König der Maler Tizian Vecellio (1477-1576)

Tizian Vecellio da Cadore ist neben Legenden der italienischen Renaissance wie Leonardo, Michelangelo und Raphael einer der größten Künstler aller Zeiten. Tizian, ein anerkanntes Genie seiner Zeit, wurde "der König der Maler und der Maler der Könige" genannt. Die Entdeckungen dieses Titanen der Malerei auf dem Gebiet der bildenden Kunst beeinflussten auf die eine oder andere Weise die Arbeit aller nachfolgenden Künstler. Tizian spielte eine große Rolle bei der Entwicklung des mythologischen Genres, der Landschaft und des Porträts. Für seine Zeitgenossen war es übrigens die höchste Auszeichnung, mit dem Pinsel eines Meisters festgehalten zu werden.

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Der Künstler lebte ein langes Leben und bewahrte bis zu seinem letzten Tag Klarheit des Denkens, Sensibilität der Wahrnehmung, Sehschärfe und erstaunliche Arbeitsfähigkeit. Dies erlaubte Tizian, den Pinsel bis zum Ende seiner Tage nicht aus den Händen zu lassen und den Nachkommen ein umfangreiches künstlerisches Erbe zu hinterlassen. Fragilität und Feierlichkeit, Spiritualität und Alltäglichkeit der Realität, die Tragödie und Schönheit des Menschen und der Welt wurden in seinen Kreationen auf erstaunliche Weise kombiniert. Nicht ohne Grund wurden die Werke des Malers unzählige Male kopiert.

Das Leben und Werk des Künstlers fiel in die Zeit des höchsten Wohlstands Venedigs, des Glanzes seiner Macht und seines Ruhmes, der Zeit des globalen Wandels und historischer Ereignisse. Nach verschiedenen Quellen wurde Tizian im Jahr 1477 oder 1480 geboren. Seine Eltern gehörten einer alten Familie an, die in der kleinen Stadt Pieve di Calore in den Alpen lebte. Der Junge zeigte früh seine Fähigkeit zu zeichnen und im Alter von zehn Jahren schickten ihn seine Eltern nach Venedig, um zu studieren. Die Grundlagen des jungen Tizian bildeten sich in der Werkstatt von Giovanni Bellini heraus, der eine bedeutende Rolle im Schicksal des jungen Künstlers spielte und ihn mit dem bereits berühmten Maler Giorgione bekannt machte. Dieses Treffen spielte eine große Rolle im Leben von Tizian, dank ihr fand er früh seinen eigenen Stil und erlangte Anerkennung. Und obwohl zwei talentierte Künstler keine Freunde wurden - Gewohnheiten, Charaktere und Ansichten über das Leben waren zu unterschiedlich - kann man die Rolle, die Giorgione in Tizians Leben spielte, nicht unterschätzen. Der Respekt des letzteren gegenüber seinem älteren Kameraden kann anhand der erhaltenen Beweise beurteilt werden, wie schwer Tizian den unerwarteten Tod von Giorgione ertrug (der große Künstler starb unerwartet, als er erst 35 Jahre alt war).

Eine besondere Hommage an Giorgiones Talent und die wichtige Rolle, die er in Tizians Schicksal spielte, war die Restaurierung von Giorgiones schlafender Venus, die im Feuer verbrannt war. Tizian hat die vom Feuer irreparabel beschädigte Leinwand komplett neu geschrieben und dabei nur die Haltung der Heldin und ihr zartes Gesicht bewahrt. Der bescheidene Maler begann das Bild nicht mit seinem eigenen Namen zu signieren und erwähnte nie die fast vollständige Urheberschaft des Meisterwerks, das dem Pinsel von Giorgione zugeschrieben wird. Vielleicht war dieses Werk der erste Meilenstein in der daraus resultierenden Verwirrung, weshalb im Laufe vieler Jahrzehnte Tizians Gemälde, die sich durch ihre seltene Perfektion der Ausführung auszeichneten, häufig auf Giorgiones Pinsel zurückgeführt wurden.

Aber lassen Sie uns ein wenig zurückgehen, und zwar 1508, während des „goldenen Zeitalters“ der italienischen Renaissance, als ein anerkannter Künstler den jungen Tizian einlud, ihm bei der Dekoration des deutschen Geländes in Venedig zu helfen. Giorgione begann viel früher als sein jüngerer Kamerad, seinen Teil des deutschen Geländes zu entwerfen und wählte für sich die Hauptfassade des Gebäudes, die vorteilhafter aussieht. Tizian blieb mit der Rückseite des Hofes zurück und blickte auf eine schmale Straße, die immer voller Menschen war. Giorgione, der nicht nur ein talentierter Maler, sondern auch ein charmanter Mann war, war immer von vielen Freunden umgeben, die hin und wieder zum Arbeitsplatz kamen, um den Künstler zu preisen und seinen kreativen Geist zu wecken. Tizian, der sich durch Schweigen und Isolation auszeichnete, arbeitete hauptsächlich in Einsamkeit. Es überrascht nicht, dass der versierte und selbstbewusste Giorgione seine Arbeit viel früher als sein junger Kollege beendet hat.

Als die Restaurierung des deutschen Komplexes endlich abgeschlossen war, lief ganz Venedig, um dieses Wunder zu sehen. Die Begeisterung des Publikums war grenzenlos und nach zahlreichen Zeugnissen war Tizians Gemälde das sensationellste. Für die Bewertung der Wandmalereien wurde eine Sonderkommission unter der Leitung von Bellini eingerichtet. Die Erinnerungen einer der Zeugen, die an diesem Tag dort anwesend waren - Dolce - haben überlebt: „Tizian hat die prächtige Judith porträtiert, sie ist vor allem ein Lob. Die Farbe und das Design waren so perfekt, dass alle Freunde von Giorgione, die einstimmig entschieden hatten, dass dies seine Arbeit war, dem Künstler sofort gratulierten und ihm versicherten, dass dies die beste seiner Kreationen sei. „Leider können wir die Arbeit der beiden Meister derzeit nicht beurteilen, da die Fresken nach nur dreißig oder vierzig Jahren aufgrund der sehr feuchten, mit Meersalz gesättigten venezianischen Luft und verrosteten Farbe fast vollständig verloren gingen. Aber auch aus den einzelnen Fragmenten, die überlebt haben, ist klar, dass Tizian diese schwierige Prüfung brillant bestanden hat und sich als talentierter Künstler mit einem zutiefst individuellen Stil auszeichnete.

Und das Gewicht, dank der Teilnahme an diesem Projekt, sprach schon sehr früh über die Werke von Tizian, da die ersten Werke des Meisters für ihren seltenen Realismus und die sorgfältige Übertragung von Details bekannt waren, was für junge Maler selten möglich war. Nicht die geringste Rolle bei der Früherkennung des Künstlers spielte die äußerst günstige Situation für Kreative im Land. In dieser Zeit lebte Venedig dank einer starken Flotte, eines entwickelten Handels und einer starken wirtschaftlichen Position in Frieden und Wohlstand.

Kreieren Sie einen einzigartigen Stil

Es war eine Zeit, in der Dichter, Schriftsteller, Musiker und Künstler vor dem Hintergrund der ruhigen Natur glückliche Menschen darstellten, und die Hauptthemen für Kunstwerke waren Liebe, Schönheit und Poesie der Beziehungen. In einem solchen Umfeld begann der kreative Weg des jungen Tizian.

Anfänglich war der Künstler von dem Bild der Natur mitgerissen, und die magische Zeit vor Sonnenuntergang, als der Himmel eine helle, gesättigte Farbe annahm, wurde seine liebste Tageszeit. Sie können sich vorstellen, dass die Lieblingsjahreszeit von Tizian der Herbst mit seinen bunten Farben war. Zwar hielt die Liebe zu Landschaften nicht lange an, doch im Laufe der Zeit begann der Meister, einem anderen Genre den Vorzug zu geben, nämlich dem Porträt.

Die Menschen zogen den Künstler mit ihrer reichen und komplexen Innenwelt an. Unter den frühen Werken des Künstlers sticht das Porträt eines Mannes in einem Kleid mit blauen Ärmeln hervor, das einen der besten Freunde des Künstlers darstellt, den Dichter Ludovico Ariosto, der sich mit den Initialen „TV“ auf die Brüstung stützt. Es stimmt, es gibt eine Version, die Tizian selbst auf dem Bild darstellt und die jetzt in der National Gallery in London aufbewahrt wird. Die Frage bleibt umstritten, aber nicht grundlegend, da das Wesentliche in dieser Arbeit nicht ihr Gegenstand ist, sondern die Schreibweise der jungen Künstlerin und das Können, mit dem sie aufgeführt wurde. Die anmutige Farbe des Bildes, die Leichtigkeit der Striche, die schlichte und harmonische Komposition, der wunderschön bemalte Stoff der Männerkleidung, der den Betrachter ein wenig von oben betrachtet, zeichnen Tizians ohnehin herausragendes Talent aus.

