Paul Cezanne (1839–1906) Automatische übersetzen

Der berühmte französische Maler Paul Cezanne war ein Pionier des Postimpressionismus. Cezanne lebte und arbeitete mit den berühmtesten Meistern des Impressionismus und war zu Beginn seiner Reise unter ihrem Einfluss auf der Suche nach seinem eigenen Stil weiter als seine Kollegen. Nachdem der Künstler die Kunst gelernt hatte, die wundersamen Zustände der Natur zu vermitteln, suchte er nach den prägenden Grundlagen für alles um ihn herum und versuchte, die innere Logik der Dinge zu lernen. Die innovative Herangehensweise des Malers ermöglichte es ihm nicht, in seinem Leben den verdienten Erfolg und Ruhm zu erlangen. Nur die Zeit hat alles an seinen Platz gebracht.

Jugend werfen

Der zukünftige Künstler wurde am 19. Januar 1839 in einer kleinen Stadt in Südfrankreich - Aix - geboren. Paul war der Erstgeborene in der Familie des Bankiers Louis - Auguste Cezanne. Der Vater, der mit der Herstellung und dem Verkauf von Hüten begann und dann seine eigene Bank eröffnete, war ein sehr mächtiger Mann, die ganze Familie folgte strikt seinem Willen. Die Mutter des Künstlers, Anna, Elizabeth, gebar zwei weitere Töchter, Maria und Rosa, aber sie verehrte ihr erstes Kind, Paul, und versuchte immer, ihn zu unterstützen. Der Maler selbst vergötterte sein ganzes Leben und hatte Angst vor seinem Vater.

Paul Cezanne hatte seit seiner Kindheit ein Bedürfnis nach Zeichnung und malte seit fünf Jahren Wände im Haus mit Holzkohle, wobei er selbst dann sehr glaubwürdige Bilder schuf. Aber nur seine Mutter war stolz auf seine Erfolge, sein Vater träumte davon, seinen Nachfolger im Sohn zu sehen. Nach dem Willen seines Vaters tritt Paul 1849 in eine der besten Stadtschulen ein - die St. Joseph’s School, von wo aus er 1852 in die sechste Klasse des renommierten Bourbon Closed College wechselte.

Im College lernt der künftige berühmte Künstler Paul Cezanne den künftigen berühmten Schriftsteller Emil Zola kennen. Ihre Freundschaft spielte am Ende eine bedeutende Rolle für das Schicksal des Malers. Und dann, in seiner Jugend, war es Zola, die Paul die magische Welt der Bücher und Gedichte entdeckte. Freunde gingen oft von Aix weg, voller Träume von einer schönen Zukunft und reiner Liebe.

1855 schloss der 16-jährige Paul das College ab, schrieb Gedichte in französischer und lateinischer Sprache und wurde in keiner Weise als Künstler verwirklicht. Nach dem Abschluss seines Studiums tritt Cezanne in die Rechtswissenschaftliche Fakultät ein, auf der sein Vater kategorisch bestand. Gleichzeitig beginnt Paul abends an der Joseph-Joseph-Giber-Schule für Malerei zu studieren. Zur Freude des jungen Mannes sah der Vater in diesem Verlangen seines Sohnes nichts Verwerfliches.

Das neu eröffnete Stadtmuseum, in dem Gemälde ausgestellt wurden, wurde zum Lieblingsort des aufstrebenden Künstlers. Hier und im Klassenzimmer der Gibert-Schule fühlte sich Paul wirklich glücklich, er hatte den Traum, Künstler zu werden. Aber sein Vater wollte nicht von einer solchen Wende im Schicksal seines einzigen Sohnes hören, er bestand immer noch darauf, die jungen Männer eines Gesetzes zu studieren, das für ihn absolut nicht interessant war. Die Seele des jungen Cézanne träumte von Paris, wo er von seinem College-Freund Emil Zola, der inzwischen in die französische Hauptstadt gezogen war und sich in der literarischen Arbeit versuchte, aktiv eingeladen wurde. Am Ende gab Paul Cezanne den Rechtsunterricht immer noch auf und erhielt von seinem Vater die Erlaubnis, nach Paris zu reisen, wo Zola ihn drängte, ernsthaft Malerei zu studieren.

1861 zog der junge Maler in die Hauptstadt Frankreichs und bereitete sich auf den Eintritt in die Akademie der bildenden Künste vor. Cezanne beginnt, Kurse in der Werkstatt von Lewis zu besuchen, wo er die zukünftigen Impressionisten Camille Pissarro und Claude Monet trifft, die Zeichnung studiert haben, aber bereits eine eigene Vision von der Entwicklung der Bildkunst hatten.

Pissarro glaubte sofort an Cezanne und sagte den zukünftigen Erfolg voraus. Aber der junge Künstler aus der Provinz fühlte sich wie ein Fremder in der Atmosphäre der Werkstatt der Hauptstadt. Der einzige Freund, den er dort machte, war sein Landsmann - der Zwerg Achilles Amperera, der später mit Begeisterung nackte Frauen schrieb. Paul Cezanne war sich seiner Fähigkeiten und seines Talents sehr unsicher. Zuweilen schien es ihm, dass alle seine Bestrebungen bedeutungslos waren und er zu Ex zurückkehren musste, um der Nachfolger seines Vaters zu werden. Wahrscheinlich wurde der Künstler von Reue und Schuldgefühlen vor den Eltern gequält, deren Hoffnungen er nicht gerecht wurde. Diese seelischen Qualen und Zweifel führten schließlich dazu, dass der Künstler sein Lieblingsbild verließ und im selben Jahr 1861 in seine Heimatstadt zurückkehrte.

