Peter Paul Rubens (1577-1640)

Der große Künstler Peter Paul Rubens wurde am 28. Juni 1577 durch den Willen des Schicksals außerhalb der Heimat seiner Vorfahren in der deutschen Kleinstadt Siegen (Westfalen) geboren. Das sechste Kind des Rechtsanwalts Jan Rubens und der Kaufmannstochter Maria Papelinks sollte Anführer der aufkommenden neuen Ästhetik und Kunst Flanderns werden - ein Staat, den es im Jahr der Geburt des Malers noch nicht einmal auf der politischen Landkarte gab die Welt. Erst 1609 wurde der lang erwartete Waffenstillstand zwischen Spanien, Holland und Flandern geschlossen, der den Grundstein für die Wiederbelebung eines durch viele Jahre Krieg zerstörten Landes legte.

In Flandern spielte die katholische Kirche, wie in vielen Staaten des mittelalterlichen Europas, eine wichtige Rolle im Leben des Staates, gepaart mit dem feudalen Adel, der sie unterstützte, und der höchsten Bürgerschicht. Es waren diese Schichten der High Society, die die Hauptabnehmer von Kunstwerken waren. Aus diesem Grund wurden in der flämischen Malerei häufig majestätische Altarbilder verwendet, die im Auftrag der katholischen Kirche angefertigt wurden, sowie großformatige Gemälde, die die Burgen und Stadtpaläste des adligen Antwerpen schmücken sollten. Die Hauptgattungen in der Kunst waren mythologische Szenen, biblische Themen, prächtige Stillleben, Zeremonienporträts und Jagdszenen.

Jan Rubens war Vertreter einer alten Antwerpener Familie. Seine Flucht nach Deutschland im Jahr 1586 wurde durch eine mitfühlende Haltung gegenüber dem Protestantismus verursacht. Zunächst ließ sich die Familie in Köln nieder, wo ein angesehener Anwalt die Position der Rechtsanwältin Anna Saxon, der Frau von Wilhelm I. von Oranien, erhielt, der Anführerin des niederländischen Widerstands. Bald gab es zwischen dem Anwalt und der Prinzessin eine Liebesbeziehung, die mit der Geburt ihrer Tochter endete. Der Skandal, der ausbrach, hätte Jan Rubens beinahe getötet - er wurde von Wilhelm zum Tode verurteilt, was den damaligen Gesetzen voll und ganz entspricht. Nur durch die unglaublichen Anstrengungen seiner Frau Rubens konnte er sich aus dem Gefängnis befreien, um in der kleinen Stadt Siegen ins Exil zu gehen. Dort lebte die ganze Familie bis zum Tod von Jan Rubens, der 57 Jahre nach langer Krankheit starb. Erst danach, 1578, konnte Maria mit ihren drei jüngsten Kindern, den Söhnen Peter und Philip sowie der Tochter Blandina, nach Antwerpen zurückkehren.

Rückkehr nach Antwerpen

Peter und Philip wurden nach Antwerpen geschickt, um an der Lateinschule von Rombouts Verdonka zu studieren, in der sie bis 1590 blieben. Bald heiratete ihre Schwester, und seine Mutter schickte Philip an die Universität von Louvain, damit er in die Fußstapfen seines Vaters treten konnte und ein angesehener Anwalt werden. Und der jüngere Peter trat, wie es in adligen, aber nicht wohlhabenden Familien üblich war, in den Dienst einer Seite an Margarita de Lin, Witwe des Grafen Philip de Dalen. Dort lernte Rubens die Hofetikette und exquisite Manieren und erkannte auch, dass seine einzige Berufung das Malen war. Obwohl die Mutter es Peter ermöglichte, den Beruf eines Künstlers zu ergreifen, nahm sich der junge Mann viel Zeit.

In den ersten Lehrern ihres Sohnes wählte Maria ihre entfernten Verwandten - die Künstler Tobias Verhacht (1561-1631) und Adam Van North (1561-1641). Der zweite von ihnen war wirklich ein wundervoller Maler, der von seinen Zeitgenossen hoch geschätzt wurde, aber er galt als eigensinniger Mensch, der seine Schüler ziemlich unhöflich behandelte. Bald betrat Rubens die Werkstatt von Otto van Weet (Venius) (1556-1629) - dem berühmtesten Antwerpener Maler. Der Lehrer hatte einen ernsthaften Einfluss auf Peters Wahrnehmung der künstlerischen Ästhetik, vermittelte ihm die Fähigkeit zu gründlichem Studium und Komposition und entwickelte ein Interesse an den intellektuellen Aspekten der Malerei. Rubens verbesserte seine Kunst nach den Prinzipien seines letzten Lehrers, auch nachdem er ein unabhängiger Künstler geworden war und 1598 der Antwerpener Lukasgilde beigetreten war.