Im Laufe der Zeit wurde Tizians Werk mit immer mehr Erzählungen, Dynamiken, Spannungen und Dramen gefüllt. Die Natur auf ihnen war nicht länger still und statisch, sie war voller Leben und die Menschen vor ihrem Hintergrund waren voller Gefühle und Bewegungen. Zum Beispiel zeigt das Gemälde Three Ages of Men (1512, National Gallery of Scotland, Edinburgh) den Lauf der Zeit und die Kürze des menschlichen Zeitalters. Die Handlung des Bildes, die sich vor dem Hintergrund einer sonnigen Landschaft abspielt, muss von rechts nach links gelesen werden. Zwei Babys, rechts im Vordergrund schlafend in einem süßen Schlaf, zeigen den ruhigen Beginn des Lebens, wenn ein Mensch noch nicht weiß, welche Freuden und Sorgen ihn in der Zukunft erwarten. Der kleine Engel schützt den Frieden und die Sicherheit der Kinder, um die herum das junge Gras kaum seinen Weg macht. Im linken Teil der Komposition, im Vordergrund, unter einer dicken Baumkrone, ist ein junges Paar verliebt. Dieser Teil des Bildes stellt die Mitte des Lebens dar, wenn wir jung sind, voller Kraft, Verlangen, Gesundheit und Energie. Und im Hintergrund sitzt ein alter Mann mit zwei Schädeln in den Händen. Schädel symbolisieren die Unvermeidlichkeit des Todes, der jeden Menschen erwartet, wenn sein Leben zu Ende geht. Der Kopf des alten Mannes senkt sich zur Brust und drückt die Traurigkeit und Hoffnungslosigkeit des Alters aus. Die Bedeutung des Bildes ist einfach - wir werden alle geboren, um später zu sterben. Dieses Thema erregte Tizian während seiner gesamten Arbeit und spiegelte sich in anderen Leinwänden wider, zum Beispiel „Allegorie der Zeit und des Geistes“, die wir später betrachten werden.

Das Gemälde „Länderkonzert“ (um 1510, Louvre, Paris) gehört ebenfalls zu den Anfängen des Schaffens des Künstlers, in dem es Tizian gelungen ist, an einem schönen und ruhigen Abend eine überraschend harmonische Verschmelzung von Mensch und Natur zu vermitteln. Hier vor uns stehen zwei junge Männer in wunderschönen Kleidern in blassgrünen und leuchtend rot-orangen Farben. Einer von ihnen ist Musiker, er ist dabei, die Saiten seiner Laute zu berühren, der andere ist ein Dorfbewohner, er ist bereit, aufmerksam zuzuhören. Im Vordergrund ist eine nackte Frau, in ihren Händen eine Flöte, höchstwahrscheinlich Muse. Sie hat dem Betrachter den Rücken zugekehrt und schaut den Musiker aufmerksam an. Auf der linken Seite der Komposition befindet sich eine weitere nackte Jungfrau, in deren Händen sich ein Gefäß mit Wasser befindet, das die Idee symbolisiert, alle Lebewesen durch Kommunikation mit der Kunst zu reinigen. Die Nacktheit von Mädchen vor dem Hintergrund der Natur wirkt sehr harmonisch und ist eine wichtige Allegorie für den Ausdruck keuschen Gefühls.

Die Komposition wird durch den Hintergrund vervollständigt und führt uns von dieser erstaunlichen und poetischen Atmosphäre zurück zu der Prosa des Lebens, vor der es unmöglich ist, sich vor irgendwo zu verstecken. Der Hirte, der mit seiner Herde unter den dichten Baumkronen umherwanderte, wurde zur Personifikation der Erde auf dem Bild. In den Tiefen des Bildes sieht man die Dächer einfacher Bauernhäuser, in denen die Menschen nicht einmal die Existenz dieser himmlischen Ecke der Natur ahnen. Wenn man sich das Bild anschaut, hat man das Gefühl, dass der Held zwar keine Zeit hatte, mit dem Lautenspiel zu beginnen, aber die bezaubernden Klänge der Musik es bereits geschafft haben, den gesamten Raum zu füllen. Ursprünglich wurde dieses Gemälde dem Pinsel von Giorgione zugeschrieben, da es seine Methoden sehr stark beeinflusst - das Bild einer idealen Welt voller Träume und Illusionen, die außerhalb von Zeit und Raum existiert.

Das Thema der Gegenüberstellung von Erhabenem und Irdischem spiegelt sich in einem weiteren Werk Tizians aus derselben Zeit wider. In dem Gemälde „Interrupted Concert“ (um 1510, Palazzo Pitti, Florenz) sehen wir einen jungen Mönch, der begeistert auf einem Spinett spielt. Hinter ihm ist ein älterer Mann, der versucht, das Spiel des jungen Mannes zu stoppen, indem er seine Schulter berührt. Der Mönch löst sich widerwillig von seinem Beruf: Seine dünnen Finger flattern weiter über den Schlüsseln, obwohl sein Kopf bereits zur Seite gedreht ist. Das Gesicht des älteren Genossen ist streng, der Grund dafür ist, dass der junge Mann links in der Kleidung eines Patriziers mit einem arroganten und leeren Blick und einem ironischen Lächeln auf den Lippen an den Musikern vorbeigegangen ist.

Die Hauptidee des Bildes ist, dass die erhabene Welt der Kunst, Harmonie, Schönheit und Liebe immer dadurch zerstört werden kann, dass die brachiale Realität auf die unerwartetste Weise einbricht. Auf dem Bild lässt die Gleichgültigkeit des Patriziers, weit weg von der Welt der Musik und tatsächlich gleichgültig, einen Mann mit einer Laute in den Händen seinen faszinierten Kameraden stoppen, um keine Kraft und Inspiration weiter zu verschwenden eine Person, die es nicht zu schätzen weiß.

Vielleicht wurde die Handlung des Gemäldes von den in Venedig veröffentlichten Werken des Philosophen Platon beeinflusst, der in seinen "Gesetzen" den Gedanken zum Ausdruck brachte: "Die schönste Kunst ist die, die nur von den Auserwählten wahrgenommen wird."

Eines der ersten biblischen Gemälde von Tizian ist ein Gemälde mit dem Titel „Fass mich nicht an“ (um 1512, National Gallery, London). Das Herzstück der Leinwand ist eine Episode aus dem Evangelium, in der Jesus Christus Maria Magdalena erscheint und sie, um sicherzustellen, dass er wirklich lebt und kein Traum ist, ihn anspricht. Aber Jesus bedeckte seine Nacktheit mit einem Leichentuch und sagte: "Fass mich nicht an, denn ich bin noch nicht zu meinem Vater aufgestiegen." Der Hintergrund für das Grundstück ist die Landschaft - ein hoher Baum in der Mitte der Leinwand, rechts auf dem Hügel erheben sich Häuser und in der Ferne ist das Meer zu sehen. Die Figuren von Maria und Christus im Vordergrund leuchten buchstäblich, meisterhaft ausgewählte Farben in Gold-, Braun- und Ockertönen ließen Kunsthistoriker lange Zeit vermuten, dass das Gemälde zum Pinsel von Giorgione gehört.

Liebe und Neid der Machthaber

Tizian, der von Anfang an von den Machthabern freundlich behandelt wurde, wurde mehrmals angeboten, sein geliebtes Venedig zu verlassen und sich unter dem Flügel des einen oder anderen Gönners niederzulassen. Aber der Künstler mochte diese Stadt zu sehr und erwartete, dass er hier sein Leben und seine Karriere aufbauen würde. Nach einiger Anerkennung schrieb der Maler daher ein Aufrufschreiben an die Herrscher der Stadt, in dem er vorschlug, die schwierigste Planungsarbeit für den Saal des Großen Rates zu übernehmen. Gleichzeitig bat er darum, seine Kandidatur für die zu diesem Zeitpunkt vakante Position eines Salzversorgungs-Vermittlers bei der German Compound in Betracht zu ziehen. Auf den ersten Blick ist das seltsam, aber diese administrative Position in Venedig war in der Regel von Künstlern besetzt. Dies lag an den Besonderheiten ihrer Arbeit, die Kenntnisse über Mineralien erforderten, sei es Salz oder Farbe. Die Zwischenposition war ein Leckerbissen für jeden Künstler dieser Zeit. Sie gab das Recht, ein Jahresgehalt und den Ehrentitel des offiziellen Malers der Republik St. Mark zu erhalten. Und das gab dem Künstler wiederum Arbeit - er erhielt automatisch den größten Teil des Staatsauftrags, einschließlich der Porträts aller neuen Dogen für den Großen Ratssaal. Darüber hinaus zahlte die Staatskasse einen Großteil der Ausgaben des Künstlers: die Anmietung einer Werkstatt, den Kauf von Leinwänden und Farben sowie einige andere Bedürfnisse.