In Aix begann Paul in der Bank von Cezanne zu arbeiten - der älteste, der unglaublich zufrieden mit der "Rückkehr des verlorenen Sohnes" war. Aber die Freude beider war von kurzer Dauer. Paul konnte nicht lange ohne Malen leben und fing bald nach Sehnsucht wieder an, die Gibert-Schule zu besuchen. Nach einem Jahr zu Hause und endlosen Gesprächen mit seinem Vater reist der junge Mann erneut nach Paris, nachdem er sich entschieden hat, auf jeden Fall an der Akademie der bildenden Künste zur Schule zu gehen.

Zwar stellte Cezanne in Vorbereitung auf das Bestehen der Prüfungen plötzlich fest, dass er der Kunst, die er studieren wollte, völlig fremd war. Salonmalerei erschien ihm unnötig und leer. Außerdem begann Paul erneut an seinem eigenen Talent zu zweifeln. Er arbeitete hart, aber seine Unzufriedenheit mit sich selbst verstärkte sich nur. Das Ergebnis war ein weiterer Misserfolg - der Künstler konnte die Malschule nie betreten.

1863 besuchte er den Salon, wo er die von der Öffentlichkeit abgelehnte skandalöse Arbeit von Eduard Manet "Breakfast on the Grass" sah. Dieses epochale Werk, dank dessen eine echte Revolution in der Kunst dieser Zeit stattfand, veränderte auch die Vision von Cezannes Welt. Es war es, das den jungen Künstler, wie viele seiner Kollegen, in ein neues Verständnis von Kunst einführte.

Schicksalhaft für Cezanne war die Bekanntschaft mit Frederick Basil, die im selben Jahr geschah. Basil brachte ihn in die Werkstatt von Gleyre, wo Claude Monet, Alfred Sisley und Auguste Renoir herkamen. Die natürliche Schüchternheit bei gleichzeitig absurdem Charakter erlaubte Cezanne nicht, sich dem Kreis der zukünftigen Impressionisten anzuschließen. Infolgedessen hielt sich der Künstler immer getrennt, versuchte, nicht an Diskussionen und Gesprächen teilzunehmen, und nahm nicht an deren Treffen teil.

Im Jahr 1864, als der Salon sich weigerte, sein neues Werk anzunehmen, gab Cezanne den Malunterricht wieder auf und kehrte zu Ex zurück. Zwar schreibt er dort weiter und kann den Kunstunterricht nicht aufgeben. Infolgedessen kommt Cezanne ein halbes Jahr später erneut nach Paris, um seine Arbeit für die Teilnahme am Salon anzubieten, und erhält erneut eine Absage. Frustriert geht der Künstler, der fast das Vertrauen in sich selbst verloren hat, wieder mit nichts nach Hause.

In Ax widmet sich Paul der Porträtmalerei. Er arbeitet hart, aber im nächsten Jahr wurden die Werke des Künstlers vom Salon nicht angenommen. Cezanne war völlig verzweifelt. Er entschied, dass seine Arbeit niemals verstanden werden würde, wollte aber nicht anders schreiben. Als er wieder im Salon ankommt und seine Werke ausstellt, erhält er verspottete Ovationen, das Publikum lacht offen über den Maler.

Aber im Salon passiert etwas Gutes - jemand stellt den Künstler Eduard Manet vor, der herzlich von der kreativen Suche nach einem jungen Talent spricht. Nachdem Cezanne eine positive Bewertung und sogar sein Vorbild erhalten hat, gewinnt er schließlich das Vertrauen in die richtige Wahl eines kreativen Weges. Zurück zu Ex wird der Maler zu einer Art Berühmtheit. Sie beginnen ihn auf der Straße zu erkennen, lokale Künstler versuchen sogar, seine Werke zu kopieren, aber die Neugier des Publikums war immer noch eher feindselig.

Versuchung des heiligen Antonius

Das Werk „Die Versuchung des heiligen Antonius“ (1867-1869, E. Bürle-Stiftung, Zürich) verweist auf die frühen Werke von Cezanne. Die Künstlerin zeigt anhand einer klassischen religiösen Handlung nackte Frauenkörper vor dem Hintergrund der Natur. Eigentlich war die Handlung nur eine Ausrede für das offene Schreiben von Nacktheit. Der heilige Antonius selbst, der theoretisch die zentrale Figur des Bildes sein sollte, erhielt am linken Rand der Leinwand einen bescheidenen Platz, und selbst dort verschmilzt seine Figur fast mit dem Hintergrund.

Weder in der Person noch in der Pose des heiligen Antonius kann der innere Kampf von menschlichem Fleisch und Geist gelesen werden. Wenn es das Ziel des Künstlers war, einen christlichen Heiligen darzustellen, der mit sündhafter Besessenheit zu kämpfen hat, könnte man sagen, dass Cezannes Werk gescheitert ist. Der Maler strebte das aber überhaupt nicht an, er interessierte sich nur für weibliche Körper.

