Henri Russo (1844–1910)

Wie viele Genies, die ihrer Zeit voraus waren, wusste Henri Rousseau in seinem Leben weder Ruhm noch Reichtum. Ein talentierter Künstler, der bis zu seinem 41. Lebensjahr als einfacher Angestellter im Pariser Zollamt arbeitete, fand die Willenskraft, seine gewohnte Lebensweise aufzugeben und sich ganz der Malerei zu widmen. Das einzige, was Rousseau in seinem Hobby unterstützte, war das unerschütterliche Vertrauen in sein eigenes Talent, das es ihm ermöglichte, einer der größten Meister seiner Zeit zu werden. Überraschenderweise übertrug der Wunsch, die Techniken der Vergangenheit nachzuahmen, den Künstler direkt in die Zukunft - seine kreative Art wird für viele Meister des 20. Jahrhunderts sehr charakteristisch sein. Russos „naive“ Kunst, die mit dem Impressionismus Schritt hält, trennte sich bald in eine völlig andere Schule. Pablo Picasso und Robert Delaunay bewunderten den ursprünglichen Stil des Malers mit seinen phantasmagorischen Elementen und gaben Rousseau selbst nur minimale Existenzgrundlagen.

Stürmische Jugend

Henri Russo begann seine Karriere als Künstler im Alter von einundvierzig Jahren und wurde Autodidakt. Rousseau, der aus den Pariser Provinzen kam und sich als kleiner Beamter niederließ, malte überall: im Dienst, um die Gunst seiner Vorgesetzten auszunutzen, und nachts zu Hause. Er war arm, aber geduldig, bescheiden, aber zuversichtlich in seinem Genie und wurde einer der führenden und anerkanntesten Meister der künstlerischen Avantgarde, die von fortschrittlichen Zeitgenossen und Generationen von Nachkommen bewundert wurde.

Nachdem Rousseau selbst eine autobiografische Notiz für das Buch „Portraits of the Next Century“ (Portraits des nächsten Jahrhunderts) verfasst hatte - „Geboren 1844 in Laval in einer Familie mit bescheidenem Einkommen Kunst. “Das Buch ist zwar nie herausgekommen.

Der Vater eines Autodidakten war Julien Russo - ein erblicher Blechschmied aus einer westfranzösischen Stadt - Laval. Und seine Mutter ist die Tochter eines Offiziers der Großen Armee von Napoleon. Henrys Vater wollte unbedingt reich werden. Nachdem er ein Haus am Rande der Stadt gekauft hatte, verlässt er sein Handwerk als Blechschmied und versucht, ein Geschäft aufzubauen, in dem er verschiedene Waren weiterverkauft. Aber leider ist seine Arbeit ausgebrannt, und seitdem hat sich hoffnungslose Armut im Haus von Russo niedergelassen.

Zum Glück konnte die Familie der zukünftigen Künstlerin trotz der extremen Not ihren einzigen Sohn zum Lernen zuerst in die Schule und dann ans Lyzeum schicken. Henri war ein durchschnittlicher Schüler, obwohl er es geschafft hat, eine Reihe von Schulpreisen zu erhalten, die sich durch Singen und Rechnen auszeichneten. Diese scheinbar unbedeutenden Leistungen werden in seiner Biografie überall erwähnt, nicht weil Rousseau weltberühmte Künstler geworden ist, sondern weil er auch einen erstaunlichen Walzer geschrieben hat, der nach seiner ersten Frau benannt ist - "Clemence".

Nach der Ausbildung übernimmt Henry eine Anstellung in der Anwaltskanzlei, wo er einen großen Fehler macht. Im Alter von neunzehn Jahren stiehlt Rousseau, angestiftet von seinen Freunden, einen winzigen Geldbetrag von der Buchhaltungsabteilung. Dies reicht jedoch aus, um die Karriere seines Anwalts zu beenden und Ermittlungen einzuleiten. Vor Gericht muss Henry einem Deal zustimmen - sieben Jahre Militärdienst, nur ein Jahr Gefängnis.

