in milchigen Farbtönen gehalten gewesen.
Das Gemälde ist im Laufe seines Lebens viel gereist; es erschien im 19. Jahrhundert in Russland.
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Auf der Website des Eremitage wurde das Gemälde nach der Restaurierung präsentiert.
Im Hermitage befindet sich das Gemälde Der Lautenspieler von Caravaggio. Wenn man sich dem Bild nähert, nimmt man zunächst die blumigen Noten wahr, die von Iris, Margerite, Jasmin, Rose und Damaszenerrose ausgehen, zusammen mit einem Hauch von Frische von Pfirsich – und Orangenblättern. Im Hintergrund erklingt das fruchtige Thema eines Stilllebens (Feige, Pflaume, Birne), das auf einer Tafel aus künstlichem Marmor dargestellt ist und uns mit dem Raum des Bildes verbindet.
Die Kombination aus Blumensymbolik und Fruchtmotiven im Bild des Lautenspielers, der die Liebe besingt, betont die Harmonie zwischen dem Göttlichen und dem Irdischen, Himmel und Erde. Obwohl die Betonung des Genres Stillleben in der Malerei erst zwei Jahrzehnte später erfolgte, als Caravaggio wirkte, gilt dieser lombardische Künstler als Vorläufer dieses Genres.
Das beständige Streben nach Nachahmung der Natur durch die Darstellung von Blumen – und Fruchtkompositionen ist eine Form, die nicht nur einen bestimmten Inhalt vermittelt, sondern auch eine Art moralischen Selbstausdruck darstellt. Um den Duft, der in der Komposition des Lautenspielers verborgen liegt, wiederzugeben, wurden zehn Hauptnoten ausgewählt: sechs blumige und drei fruchtige Noten, auf deren Grundlage eine Parfumkomposition kreiert wurde, die im Hermitage-Saal vor dem Gemälde präsentiert wird.
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Der Fokus liegt auf der Laute, die er bedient. Das Instrument selbst, detailreich ausgearbeitet, dominiert den Bildraum und symbolisiert offensichtlich die zentrale Handlung der Darstellung. Daneben liegen Notenblätter und ein Bogen, was das musikalische Hobby weiterverdeutlicht. Die Notenblätter zeigen eine kalligraphische Schrift, die eine gewisse Bedeutung und Wertigkeit vermittelt.
Links von der Person befindet sich ein reichhaltiger Stillleben-Aufbau. Eine Vase mit Blumen, darunter weiße und gelbe Blüten, bietet einen Kontrast zur dunklen, fast theatralischen Hintergrundkulisse. Um die Vase herum liegen verschiedene Früchte – Pfirsiche, Trauben und andere, schwer zu identifizierende Objekte. Diese Komposition erzeugt eine Atmosphäre von Überfluss und Genuss, die möglicherweise mit dem künstlerischen Schaffen und der Wertschätzung der Künste assoziiert wird.
Die Beleuchtung, ein charakteristisches Merkmal dieser Art von Darstellung, ist dramatisch und intensiv. Ein starkes Licht fällt von oben links auf die Figur und die Instrumente, während der Rest des Bildes im Dunkeln liegt. Dieser Kontrast verstärkt die Wirkung und lenkt die Aufmerksamkeit auf die Hauptfiguren und Objekte. Die Schatten sind tief und verleihen der Szene eine gewisse Mystik und Dramatik.
Die Komposition wirkt ruhig und harmonisch. Die Anordnung der Elemente, sowohl die musikalischen Gegenstände als auch das Stillleben, ist sorgfältig durchdacht und trägt zur Gesamtstimmung des Werkes bei. Es entsteht der Eindruck einer intimen, kontemplativen Szene, die den Betrachter dazu einlädt, in die Welt der Musik und der Kunst einzutauchen. Die Szene suggeriert eine Atmosphäre der Ruhe, der Melancholie und der Schönheit. Der Künstler scheint hier eine Moment der Inspiration und künstlerischen Hingabe einzufangen.