Scharfe Hell-Dunkel-Kontraste formen das Volumen mit kraftvollen Monumentalformen. Die klassische pyramidenförmige Komposition des zentralen Teils des Werkes selbst scheint für die Handlung unerheblich zu sein: Die Mädchen, die mit ihren Figuren einen Teufelskreis bilden, wenden sich überhaupt nicht an den heiligen Antonius. Sie existieren unabhängig von ihm. Und nur eine gekonnt arrangierte Figurengruppe am äußersten Rand der Leinwand - der heilige Antonius und die Verführerin, die in übertrieben offener Pose vor ihm auftauchten, entspricht dem Namen des Werkes. Dieses Paar ist nach dem klassischen Symmetrieprinzip aufgebaut. Die offene Haltung einer Frau, die ihren Körper demonstriert, steht im Kontrast zu der geschlossenen Haltung von Anthony, der hastig nach rauer Kleidung riecht.

Es ist bemerkenswert, dass Cezanne keine Schönheiten porträtierte, er schreibt wirklich unvollkommene Frauenkörper. Übrigens kann man sie auch Schönheiten nennen: Cezanne ist weit davon entfernt, Bilder zu idealisieren, er schreibt einfach - Frauen. Der impressionistische Einfluss spiegelt sich in kontrastierenden Farbnuancen und Reflexionen des umgebenden Grüns auf den Körper von Frauen wider. Cezanne benutzt den Fund des Impressionismus jedoch übermäßig und bringt ihn fast an den Punkt der Absurdität, was seine Arbeit näher an die Arbeit der Fauvisten bringt, die noch nicht in die Welt der Kunst eingetreten sind.

Persönliches Leben

Ein Jahr später, 1870, lernte der Künstler Hortense Ficket kennen, der sein ständiges Vorbild wurde. Der Krieg, der im selben Jahr mit Preußen begann, wartete Cezanne zusammen mit Fique in Estac (Provinz Provence). Der Maler verheimlichte seiner Familie sorgfältig seine Beziehung zum Modell, sonst könnte ein verärgerter Vater ihn ohne Inhalt zurücklassen, was für das Leben kaum ausreichte. Nur dank der mageren Hilfe des Vaters konnte der Künstler, der von der Öffentlichkeit nicht verstanden und akzeptiert wurde, überleben, und selbst als Grotzenias Sohn Paul 1872 geboren wurde, blieb dieses wichtigste Ereignis ein Rätsel für alle Cezannes Verwandte.

Bald zog der Künstler nach Pontoise, wo Camille Pissarro lebte - einer der wenigen, die an das Potenzial von Cezanne glaubten. Einen Freund zu unterstützen war sehr hilfreich. Der Impressionist Pissarro lehrte, dass Sie auf Ihr Ego verzichten und das, was Sie sehen, aufschreiben müssen, indem Sie den tatsächlichen Zustand der Natur auf die Leinwand übertragen und die Welt um uns herum nicht interpretieren.

Hier wird Cezanne Dr. Ferdinand Gachet vorgestellt, der gern malte und die "neue" Kunst schätzte. Gachet erklärte sofort, er betrachte Cezanne als großen Künstler und überzeugte ihn, in sein Haus in Auvers zu ziehen. Gachets begeisterte Wahrnehmung von Cezannes Kreativität weckte die Hoffnung des Malers. Niemand hat sich jemals für seine Arbeit interessiert und sie ernst genommen. Hier spürte der Künstler das echte Interesse der gesamten Familie Gachet an seinem Werk und begann, von der impressionistischen Schreibweise mitgerissen, zahlreiche Landschaften zu malen.

Helle Persönlichkeit

Das Gemälde „Haus des Gehängten“ (1873, Museum d’Orsay, Paris) ist trotz seines düsteren Namens eine sonnige Landschaft. Die meisterhafte und ungewöhnliche kompositorische Konstruktion der Leinwand gleicht einer Collage und basiert auf der Kombination verschiedener Pläne.

Der Vordergrund führt den Betrachter in den Raum des Bildes ein. Darauf sehen wir einen unscheinbaren Sandhang mit Baumstümpfen in der linken unteren Ecke, der hier als „Ausgangspunkt“ für ein allmähliches Vorrücken in die Tiefe dient. Der zweite Plan besteht aus einem Gebäude mit dunklem Dach und einem mit Gras bedeckten Hügel, hinter dem sich ein unschönes „Haus des Gehängten“ öffnet, als rage es aus dem Hügel heraus und ist ein dritter Plan des Bildes. Dahinter befindet sich das Dach des Hauses - der vierte Plan zeigt Gebäude mit leuchtend roten Backsteinmauern.

Dem Künstler folgend senkt sich der Blick des Betrachters von der unteren linken Ecke der Leinwand entlang des Hügels, schlängelt sich zwischen den Wänden von Gebäuden und unebenem Gelände und offenbart so die gesamte Tiefe des Raums. Und je mehr man in diesen Raum schaut, desto komplexer erscheint es. Cezanne vermittelte die Landschaft genau so, wie er sie in der Art gesehen hatte, ohne sie aus einer Perspektive wieder aufzubauen, so dass die orangefarbenen Häuser direkt auf dem Dach des nahe gelegenen Gebäudes zu stehen scheinen und die weitläufigen Bäume in der oberen linken Ecke der Komposition lächerlich sind direkt über dem "gehängten Haus" aufgetürmt.