Das in Frankreich stationierte Russo-Regiment wird niemals an Feindseligkeiten im Ausland teilnehmen. Auch als Napoleon III. Das französische Militärkorps nach Mexiko entsendet, um seinen Schützling Maximilian im Kampf um den kaiserlichen Thron zu unterstützen, nimmt die zukünftige Avantgarde nicht an der Expedition teil. Obwohl der Dichter Guillaume Apollinaire (1880 - 1918) viel später ein Gedicht über Rousseaus Aufenthalt im farbenfrohen Aztekenland verfasst, versucht der Künstler nie, es zu widerlegen, sowie eine Reihe anderer Mythen über sein Leben.

1868 stirbt der Vater von Rousseau, und Henry wird als einziger Ernährer der Familie von der Armee entlassen. Nachdem er sein damals in Paris befindliches Regiment verlassen hat, stürzt er sich kopfüber in das geschäftige Leben der Großstadt. Zunächst findet der junge Mann Arbeit und zieht sich aus dem Leben, unweit von Le Bon Marche, dem ersten mehrstöckigen Einkaufszentrum in der französischen Hauptstadt.

Der junge Mann verliebt sich sofort in die Tochter der Hausherrin Madame Buatar. 1869 nimmt er Clemence Buatar als Ehefrau. Trotz der ständigen Schwäche (Clemence war an Tuberkulose erkrankt) hilft der Ehegatte Henri, Geld fürs Leben zu verdienen, indem er unermüdlich auf Bestellung näht. An Wochenenden gehen Liebhaber oft in schönen Pariser Parks spazieren. Es stimmt, das Glück von Henri und Clemence wird von der Tatsache überschattet, dass ihre Kinder im Kindesalter nacheinander sterben.

Von den sieben Kindern liebevoller Ehegatten überleben nur zwei - die Tochter von Julie-Clemence und der Sohn von Henri-Anatole. Russos Frau, die ständig von Tuberkulose geplagt wurde, war zu schwach, um sich selbst um die Kinder zu kümmern. Sie wurden von Geburt an von einem Kindermädchen erzogen, das in einem Vorort von Paris lebte. Im Jahr 1888 stirbt Clemence. Henri Russo wird seine geliebte Frau niemals vergessen. Sogar zu ihren Lebzeiten widmete er ihr einen Walzer seiner eigenen Komposition, und nach ihrem Tod wird er immer wieder ihre Porträts erstellen.

Kleinliche offizielle lebende Kunst

Bereits 1871 bekam der junge Russo eine feste Anstellung beim Zoll der Verbrauchsteuerabteilung, die im 19. Jahrhundert Steuern auf nach Paris eingeführte Waren einbrachte. Die Kontrolle von Gütern vor den Toren der Stadt ist eine langweilige und eintönige Beschäftigung, die jedoch die innere Freiheit der Person, die sie ausführt, nicht einschränkt.

Während einer der nächsten Schichten stellt ein kleiner Angestellter direkt im Hof des Abteilungsgebäudes eine Staffelei auf und beginnt zu zeichnen. Leider blieben die Gemälde von Russo bis 1877 nicht erhalten. Die Ausnahme ist nur eine, die eine Kampfszene vor dem Hintergrund der lokalen Landschaft zeigt.

Bald stellt der damals berühmte Künstler Felix Clement (1826 - 1888), der dem jungen Russen mit Ratschlägen zur Seite stand, den aufstrebenden Maler einem der Vertreter der offiziellen französischen Kunst jener Zeit, Baron Leon Jerome, vor. Danach mietete Rousseau seine erste Werkstatt und stellte 1885 mit Unterstützung des Barons erstmals zwei seiner Werke im Salon der Elenden aus.

Ein Jahr später, 1886, lädt ihn der an der Arbeit von Henri Russo interessierte Künstler Paul Signac (1863 - 1935) ein, an einer neuen Ausstellung teilzunehmen. Signac war der Ansicht, dass der beste Ort für die Werke eines solchen Malers der Salon unabhängiger Künstler war, der von Vertretern der Avantgarde-Kunst geschaffen wurde. Tatsache ist, dass alle frühen Versuche, unabhängige Salons zu schaffen, gescheitert sind - wie durch Zauberei fingen sie an, dem offiziellen Salon zu ähneln, der nicht für progressive Maler geeignet war, die das zunehmende Bedürfnis hatten, separat ausgestellt zu werden.