Und so hatte Tizian 1513 unglaubliches Glück - der Regierungsrat nahm seinen Vorschlag an. Der glückliche Künstler begann sich an einem neuen Ort niederzulassen. Viele Studenten kamen in seine Werkstatt, junge Künstler träumten davon, mit einem so anerkannten und berühmten Meister zusammenzuarbeiten, reifere Maler beneideten ihn um seine vorteilhafte und ehrenvolle Stellung. Doch leider hielt Tizians Freude nicht lange an. Ein anderer ehrwürdiger Künstler, Giovanni Bellini, in dessen Werkstatt der junge Tizian arbeitete, war empört über diese Ernennung, und er wandte sich an seinen Gönner - einen der einflussreichen venezianischen Dogen - mit der Bitte, die Entscheidung des Rates anzufechten. Infolgedessen brach ein Skandal aus und die Entscheidung, Tizian zu ernennen, wurde schnell rückgängig gemacht. Dies wurde auch durch eine Änderung der Zusammensetzung des Großen Rates erleichtert, die für den jungen Künstler zum falschen Zeitpunkt erfolgte. Tizian war wütend, gab aber seine ehrgeizigen Pläne nicht auf. Das Ergebnis seines Kampfes war seine neue Ernennung zum Salzvermittler, die erst vier Jahre später, 1517, erfolgte.

Tizian drückte teilweise seine Wut auf die Machthaber in seinem 1516 geschaffenen Caesar’s Dinarium aus (das Gemälde befindet sich jetzt in der Dresdner Kunstgalerie). Die Leinwand ist mit einer ungewöhnlich reichen und reichen Palette bemalt, wodurch das Bild sehr geprägt zu sein scheint. Die Komposition des Bildes ist einfach und ausdrucksstark. Zwei hüfthohe Figuren scheinen auf der Leinwand zu kollidieren. Dies sind zwei Gegensätze - Tugenden im Bild Christi, die im Zentrum stehen, und Gier im Bild des Pharisäers, als ob sie von rechts in das Bild eindringen. Der Heuchler dehnt den Denar auf Christus aus, sein gesamtes Erscheinungsbild provokativ und unangenehm. Christus ist im Gegenteil eine Verkörperung von Reinheit und Aufrichtigkeit, seine Gestalt auf dunklem Hintergrund beleuchtet sozusagen die gesamte Leinwand. Er sieht den Pharisäer ruhig an, in seinen Augen Selbstvertrauen und eine blöde Frage: "Warum reizen Sie mich?" Die Bedeutung des Bildes ist einfach und verständlich - der Herr kennt alle unsere Gedanken, denn er ist der Allsehende, und seine Antwort ist einfach, aber tief: "Gib Cäsar, was Cäsar ist, aber Gott der Gott." Ausgehend von der traditionellen biblischen Handlung reflektierte der Künstler darin seine innersten Gedanken über Gut und Böse. Die Gesamtfarbe des Bildes ist alarmierend. Hell, wie von Licht erfüllt, stehen die Gewänder Christi, gepaart mit seinem makellos erleuchteten Gesicht, in scharfem Kontrast zu den braun-goldenen Farben, die den Pharisäer darstellen und das Böse und die Ungerechtigkeit der Welt verkörpern. Sein Aussehen ist bunt - eine raue Nase mit einem Buckel, eine hohe Stirn, ein Ohrring im Ohr, gebräunte Haut, eine sehnige Hand hält eine Münze heraus. Es ist kein Zufall, dass zwei Figuren, von denen eine Güte und Adel repräsentiert, und die andere - all die Gemeinheit und Gemeinheit, zu der eine Person fähig ist - einen so unterschiedlichen Raum auf der Leinwand einnehmen. Es ist kein Zufall, dass Tizian die Figur des Pharisäers schneidet, ihn an den Rand des Bildes drückt und damit seine Haltung zur Frage des Kampfes zwischen Gut und Böse zeigt, seine unendliche Überzeugung, dass das in jedem Menschen gespeicherte göttliche Prinzip es kann Besiege alle Laster der Welt.

Suche nach persönlichem Glück

Das Privatleben des Künstlers hat nicht auf Anhieb geklappt. Lange Zeit konnte er seine Geliebte nicht nach seinem Geschmack finden. Zum ersten Mal besuchte Tizian den Gedanken der Ehe, als er die Tochter seines Freundes traf - ein sehr junges Mädchen namens Violana. Leider gab es keine Beweise dafür, dass seine Liebe auf Gegenseitigkeit beruhte. Angesichts der Tatsache, dass Violana häufig das Atelier des Künstlers besuchte und für ihn für eine Reihe von Arbeiten posierte, war Tizian ihr jedoch nicht gleichgültig. Trotzdem hat die Ehe nicht stattgefunden. Die Biographen von Tizian können nur über die Gründe für dieses Ergebnis spekulieren, aber höchstwahrscheinlich waren die Eltern des Mädchens gegen die Gewerkschaft.

Der Künstler verewigte seine Liebe und Leidenschaft für Violanta in dem um 1515 entstandenen Gemälde Flora (heute gehört das Werk zu den Uffizien in Florenz). Diese Arbeit wurde ein wahres Meisterwerk des jungen Tizian. Das Bild ist mit Sinnlichkeit und Bewunderung für weibliche Schönheit gesättigt. Ein wunderschönes goldhaariges Mädchen hält in der rechten Hand einen Strauß der ersten Frühlingsblumen, mit der anderen Hand hält sie einen Umhang, der von ihrer Schulter gleitet und fast ihre volle Brust freilegt. Das Bild der Violana erschien später in vielen Werken des Meisters ("Himmlische Liebe und irdische Liebe", "Solomei", "Junge Frau mit Spiegel", "Violana" und anderen) als Verkörperung wahrer Schönheit und Weiblichkeit. Aber Flora wurde die berühmteste von ihnen, die Leinwand wurde viele Male von anderen Künstlern kopiert und kopiert.

Das zweite bedeutende Werk des Künstlers, das im gleichen Zeitraum geschrieben wurde, war "Himmlische Liebe und irdische Liebe" (um 1515, Galleria Borghese, Rom). Die ideologische Inspiration des Bildes waren Bembos „Azolan Nymphs“ und der Roman „Liebesschlachten in Polyphilus-Träumen“, die in venezianischen Salons aktiv diskutiert wurden. Die Wurzeln beider liegen in der römischen Mythologie, in der zwei Venus die Einheit der Gegensätze verkörperten - erhabene platonische Gefühle und fleischliche Wünsche und Leidenschaften.

Die Leinwand ist in überraschend hellen und hellen Farben gemalt, die eine freudige Wahrnehmung des Lebens und der Welt um sie herum vermitteln. Sie steckt voller Allegorien und Symbole, wie sie im Auftrag eines kunstkundigen Menschen geschaffen wurden. Im Vordergrund des Bildes stehen die Figuren zweier schöner Frauen, die in der Nähe der Quelle sitzen. Links ist die schöne Violana im Bild der irdischen Liebe zu sehen. Ihr Kleid wurde von einem Gürtel mit einer Metallschnalle abgefangen, der das Symbol der Ehe darstellt. Sein Emblem ist ein Kranz aus Zweigen eines Myrtenbaums auf ihrem Kopf. Die himmlische Liebe im rechten Teil des Bildes hält feierlich eine brennende Lampe in der erhobenen Hand, als segne sie die irdische Liebe zur Gegenseitigkeit. Es ist schwer zu merken, dass die beiden Frauen auf der Leinwand sozusagen Gegensätze sind - tatsächlich sind sie auf dem gleichen Gesicht. Der Unterschied besteht nur in den Outfits der Heldinnen. Heavenly Love ist nackt, nur ein Stück weißer Stoff bedeckt ihre Hüften - dies ist ein Symbol für ihre Reinheit und Unschuld, ihr roter Umhang kontrastiert scharf mit den bescheidenen und zurückhaltenden Farben der Kleidung von Earthly Love.

Wie in jeder Leinwand jener Zeit spielte der Hintergrund für die symbolische Bedeutung des Bildes eine nicht minder wichtige Rolle als seine Hauptfiguren. Sinnliche und zugleich ungewöhnlich klare Landschaft wird durch einen mächtigen Baum in zwei Teile geteilt. In der „irdischen“ Hälfte des Bildes ist ein reiches Haus und ein Reiter dargestellt, die sich ihm nähern und auf die offensichtlich eine liebevolle und treue Frau vor dem Tor wartet. Hasen, hinter der Figur der irdischen Liebe zurückgelassen, bedeuten Fruchtbarkeit. Die Landschaft auf der rechten Seite des Bildes enthält einen Kirchturm inmitten von Bergketten, einen See und eine Schafherde mit einem Hirten, der sie bewacht. Amor in der Mitte der Leinwand ist damit beschäftigt, die gefallenen Rosenblätter aus dem Wasser zu fangen.

In dieser ungewöhnlich harmonischen Komposition versucht der Meister auf sehr elegante Weise, das tatsächliche und ethische Dilemma des Verhältnisses von erhabenem Gefühl und fleischlicher Leidenschaft für sich selbst zu lösen. Das lyrische Werk ist mit vielen sehr realistischen Details gefüllt, die den Stil des gegenwärtigen Autors von Tizian sowie seine reiche Palette charakterisieren. Der Kunde der Leinwand, ein in den Großen Rat verliebter Beamter, war sehr zufrieden mit dem Gemälde und ahnte nicht einmal, dass es ein großes Meisterwerk der Weltmalerei werden würde.

Gleichzeitig wurde das Gemälde „Madonna mit Kirschen“ gemalt (1515, Kunsthistorisches Museum, Wien). Die Leinwand zeichnet sich durch die Helligkeit der koloristischen Lösung und die exakte Detaillierung aller Figuren und Objekte aus, was zweifellos von dem großen Talent und Können ihres Autors spricht.