Es waren solche kompositorischen Absurditäten, die für die klassische Kunst undenkbar waren, die es dem Künstler ermöglichten, die Welt so abzubilden, wie er sie sah. Das Gemälde „Haus und Baum“ (1873–1874, Privatsammlung) über die Kompositionsstruktur ähnelt einem Fragment einer früheren Arbeit: Der gleiche unvollendete Vordergrund, ein weißes Steingebäude, wächst immer noch direkt vom Hügel, gegen den ein verzweigter Baum prangt. Der gewundene Stamm, der die Ebene der Mauer quert, "breitet" sich wie ein riesiger Riss aus. Ein solches Motiv verleiht dem gesamten Werk seltsam - aufregende dramatische Akkorde, die den Eindruck eines Geheimnisses erwecken, das das Haus in sich birgt, als ob es hinter einem Stamm und Ästen eines Baumes verborgen wäre.

Die Leinwand „Haus von Dr. Gachet in Auvers“ (1873, Musée d’Orsay, Paris) zeichnet sich durch den Wechsel von erstem, leerem und zweitem - überfülltem Plan aus. So schafft Cezanne eine harmonische Komposition. Die abgebildeten Häuser, die der Künstler dicht an dicht formt, als ob sie in dieser Provinzstraße überfüllt wären. Bei genauer Betrachtung der Linien ihrer Wände wird deutlich, dass sie bei weitem nicht gerade sind. Cezanne verfolgt nicht die Klarheit von Linien, im Gegenteil, er verzerrt sie absichtlich, genau wie Sonnenlicht, das Oberflächen ungleichmäßig beleuchtet, abhängig von ihrer Textur und der Nähe zu anderen Objekten.

Paul Cezanne schreibt nur das, was er sieht, ohne die Umgebung zu veredeln, wie es der "richtige" Künstler tun sollte. Bereits hier zeigt sich die Anziehungskraft des Künstlers auf einfache Monumentalformen, die zum Markenzeichen des individuellen Stils des Meisters werden. Unter der Schirmherrschaft von Camille Pissarro nimmt Cezanne 1874 an der ersten Ausstellung der Impressionisten teil. Auch hier wird sein Werk lächerlich gemacht, jedoch wird sein Werk "The Hanged Man’s House" von einem sehr großen Sammler gekauft, was Hoffnung in den Künstler weckt, der durch Missverständnisse gequält wird.

Das schwierige Leben von Cezanne ist auf dem 1875 geschriebenen Selbstporträt (Musee d’Orsay, Paris) gut zu lesen. Darauf sehen wir einen merklich kahlen Künstler mit einem neugierigen und ungläubigen Blick. Paul Cezanne suchte intuitiv seinen Weg in der Kunst, die er alleine ging, ohne Anerkennung oder Berühmtheit zu finden. Die Werke des Meisters blieben unverständlich und er selbst litt unter mangelnder Nachfrage. Nur natürliche Eigensinnigkeit und Eigensinnigkeit halfen dem Künstler, voranzukommen, aber ständige Lächerlichkeit und Einsamkeit ließen ihn manchmal an seiner eigenen Vision von Kunst zweifeln. Dies verursachte Misstrauen gegenüber sich selbst und anderen, was im Blick des Malers sichtbar ist.

In der Arbeit „Love Struggle“ (Bacchanalia, 1875, Sammlung von A. Harriman, New York) wendet sich der Künstler einem mythologischen Thema zu, das ein freies Bild des Layouts im Raum nackter ineinander verschlungener Körper ermöglicht. Die ausdrucksstarke Leinwand vermittelt durch die unterstrichene Ausarbeitung der Figuren selbst den Eindruck einer Etüde.

Eine ganze Reihe von Kompositionsmethoden verstärkt den leicht überwältigenden Eindruck eines erbitterten Kampfes leidenschaftlicher Partnerliebhaber: Bäume hängen bedrohlich, der niedrige Horizont betont den weiten Himmel, als ob Druck auf Helden ausgeübt würde, selbst wirbelnde Wolken mit ungewöhnlich scharf umrissenen Konturen scheinen aggressiv. Das Bild basiert auf dem Prinzip der Theaterkulisse: Klippen mit Bäumen bilden die Kulisse. Der Mangel an Tiefe in der Leinwand unterstreicht nur diesen Effekt.

Ein wichtiges Treffen für Cezanne fand 1875 statt, als Auguste Renoir ihn dem begeisterten Sammler Viktor Choquet vorstellte, der eines der Gemälde des Künstlers kaufte. Von diesem Moment an begann ihre lange Freundschaft. 1877 kreiert der Maler das „Porträt des sitzenden Victor Choquet“ (Galerie der Schönen Künste, Columbus), in dem wir einen Freund des Künstlers in entspannter häuslicher Atmosphäre auf einem prächtigen Sessel aus der Zeit Ludwigs XVI sitzen sehen.