Leben in Italien

Rubens war sich wie viele flämische Maler, darunter Otto van Weet, absolut sicher, dass "das wahre Licht der Kunst nur aus Italien kommt". Anfang Mai 1600 eilte er seinem Traum zu, besessen von der Idee, in diese Schatzkammer der Malerei, Skulptur und Architektur zu fallen, um das Wesen der Kunst zu erfassen. In Italien angekommen, arbeitete der Maler viel, lernte die Technik alter Meister und kopierte ihre Leinwände. Er wurde von Leonardo da Vinci, Correggio und Michelangelo erobert. Den größten Einfluss hatten jedoch die Werke von Tizian sowie die zeitgenössischen Künstler Michelangelo da Caravaggio und die Carracci-Brüder.

Rubens hat verstanden, dass es nicht ausreicht, nur Kunst zu studieren, um ein „großer Künstler“ zu werden, sondern sich in die Kultur, Sitten und Gebräuche des italienischen Volkes eintauchen zu lassen. Daher trat der Künstler Ende 1600 in den Dienst des Hofmalers des Herzogs von Mantua Vincenzo I. Gonzago, der als freundlicher und bescheidener Sammler, Mäzen und leidenschaftlicher Verehrer von Kunst und Wissenschaft bekannt war. In seinem Auftrag kopierte Rubens viele Werke berühmter Meister. Der Künstler erfüllte nicht nur seine direkten Aufgaben, sondern beteiligte sich auch häufig an den diplomatischen Angelegenheiten des Herzogs.

Zum Beispiel war es Rubens, der 1603-1604 Geschenke von Vincenzo I. an den König von Spanien, Philipp III., Und seinen Ministerpräsidenten, Herzog von Lerma, brachte. Die Wände des Gonzago-Palastes waren mit einer ganzen Sammlung von Porträts von "den schönsten Damen der Welt: sowohl Prinzessinnen als auch Frauen ohne Titel" geschmückt. Eine Reihe von Porträts dieser berühmten Reihe von historischen Archiven wurden von Peter gemacht. Leider ist die „Galerie der Schönheiten“ bis heute nicht erhalten, aber vielleicht wurde der Künstler gerade deshalb an den Hof des spanischen Königs geschickt.

Mit der Zeit litt Rubens ’Stolz stark unter der Tatsache, dass Gonzago sein Talent ausschließlich dazu verwendete, Kopien zu erstellen, wenn auch großartige, aber fremde Gemälde. Der Künstler akzeptierte auch nicht die akzeptierte Technik, benutzerdefinierte Porträts zu schreiben, wenn das Gesicht des Modells einfach in das vorbereitete Kompositionsschema aus der Natur passte.

Rubens hatte die Fähigkeit, seine unkonventionelle Herangehensweise an jedes Genre zu finden, egal wie interessant er war, und hauchte dem strengen "kanonischen" Rahmen des Gerichtsporträts neues Leben ein gefrorene Zusammensetzung. Der Künstler brachte Bewegung und Leben in das Porträt-Genre ein, fügte der Farbigkeit hinzu und verstärkte die Bedeutung des umgebenden Landschaftshintergrunds, was ihn zu einem würdigen Ausdruck monumentaler Kunst machte. Rubens malte nach acht Jahren in Italien zahlreiche Porträts von Aristokraten, zum Beispiel Marquise Bridgid Spinola-Dorpa (1606, National Gallery, Washington), „Selbstporträt mit Freunden aus Mantua“ (ca. 1606, Wallraf-Richartz-Museum, Köln)) sowie ein Porträt seines Schutzpatrons - des Herzogs von Mantua.

Hervorragend entwickeltes visuelles Gedächtnis, sorgfältiges Training und strenge Disziplin ermöglichten es dem Meister, bei der Erstellung von Skizzen und Zeichnungen eine Genauigkeit und Härte seiner Hand zu erreichen, die für seine Zeitgenossen nicht mehr gleichwertig war. Dank dessen erhielt Rubens entgegen der Behauptung aller besten italienischen Künstler den Großauftrag, ein Altarbild für den Altar von Chiesa Nuova zu schreiben.

Hinter der Ausführung dieses Befehls stand die beunruhigende Nachricht von einer schweren Erkrankung seiner Mutter. Rubens eilt Ende des Sommers 1608 nach Antwerpen, hat aber keine Zeit, Mary Papelins lebend zu fangen. Die Künstlerin machte sich große Sorgen um ihren Tod. In Erinnerung an die „besten Mütter“ errichtete er auf ihrem Grab eine Statue, die er als Altarbild für Chiesa Nuova in Rom anfertigte. Trotz eines so tragischen Ereignisses kehrte der Maler in einem sehr guten Moment in seine Heimat zurück. Schließlich wurde mit Spanien der lang ersehnte zwölfjährige Frieden geschlossen, der den Frieden und den Wohlstand des Landes ankündigte.

Vertraute der Infantin Isabella

Als Erzherzog Albert und Infanta Isabella im Namen der spanischen Krone, die zu dieser Zeit Flandern regierte, von der Rückkehr des bereits sehr berühmten Malers in seine Heimat erfuhren, luden sie Rubens zum Dienst ein. Und damit der Kapitän zustimmte und nicht nach Italien zurückkehrte, wo er eine stabile Position und ein hohes Gehalt hatte, bot das herrschende Paar Peter bedeutende Zugeständnisse und eine Reihe attraktiver Privilegien.