Was die Geschichte der unerfüllten Liebe von Tizian und der jungen Violana anbelangt, so ist sie, nachdem sie auf den Widerstand anderer und Verwandter gestoßen war, von sich aus gescheitert. Der Meister kehrte nach Hause zurück und ahnte nicht einmal, dass das Schicksal ihn dort erwartete. Der ältere Bruder des Künstlers brachte eine neue Haushälterin in sein Haus - ein einfaches Mädchen, Chechilia. Bei ihr war das Haus des Künstlers voller Sauberkeit und Komfort, sein Herd wurde lebendig, die Küche war voller köstlicher Aromen. Tizian war beeindruckt von der Einfachheit, Spontanität, Bescheidenheit und dem Adel von Tschetschenien. Aber er wusste immer noch nicht, dass sie seine Lebensgefährtin werden würde, eine treue Freundin und Mutter von drei Kindern.

Der offizielle Maler der Republik St. Markus

1517 arbeitete Tizian, der schließlich als offizieller Künstler der Republik St. Markus anerkannt wurde, an der Erstellung des Altarbildes der Himmelfahrt Marias (1516-1518, Kirche Santa Maria Gloriosa dei Frari in Venedig). Am Eröffnungstag war die Kirche mit bedeutenden Gästen und gewöhnlichen Menschen überfüllt. Als die Decke feierlich vom Altar entfernt wurde, schnappten die Anwesenden buchstäblich nach Luft aus dem blendenden Licht, das sie ausstrahlte. Die emotionale Intensität erreichte ihren Höhepunkt und drückte sich in Freuden- und Empörungsschreien aus. Ein derart atemberaubender Effekt brachte eine neue Kreation des Künstlers hervor. Es wurde zu einem neuen Meilenstein in der Geschichte der venezianischen und Weltmalerei, in der es schwierig sein wird, ein Werk zu finden, das sich durch die gleiche starke emotionale Wirkung auszeichnet. Die Kunst des damaligen berühmten Bellini und Carpaccio erreichte nie eine solche Höhe, und die Weltmalerei hatte zu dieser Zeit keine anderen Beispiele für ein derart großes und monumentales Bild.

Die Komposition des Werkes gliedert sich in drei Teile. Im unteren Teil sind drei Meter große Figuren der elf Apostel zu sehen, die die Jungfrau begleiten und in den Himmel aufsteigen. Der Meister vermittelte ihre Gefühle perfekt durch angespannte, aufgeregte Gesichtsausdrücke. Die Apostel sind so realistisch hingerichtet, dass es dem Betrachter so vorkommt, als würde er nun ihr verzweifeltes Stöhnen und ihre Ausrufe hören. In der Mitte des Freskos ist die majestätische Gestalt der Muttergottes abgebildet, die sich von dieser Welt verabschiedet und von Engeln zu Gott geführt wird. Der Ausdruck ihres Gesichts ist ruhig, in ihrem Blick ist Frieden und stille Freude von der bevorstehenden Begegnung mit dem himmlischen Vater. Und schließlich ist im oberen Teil der Komposition der Herr abgebildet, der mit zwei Engeln auf die Jungfrau Maria wartet. Leider ist das Bild nicht erhalten geblieben. Die Zeit beeinflusste sie stark, die Farben verblassten und duschten, außerdem wurde aus vielen Gründen ständig eine riesige Leinwand von einem Ort zum anderen transportiert, was auch nur die Sicherheit beeinträchtigen konnte. Es besteht jedoch kein Zweifel, dass Tizian mit diesem Meisterwerk seinen Landsleuten bewiesen hat, wie verdient er seine Position als Chefkünstler der Republik St. Markus erhalten hat.

Meisterwerke des Künstlers wurden nacheinander geboren. 1520 wurde das prächtige „Porträt eines Mannes mit Handschuhen“ gemalt (Louvre, Paris), das einen typischen Vertreter der Intelligenz jener Zeit darstellt, der Tizian selbst nahe stand. Der abgebildete Mann ist in seine eigenen Gedanken versunken, er ist verträumt und nachdenklich, in seinen Händen sind Handschuhe, aber er scheint sie vergessen zu haben. Trotz der offensichtlichen Distanziertheit ist sein Gesicht eine deutlich zum Ausdruck gebrachte aktive Haltung gegenüber dem Leben. Er vermittelt den Eindruck eines Menschen, der sehr autark, selbstbewusst und lebenskundig ist. Auf diesem Bild präsentierte Tizian einen bestimmten Helden seiner Zeit, den er in der venezianischen Gesellschaft so gerne treffen würde: einen gebildeten, dünnen, intelligenten und tiefen Mann, der trotz einer sehr schwierigen Zeit Würde und geistigen Adel bewahrte Überall herrschen Lügen, Heuchelei und Wut.

Neben Porträts und religiöser Malerei schafft Tizian von 1520 bis 1523 mehrere Gemälde mit einer mythologischen Handlung. Mythologie und Allegorie waren jedoch der unbestrittene Schlittschuh des Meisters, nachdem der Künstler nach der Entstehung der Gemälde „Bacchus und Ariadne“ und „Bacchanalia auf der Insel Andros“ lange Zeit von mythologischen Plots abgewichen war. Tizians Biographen führen dies auf die Tatsache zurück, dass der Maler aktiv am gesellschaftlichen Leben teilnahm, dessen Probleme ihn ständig beschäftigten. Die blinde Freude und der ungezügelte Spaß mythologischer Helden waren zu weit von der Realität entfernt, die den Künstler mit seinen Lastern und Problemen umgab.

Die Handlung des Gemäldes „Bacchus und Ariadne“ (1520-1523, National Gallery, London) zeigt die siegreiche Rückkehr des Bacchus (in der antiken griechischen Mythologie des Dionysos) von Indien auf die Insel Naxos, auf der sich allein Ariadne sehnt. Der von zwei Leoparden gespannte Wagen des Bacchus steht schon ruhig am Ufer, und der Gott selbst springt prompt von ihr zu seiner geliebten Ariadne. Die passende Bacchus-Begleitung ist eine lustige Gesellschaft von Satyrn und Bacchanals. Sie rennen dem Anführer hinterher, der ein Wadenbein über den Kopf gehoben hat und der versucht, aus dem Griff einer Boa Constrictor auszubrechen. Unten schleppt ein kleiner Satyr, noch ein Kind, den Kopf eines Kalbes, auf dem der Hund bellt, auf den Boden. Der Junge sieht den Betrachter mit einem schelmischen Blick und einem schlauen Grinsen an, als warte er auf eine Antwort der Öffentlichkeit auf sein Unternehmen.

Der lila Umhang des nackten Bacchus flattert im Wind, seine ganze Figur ist ungewöhnlich dynamisch, sie spiegelt seine Ungeduld wider. Die Figur der Ariadne hingegen ist vom Betrachter abgewandt, als wäre sie ihm verschlossen. Es scheint, dass Bacchus sie mit seiner Schnelligkeit erschreckt. Ariadne, die von allem, was passiert, schockiert ist, versteckt sich hinter ihrer Hand und weiß nicht, was sie als nächstes tun soll. Die Kulisse für das Geschehen ist eine Landschaft mit mächtigen Bäumen, einem fernen Dorf, Bergen am Horizont und dem Meer.

Das zweite mythologische Bild dieser Zeit war „Bacchanalia auf der Insel Andros“ (1523, Prado Museum, Madrid). Die Leinwand zeigt eine Orgie der Inselbewohner, ihre zahlreichen Körper füllen fast den gesamten Raum des Bildes aus. Hier haben Männer und Frauen, die trinken, Spaß und Gräueltaten. Im Hintergrund rechts auf dem Hügel lag eine nackte betrunkene Selen, im rechten vorderen Teil der Leinwand ist ein nacktes Mädchen abgebildet, sie hat schon hübsch Wein getrunken und ist hier auf einer weißen Decke eingeschlafen, anscheinend hat sie ihre Nacktheit vergessen. In der Mitte neben dem Schlafenden erleichtert sich ein kleines Kind.

Ende dieses Jahres erfuhr der Künstler die traurige Nachricht - ein talentierter italienischer Maler, ein Vertreter der klassischen venezianischen Schule Vittore Carpaccio, starb. Ihm widmete Tizian sein neues Gemälde „Die Stellung im Grab“ (1523, Louvre-Museum, Paris).

Die Bildkomposition ist reichhaltig, in Rot-Orange- und Schwarztönen gehalten und vermittelt Dramatik und Angst vor einer dynamischen Handlung. Es gibt fast keinen Hintergrund, nur einen grauen Himmel und einen dunklen, fast schwarzen Wald in der rechten Ecke. Links die traurigen Gestalten der Mutter Gottes und Maria Magdalena, die sie tröstet und an den Schultern hält. Beide sehen entsetzt zu, wie die drei Jünger den leblosen Leib Christi tragen, der in ein Grab gelegt werden soll. Der Vordergrund des Bildes ist erfüllt von Strahlen, die vom Leib Christi ausgehen, als ob sie von innen scheinen. Es scheint von innen zu leuchten und den Vordergrund der Leinwand mit Strahlen zu füllen. Das Bild basiert auf einer Kombination aus roten und schwarzen Farben und überträgt eine dramatische Episode von Alarm und Dynamik.