Für Rousseau war es offensichtlich, dass die offiziellen Kunstkreise, die der Salon mit seiner alten akademischen Tradition vertritt, den Autodidakt für immer abgelehnt hätten, zumindest vom Grundsatz her. Daher wird Henri Russo von dieser Zeit an bis zum Schluss dem neuen "Salon ohne Jury" treu bleiben.

Bereits 1886, nachdem er vier seiner Werke in einem unabhängigen Salon ausgestellt hatte, wird der aufstrebende Künstler von so berühmten Malern wie Paul Gauguin (1848 - 1903) und Puvi de Chavannes (1824 - 1898) hoch geschätzt, die von dieser Fähigkeit begeistert waren von Rousseau, um mit Hilfe vieler Schwarztöne dramatische Momente zu vermitteln. Aber im Allgemeinen bleiben seine Arbeiten für die Öffentlichkeit unverständlich, und noch mehr - sie sind lächerlich gemacht - Wissenschaftler behaupteten, dass selbst ein Kind in der Lage ist, so zu zeichnen.

Glücklicherweise war Rousseau sehr widerstandsfähig gegen Sarkasmus und Kritik an der Öffentlichkeit. Er schließt sogar eine Vereinbarung mit Argus, wonach ihm alle Zeitschriftenartikel und Zeitungsausschnitte zugesandt wurden, die Rezensionen und Kommentare zu seiner Arbeit enthielten. In Erwartung der allgemeinen Anerkennung seines unbestreitbaren Talents fügte der Künstler sie pedantisch in ein Notizbuch ein, das schließlich dicker wurde. Aus den Zeitungen erfährt Russo, dass ihm das Rathaus von Paris eine Medaille verliehen hat. Glücklich, er bestellt sofort, um den Preis auf seiner Visitenkarte zu erwähnen, aber später stellt sich heraus, dass er es eilig hatte: Es ging um einen anderen Künstler mit dem gleichen Namen.

Rousseau war besorgt darüber, dass seine Frau nach dem Tod Gelder für den normalen Unterhalt von Kindern und den Kauf von Farben gefunden hatte, in der Hoffnung, Geld zu verdienen und von der Weltausstellung in Paris 1889 beeindruckt zu sein, auf der Frankreich seinen berühmten Eiffelturm, den Künstler, präsentierte wendet sich wieder der Musik zu und schreibt das Libretto für Varieté. Leider hat es keinen Cent gebracht.

Nach seinem Ausscheiden aus dem Dienst im Jahr 1893, nach Jahren des Dienstes, erhält Rousseau eine magere Rente und kann nur von der Zeit träumen, in der sein Lieblingsbeschäftigungsbild endlich anfängt, ein anständiges Einkommen zu bringen. In der Zwischenzeit ist Russo gezwungen, Geigenunterricht zu erteilen und Gemälde auf Bestellung zu zeichnen, die zu lächerlichen Preisen verkauft werden. Obwohl seine im Salon der Unabhängigen ausgestellte Arbeit „The War“ nur ein Jahr später große Resonanz findet, bewundert sie insbesondere der Schriftsteller Alfred Jary (1873 - 1907), mit dessen Licht der Künstler Henri Russo empfängt der Spitzname "Zollbeamter" (Le Douanier), der ihm ein Leben lang feststeht.

Bald zieht die gesamte Russo-Familie um, wer ist wo? 1895 verlässt die Tochter des Künstlers mit ihrem Ehemann das westfranzösische Angers, und der Maler zieht mit seinem Sohn Henri-Anatole nach Montparnasse, dem berühmten Gebiet am linken Seineufer, das später zu einem der berühmtesten Viertel Frankreichs wurde Lieblings-Treffpunkt der künstlerischen und intellektuellen Avantgarde. Dort trifft Rousseau auf Montparnasse Josephine Le Tensorer - eine Frau, die in der Nachbarschaft lebte und das Herz des Künstlers eroberte. Josephine vernachlässigte lange Zeit die Liebesbekenntnisse des Malers und erklärte sich bereit, erst nach dem frühen Tod von Henri Anatole seine Frau zu werden.