So wurde Rubens eine goldene Kette verliehen, da er die Ehrenposition eines Hofkünstlers innehatte, und für jedes bestellte Werk wurde ein hohes festes Honorar festgesetzt. Zusätzlich wurde ihm eine bedeutende zusätzliche Belohnung versprochen. Entgegen den Regeln, nach denen ein Maler nach Brüssel ziehen musste, um am Hof der Gönner zu wohnen, durfte Rubens in Antwerpen bleiben, er wurde von Steuern und den Regeln der Lukasgilde befreit.

Kein Künstler konnte solche Bedingungen ablehnen, so dass Rubens nicht mehr nach Italien zurückkehrte. Ausgestattet mit einem subtilen Verstand, einem Gespür für Takt, Charme und der Fähigkeit, einen Gesprächspartner zu haben, machte der Künstler eine glänzende Karriere als Diplomat, was auch durch die Tatsache erleichtert wurde, dass er ständig mit den einflussreichsten und reichsten Adligen kommunizierte viele Länder. Der weitsichtige Infant Isabella verstand genau, dass die Kunst des Meisters ihm freien Zugang zu vielen edlen königlichen Häusern Europas gewährte. Sie beschloss, dies auszunutzen und machte Rubens zu ihrem inoffiziellen Boten. Während der Porträtsitzungen führte der Künstler geheime Verhandlungen für die spanische Krone. Aufgrund der erhaltenen historischen Dokumente können wir den Schluss ziehen, dass die meisten von ihnen ein positives Ergebnis erbracht haben.

Liebe

Bald wurde auch das Privatleben des Meisters angepasst. Im Jahr 1609 traf Rubens den Sekretär des Stadtgerichts in Antwerpen, Jan Brant. Seine junge schöne Tochter Isabella eroberte mit ihrem Charme Rubens das Herz des Künstlers. Die 32-jährige Künstlerin heiratete sie nur wenige Monate später, am 3. Oktober 1609. Die glückliche Ehe des Künstlers beruhte auf zärtlicher und starker Liebe. Rubens zeigte sein Glück im Film "Selbstbildnis mit Isabella Brant" (1609-1610, Alte Pinakothek, München).

Die Leinwand zeichnet sich durch besondere Pracht, Virtuosität und Brillanz aus. Der Maler malte sorgfältig alle Schmuckstücke und Details teurer Kostüme und zeigte ein genaues und zartes Muster. Auf dem Gesicht von Isabella Brant wird aufrichtige Freude und Glück gelesen, hervorgehoben durch ein sanftes, fast unmerkliches Lächeln. Der Künstler porträtierte sich ruhig und sah den Betrachter an. Ein offener Blick und die richtigen Züge unterstreichen den Adel und die Würde von Rubens, seiner Aristokratie. Und obwohl das Selbstporträt dem klassischen Zeremonienporträt nahe kommt, geht der Künstler in seiner Arbeit über den strengen traditionellen Rahmen dieses Genres hinaus und gibt dem Betrachter die Möglichkeit, seine Liebe und Zuneigung zu seiner jungen Frau, deren gegenseitiger Zustimmung und Zärtlichkeit zu spüren.

Nachdem Rubens über die langen Jahre seines Zusammenlebens mehrere Porträts seiner geliebten Frau angefertigt hatte, porträtierte er Isabella immer sehr wahrheitsgetreu, genau und mit großartigem Gefühl, wobei der Hintergrund des Bildes dunkel und verschwommen blieb, um den Betrachter nicht vom Gesicht abzulenken ihrer geliebten Frau.

Universelle Anerkennung und pädagogische Talente

Riesiger Erfolg und Anerkennung brachten dem Maler Wohlstand, von dem seine Eltern, erschöpft von ihrem schwierigen Schicksal, nicht einmal träumen konnten. 1610 erwarb er ein geräumiges Haus, an das er ein Atelier anschloss, verzierte die Fassade mit einer Skulptur und verwirklichte so seine in Italien entstandenen Architekturprojekte. In diesem stilisierten Palazzo in Antwerpen ließ sich der Künstler mit seiner Familie nieder.

Das Debüt des Künstlers in seiner Heimatstadt war ein Großauftrag für den Saal des Antwerpener Rathauses - die Leinwand „Anbetung der Hirten“ (1608, Antwerpen). Das Gemälde fühlt sich stark von der italienischen Malerei beeinflusst, mit hellen Schwarz-Weiß-Kontrasten, die das Kennzeichen des künstlerischen Stils von Michelangelo da Caravaggio waren, den Rubens in seinen Werken dieser Zeit häufig zu religiösen und mythologischen Themen verwendete. Die kompositorische und koloristische Konstruktion „Anbetung der Hirten“ wiederholt fast genau die Leinwand „Nacht“ von Correggio mit nur wenigen Ergänzungen. Bei dieser Gelegenheit sprach der französische Künstler Delacroix einmal aus und stellte fest, dass Rubens "eine einzigartige Gabe besaß, um alles andere aufzunehmen… Er war voller großartiger Beispiele und baute sie gemäß dem Anfang um, den er in sich trug."