An den Wänden sind Kunstwerke zu sehen, die Teil der Choquet-Sammlung sind. Sie sind zwar nicht im gesamten "Rahmen" enthalten, werden aber fragmentarisch oder nur durch vergoldete Rahmen angedeutet. Der Künstler ist nicht bemüht, die Einrichtung des Raumes sorgfältig wiederzugeben oder die Merkmale des Helden fotografisch genau wiederzugeben. Er schafft ein verallgemeinertes Bild eines Sammlers als aufmerksame und nachdenkliche Person, die den künstlerischen Wert eines Werkes intuitiv einschätzen kann. Die große Figur von Viktor Shoke sieht auf einem alten niedrigen Stuhl etwas komisch aus, der obere Rand der Leinwand schneidet ihm die grauen Haare ab, und die Beine des Modells und die Beine des Stuhls sind fast bis zum unteren Rand der Leinwand bemalt. Dies erweckt den Eindruck, dass sich der Sammler eng im zugeteilten Rahmen des Bildes befindet.

Eines der vielen Porträts von Hortense - „Madame Cezanne im roten Stuhl“ (1877, Museum of Fine Arts, Boston), das übrigens noch nicht die offizielle Frau des Künstlers geworden ist, ist in seiner Farbgebung ungewöhnlich spektakulär. Die rote Polsterung des Stuhls kontrastiert mit den grünoliven und blauen Farben von Hortense’s Kleidung und der Wand hinter ihr und unterscheidet auch die Figur der Heldin perfekt. Die Arbeit macht einen monumentalen Eindruck durch die maximale Nähe der jungen Frau zu der Beobachter. Der obere Rand der Leinwand schneidet einen Teil ihrer Frisur ab und der untere - der Saum ihres Rocks. Cezannes Lebenspartnerin schaut zur Seite und ihre Hände mit gekreuzten Fingern bilden eine psychologische Barriere zwischen dem Model und dem Betrachter.

Wir sehen eine sehr verallgemeinerte Übertragung der lokalen Merkmale in der Landschaft „Berge in der französischen Provence“ (1878, National Museum of Wales, Cardiff). Cezanne zerlegt Objekte mental in die einzelnen Formen, aus denen sie bestehen, und baut dann aus ihnen seine eigene Realität auf. Diese Technik wird weiterhin ein charakteristisches Merkmal der Konstruktivisten sein.

Noch „konstruktiver“ sind die Arbeiten von „Houses in Provence bei Estacus“ (1879, National Gallery, Washington), „Mount Saint Victoria“ (1886, National Gallery, Washington) und „House in Provence“ (1885, Art Museum Herron), Indianapolis). Steine, Hügel, Wohnungsmauern erscheinen in verallgemeinerten Formen vor uns und durchdringen das Prisma von Cezannes analytischer Vision, die alles Überflüssige von ihnen abschneidet und nur das Wesentliche übrig lässt. Alle Umrisse von Bergen und Feldern auf der Leinwand "Mountains in Provence" (1886-1890, Tate Gallery, London) sind korrekt und geometrisch hervorgehoben.

Der Künstler arbeitet aktiv, aber der Salon lehnt seine Arbeiten immer noch ab. Cezanne wird bei der dritten Impressionistenausstellung erneut verspottet. Es stimmt, ein Kenner der Kunst des Künstlers kauft regelmäßig seine Werke - ein junger, an der Börse tätiger Beamter namens Paul Gauguin.

Paul Cezanne hat eine solide Karriere hinter sich und wurde nie Impressionist. Seine Faszination für die impressionistische Übertragung des Bildes von Natur und Licht-Luft-Umgebung wurde durch die Erkenntnis der Notwendigkeit einer spekulativen Ordnung der umgebenden Realität ersetzt. Für den Künstler war es nicht genug zu sehen und zu reproduzieren, er musste die verborgene Struktur der Welt sehen und vermitteln.

Höhen und Tiefen des Lebens

Im Jahr 1886 ereigneten sich zahlreiche Ereignisse im persönlichen Leben des Malers. Erstens war Cezanne fast gegen seinen Willen (da er sich sehr für das junge Mädchen im Haus seines Vaters begeisterte) mit Hortense verheiratet, die auf Drängen ihrer Familienmitglieder auf das Cezanne-Anwesen in der Provence übersiedelte. Zu diesem Zeitpunkt war der Sohn des Künstlers Paul bereits vierzehn Jahre alt. Zweitens veröffentlicht ein Jugendfreund, Cezanne, ein bekannter Schriftsteller Emil Zola, den Roman "Kreativität", in dem der Künstler den Hauptcharakter prototypisierte. Der Roman hat Zolas Einstellung zu Cezanne selbst und zu seiner Kunst perfekt demonstriert und das Leben des Helden durch Selbstmord beendet. Der Maler nahm diese Geste als eine laute Ankündigung, dass ein alter Freund nicht an den Künstler selbst oder an seine Kunst glaubt. Auf diese Weise beendete er die Freundschaft zwischen den beiden Genies dieser Zeit - einem großartigen Schriftsteller und einem großartigen Künstler. Drittens starb der tyrannische Vater des Malers und hinterließ ein solides Erbe.

Zwei Jahre später kreiert Cezanne ein wundervolles Doppelporträt seines Sohnes Paul, gekleidet in ein Harlekin-Kostüm, und seines Freundes, gekleidet in ein Pierrot-Kostüm. Das Gemälde „Pierrot und Harlekin“ (1888, A. Puschkin, Staatliches Museum der Schönen Künste, Moskau) zeigt eine Szene des Maslenitsa-Karnevalsfestivals, das unmittelbar vor dem Posten stattfindet (in Verbindung mit dem der zweite Name des Gemäldes „ Mardigra ”, das ist" Pfannkuchenwoche "). Auf der Leinwand bewundert der Vater offen seinen Sohn. Wir sehen den großartig arroganten, gutaussehenden Paul, der aus den Flügeln tritt und auf den Betrachter herabschaut. Vor diesem Hintergrund erscheint der losgelöste Pierrot, der in einer ziemlich lächerlichen Position gebeugt ist, als eine verbindliche Seite.