Als freiheitsliebender Freimaurer heiratete Henri Russo noch 1898 in der Kirche mit seiner neuen Liebe. Die finanzielle Situation der Familie war eher bedauerlich, daher versuchte Josephine, um ihrem Ehemann zu helfen, seine Arbeit in ihrem Bürobedarfsgeschäft zu verkaufen. und der Künstler wiederum gab weiterhin bezahlten Unterricht. Trotzdem lehrte Rousseau an Sonntagen im Rahmen der Philotechnischen Gesellschaft, deren Hauptziel es war, die Massen zu erziehen, alle, die in Aquarell, Pastell und auch mit Stolz und Vergnügen malen wollten, dies seine Erfahrung in der Malerei von Porzellan und Keramik.

Bettler-Genie

Nur fünf Jahre später, 1903, wird der Maler zum zweiten Mal Witwer und widmet sich ganz der Arbeit, um mit der Trauer fertig zu werden. Ich muss sagen, seine Karriere als Künstler begann endlich, schnell an Fahrt zu gewinnen. 1903 nahm er erneut an zwei Kunstsalons teil - Independent Artists (im März) und am ersten Herbstsalon, der im Oktober eröffnet wurde. Aber der Maler ist immer noch in großer Not. Glücklicherweise lud ihn die bescheidene, aber großzügige papuanische Familie, die in der Nachbarschaft lebte, oft zum Abendessen ein, und die Freundin Marie Bisch, die im Kleinhandel tätig ist, hilft Russo mehr als einmal in kritischen finanziellen Situationen.

Der Wendepunkt ereignet sich erst 1906, als der Künstler Robert Delaunay (1885 - 1941) und den Dichter Guillaume Apollinaire kennenlernt. Neue Freunde bewundern offen das Talent des Malers, und Pablo Picasso (1881–1973), der 1908 versehentlich das Porträt einer Frau von Bris Henri Russo erworben hat, veranstaltet zu Ehren des Autors ein großartiges Bankett.

Eine Freundin von Picasso, Fernanda Olivier, beschreibt Rousseau: „Dieser respektable, leicht gebückte Mann, der eher joggt als geht, hat graue, aber trotz seines Alters dicke Haare, die Angewohnheiten eines kleinen Rentiers und sein Gesicht etwas ängstlich, aber nett. Er wurde leicht rot, wenn es ihm peinlich war oder wenn jemand etwas dagegen hatte. Er stimmte allem zu, was ihm gesagt wurde, aber es war das Gefühl, dass er sich fernhielt und es einfach nicht wagte, seine Gedanken auszudrücken. "

Unter Rousseaus Freunden war Alfred Jary (1873 - 1907), der Künstler traf ihn zu der Zeit, als das letzte Werk - "König Ubu" (1896), das ihn zum berühmten Begründer des absurden Theaters machte, noch nicht geschrieben wurde. Vielleicht ist es gerade die Leidenschaft für Schock und Provokation, die Rousseau und Jary zusammenbringt. Laut dem jungen Schriftsteller schockiert die naive Kunst des Zollbeamten, offen und kompromisslos, den Durchschnittsmann. Einmal bestellte Zhari dem Maler sein Porträt. Das Bild hat leider nicht unsere Tage erreicht, aber es ist bekannt, dass Russo seinen Freund mit einem Chamäleon und einer Eule porträtierte. Fry war begeistert! Er zahlt Rousseau Geld aus dem elterlichen Erbe und preist überall sein Talent. Der Künstler schätzte diese Freundschaft. Er war es, der eine helfende Hand ausstreckte und den jungen Exzentriker beschützte, als ihn das Glück im Jahr 1897 veränderte, und Zhary, mittellos in der Tasche, auf der Straße landete.