Die frühen Werke von Rubens zu religiösen Themen lassen auch das Umdenken der italienischen Erfahrung deutlich werden. Der Künstler arbeitete an Aufträgen für die Kirche und fühlte sich nie durch den klaren Rahmen der Kanone eingeschränkt. Die Aufführung von zwei Triptychen für die Ortskirche: „Erhöhung des Kreuzes“ (um 1610-1611, Antwerpener Dom) und „Abstieg vom Kreuz“ (1611-1614, Antwerpener Dom) bescherte Rubens den Erfolg und Ruhm des besten Malers nicht nur von Antwerpen, sondern von ganz Flandern. Es ist bekannt, dass der Meister die Komposition „Erhebung des Kreuzes“ in Italien erfunden hat, aber er konnte sie nur zu Hause realisieren. Die greifbare Materialität aller Objekte und die scharfen Lebensmerkmale aller Helden dieser Leinwand zeigen auch den stärksten Einfluss der italienischen Schule. Mit den Werken des großen Caravaggio sind das Werk und die offensichtliche innere Spannung und Dynamik aller Posen und Gesten der mit dramatischem Ausdruck erfüllten Helden verbunden.

Die kompositorische Konstruktion von Gemälden, die zwei auf Golgatha gespielte Dramen darstellen, ist stark und bedeutsam. Jeder Charakter hat seinen eigenen einzigartigen Charakter, der am besten durch die Interaktion mit der Umgebung und anderen Figuren zum Ausdruck kommt. Die Hände Jesu, die sich im zentralen Teil der Leinwand "Erhöhung des Kreuzes" befinden, sind nicht weit gespreizt, sondern stehen über dem Kopf, sein Gesicht ist durch einen unerträglichen Schmerzanfall verzerrt, seine Finger sind fest zusammengedrückt, die Muskeln Sein ganzer Körper ist angespannt. Die scharfen Verkürzungen aller Figuren, die spürbaren Anstrengungen der Henker, die das Kreuz heben, das unruhige Leuchten von Licht und Schatten bilden einen einzigen dynamischen Impuls, der Natur und Mensch vereint. Der Künstler tat alles, damit die Gläubigen, die sich dieses Werk anschauten, nicht den geringsten Zweifel an dem größten Opfer hatten, das der Sohn Gottes für sie brachte.

Der „Descent from the Cross“ hat einen völlig anderen Klang. Der plastische, anmutige, fast anmutige Körper Jesu ist schwerelos. Rubens vergleicht Seine schöne Blume, die von einer unbarmherzigen Hand geschnitten wurde. Mit unglaublicher Anstrengung bemühen sich Seine Nächsten, das Gewicht des leblosen Leibes Christi aufrechtzuerhalten. Neben Jesus sehen wir seine Mutter und seine Freunde sowie „die liebevollste und schwächste Frau, in deren Zerbrechlichkeit, Gnade und Reue alle irdischen Sünden verkörpert sind, die vergeben, gefühlt und jetzt erlöst wurden“ von der Leinwand. Im Allgemeinen ist die Komposition prägnant, in ihr sehen wir keine Bilder von unerträglichen Qualen, Schreien, scharfen Gesten, Tränen. Unsere Liebe Frau hält Schluchzen zurück. Nur ihre von Tränen geröteten Augen auf ihrem tränenbefleckten Gesicht und die zurückhaltende Geste ihrer Hände vermitteln ihren unaussprechlichen Kummer.

In dieser Handlung wurde der Maler von menschlichen Leidenschaften und Erfahrungen angezogen, was wahrscheinlich der Grund dafür ist, dass er persönlich die Tragödie erlebte, einen geliebten Menschen zu verlieren, und so überzeugend und brillant in der Lage war, dieses Werk zu schreiben und von den Sorgen der Verwandten über die Toten zu erzählen. Anders als bei der Anbetung der Hirten offenbarten die geschaffenen Triptychen die ganze Breite von Rubens ’Talent, das sich in der Größe der Bilder, der Macht der Verallgemeinerung, dem tiefen Lebensinhalt und der lebhaften Unterhaltung widerspiegelte - dies sind die charakteristischen Merkmale des Individuums Stil des Meisters, der in allen seinen nachfolgenden Arbeiten zu sehen ist.

So erhielt Rubens von seinen Zeitgenossen den Titel "Gott aller Maler". Der große Erfolg des Künstlers, der die Öffentlichkeit mit außergewöhnlicher Monumentalität, Ausdruckskraft und Dramatik seiner Werke beeindruckte, zog viele Studenten an. Bald galt das Atelier des Malers als beste Berufsschule in Flandern.

Der Künstler hat immer versucht, in jedem seiner Schüler ein individuelles Geschenk zu entwickeln. Aber die Anzahl der Leute, die sich für das Great Rubens-Training anmelden wollten, war so groß, dass viele sich weigern mussten. Unter den "Abgelehnten" befanden sich sogar enge Freunde und Verwandte des Meisters, was sein Leben ernsthaft erschwerte. In einem Brief an seinen Freund Jacob de Bi vom 11. Mai 1611 schrieb Rubens: „Ich kann den jungen Mann, den Sie mir empfehlen, wirklich nicht akzeptieren. Anfragen von allen Seiten belagern mich so sehr, dass einige Studenten schon seit mehreren Jahren auf andere Meister warten, damit ich sie annehmen kann. "Ich kann mit völliger Wahrhaftigkeit und ohne die geringste Übertreibung sagen, dass ich gezwungen war, mehr als hundert Kandidaten abzulehnen, einschließlich meiner Verwandten oder Verwandten meiner Frau, und dies verursachte tiefes Missfallen bei einigen meiner besten Freunde." Die Anzahl der Aufträge des Malers war wahnsinnig groß.