Porträts von Dogen für den Saal des Großen Rates nahmen einen großen Anteil an der Arbeit von Tizian als Hofkünstler ein, aber leider wurden fast alle bei zahlreichen Bränden verbrannt. Ein Ehrenplatz in der Galerie der erhaltenen Hofporträts von Tizians Pinsel ist das Porträt von Federico II. Gonzaga (um 1525-1529, Prado-Museum, Madrid), auf dem der Dogen mit seinem geliebten Schoßhund gefangen genommen wird. Gonzaga ist fast in voller Höhe dargestellt. Seine dunkelblauen Kleider, verziert mit erstaunlichen Ornamenten, verleihen dem Bild einen Luxus und eine gewisse Feierlichkeit. Das Gesicht eines Dogen mit zarten aristokratischen Zügen und einem gepflegten Bart ist voller Selbstbewusstsein. Er sieht den Betrachter mit einem entfernten Blick an. Gonzags anmutig gepflegte Finger streicheln den Hund, der mit seinem ganzen Körper gegen den Besitzer gedrückt wird.

Reihe von Verlusten

In der Blütezeit seiner öffentlichen Anerkennung und Relevanz erlitt der Künstler eine persönliche Tragödie. Während der Geburt ihres zweiten Sohnes mit Tizian begann Cecilia plötzlich stark zu bluten. Diese Nachricht schockierte den Maler zutiefst und aus Angst vor dem Schlimmsten entschloss er sich, sofort zu heiraten.Tizian lud die besten Ärzte zu Cecilia ein, mit deren Bemühungen sie sich schließlich besserte, aber der Künstler änderte seine Meinung über eine Heirat nicht. Diese Nachricht verbreitete sich schnell in ganz Venedig, da Tizian ein sehr berühmter Künstler und eine bekannte Persönlichkeit des öffentlichen Lebens war. Er und Cecilia organisierten jedoch zu Hause eine sehr bescheidene Hochzeitszeremonie im Kreis der engsten und liebsten Menschen.

Es war im Jahr 1525, Tizian blieb eine Weile bei seiner Familie und als Cecilia stark genug wurde, kehrte er nach Venedig zurück, wo er von zahlreichen unvollendeten Aufträgen erwartet wurde.

Im Jahr 1530 begann Tizian mit dem Abendessen in Emmaus (Louvre, Paris) auf einer neuen religiösen Leinwand. Die traditionelle Geschichte des Evangeliums zeigt den auferstandenen Christus, der an einem Tisch sitzt, der mit einer schneeweißen Tischdecke bedeckt ist. Auf beiden Seiten von ihm beobachten seine Schüler, neben dem Inhaber der Einrichtung und dem Kellner, dieses wundervolle Phänomen. Christus segnet das servierte Geschirr mit einer Handbewegung. Die gesamte Komposition ist sehr leicht, lyrisch, in hellen und sanften Farben gehalten und mit leichten, freien Strichen geschrieben.

Die Zeit vergeht schnell und der ständig beschäftigte Tizian wird erneut über den schweren Zustand seiner Frau informiert. Der Künstler wirft alles und eilt nach Hause. Er schafft es kaum, Chechilia zu fangen, die sich bis zur Unkenntlichkeit verändert hat. Nach der Geburt ihres dritten Kindes, einer Tochter namens Lavinia, erlitt die arme Frau erneut schwere Blutungen. Trotz aller Bemühungen der Ärzte starb Tizian am 5. August 1530 nach einer schlaflosen Nacht am Bett seiner Frau.

Der Künstler erlitt diesen Verlust ungewöhnlich schwer. Nach den Beschreibungen seiner Zeitgenossen lebte er wie in einem Traum, unternahm weiter etwas, traf sich mit Menschen, aber als hätte er niemanden gesehen und gehört. Alle Gedanken Tizians waren von seiner geliebten Cecilia beschäftigt, die viele Jahre lang seine treue Freundin, ergebene Frau und liebevolle Mutter ihrer Kinder war. Erst als er sie verlor, erkannte der Künstler, wie viel Licht diese so edle und bescheidene Frau in sein Leben brachte. Cecilia erfüllte sein Haus mit Wärme und Gemütlichkeit, sie umgab Tizian mit endloser Sorgfalt, damit ihn nichts daran hinderte, seine Meisterwerke zu schaffen. Einmal ging der Künstler durch sein Haus und dachte über seinen irreparablen Verlust nach, als er auf eine unfertige Leinwand stieß, auf die der Kunde lange gewartet hatte.Es war die Madonna und das Kaninchen (um 1530, Louvre Museum, Paris). Tizians Augen füllten sich mit Tränen - Cecilia sah ihn von dem Bild aus an, das auf dem Bild einer Frau abgebildet war, die links von der Jungfrau Maria stand.

Die Zeit verging, die Kinder wuchsen auf. Die beiden Söhne Tizians waren vollkommen gegensätzlich: Der älteste Pomponio war egoistisch und faul, und der jüngere Orazio dagegen war ruhig und gefällig. Die kleine Lavinia war ihrer Mutter sehr ähnlich. Tizian verstand jeden Tag deutlicher, dass er mehr Unterdrückung im Haus hatte, wo ihn jede Ecke an seine tote Frau erinnert. Aber der Künstler hatte auch genug von Venedig, er wollte nicht dorthin zurückkehren. Der Maler suchte lange nach einem neuen Zuhause in einer ruhigen, abgeschiedenen Ecke. Und so gelang es ihm am 1. September 1531, ein zweistöckiges Haus mit einer großen Terrasse und einem Zwischengeschoss am Stadtrand von Biri Grande zu mieten.

1532 beginnt Tizian mit seinem ersten Porträt in voller Länge. Dies ist ein "Porträt von Kaiser Karl V. mit einem Hund" (Prado Museum, Madrid).

Stundenlanges Posieren half, eine sehr freundschaftliche Beziehung zwischen dem Künstler und dem Kaiser herzustellen. Der Kaiser erzählte Tizian aufrichtig von seinem Leben und von sich. Karl V. war ein Mann, der die Macht unendlich satt hatte und dessen Leben voller seelenloser Formalitäten und Formalitäten war. Deshalb porträtierte der Maler den Kaiser in einfachen Kleidern und nicht in einem luxuriösen, vollen Kleid und betonte damit, dass sein Held zuallererst ein Mann ist. Das einzige treue Wesen in seinem Leben war der Hund, der neben ihm abgebildet war. Augenzeugen zufolge war Karl V. mit dem Gemälde sehr zufrieden und bewunderte die Fähigkeiten des Künstlers. Voller Emotionen umarmte der sich teilende Kaiser den Maler fest. Das Gefolge Karls V., der dabei anwesend war, überforderte den Künstler später mit Aufträgen und versorgte ihn lange mit Arbeiten.

Danach überholte Tizian einen weiteren Verlust - seine Mutter starb. Dieses Ereignis versetzte ihn in eine noch tiefere Depression. Nur das freudige Lachen der Kinder in seinem neuen Zuhause half dem Meister zu bleiben und weiterzuleben. Und doch lebte der Künstler mehrere Jahre wie ein Einsiedler, ohne seine Werkstatt tagelang zu verlassen. Er arbeitete extrem hart und widmete seine freien Stunden dem Gespräch mit Kindern.

Spitzenleistungen

Nach dem Verlust von Cecilia im Haus von Tizian begann seine Schwester Orsa mit der Landwirtschaft und beschäftigte sich auch mit der Kindererziehung. Die Zeit verging und einmal bemerkte Orsa, dass jeden Abend eine Gondel zum Haus des Malers fuhr, in der eine junge Frau saß und immer versuchte, unbemerkt zu bleiben. Sie stieg schnell die Außentreppe direkt in die Werkstatt des Künstlers, die sich im zweiten Stock befand. Natürlich kam niemand auf den Gedanken, dem Maler Vorwürfe zu machen, im Gegenteil, die Verwandten hofften, dass das Erscheinen eines neuen Liebhabers die Einsamkeit von Tizian aufhellen und ihm helfen würde, die Lebensfreude wiederzugewinnen. Das Ergebnis dieses Hobbys war eine solche Arbeit, in der ein schöner Fremder dargestellt wurde, wie zum Beispiel „Porträt einer jungen Frau in einem Hut mit einer Feder“, „Mädchen in einem Pelzumhang“ sowie die prächtige „Venus Urbinskaya“.

„Mädchen im Pelzumhang“, 1535 im Kunsthistorischen Museum in Wien verfasst, war ein Auftragswerk und ist eine Allegorie der Ehe. Auf der Leinwand ist ein junges Mädchen abgebildet, das eine Brust spielerisch mit einem Fellumhang bedeckt, während ihre zweite Brust nackt bleibt. Der schüchterne Blick des Mädchens und die zarte Röte auf ihren Wangen unterstreichen nur die erotische Bedeutung des Bildes, das aus einem Kontrast zwischen weiblichem Fleisch und flauschigem Fell besteht. Eine ähnliche Komposition zeigt das Gemälde „Porträt einer jungen Frau mit Federhut“ (1536, Eremitage, St. Petersburg), bei dem das Modell auch die rechte Schulter, die Brust und den Arm aufweist. Unter dem Pelzmantel sieht man ein durchscheinendes weißes Hemd. Auf dem Kopf des Mädchens befindet sich ein mit Steinen verzierter Hut mit Federn. In beiden Gemälden verbirgt der Künstler nicht seine Bewunderung, am Rande der offenen Lust,die Schönheit eines jungen weiblichen Körpers. Die schneeweiße Haut der Heldin, geschrieben in leichten, schwerelosen Strichen, kontrastiert scharf mit dem satten dunklen Hintergrund, wodurch ihr Bild noch zarter und zerbrechlicher wirkt.

