1916 Guitariste Pablo Picasso (1881-1973) Period of creation: 1908-1918

Die Malerei präsentiert eine fragmentierte Darstellung einer menschlichen Figur mit einer Gitarre. Der Künstler hat die Form des Musikers und Instruments nicht naturalistisch wiedergegeben, sondern in geometrische Elemente zerlegt und neu zusammengesetzt. Hier sehen wir eine Anordnung von Rechtecken, Dreiecken und anderen polygonalen Flächen, die sich überlagern und miteinander verschmelzen. Die Farbpalette ist gedämpft gehalten; dominieren doch Brauntöne, Grauabstufungen, Olivgrün und vereinzelte blaue Akzente.
Die Gitarre selbst wird als eine Art abstraktes Objekt dargestellt, dessen Saiten durch feine Linien angedeutet sind. Sie scheint in die Figur integriert zu sein, verschwimmt mit ihrem Körper. Die Hände des Musikers, die auf den Hals der Gitarre treffen, sind ebenfalls stark stilisiert und wirken fast wie separate geometrische Formen.
Ein wesentliches Merkmal dieser Darstellung ist die Mehrperspektivität. Der Künstler hat scheinbar verschiedene Blickwinkel gleichzeitig eingefangen und in einer einzigen Ebene zusammengeführt. Dies führt zu einer Auflösung der räumlichen Tiefe und erzeugt ein Gefühl von Bewegung und Dynamik. Die einzelnen Elemente sind nicht klar voneinander abgegrenzt, sondern fließen ineinander über, was die Wahrnehmung erschwert und den Betrachter dazu anregt, das Bild aktiv zu rekonstruieren.
Subtextuell könnte diese Darstellung als eine Reflexion über die Zersplitterung der Moderne interpretiert werden. Die Fragmentierung des menschlichen Körpers und der Gitarre spiegelt möglicherweise die Auflösung traditioneller Werte und Strukturen wider, die durch den Ersten Weltkrieg und andere gesellschaftliche Umwälzungen hervorgerufen wurde. Die Musik, hier symbolisiert durch die Gitarre, könnte als ein Versuch verstanden werden, Ordnung und Harmonie in einer zunehmend chaotischen Welt zu finden – eine Suche nach einem Ausdruck jenseits der konventionellen Darstellung. Die gedämpfte Farbgebung verstärkt diesen Eindruck von Melancholie und Kontemplation. Die Anordnung der Flächen suggeriert zudem eine Art inneren Dialog oder einen Prozess der Transformation, bei dem die äußere Form einer ständigen Veränderung unterworfen ist.