Auf Wunsch von Hortense zogen die Cezannes 1888 nach Paris. Ein Jahr später wurde auf der Weltausstellung das Bild des Malers "The Hanged Man" nach der Projektion des Sammlers Viktor Shoke präsentiert. Die Arbeit blieb jedoch von der Öffentlichkeit unbemerkt, da sie zu hoch platziert war.

Wieder einmal wurden die Werke von Cezanne nicht gesehen und wollten nicht sehen, und sein Talent blieb wieder ohne Anerkennung. Der Maler war bereits in den Sechzigern, gesundheitliche Probleme zwangen ihn, seinen Wohnort ständig zu wechseln, aber er malte weiter und verwirklichte sogar seinen jugendlichen Traum - er schuf sein eigenes Werk im Geiste des Werkes „Card Players“ von Louis Lenin, was ihn schon in seiner Jugend sehr beeindruckte.

Das Gemälde "Card Players" (1892, Metropolitan Museum of Art, New York) ist ein Genre-Werk, das drei junge Männer bei ihrer Lieblingsbeschäftigung zeigt. Die Figur des Betrachters im Hintergrund ist am oberen Bildrand auf den Schultern abgeschnitten, dank ihr wirkt die Leinwand im Kompositionsplan unvollständig. Cezanne bemühte sich um einen klaren und prägnanten Ausdruck der Idee und schrieb mehrere Versionen dieser Arbeit. Die finale Version der gleichnamigen Leinwand, die zur selben Zeit entstanden ist, verblüfft mit Vollständigkeit, Prägnanz und Symmetrie, um den übermäßigen Einfluss zu überwinden, den Cézanne dem richtigen Spieler abschneidet.

Die kompositorischen und semantischen Zentren des Bildes stimmen überein - das sind die Hände zweier sitzender Männer, die eine stolze Flasche Wein zu umrahmen scheinen. Das Werk wird des strengen Genres beraubt, das der Vorgängerversion innewohnt. Es ist nichts überflüssig, alles ist sehr streng und äußerst ausdrucksstark. Die Spieler sind völlig in ihrem Streben versunken, die Zeit scheint für sie stehen geblieben zu sein, die ganze Welt ist auf zwei zueinander geneigte Figuren konzentriert. Hier und jetzt, im Layout der Karten, ist das Wichtigste erledigt, das Spiel wird für sie zu einer Art heiliger Arbeit, dank der das Bild selbst eine gewisse heilige Bedeutung annimmt. Vielleicht hat die Flasche Wein auf der roten Tischdecke die traditionelle symbolische Bedeutung von Blut und Sühne.

Das Porträt „Der Mann in der roten Weste“ (1888-1890, Museum of Modern Art, New York) ist dank des meisterhaften Einsatzes von Farben besonders ausdrucksstark. Die feierliche Kombination von Rot und Weiß wird durch die Fülle von Schwarz unterstrichen, was das Profil des Helden der Leinwand extrem klar und kontrastreich macht. Cezanne meidet Schwarz nicht wie viele Impressionisten, sondern bringt es im Gegenteil als formbildendes Element ins Bild. Das Haar des jungen Mannes verschmilzt mit dem schwarzen Hintergrund des Gewandes, dieser Technik, der Meister, als ob er das Modell in den Leinwandraum „einflößt“ und ihm gleichzeitig einen tragischen Klang verleiht. Das Bild der dargestellten Person ist vollständig und vollständig, auch wenn das Bild keine Einzelheiten enthält - weder eine Bezeichnung für Zeit oder Ort noch einen Hinweis auf die Art der Tätigkeit des jungen Mannes in einer roten Weste.

Motivkompositionen und Landschaften

Alle Stillleben von Paul Cezanne sind wiederzuerkennen: Mit den einfachsten Gegenständen (mehrere Früchte, Porzellanvasen, Teller und Tassen) verleihen bewusst sorglose Vorhänge mit Knicken und zahlreichen Falten, die auf den Tisch geworfen werden, der Komposition eine dekorative und einzigartige Ausdruckskraft.

Das Gemälde "Stillleben mit Zuckerdose" (um 1888-1890, Eremitage, St. Petersburg) ist eines der berühmtesten Werke Cezannes. Hier lehnt der Maler eine lineare Perspektive ab; Wir sehen keinen gemeinsamen Fluchtpunkt auf der Leinwand.

Wir sehen eine rechteckige Tischplatte mit weißen Vorhängen, die beiläufig mit Porzellanschalen und Früchten überzogen sind, und zwar aus zwei Blickwinkeln: von oben und von vorne, was für die traditionelle Kunst, an der seit der Renaissance gearbeitet wurde, unmöglich ist die korrekte Übertragung der dreidimensionalen Leinwand auf den zweidimensionalen ebenen Raum.