Henri Rousseau hatte eine klare, kindliche Stimme, alle hielten ihn für naiv und einfach, aber war es wirklich so? Das unerschütterliche Vertrauen in sein eigenes Genie hat es dem Maler ermöglicht, eine zielgerichtete Person mit außergewöhnlicher Ausdauer und fast kindlicher Naivität zu werden - ein sehr origineller Künstler.

Im Dezember 1907 kam Rousseau aufgrund seiner Nachlässigkeit und Leichtgläubigkeit erneut wegen Betrugs ins Gefängnis, obwohl er tatsächlich sein Opfer war. Um Freiheit zu erlangen, wenn auch nur sonntags, um wohltätigen Unterricht zu erteilen, schreibt der Künstler eine Petition an den Gerichtshof: „Ich bitte Sie um eine bedingte Freilassung, damit Sie weiterarbeiten können. Ich bitte Sie, meine Karriere, für die ich so hart gearbeitet habe, nicht zu zerstören. Glücklicherweise wurde Rousseaus Antrag nach den Weihnachtsferien bewilligt.

Freundliche Tricks

Zeitgenossen zufolge arbeitete Rousseau normalerweise in einem einfachen leinenweißen Hemd, zog jedoch immer einen Anzug an, wenn er Empfänge in seiner Werkstatt organisierte. Der deutsche Sammler Wilhelm Ugde, der dem Künstler 1911 erstmals ein ganzes Buch widmete, war einer der Stammgäste bei den Zollbeamtenpartys. So beschrieb er die Straße, in der sich Rousseaus Haus befand: „Sie ist nur ein paar Schritte lang und liegt dann an einer Steinmauer. Es scheint, dass wir irgendwo in der Provinz und nicht in Paris sind. In den Zimmern im Erdgeschoss wohnt der Eigentümer mit seiner Familie, und darüber befinden sich die Wohnungen der Gäste. An einer der Türen steht ein Schild mit der Aufschrift „Lektionen aus Rhetorik, Musik, Zeichnen, Solfeggio“. Wir rufen an und treten ein: Russo trifft uns. "

Fast jeden Samstagabend spielt der Zollbeamte unter seinen Gemälden und Freunden Geige für Künstler, Sammler und Kunstliebhaber. Er ist wieder verliebt, aber Leonia, eine 59-jährige Witwe, weigert sich, seine Frau zu werden. An diesen Abenden traf man oft den Besitzer des Hauses, in dem Rousseau lebte - Herrn Keval, einen ruhigen, respektablen Mann, der Russos Kollege für die Arbeit in der Zollabteilung von Paris war. Unter den Gästen war oft Ambroise Vollard zu sehen, der Gemälde des Künstlers kaufte und ihn mehr als einmal zu künstlerischen Feiern einlud. Henri Rousseau erlebte einen emotionalen Aufschwung: Endlich war es an der Zeit, die Früchte langjähriger harter Arbeit zu kosten - eine stabile finanzielle Situation, allgemeine Anerkennung. Das ist nur Gesundheit… Der Maler ist seit langem von nicht verheilten Wunden an seinen Beinen geplagt, die schließlich zu Brandwunden führten.

Henri Russo, ein brillanter Künstler, starb am 2. September 1910 im Necker Municipal Hospital in Paris. Er wurde in einem gemeinsamen Grab begraben. Robert Delaunay, Ambroise Vollard und Paul Signac besuchten den Künstler auf ihrer letzten Reise.

Ein Jahr später organisiert Delaunay auf eigene Kosten eine Bestattung der sterblichen Überreste des Künstlers. Und Guillaume Apollinaire wird ein von ihm verfasstes Epitaph auf seinen Grabstein schreiben: „Lebewohl, unser guter Freund Russo! Hören Sie uns - Delaunay mit seiner Frau, Keval und mir. Wir bringen Ihnen Pinsel, Farben und Leinwand als Geschenk, damit Sie in aller Ruhe Porträts von Sternen malen können. "

Frühe Arbeit

Einer der Kritiker, der einen Blick auf die ersten Gemälde von Henri Russo wirft, ruft aus: "Er ist aufrichtig und naiv und erinnert ein wenig an die Primitiven." Der zweite Kritiker stimmt zu: "Dieses Gemälde ist eher trocken und zäh, aber sehr interessant, weil seine Naivität zur Vorstellung italienischer Primitivisten führt." Selbst Spötter und leidenschaftliche Gegner von Rousseaus Originalwerk erkannten den Meister als herausragenden Primitivisten.