Und im Jahre 1538 wurde im Auftrag des Gouverneurs von Venedig, Guidobaldo della Rovere, der später Tizians Stammkunde sein wird, das Gemälde „Venus Urbinskaya“ (Uffizien, Florenz) gemalt. Dieses Bild war das Hochzeitsgeschenk des Herzogs an die zukünftige Frau. Die goldhaarige Venus, in anmutiger Pose auf schneeweißen Laken liegend, ist voller Glückseligkeit, in ihrer rechten Hand befindet sich ein Hagebuttenzweig. Ihr Blick ist ruhig und sicher, sie ist nicht schüchtern vor ihrer Nacktheit. Ein schöner Körper ist so dünn und leicht geschrieben, dass es so aussieht, als würde ein Glühen von ihm ausgehen. Zu Füßen der Venus sitzt und schläft anstelle der traditionellen Amoren ein kleiner Hund. Im Hintergrund des Gemäldes befindet sich ein Raum, der im hellen Licht eines sonnigen Morgens getaucht ist. Auf dem Fenster der Venus steht eine Myrtenschale, die für Ehe und Treue steht. Zwei Dienstmädchen huschen um ihre Brust,Picking Outfit für die Morgentoilette der Gastgeberin. Seltsamerweise ist Venus Tizian überhaupt keine Himmelsfrau, sondern eine sehr reale irdische Frau, die in offen nackter Schönheit vor uns auftaucht.

Befolgen wir die ungefähre Chronologie, so ergibt sich aus den uns bekannten Werken die Leinwand „Krönung mit Dornenkrone“. Dieses Gemälde existiert in zwei Versionen: Eine davon befindet sich im Louvre (1542) und die andere in der Alten Pinakothek von München (1572-1576). Die Komposition der beiden Bilder ist sehr ähnlich. In der Mitte der Leinwand befindet sich die Figur des gequälten Christus, umgeben von fünf Peinigern und drei Stufen, die zum Ort der öffentlichen Geißelung führen. Der Unterschied liegt nur im Hintergrund. In einem frühen Werk spielt sich eine brutale Szene der Verspottung Jesu vor dem Hintergrund eines hell erleuchteten Steinbogens ab, über dem eine Büste des Kaisers Tiberius steht. In einem späteren Bild ist nur ein beleuchteter Kronleuchter oben auf der Leinwand zu sehen. In beiden Fällen,Christus erträgt demütig Mobbing und Schmerz von Menschen, die ihn vehement mit Speeren angegriffen haben. Immerhin hat er ihnen bereits vergeben, und dies gibt seinem Bild wahre Majestät.

Im Jahr 1545 schafft Tizian ein weiteres herausragendes Porträt des Dogen von Venedig, das „Porträt des Dogen Andrea Gritti“ (National Art Gallery, Washington). Es zeigt einen Herrscher mit einem strengen Blick grausamer Augen, der seinen gnadenlosen und bedrückenden Charakter verrät. Tiefrote Kleidung unterstreicht einmal mehr sein Charisma und seinen Führungswunsch. Auf dem Dogen befindet sich ein Umhang aus einem teuren, wie leuchtenden Stoff in braun-goldenen Tönen und dem gleichen Kopfschmuck.

Der geschlossene und unkommunikative Tizian hatte sehr wenige enge Freunde. Einer von ihnen war der Dichter und Schriftsteller Pietro Lretino. Das waren zwei sehr unterschiedliche Leute: Lretino war sehr fröhlich, liebevoll, liebte Luxus, Feste und Festlichkeiten, gesprächig und selbstbewusst, er hatte großartige Verbindungen. Tizian mochte Optimismus, Herzlichkeit, Charisma und die Tatsache, dass der Dichter sich in Kunst und Literatur sehr gut auskannte. Tizian wurde sogar der Pate einer der Töchter von Loretino. 1545 malte er sein Porträt. Im Gemälde „Porträt von Pietro Lretino“ (Palazzo Pitti, Florenz) nimmt die Figur des Dichters fast den gesamten Raum der Leinwand ein. Die Leinwand ist in zahlreichen Variationen von roten und goldenen Farben geschrieben und wird mit Energie und Kraft des Geistes gefüllt, um den Charakter des Helden zu enthüllen.Es gibt Hinweise darauf, dass Lretino mit der Arbeit unzufrieden war, insbesondere gefiel es ihm nicht, dass die goldene Kette (von König Franz I. geschenkt) auf seiner Brust fast unsichtbar war und zu schwach glänzte. Das könnte ein Witz des Dichters sein, den ein Augenzeuge falsch interpretiert hat.

Im selben Jahr, 1545, schreibt Tizian "Porträt eines jungen Mannes" (Palazzo Pitti, Florenz). Ein gutaussehender Mann mit einem hypnotischen und bezaubernden Ausdruck grünlicher Augen sieht den Betrachter von der Leinwand aus an. Lange Zeit glaubte man, dass das Bild den englischen Herzog von Howard darstellt, daher wurde das Gemälde "Portrait of a Young Englishman" genannt. Doch der Kunstkritiker Venturi brachte 1928 seine eigene Version vor, die von überzeugenden Beweisen gestützt wurde. Er glaubte, dass der Mann auf der Leinwand Ippolito Riminaldi war, ein Anwalt, ein weiterer Freund von Tizian, den er gerne auf seinen Reisen nach Ferrara traf. Die Komposition der Leinwand ist denkbar einfach: Vor uns steht ein junger Mann in einem strengen schwarzen Leibchen, aus dessen Kragen und Ärmeln weiße Spitzenmanschetten herausragen. Seine linke Hand liegt auf seiner Hüfte und in seiner rechten hält er Handschuhe.Die Gesamtfarbe der Leinwand ist sehr zurückhaltend, sie basiert auf einer Kombination von zwei Grundfarben: Schwarz und Grau. Nur weiße Manschettenflecken und braune Handschuhe verdünnen sie. Es ist erstaunlich, wie genau und subtil sein Gesicht mit nachdenklichen, klugen Augen geschrieben ist. In all seiner Erscheinung erstrahlt der Adel.

1548 malte Tizian ein weiteres Porträt von Karl V. Der Kaiser gestand dem Künstler, mit dem er schon früher in Kontakt kam, dass er den Anblick von Blutvergießen satt hatte und nur noch auf das bevorstehende Treffen mit seiner unvergesslichen Frau wartete. Mit aufrichtigem Mitgefühl vermittelte Tizian seine Gefühle in „Porträt Karls V. im Sessel“ (Alte Pinakothek, München). Hier sitzt der Kaiser in einem Sessel vor dem Hintergrund einer öden Landschaft, aus der er noch immer vor Kälte und Sehnsucht weht. Charles V sitzt in einem Sessel, ganz in Schwarz gekleidet, als würde er vergessen, einen Handschuh auszuziehen. Der rote Boden bildet einen starken Kontrast zu den Farben seiner Kleidung und seiner Kopfbedeckung. Der Kaiser ist sehr traurig, nachdenklich und einsam.

Perfektion des Stils

Die letzten fünfzehn Lebensjahre des Künstlers, in denen er bereits das achte Dutzend getauscht hatte, werden gewöhnlich als Spätzeit seines Schaffens bezeichnet. Dies ist die Zeit, in der sich Tizian wieder seinem mythologischen Lieblingsthema zuwendet, das er immer in seinem individuellen Geist interpretierte.

Das Gemälde „Venus und Adonis“ (Prado-Museum, Madrid) stammt aus dem Jahr 1533 und zeigt in seiner Handlung eine Trennungsszene. Venus versucht, ihre Geliebte zu halten, in den Durst nach Jagd versunken zu sein und nicht auf ihre Warnungen vor drohender Gefahr zu hören. Beim Versuch, Adonis zu halten, bricht die Kraft aus ihren Armen und Venus stößt versehentlich mit dem Fuß auf eine Vase. Im Hintergrund des Bildes, unter der dicken Krone eines Baumes, schläft Cupido leise, um ihre Liebe zu beschützen. Der dynamische und aufregende Charakter des Grundstücks steht in scharfem Kontrast zu der Landschaft, die von Ruhe und Befriedung geprägt ist. Bei dieser Jagd, bei der Adonis starb, sieht Tizian eine Metapher für das menschliche Leben: Die Menschen suchen immer nach etwas, sie wollen mehr, sie sind bereit, ihre Gesundheit und ihr Leben zu riskieren, gegen das Schicksal vorzugehen.sogar Gott vergessen, der sie dafür zwangsläufig bestrafen wird. Das Bild war ein beispielloser Erfolg in der Öffentlichkeit. Der Künstler musste ungefähr zwanzig Kopien der Leinwand mit verschiedenen Variationen ähnlicher Handlungen anfertigen.