Paul Cezanne baut sein Stillleben gegen das Hauptgesetz der Malerei - Perspektive. Aufgrund der inkorrekten Konstruktion des Raumes und der Verzerrung der Perspektive wird es unmöglich, den Abstand von der Wand zum Tisch oder zu den geschnitzten Holzbeinen zu bestimmen, die im Hintergrund sichtbar sind, anscheinend der Jardinier. Die Beziehung zwischen parallelen und senkrechten Ebenen von Wänden, Tisch, Boden und Schubladen wird ebenfalls implizit. Der Raum, dem Tiefe und Perspektive entzogen wurden und der unter relativer Berücksichtigung der Geometrie gebaut wurde, macht ein Stillleben ähnlich wie bei religiösen Gemälden, deren Stil vor der Perspektive geschaffen und bewährt wurde und oft ignoriert wurde.

Cezanne erstellt ein eigenes Koordinatensystem, in dem jedes Objekt zur Selbstversorgung beiträgt und für sich genommen ein "Modell" für den Künstler sein kann. „Extra“, auf den ersten Blick, wurde der Abschnitt der Beine des Jardiniers aus einem Grund eingeführt: Dieser spezielle Teil „hält“ zum einen die gesamte Komposition in der oberen rechten Ecke der Leinwand und dient zum anderen als kraftvolles Element Der koloristische Akzent im insgesamt kalten Farbhintergrund des oberen Teils des Bildes, seine bräunlichen Töne schwingen harmonisch mit einer braunen Tischplatte und warmen Tönen von reifen Früchten mit. Es ist kein Zufall, dass der Künstler Objekte auf der Ebene des Tisches frei komponiert, ohne sie zu Gruppen zusammenzufassen. Wenn wir sie mental entfernen, wird die Integrität der Komposition nicht beeinträchtigt.

Die gleichen Merkmale sind auch charakteristisch für Stillleben mit Äpfeln und Orangen (1895, Museum d’Orsay, Paris), Stillleben mit Vorhängen (1899, Eremitage, St. Petersburg) und Stillleben mit Auberginen (1893 - 1894, Metropolitan) Kunstmuseum, New York). In der ersten Arbeit wird die Rolle von Stoffen, die den Raum mit ihren malerischen Falten bilden, besonders deutlich. Es sind luxuriöse Stoffe, die die gesamte Oberfläche der Leinwand ausfüllen. Sie machen die Perspektive überflüssig, ohne das übliche Koordinatensystem verliert der Raum an Dreidimensionalität. Ein auf den ersten Blick chaotischer Haufen von Falten verbirgt die Möbel und Räumlichkeiten. Es ist völlig unklar, worauf sich die Objekte befinden. Dank dieses Effekts entsteht der Eindruck einer betonten Dekorativität und sogar einer theatralischen, noch weiter verbesserten planaren Interpretation des Raums.

In diesem Stillleben arbeitet der Meister äußerst ausdrucksstark mit Farbe. Helle orientalische Stoffe, die an exotische Vorhänge der großen Romantik von Gemälden von Eugene Delacroix erinnern, einem Idol für Cézanne, bilden die Kulisse für eine achtlos geworfene, weiß melierte Vase aus Stoff und Porzellan. Die Aufmerksamkeit des Betrachters wird zunächst auf diesen schillernden, komplex gestalteten Fleck gelenkt, so dass er sich beim meisterhaften Übertragen des Stoffes wie auf einem weißen Hintergrund auf die leuchtenden Früchte konzentriert. Es ist weiße Farbe, die gekonnt die gesamte Komposition organisiert. Er lässt nicht zu, dass sich das Auge in der festlichen Blüte verliert und auf der Leinwand umherirrt, was die koloristische Entscheidung rigoros macht und die Komposition in den Mittelpunkt rückt.

Mit Hilfe der Farbe wird die Einheit der Komposition im Stillleben mit Aubergine erreicht. Dank der kalten blau-lila Linie wirkt die Leinwand überraschend nahtlos und kontrastreich in Form von orangeroten Äpfeln. Die Gesamttonalität der Arbeit gleicht sich aus, als ob eine zufällige Anordnung von Gegenständen in einem Stillleben. Wenn die Farbe, die Keramikvasen, der Teller und die Flasche nicht zu nahe beieinander gewesen wären, hätten sie wie ein absurder Haufen zufälliger Dinge ausgesehen.

Ein Beweis für eine innere Depression bei Künstlern kann als Stillleben mit Totenköpfen (1898-1900, Privatsammlung) dienen. Ähnliche Werke tauchten in der Weltkunst der Niederländer auf und gehörten zu den Werken der „Vanitas“ (Eitelkeit der Eitelkeiten), die die Vergänglichkeit von allem Irdischen symbolisieren. Gefaltete sterbliche Überreste werden aus der Nähe betrachtet und nehmen den größten Teil der Oberfläche der Leinwand ein. Das Fehlen anderer Objekte im Bild und leere Augenhöhlen, die die Augen des Betrachters einfangen, lassen blasphemische Assoziationen mit dem Porträt und nicht mit dem Stillleben entstehen.

Obwohl Cezanne der Haupterb seines Vaters war, wurde sein Lieblingsgut in Aix von seinen Verwandten ohne sein Wissen verkauft. Auch die persönlichen Gegenstände von Cezanne, dem Ältesten, und sogar die Möbel, an die sich der Künstler von Kindheit an erinnerte, wurden zerstört.