Um viele seiner Aufträge zu erfüllen, war Rubens gezwungen, seine Studenten anzuziehen. Der deutsche Künstler Joachim von Zandrart schrieb dazu: „Yoon (Rubens) hat die Komposition des zukünftigen Gemäldes immer selbst auf einer zwei- oder dreistufigen Skizze komponiert, nach dieser Skizze malten seine Schüler ein Bild auf Leinwand, das er dann malte mit einem Pinsel bestanden oder selbst die wichtigsten Stellen durchgeführt. ”Der Künstler schrieb seine besten Werke selbst. Zandrart lobte Rubens als Lehrer. In seiner Abhandlung über den Meister bemerkte er, dass er alle seine Schutzzauber "sorgfältig trainierte" und "sie in Übereinstimmung mit ihren Neigungen und Fähigkeiten benutzte". Graveure, Architekten und Bildhauer kamen aus Rubens Werkstatt, die vom Künstler in die Richtung geleitet wurde, zu der sie am fähigsten waren. Viele von denen, die in der Werkstatt des Malers studierten, machten später den Stolz und Ruhm der flämischen Schule aus. Die bekanntesten seiner Schüler sind Franz Slider (1579-1657) und Anthony Van Dyck (1599-1641).

Unübertroffene Handwerkskunst

In der Zeit von 1615 bis 1620 werden die Werke von Rubens noch ausdrucksvoller, erhalten kompositorische Komplexität, sind erfüllt von schnellen Bewegungen und ausgeprägten Merkmalen des Barockstils. Sogar die in dramatischen Szenen geschriebenen Werke dieser Zeit sind von der Fülle und Dynamik des Seins erfüllt, einem lebensbejahenden Charakter, der die gesamte Komposition durchdringt. Die Helden dieser erstaunlichen Gemälde wurden geistig und körperlich außerordentlich schön. Der Künstler wurde von Themen angezogen, die von der Ausdauer eines unbeugsamen menschlichen Geistes, seiner Fähigkeit zur Ausbeutung, dem heroischen Beginn, zum Beispiel der Arbeit „Die Schirmherrschaft der Römerin“ und „Christus in der Dornenkrone“, die beide umstanden, sprachen 1612 die Staatliche Eremitage in St. Petersburg.

Für die Figur Jesu in der Komposition „Christus in der Dornenkrone“ verwendete der Künstler seine frühe italienische Skizze der weithin bekannten antiken Skulptur „Centaur“. Diese Technik war keine Ausnahme, Skizzen von antiken Denkmälern dienten ihm jahrelang als eine der wichtigsten Inspirationsquellen. Aber in diesem Gemälde wurde die außergewöhnliche Stärke des kreativen Potentials des Meisters besonders deutlich zum Ausdruck gebracht.

Die Figur Christi, die mit einer antiken Statue verglichen wird, bewahrt einen ziemlich intensiven Geist, der für die meisten Werke von Rubens charakteristisch ist. Es ist der Ausdruck, den der Meister in das Bild der unendlich tragischen Figur Christi setzt, die sich in der Mitte der Komposition befindet, und der dem Bild eine außerordentliche Schärfe verleiht. Mit außergewöhnlicher Ausdruckskraft erzielte der Maler einen perfekten, harmonischen Kontrast zwischen dem hell geweihten Körper Jesu und dem dunklen Hintergrund der Leinwand und verband so das emotionale Leuchten mit perfekten technischen Techniken.

Als brillanter Kenner der antiken Kunst zeigte Rubens großes Interesse an mythologischen Themen. Der Künstler hat nie aufgehört, das Leben und die Schönheit des menschlichen Körpers zu bewundern. Dabei ist zu beachten, dass der Maler niemals die Bilder alter Meister kopierte, sondern die klassischen Ideale überdachte und sie in die "flämische Sprache" übersetzte. Rubens bewunderte die nationale Schönheit eines gesunden, blühenden, starken menschlichen Körpers. Vor allem interessierte sich der Künstler für die Verkörperung der physischen Kraft und Bewegung eines Menschen im lebendigen Fleisch. Und die besten Handlungen für ein solches Gemälde könnten aus der reichen griechischen Mythologie stammen. Die bekanntesten Gemälde dieser Zeit waren Bacchanalia (um 1615, Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste) und die Entführung von Leucippus ’Töchtern (um 1618-1620, Alte Pinakothek, München).

Alle Bewegungen in diesen Gemälden sind ungewöhnlich emotional, Gestengesten werden durch die sich schnell entwickelnden Bekleidungsstoffe betont. Rubens baut mit viel Liebe komplexe und spektakuläre Kompositionen und bevorzugt Diagonalen, Ellipsen oder Spiralen.

