Ein paar Worte darüber, warum Malerei immer noch wichtig ist Automatische übersetzen

Es ist erstaunlich, aber die Malerei braucht dringend ihre Verteidiger und Erklärer. Diese primitivste aller Künste, die bis in die Anfänge der Menschheitsgeschichte zurückreicht, scheint einen Großteil der modernen Zivilisation zu verwirren und sogar abzustoßen. Bis heute wird behauptet, die Malerei sei tot, aber die Nachricht vom Tod dieser Kunstform ist übertrieben - die Malerei ist immer noch in der Lage, neue Welten zu schaffen.

Im Zeitalter der kalten digitalen Bildschirme und der visuellen Manipulation durch künstliche Intelligenz wird uns gesagt, dass Leinwand, Öl und Pigment irrelevant oder irgendwie reaktionär geworden sind. Aber die Öffentlichkeit hat das nie bemerkt. Sie stehen Schlange, die Armen, um in die neueste Hockney-Ausstellung oder die aktuelle Van-Gogh-Ausstellung in der National Gallery zu gelangen, und kommen mit brummenden Köpfen wieder heraus, zu bewegt, um zu sprechen, nachdem sie einen emotionalen Schlag wie den einer großen Symphonie, gespielt von einem großen Orchester, erlebt haben.

Aber in unserem konzeptionellen Zeitalter mögen Pinsel aus Tierhaaren, Farben aus Stein, Pflanzen oder gerösteten Ochsenknochen, Öle aus zerstoßenen Samen, die auf Holz oder gewebte Fasern aufgetragen werden, unzulässig altmodisch erscheinen, ein aussterbendes Lied aus vergangenen Zeiten.

Die Malerei braucht also ihre Propagandisten. Martin Gayford ist neben Michael Prodger vom New Statesman und einer ganzen Schar talentierter Zeitungskritiker und Rundfunksprecher einer der faszinierendsten von ihnen. Seine Bücher decken alles ab, von der Kunst Venedigs bis zur britischen Moderne; er hat eng mit Lucian Freud und David Hockney zusammengearbeitet; und er schreibt, Gott sei Dank, für ein allgemeines Publikum und nicht für die jesuitischen Theoretiker der höheren Kunstakademien.

Gayford weiß, dass die Malerei oft aus der Mode gekommen ist: In seinem neuen Buch schreibt er, dass die Mitte der 1980er Jahre eine Zeitspanne war, „in der diese Kunstform an den Rand gedrängt, für tot oder untot erklärt wurde - so wie es mehr als einmal der Fall war, was sich leicht ausrechnen lässt, seit der französische Maler des neunzehnten Jahrhunderts, Paul Delaroche, die Malerei 1839 zum ersten Mal für tot erklärte“.

Die Stärke dieses Buches liegt darin, dass es sich von den großen Künstlern der Vergangenheit - Gayford scheint alles gesehen und über alles nachgedacht zu haben - zu zeitgenössischen Künstlern wie Oscar Murillo, Jade Fadoyutimi, Cecily Brown, Eric Fischl und Frank Bowling bewegt, mit denen er sich austauscht und über die er mit Begeisterung spricht.

Indem er Kapitel um Kapitel über Farbbeziehungen, Pinselführung, Komposition, Thema, Gegenstand, Raum, Beziehungen zur Fotografie usw. behandelt, führt Gayford ein lebendiges Gespräch zwischen der zeitgenössischen Malerei und dem Werk von Vorgängern wie Giotto, Tizian und Cézanne. Dies erfordert natürlich ein prächtig illustriertes Buch, und ich würde sagen, dass die 35 Pfund, die für einen solch prächtigen Band verlangt werden, den Preis durchaus wert sind.

Über die Meister zu schreiben ist ein sicheres und bewährtes Geschäft, aber Gayford geht es mit einer ansprechenden Skepsis an. In einem Kapitel mit dem Titel „Was bedeutet Rothko?“ setzt er sich mit dem Beharren des russisch-amerikanischen Künstlers auf der erhabenen, spirituellen Natur seiner Malerei auseinander und wie wichtig es ist, dass viele Menschen vor seinen Leinwänden weinen. Er zitiert den verstorbenen New Yorker Kritiker Clement Greenberg, den Gayford 1990 traf, als Greenberg 81 Jahre alt war: „Leute, die über Bedeutung reden! Ich kümmere mich nicht um Bedeutung. Ich kann damit nicht umgehen, ich kann sie nicht erkennen - und wenn ich sie erkenne, denke ich, dass sie keine Rolle spielt. Wenn ich das Wort ’spirituell’ höre, habe ich das Gefühl, meinen Revolver zu entsichern.“