Das zweite unglaublich beliebte Gemälde von Tizian, das er viele Male kopieren musste, war Venus mit einem Spiegel, gemalt um 1555 (National Gallery, Washington). Sie hat eine hellhaarige Venus, die mit der linken Hand ihre Brüste bedeckt, mit der rechten die Knie unter der hellen Decke versteckt. Zwei mollige Amoren halten Spiegel vor sich. Die Wangen der Göttin brennen in einem bezaubernden Erröten, das die blühende Jugend und Schönheit symbolisiert. Das Meisterwerk befand sich in Russland, wurde aber 1931 auf Befehl der Regierung der UdSSR und ungeachtet der Meinung der Direktion der staatlichen Eremitage an eine Privatperson verkauft. Später war das Bild in der National Gallery of Washington.

Ein weiteres Meisterwerk der Spätzeit Tizians ist das Gemälde „The Abduction of Europe“ (1559–1562, Isabella Stewart-Gardner Museum, Boston), dessen Handlung eine der Episoden von Ovids Metamorphosis wiedergibt. Technisch war das Bild frei und kühn gemacht, dies zeichnete die letzten Werke des Meisters aus, die in weiten, nachlässigen Strichen geschrieben waren. Wenn man das Bild aus der Nähe betrachtet, ist es schwer zu verstehen, was darauf gemalt ist, und nur aus der Ferne offenbart sich uns ein großes Meisterwerk von Tizian. Tatsächlich waren diese Gemälde die Vorläufer des Impressionismus, wenn man sie betrachtet, scheint es, dass das gesamte Werk auf einmal geschrieben wurde, natürlich im großen Stil.

Im Frühjahr 1559 geriet Tizian in eine unangenehme Lage. Sein jüngster Sohn Orazio ging nach Mailand, wo er vom Finanzministerium eine sehr große Summe seines Vaters erhalten sollte. Auf dem Heimweg griffen sie den jungen Mann an, schlugen ihn und raubten ihn aus. Wie sich später herausstellte, wurde der Raub vom Bildhauer Leone Leoni arrangiert, der auch für den königlichen Hof arbeitete. Tizian verdächtigte Leone sofort und schrieb einen Brief an Philipp II., Dessen Text uns erreichte: „Leone, der über die Auszahlung staatlicher Leistungen Bescheid wusste und auf teuflische Anstiftung gestoßen war, beschloss, Orazios Leben zu nehmen, um sich sein Geld anzueignen. Er lud Orazio in sein Haus ein und bot ihm an, in seinem Haus zu wohnen. Mein Sohn lehnte dieses Angebot und diesen Bösewicht ab, der aus lutherischen Gründen aus Spanien vertrieben und von einem Feind Gottes, des Herrn, angespornt wurde.Die Schurken griffen Orazio mit Schwertern und Dolchen in der Hand an, nachdem sie ihm zuvor ein Netz über den Kopf geworfen hatten. Da ich keinen solchen Verrat erwartet hatte, fiel mein armer Orazio, nachdem er sechs schwere Wunden erlitten hatte. Wenn Oratio sterben würde, auf den ich alle meine Hoffnungen im bevorstehenden Alter habe, dann würde ich unter dem Gewicht dieser Trauer schwören, dass ich meinen Verstand verlieren würde. "Am Ende des Briefes forderte er, Leoni mit aller Schärfe des Gesetzes zu bestrafen. Der Bildhauer wurde verhaftet, aber nachdem er die Geldstrafe bezahlt hatte, wurde er freigelassen. Am Ende des Briefes forderte er, Leoni mit zu bestrafen Der Bildhauer wurde verhaftet, aber nachdem er die Geldstrafe bezahlt hatte, wurde er freigelassen.Nachdem er die Strafe bezahlt hatte, wurde er freigelassen.

Bevor sich Tizian von diesem Schock erholte, starb sein Bruder Francesco. Die Biographen des Künstlers vermuten, dass im gleichen Zeitraum die geliebte Tochter des Künstlers Lavinia bei der Geburt starb. Eine Reihe dieser Ereignisse traf den Meister sehr hart.

1550, im Alter von dreiundsiebzig Jahren, begann der Künstler, das erst elf Jahre später vollendete „Selbstporträt“ (Staatliches Kunstmuseum Berlin) zu schreiben. Darauf erscheint Tizian dem Betrachter als kein heruntergekommener und schwacher alter Mann, der nur demütig auf seinen Tod warten muss. Im Gegenteil, wir sehen eine starke und selbstbewusste Person vor uns. Über die breiten Schultern des Meisters wird ein Pelzumhang geworfen, darunter ein Hemd, an dem eine goldene Kette gut sichtbar ist. Die Finger seiner Hände trommeln auf dem Tisch, was seine rastlose Disposition und Konzentration kennzeichnet. Es scheint, dass der Künstler in einem Moment fröhlich aufstehen und mit großen Schritten sein nächstes Meisterwerk schaffen wird. In dem verengten Blick Tizians sehen wir Weisheit und ein echtes Interesse am Leben. Höchstwahrscheinlich wurde dieses Selbstporträt für Kinder erstellt,seit dem tod des malers war in seinem haus.

Um 1565 erhielt Tizian den Auftrag für das Gemälde „Büßerin Maria Magdalena“ (Eremitage, St. Petersburg). Das Modell für die Leinwand war eine bestimmte Julia Festina, die den Meister mit einem Schock aus langen goldenen Haaren begeisterte. Der Herzog von Gonzago mochte das Gemälde sehr, er bestellte sofort eine Kopie der Leinwand, um sie einer bestimmten Dichterin zu geben. Die Arbeit war so ein voller Erfolg, dass Tizian beschloss, sofort mehrere Kopien anzufertigen, wobei sich jeweils nur die Position der Hände der Heldin, die Neigung seines Kopfes und der umgebende Landschaftshintergrund änderten. Der Biograf von Tizian Ridolfi weist auf sechs Gemälde von Tizian mit der Büßerin Maria Magdalena hin. Eine der erhaltenen Leinwandoptionen wird in Moskau in einer Privatsammlung aufbewahrt. Aber nach Ansicht von Experten,Die beste davon ist die, die in der Eremitage von St. Petersburg vertreten ist. Auf ihr ist das Bild der reuigen Maria am keuschesten. Ihr schöner Körper ist mit leicht durchscheinenden Kleidern und einem gestreiften Umhang bedeckt, ebenso wie fließendes Haar, das über ihre Schultern und ihre Brust verteilt ist. Die reuige Magdalena schaut mit einem Ausdruck voller Reue in den Himmel, ihre Augen sind voller Tränen und Verzweiflung. Im Vordergrund des Bildes stehen christliche Symbole - der Schädel und die geoffenbarte Schrift.Im Vordergrund des Bildes stehen christliche Symbole - der Schädel und die geoffenbarte Schrift.Im Vordergrund des Bildes stehen christliche Symbole - der Schädel und die geoffenbarte Schrift.

1565 schuf Tizian ein weiteres seiner besten Meisterwerke - das „Porträt des Antiquariats Jacopo Strada“ (Kunsthistorisches Museum, Wien). Das Gemälde vermittelt perfekt den Charakter des Sammlers, der in "seinem Element" abgebildet ist - um ihn herum sind alte Bücher, Münzen, an der Wand entweder ein Gemälde oder ein Teil eines alten Manuskripts. Jacopo zeigt dem unsichtbaren Gesprächspartner eine Figur aus weißem Marmor, sein Gesicht und die gesamte Pose sind voller Energie, Inspiration und sogar Aufregung. Die Leinwand hat eine ungewöhnlich harmonische Farbe. Die Kleidung des Antiquitätenhändlers und seiner gesamten Umgebung ist in warmen Farben gehalten und schafft eine Atmosphäre von einer gewissen Feierlichkeit. Dieses Bild war ein anschauliches Beispiel für ein „anderes“ Gemälde, das Tizian in seinen letzten Jahren entdeckt hatte. Später diese Richtung, mit seinem Reichtum an Farben und Schattierungen,und ungewöhnlich gekonnte Übertragung von Hell-Dunkel, werden von solchen Künstlern wie Rembrandt und Caravaggio entwickelt. Aber dies wird mehr als 100 Jahre später sein, und jetzt schafft Tizian, der bereits in einem sehr fortgeschrittenen Alter viele Widrigkeiten und persönliche Leiden durchgemacht hat, weiter.

Die letzten Lebensjahre des Meisters

In den letzten Jahren schrieb der Künstler oft für die Seele. Das Haus von Tizian war ständig voll - viele Studenten, Künstler, Sammler und berühmte Gäste kamen zu ihm nach ganz Italien und aus anderen Ländern. Trotzdem blieb Tizian, der zu Melancholie und Meditation neigte, einsam. Er erinnerte sich oft an seine Jugend und seine geliebte Chechilia, dachte an die Schwäche des Seins und sehnte sich nach all denen, die sich seine Zeit genommen hatten. Das Ergebnis dieser traurigen Auseinandersetzungen und spirituellen Einsamkeit war das um 1565 entstandene Gemälde „Allegorie der Zeit und der Vernunft“ (National Gallery, London), das als eine Art Testament des Meisters für seine Nachkommen gilt. Nach der Tradition sollte das Bild von links nach rechts gelesen werden, dh gegen den Uhrzeigersinn und von oben nach unten. Die alte in einer roten Kappe symbolisiert die Vergangenheit,Der schwarzbärtige Mann ist die Gegenwart, und der junge Mann ist die Zukunft. TiereDie Bilder am unteren Bildrand sind ebenfalls symbolisch: Der Wolf repräsentiert die Kräfte des Menschen, der die Vergangenheit auswählt, der Löwe repräsentiert die Gegenwart, und der Hund weckt mit seiner Rinde die Zukunft.