In der Arbeit „Die Entführung der Töchter des Leukippus“ werden also sowohl Menschen als auch Pferde in Zeiten äußerster körperlicher Belastung dargestellt. Die Körper von jungen Frauen, die um Hilfe beten, bilden ein komplexes Muster in Bezug auf Farbrhythmus und lineare Struktur. Die allgemeine „nervöse“ Silhouette einer Gruppe, die sich fast perfekt in den Kreis einfügt, wird durch ausdrucksstarke Gesten gestört. Das Pathos der Arbeit wird durch den außergewöhnlich niedrigen Horizont unterstrichen, dank dessen die Figuren noch spektakulärer aussehen und sich in einen aufgeregten bewölkten Himmel wölben. Die kompositorische Konstruktion wird von scharfen Diagonalen dominiert, die nach oben gehen.

Die große Kraft der Liebe, die alle Hindernisse überwinden kann, zeigt Rubens im Gemälde Perseus und Andromeda (1620-1621, Eremitage, St. Petersburg). Hier erscheint Perseus, der Sohn von Danai und Zeus, vor uns als die höchste Verkörperung eines Helden, der zu jeder Leistung fähig ist. Der Sieger des Seeungeheuers, vor dem er die schöne Andromeda gerettet hat, ist mit dem Kopf der Medusa Gorgon auf dem Schild und zahlreichen magischen Artefakten abgebildet, die ihm helfen, mit Hindernissen umzugehen. Die intensive innere Dynamik jeder Linie und Form unterstreicht das heroische Thema der Arbeit. Aufgeregte Posen wunderschöner Figuren auf dem Bild werden als Echo einer jüngsten Schlacht wahrgenommen. Die Figuren der Göttin des Ruhms und der Amoren verleihen dem pathetischen Klang eine gewisse Komposition. Dazu trägt auch die Farbgebung der Leinwand bei. Durch Übergänge von überraschend transparenten Tönen zu satten, hellen Farben werden mehrfarbige, bunte Überläufe und Luftigkeit erzielt, die eine einzige Symphonie des Werks ergeben. Der Künstler übersetzte die bekannte mythologische Geschichte in die lebendige Sprache Flanderns, fügte viele realistische Details hinzu, die für die Bewohner seines Landes charakteristisch sind, enthüllte den Inhalt des Mythos auf neue Weise und verlor dabei nichts vom Original.

Einen wichtigen Platz in der Kunst des 17. Jahrhunderts nehmen Porträts von Rubens ein, die sich auf die reife Zeit seines Schaffens beziehen. Sie enthüllen den ganzen Charme der malerischen Sprache des Künstlers. Rubens entwirft Werke dieses Genres und tritt damit als wahrer Nachfolger der Traditionen der Hochrenaissance auf, beschränkt sich jedoch nur auf den Rahmen äußerer Ähnlichkeit und geht nicht auf die psychologischen Merkmale und emotionalen Erfahrungen von Modellen ein. Absolut alle Helden der großen Flamen strotzen vor Leben. Er interpretierte sowohl männliche als auch weibliche Bilder so, wie sie gerne in Porträts einer Dame dargestellt werden: zuerst angenommene kanonische Schönheit, dann individuelle Ähnlichkeit. In seinen Porträts hat der Maler alle notwendigen Zeichen seiner Zeit und die Position seiner Vorbilder in der Gesellschaft perfekt vermittelt.

Das „Porträt der Königin Maria Medici“ (um 1622, Prado, Madrid) kann als anschauliches Beispiel dafür dienen, wie Rubens Frauen malte - unveränderlich schöner Teint, hohe aristokratische Stirn, sehr ordentliches Kinn und weit aufgerissene leuchtende Augen. Ein weiteres Merkmal aller vom Maler geschaffenen weiblichen Bilder war die elegante Fülle als unveränderliches Attribut von Weiblichkeit und Attraktivität.

Das „Porträt des Kammerherrn Infanta Isabella“ (um 1625, Eremitage, St. Petersburg) ist auch ein hervorragendes Beispiel für das Porträt des Meisters. Mit Hilfe von hellgoldenen Reflexen, kalten Lichtern und transparenten Schatten vermittelt die Künstlerin den strahlenden Charme eines fröhlichen jungen Mädchens. Rubens bereicherte die Charakterisierung seiner Modelle großzügig, indem er ihre soziale Rolle bekräftigte. Einen wichtigen Platz in der kompositorischen Struktur des zeremoniellen Porträts spielten Details wie das Drehen des Kopfes, ein spektakulärer Blick, die Position der Figur im Raum, eine festliche Atmosphäre. Er verlieh den Aristokraten ein Gefühl der Überlegenheit und ein gewisses Maß an Arroganz, das sie gleichzeitig nicht ihres vitalen Charmes beraubte. Und der Künstler deckte alle ungesagten Nuancen mit Hilfe eines Anzugs auf.