Enttäuscht über den Verlust seiner Heimat, beschließt der Maler, ein Herrenhaus mit dem grimmigen Namen Black Castle zu erwerben. Trotz der Tatsache, dass diese Absicht nie in Erfüllung gegangen ist, widmet Cezanne diesem Ort mehrere seiner Landschaften - „Wald an den Felsenhöhlen über dem Schwarzen Schloss“ (1900-1904, National Gallery, London) sowie „Mühle am Fluss“ ”(1900-1906, Marlborough Art Gallery, London). In ihnen zerlegt der Künstler nach wie vor alle Formen in Bestandteile, geht aber noch weiter - im Allgemeinen ist der Stil der Arbeiten nicht dem Postimpressionismus, sondern bereits der Abstraktion näher.

Der Mount Victoria ist ein beliebtes Ziel für Paul Cezanne, um seine Landschaften zu gestalten. Er bewunderte ihre großartige Schönheit in seiner Jugend. In der späten Schaffensperiode malte der Meister wiederholt Ansichten dieses Berges und vermittelte seine Schönheit unter verschiedenen atmosphärischen Bedingungen und mit unterschiedlicher Beleuchtung.

Am Ende seines Lebens konzipierte Cezanne eine großformatige, mehrfigurige Komposition nackter Badegäste im Herzen der Natur. Der Künstler hat lange davon geträumt, diese Leinwand zu schreiben, und es gibt verschiedene Möglichkeiten, die zu unterschiedlichen Zeiten geschaffen wurden. Aufgrund der natürlichen Schüchternheit und des Geldmangels nutzte Cezanne niemals die Dienste von Models.Um seine eigene Komposition aus mehreren nackten Frauenkörpern zu erstellen, bat er sogar einen seiner Freunde, Fotos des weiblichen Akts zu machen. Vielleicht erklärt dies eine gewisse Winkligkeit aller vom Künstler geschaffenen Figuren, ohne sich auf die Natur zu verlassen.

Der Maler arbeitete viel und hart an dem Gemälde „Big Bathers“ (ca. 1906, Art Museum, Philadelphia), wobei er die Anordnung der Akte im Raum sorgfältig berücksichtigte und den Rhythmus von Körperlinien und ausgestreckten Armen akribisch in Einklang brachte geneigte Baumstämme bilden einen harmonischen Halbkreis. Die Arbeit sollte ein Meisterwerk werden, eine Art Höhepunkt von Cezannes Kreativität. Der Künstler hoffte, sich durch die Harmonie der "Rundheit der weiblichen Brust und Schultern der Hügel" wiederzufinden. Leider werden wir nie erfahren, welche Art von Künstler der Künstler am Ende gerne sehen würde, da der Tod seine Arbeit unterbrochen hat.

Weltruhm kommt zu spät

Paul Cezanne war ein Einzelgänger, er folgte seinem ungeschlagenen Weg, fast missverstanden und von zu vielen verspottet. Der Künstler wollte keine einfache Reproduktion der Natur, er suchte ihr inneres Wesen zu kennen und diese Grundstruktur auf der Ebene der Leinwand zu vermitteln. Das Werk des Meisters nahm die Kunst des Kubismus und der Abstraktion vorweg und zeigte die Realität, die vom Bewusstsein einer bestimmten Person gebrochen wurde. Cezanne entdeckte die Welt als "neue Kunst", völlig in seinem Kopf konstruiert und daher zutiefst originell und individuell.

Erst am Ende des Lebens begann die Anerkennung für den Künstler allmählich. In den späten 1880er Jahren interessierte sich eine Pariser Kunsthändlerin, Ambroise Vollard, für die Arbeit von Cezanne. Zunächst studierte er die Arbeit des Meisters, schaute sie sich genau an, interessierte sich für die Meinungen anderer Künstler. Nach langem Überlegen beschließt Vollard, Cezanne aufzuspüren, um seine erste Einzelausstellung zu organisieren.

Die Ausstellung, die 1895 eröffnet wurde, umfasste alle Perioden der Arbeit des Malers, zeigte die Entwicklung seiner kreativen Vision und enthüllte allen die unbekannte Cezanne. Diejenigen, die den Künstler Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir und Camille Pissarro unterstützten, waren begeistert. Monet und Degas kauften sofort mehrere Werke eines alten Freundes, und das Pariser Publikum war bereits bereit, die Kunst Cezannes anzunehmen.

Nach der ersten Ausstellung folgte die zweite. Vollard kaufte zwar preiswert, aber stabil das Werk des Künstlers. Zwei seiner Bilder wurden von der Berliner Nationalgalerie erworben. Doch erst 1900 erlangte der Maler zu Hause in Aix endlich Anerkennung und setzte Mobbing und Spott ein Ende.

Nach und nach wurde Cezanne dank seiner Teilnahme an der Internationalen Ausstellung in Paris und anderen Veranstaltungen, die der Kunst gewidmet waren, auf der ganzen Welt berühmt, und der Name des Künstlers wurde zur Legende. Diese wohlverdiente Anerkennung kam dem Maler jedoch leider sehr spät. 22. Oktober 1906 Paul Cezanne starb. Erst nach dem Tod des Künstlers fanden seine Bilder wirklich ihr Publikum.