Tizian schuf 1570 das Gemälde „Der Hirte und die Nymphe“ (Kunsthistorisches Museum, Wien). Diese leichte, frei geschriebene Leinwand gehörte niemandem; Der Künstler schuf es für sich. Die nackte Nymphe liegt auf der Haut eines toten Tieres, zeigt mit dem Rücken zum Betrachter und dreht den Kopf leicht. Der jungen Jungfrau ist ihre Nacktheit überhaupt nicht peinlich. Neben ihr ist ein Hirte, der gerade ein Musikinstrument spielen will, obwohl er vielleicht gerade abgebrochen ist, weggetragen von der Schönheit oder den Worten der Heldin. Die Gesamtfarbe des Bildes wird vom Autor absichtlich verdickt, dies schafft ein gewisses Geheimnis und eine Untertreibung in den Beziehungen der Hauptfiguren, die durch die Einbeziehung von Braun- und Aschedunkeltönen verstärkt werden. Die Hintergrundlandschaft ist verschwommen, dort sieht man nur ein Stück eines zerbrochenen Baumes,als ob er nach einem Sturm zurückbleiben würde. Er betrifft keine Liebhaber, die in ihrer eigenen Welt der Schönheit und Glückseligkeit leben und nichts in ihrer Umgebung bemerken. Trotz der romantischen Komposition des Bildes, des Chaos in der Landschaft um die Figuren und der Wahl der Farben lässt sich feststellen, dass in der Seele des Künstlers keine Freude an der Harmonie herrschte. Es ist, als ob seine eigene Frage im verwirrten Blick der Nymphe sichtbar wird - was wird mit ihnen als nächstes geschehen, wie man im zerstörten Universum wieder Freude findet.Es ist, als ob seine eigene Frage im verwirrten Blick der Nymphe sichtbar wird - was wird mit ihnen als nächstes geschehen, wie man im zerstörten Universum wieder Freude findet.Es ist, als ob seine eigene Frage im verwirrten Blick der Nymphe sichtbar wird - was wird mit ihnen als nächstes geschehen, wie man im zerstörten Universum wieder Freude findet.

Bald geschah ein weiteres Unglück, der Vater von Tizian starb. Aber der Künstler konnte nicht aufgeben, er schuf weiter. Dank seines Stammkunden Philip II. Wurde Tizian immer mit Arbeit versorgt. Um 1570 begann der Meister, das Werk „Carrying the Cross“ (Prado-Museum, Madrid) zu schaffen, das fünf Jahre in Anspruch nahm. Das Herzstück des Bildes ist eine klassische Evangeliumsgeschichte. Nach der Schrift wurde Simon der Kyrene zu Christus gesandt, um ihm zu helfen, das schwere Kreuz nach Golgatha zu tragen. Jesu Gesicht ist voller Qual und Schmerz, seine rechte Schulter wirkt fast durchsichtig. Das Bild von Simon, als ob es dem Bild Christi entgegengesetzt wäre. An seinem Finger hängt ein teurer Ring, der seine schwierige Herkunft unterstreicht. Simons sauberes Gesicht mit einem gepflegten Bart steht in scharfem Kontrast zu dem mit Blutstropfen bedeckten Gesicht Jesu.Das gesamte Bild wird diagonal durch den unteren Rand des Kreuzes geteilt, was die Dissonanz insgesamt weiter verstärkt.

Religiöse Themen gehen durch alle Werke Tizians, aber anhand der Zeichnungen der Gemälde selbst und der Art und Weise, wie sie ausgeführt werden, kann man nachvollziehen, wie sich das Weltbild des Künstlers verändert hat, wie er sich zu Tugend, Lastern und dem Thema des Märtyrertums verhält. Dies spiegelt sich perfekt in den Leinwänden wider, die dem großen Märtyrer Sebastian gewidmet sind.

In den ersten Werken erscheint der Heilige Sebastian bescheiden und demütig vor uns, aber in den letzten Werken des Künstlers ist er entschlossen und bereit, bis zum Ende zu kämpfen. Dieses Gemälde mit dem Titel „St. Sebastian “(Eremitage, St. Petersburg) wurde um 1570 gemalt. Der Hintergrund auf dem Bild ist verschwommen, es ist nichts zu erkennen, und nur die Figur des Helden selbst, der an einen Baum genagelt ist, steht für seine Reinheit aus. Sein Körper ist von Pfeilen durchbohrt, sein Gesicht jedoch nicht von Schmerzen verzerrt. Stolz und Ruhe waren in seinem Blick, sein Gesicht war leicht erhoben und seine Brauen runzelten die Stirn. Es wird angenommen, dass Tizian sich hier nicht im wörtlichen Sinne, sondern allegorisch darstellt. So äußerte er seine Einstellung zu seinem eigenen Schicksal, zu allen Verraten und Verlusten, die er am Ende seines Lebenshatte gelernt, standhaft und mit Würde zu ertragen. In diesem Werk wird der Glaube des Künstlers gefolgert, dass ein einzelner Held Schicksalsschläge ertragen kann, er wird überleben, auch wenn die ganze Welt um ihn herum auf den Kopf gestellt wird in der Lage zu widerstehen und nicht zu brechen. Die Farbe des Bildes wirkt verschwommen und einfarbig, aber Hunderte von Farben und Nuancen brennen in jedem Zentimeter davon. Das Schicksal des Bildes war so beschaffen, dass sie 1853 auf Erlass von Kaiser Nikolaus I. in die Lagerräume der Eremitage gebracht wurde, wo sie bis 1892 lag. Erst nach vielen Jahren nahm dieses Werk seinen rechtmäßigen Platz im Museumssaal ein. dass sie 1853 auf Erlass von Kaiser Nikolaus I. in die Lagerräume der Eremitage gebracht wurde, wo sie bis 1892 lag. Erst nach vielen Jahren nahm diese Arbeit ihren rechtmäßigen Platz in der Museumshalle ein.Auf Anordnung von Kaiser Nikolaus I. wurde sie in die Lagerräume der Eremitage gebracht, wo sie bis 1892 lag. Erst nach vielen Jahren nahm diese Arbeit ihren rechtmäßigen Platz in der Museumshalle ein.

Im selben Jahr schrieb Tizian ein weiteres Werk mit einer ähnlichen Idee. Im Zentrum des Gemäldes „Die Bestrafung von Marcia“ (Gemäldegalerie, Kromeriz). liegt der Mythos der Satire von Marcia, die es wagte, Apollo zu einem musikalischen Wettbewerb herauszufordern. Marsyas spielte die Doppelflöte und Apollo spielte die Leier. Als die Musen keinen Sieger auswählen konnten, bot Apollo an, sich in stimmlichen Fähigkeiten zu messen. Hier hat Martius verloren. Zur Strafe für die Niederlage entschließt sich Apollo, sich die Haut auszuziehen, dieser Moment ist auf dem Bild dargestellt.

In der Mitte der Leinwand befindet sich die Figur von Marcia, die an ihren Beinen an einem Baum hängt. Um ihn herum sind Helden, die von der monströsen Folter des Satyrs mitgerissen werden. Das Bild ist in zwei Teile geteilt: Links von Marcias Körper sind Menschen, die von seiner Ermordung fasziniert sind. Sie reißt ihm die Haut ab und verbirgt ihr Vergnügen nicht. Auf der rechten Seite der Leinwand sind diejenigen, die von diesem brutalen Mord betrübt sind. Dazu gehört der Ältere, der vermutlich Tizian selbst darstellt. Er beobachtet traurig den Tod von Marcia und die Grausamkeit seiner Henker. Das Gesicht des Satyrs selbst behält die Würde des bevorstehenden Todes. Kunsthistoriker glauben, dass die Handlungen der neuesten Gemälde von Tizian seinen Abschied von den Ideen des Humanismus kennzeichnen, von denen er enttäuscht war. Die Welt ist grausam und nichts kann einen Menschen retten,Nicht einmal Kunst.

Einsamkeit und Verzweiflung

Das um 1576 gemalte Gemälde „Trauer Christi“ (Gallery del Academy, Venedig) war die letzte Schöpfung des Meisters. Darin reflektierte Tizian die Frage, die ihn quälte: Was gibt es jenseits der Grenzen des Lebens? Auf beiden Seiten der Leinwand sind zwei riesige Skulpturen abgebildet: der Prophet Moses und die Prophetin Sibylle, die die Prophezeiung der Kreuzigung und die anschließende Auferstehung Christi verkörpern. Oben auf dem Bogen links sind die Zweige und Blätter der Pflanze, oben rechts sind kleine Gefäße