Es gab zwar auffällige Ausnahmen, zum Beispiel „Porträt von Elena Furman mit zwei Kindern“ (um 1636, Louvre, Paris) weist fast keine offensichtlichen Anzeichen eines barocken Paradeporträts auf. Es gibt keine teuren üppigen Klamotten und Luxusaccessoires. Aber die gesamte Komposition des Werkes ist von strahlendem, heiterem Glück erfüllt. Die Bilder von Mutter und Kind sind voller natürlicher Leichtigkeit und besonderer Ausdruckskraft. Dieses Porträt ist zu einer echten Hymne an die Mutterschaft und die entscheidende Rolle der Frau im Leben eines jeden Mannes geworden.

Jagdszenen

Weit davon entfernt, im gesamten Schaffen des Malers eine Nebensache zu sein, war das Thema Jagd. Rubens wandte sich oft Geschichten über den Kampf zwischen Mensch und Natur zu. Niemand zeigte die heftigen Kämpfe von Menschen und Tieren so anschaulich und bildlich wie er.

Wenn früher in den Werken seiner Vorgänger, die Tiere darstellten, das Hauptziel darin bestand, ihr Wissen über die anatomische Struktur der Tiere zu demonstrieren, und ihr Auftreten auf den Leinwänden in der Regel auf mythologischen oder biblischen Motiven beruhte, dann waren sie begann eine eigenständige Rolle in Rubens zu spielen. Er schuf eine lebendige Welt, in der Menschen und Tiere in einem spontanen Kampf gegeneinander kämpften. Alle Leinwände dieser Serie sind von enormer Spannung erfüllt: Leidenschaften sind bis an die Grenzen erhitzt, Menschen und Tiere greifen sich gewaltsam und furchtlos an.

"Die Jagd nach Tigern und Löwen" (1617-1618, Museum der Schönen Künste, Rennes) entstand gerade zur Zeit des größten Interesses des Künstlers an Jagd- und Kampfszenen. Von 1615 bis 1621 verwirklichte der Maler durch solche Handlungen das Hauptziel seiner Kunst - die Dynamik des Lebens und die Verkörperung von Momenten der Realität zu singen, die nur einen bestimmten Bruchteil der Fiktion zuließen. Die Bilder des Künstlers machen keinen düsteren Eindruck, sie entspringen nicht der Aggression, sondern nur der Gewalt und Macht, der unkontrollierbaren Leidenschaft und dem Wunsch zu leben.

"Dieses Grauen hat etwas Entzückendes", schrieb sein Zeitgenosse. Der Meister kreierte seine berühmten Jagdszenen, spielte mit den Gefühlen des Publikums, machte ihn mit dem, was auf der Leinwand geschah, vertraut und nutzte auch das echte Interesse des Publikums an exotischen Tieren.

Im 17. Jahrhundert entdeckte Europa nur die unbekannte Welt anderer Kontinente. Jeder hat bereits von ihrer Existenz gehört, aber nur sehr wenige haben die Mauren, Araber, bengalischen Tiger, Nilpferde, afrikanischen Giraffen und indischen Elefanten persönlich gesehen. Rubens beobachtete oft eine ähnliche Exotik in den Menagerien der reichen Adligen, für die er Arbeit leistete oder mit denen er während seiner diplomatischen Missionen zusammentraf.

Der historische Zyklus für die französischen Monarchen

Die politische Situation in Flandern in den 1620er Jahren war extrem angespannt, aber das Leben des Künstlers leuchtete in all seinen Farben. In seiner Werkstatt überwachte er die Arbeit von Malern und Graveuren, entwarf Bücher für verschiedene Verlage für Verlage, fertigte Karton für Spaliere an und entwarf Skizzen für skulpturale Projekte und alle Arten von Kunsthandwerksprodukten. Sein Ruhm und Erfolg boomte in ganz Flandern und ging bald weit über seine Grenzen hinaus.

Dies wurde durch den wichtigsten Auftrag im Leben von Rubens gefördert, den er 1621 erhielt. Im Januar 1622 ging der Maler nach Paris, um den mit der Mutter von Ludwig XIII., Maria Medici, geschlossenen Vertrag zu erfüllen. Der Auftrag bestand im Wesentlichen darin, für zwei Galerien des neuen Luxemburger Palastes gleichzeitig zu malen.

Der erste Teil der Bilder sollte Szenen aus dem Leben der Königin selbst darstellen, und der zweite Teil - Szenen, die von der Regierungszeit ihres verstorbenen Mannes Heinrich IV. Erzählen. Leider wurde der zweite Teil der Bestellung nie ausgeführt. Aber der erste von ihnen brachte Rubens beispiellosen Erfolg.

Die Werkreihe „Das Leben der Maria Medici“ (1622-1625, Louvre, Paris) wurde zu einem außergewöhnlichen historischen Werk des Künstlers. Das Bildprogramm wurde eindeutig von der Königin persönlich zusammengestellt, aber bei der Interpretation der Handlungen, ihrer Reihenfolge und der Reihenfolge der Figuren in der Komposition wurde dem Maler erhebliche Freiheit eingeräumt. Rubens bewahrte die Genauigkeit und Zuverlässigkeit des Bildes der Helden, ihrer Kostüme und der Umgebung und bereicherte die Komposition mit zahlreichen allegorischen Details und mythologischen Charakteren. In der Szene, in der Heinrich IV. Ein sehr verschönertes Porträt seiner Braut Maria erhält, gibt es beispielsweise zwei geflügelte Amoren als Personifikation von Liebe und Ehe, und Juno und Jupiter beobachten die gesamte Szene positiv und segnen den König mit der rechten Hand Wahl.