Auf die Frage, wer von beiden recht hat, gibt Gayford zu: „Wie Greenberg nehme ich nichts als Farben, Formen und Farbspuren wahr, wenn ich Rothko betrachte.“ Das ist bewundernswert ehrlich, aber für viele Kunstliebhaber, für die Rothko ein Tor zum Paradies oder zur Vergessenheit oder zu etwas Größerem ist, ist es jedenfalls Ketzerei. Gayford fährt jedoch fort zu erklären, dass er, je länger er vor einem gelben und roten Rothko-Gemälde (1952-53 und „ziemlich ärgerlich betitelt „Ohne Titel“) verweilt, umso mehr sieht, subtile Verschiebungen und Nuancen von Berührung und Farbe wahrnimmt, während das Gemälde selbst die Führung übernimmt, so dass ich, als ich es mehr und mehr ansah, überhaupt nicht mehr dachte. Mein Geist war von dem Gemälde erfüllt; meine Erfahrung bestand nur darin, es zu betrachten.“

Dies ist eine so klare Beschreibung der Erfahrung der Betrachtung eines großen Bildes, wie ich sie noch nie gelesen habe. So wie jemand, der eine Mahler-Sinfonie nie in einem Konzertsaal, sondern nur über Kopfhörer gehört hat, Mahler nie richtig erlebt hat, so kann man ein Gemälde auch nicht durch die Illustrationen im besten Buch wirklich erleben.

Man muss mit dem ganzen Körper vor dem Werk stehen, eine angemessene Zeit lang, mit voller Konzentration. Dann ist man wirklich „erfüllt von dem Bild“, und alles verändert sich. Und das ist wirklich alles, was man wissen muss - nicht die endlosen Feinheiten der Kunstgeschichte oder Argumente darüber, wie bestimmte Bilder entstanden sind. Das Wichtigste ist, einfach da zu sein.

Gayford ist natürlich ein professioneller, bezahlter, lebenslanger Betrachter, daher sieht er, was der Rest von uns vielleicht übersieht: Wie Picasso die „Lebendigkeit der 1960er Jahre“ in den säurehaltigen, elektrischen Farbkombinationen eines Stilllebens von 1931 vorwegnahm, das auch die Form seiner aktuellen Geliebten verdeckt; oder die engen Verbindungen zwischen den Markern des britisch-haitianischen Malers Bowling und dem späten Tizian; oder die unheimlichen Echos zwischen Picassos berüchtigten „Avignon Demoiselles“ (1907) und dem tief religiösen El Greco des frühen 16.

Diese Entdeckungen machen viel Spaß, und ich habe viel über Gemälde gelernt, von denen ich dachte, dass ich sie bereits verstehe. Aber es gibt nichts besonders Schwieriges oder „Internes“. Gut über Kunst zu schreiben ist schwierig, weil es Klarheit bedeutet. Es geht darum, komplexe und nuancierte Antworten auf komplexe Werke so einfach und offensichtlich wie möglich zu machen.

Vielleicht bin ich ein voreingenommener Rezensent, weil Gayford mit Begeisterung viele meiner persönlichen Kunsthelden bespricht, vom italienischen Meister Giotto bis zur englischen abstrakten Malerin Gillian Ayres, und auch Künstler vorstellt, die ich noch nicht kannte, die ich aber jetzt aufspüren werde. Nachdem er über den großen Velázquez und seine „Las Meninas“ (1656) gesprochen hat, kommt er zu dem Schluss, dass die Malerei einen in ihren Bann ziehen, fesseln und ein Leben lang begleiten kann:

„Sie kann tiefe Paradoxien enthalten, die man wahrnimmt, ohne dass man denken muss, zumindest mit Worten, denn das Sehen ist eine Art des Denkens. Jedes gelungene Bild schafft eine neue Welt, in die wir eintauchen können, solange wir daran interessiert sind, es zu betrachten.“

Glücklicherweise werden diese neuen Welten weiterhin überall um uns herum von leidenschaftlichen, engagierten Künstlern geschaffen. Als jemand, der versucht, jeden Tag in irgendeiner Form zu malen - meistens zeichnet sie, und wenn sie kann, schreibt sie - und findet, dass dies das Herausforderndste und Faszinierendste ist, was man in einer Woche tun kann, herausfordernder sogar als für den New Statesman zu schreiben, frage ich mich oft, wo ich anfangen soll, wenn ich erkläre, worum es dabei geht.