Die Reihe enthält 24 große Tafeln, die über die politischen Ereignisse in Frankreich zu Beginn des 17. Jahrhunderts berichten. Rubens entwarf jedes Bild, das in den Zyklus einfloss, und präsentierte es als eigenständiges Werk, das gleichzeitig auch Teil des Gesamtplans war. Alle Arbeiten der Serie zeichnen sich durch die für die Barockkunst charakteristische Theatralität, luxuriöse Pracht und Dekorativität aus. Trotz der Tatsache, dass der Künstler seine Schüler anziehen musste, um den Auftrag zu vervollständigen, verleihen die monumentale Struktur der Kompositionen, die spektakulären Landschafts- und architektonischen Hintergründe und die erhöhte Farbe diesen Werken unvergleichliche dekorative Qualitäten.

Seit 1621 war Rubens, der es schaffte, am Zyklus von Maria Medici zu arbeiten, ständig auf Reisen im Zusammenhang mit den diplomatischen Missionen der Infantin Isabella. Während einer seiner Reisen, Mitte 1626, starb seine Frau wahrscheinlich während einer Pestepidemie. Der berühmte Künstler und Diplomat war sehr verärgert über den Tod von Isabella, die sechzehn Jahre lang seine treue Freundin und sein zuverlässiger Partner war.

Aber die Zeit heilt alles und vier Jahre später, nachdem Rubens in seine Heimat in Antwerpen zurückgekehrt ist, wird er die Tochter einer seiner Freundinnen, Elena Furman, heiraten. Die 16-jährige Schönheit faszinierte die Künstlerin mit ihrer Schönheit. Er widmete ihr viele Porträts, und ihr Bild wurde oft verwendet, um Bilder zu mythologischen Themen zu malen.

Harmonie und Frieden

In der späten Zeit seines Schaffens war der Künstler am meisten vom Landschaftsgenre angezogen. Dies wurde durch den Erwerb des Landguts des Château de Steen, das 30 Kilometer südlich von Antwerpen liegt, erleichtert. Die meisten Landschaften wurden vom Meister "für sich" ohne Beteiligung der Schüler geschaffen, daher zeichnen sie sich alle durch besondere Perfektion aus.Die Kraft und Heldenkraft der Bilder früherer Werke wird durch die Ruhe und Harmonie der Einheit von Mensch und Natur ersetzt. Rubens schreibt oft Szenen friedlicher Bauernarbeit und fröhlicher ländlicher Ferien. In Landschaftsarbeiten entwickelt der Maler die Traditionen der niederländischen Kunst und bringt einen neuen ideologischen Wert in sie ein.

Das frühere Gemälde „Der Träger der Steine“ (um 1620, Eremitage, St. Petersburg) ist etwas dramatisch. Felsen im Vordergrund ragen scheinbar aus den Eingeweiden der Erde und stellen ein ernstes Hindernis für Menschen und Pferde dar. In den späteren Werken von Rubens verändern sich Intonationen, die Natur erscheint uns als eine einzige Art zu sein, in der ein Mensch glücklich und ruhig lebt.

Das zentrale Thema der Bilder des Künstlers ist die ländliche Natur, voller Schönheit und epischer Größe. Seine Bilder scheinen endlose Weiten zu beleben, die unberührten Kräfte der Natur, harmonisch kombiniert mit den mächtigen Figuren der Bauern, die in ihrer täglichen Arbeit beschäftigt sind. In den Werken von „Kermes“ (um 1635, Louvre, Paris) und „Peasant Dance“ (um 1635-1638, Prado, Madrid) sehen wir keine alltägliche Authentizität, sondern nur einen verallgemeinerten Typ eines starken und schönen flämischen Volkes. mit Liebe vom Meister geschrieben.

Rubens arbeitete zu seinem eigenen Vergnügen und erforschte eine neue Technik, um die wahre Natur zu zeigen, die nicht mit theatralischen Effekten verziert war. John Constable, ein angesehener englischer Landschaftsmaler, schrieb: "Rubens hat seine Größe in keinem anderen Genre gezeigt als in der Landschaft."

In den letzten Lebensjahren des Meisters wurde er von der schweren Form der Gicht gequält. Aber selbst als die linke und dann die rechte Hand sich zuerst weigerten, ließ der Künstler die Standhaftigkeit, den Optimismus und die Fröhlichkeit nicht hinter sich. Am 27. Mai 1640 machte Rubens sein Testament, und am 30. Mai stoppte ein scharfer Gichtanfall sein Herz. Erhielt zu Lebzeiten eine grandiose Anerkennung, starb der große "Gott der Maler".

Peter Paul Rubens wurde auf feierlichste Weise beigesetzt. Zeitgenossen in tiefer Trauer führten ihn auf seine letzte Reise. Der Sarg mit dem Körper des Malers wurde vom Chor der Frauenkirche und einer feierlichen Prozession von sechzig Fackelträgern begleitet, und vor ihm trugen sie eine goldene Krone auf einem Kissen aus schwarzem Samt.