Obwohl die Leinwände "Walking through the Forest" und "Meeting in the Forest" sind, steht der Maler der nationalen Malerei des Rokoko des 18. Jahrhunderts näher als den italienischen Primitiven. Dies ist vor allem auf das deutlich sichtbare traditionelle Motiv galanter Szenen (Fetes Galantes) zurückzuführen, das für den französischen Künstler Antoine Watteau (1684 - 1721) charakteristisch ist und dessen Gemälde im Louvre ausgestellt wurden. Übrigens waren es ihre Reproduktionen, die die Wände der Russo-Werkstatt schmückten.

Die Werke der frühen Zeit in Rousseau unterschieden ihn sehr von seinen Zeitgenossen - den Impressionisten. Dies zeigt sich deutlich in der differenzierten Farbgebung der Bilder „Begegnung im Wald“ und „Spaziergang im Wald“, in denen der Maler reale und imaginäre Bäume in einer Vielzahl unterschiedlicher Braun- und Grüntöne darstellt.

Im ersten Bild ist der Wald dicht und unpassierbar, im zweiten - hell und durchsichtig. Alle langfristigen Pläne werden durch vage, kleine Striche erstellt, die die visuelle Wahrnehmung erleichtern und einen zu gesättigten dunklen Wald neutralisieren. Der Himmel, der ein Drittel des Bildes einnimmt, reduziert bewusst Bäume in der Ferne - all dies spricht für den Versuch des Künstlers - Autodidakt, um die Grenzen des Raumes irgendwie zu bestimmen, ihm Tiefe zu verleihen, das heißt die Aussicht zu zeigen, dass für Rousseau, der akademische Kenntnisse und Fähigkeiten vorenthalten wurden, ein wirklicher Stolperstein war. Vielleicht hat er deshalb später absichtlich jede Perspektive in seinen Leinwänden aufgegeben.

Das Gemälde „Begegnung im Wald“ zeigt Liebende, die auf Pferden reiten und sich anschauen. Sie tragen typische Kostüme aus dem 18. Jahrhundert. Das lange Haar der Frau liegt frei über den Schultern - ein Motiv, das in vielen weiblichen Bildern von Rousseaus Pinsel vorkommt. Die Stärke der Gefühle, die gegenseitigen Umarmungen und die Zärtlichkeit im Aussehen des Mannes erzeugen einen deutlichen Effekt der Anwesenheit dieses Paares auf der Leinwand, obwohl ihre Körper hinter der üppigen Vegetation praktisch unsichtbar sind. Sie liebten nur ihre eigene Welt und tauchten für kurze Zeit hinter dem Wald auf, und es schien, als würden sie für immer wieder aus dem Blickfeld verschwinden.

Auf der Leinwand „Walking through the Forest“ sehen wir eine Frau, die Clemence sehr ähnlich ist. Sie schien zu frieren. Vielleicht hatten sie Angst vor dem Echo der Reiterei, dem beunruhigenden Rascheln der Blätter oder dem plötzlichen Knacken eines Zweigs.

Weibliche Bilder

Weibliche Bilder sowie Tierbilder nahmen einen großen Platz in der Arbeit des Künstlers ein. Zwei große Frauenporträts, von Rousseau mit einer kleinen Lücke gemalt, sind sehr ähnliche Kompositionen. Beide zeigen Frauen in Schwarz, die in voller Länge stehen. Das Format der Werke und die Posen der Figuren erlauben es, die Gemälde dem Genre der Paradeporträts zuzuordnen. Vielleicht wurden beide auf Bestellung angefertigt, obwohl die Identität der Modelle unbekannt blieb.

Die erste Leinwand - "Porträt einer Frau" (alternativer Name "Porträt von Frau M.") - entstand um 1895. Dieses Gemälde wurde 1908 von einem anderen brillanten Künstler zu einem sehr bescheidenen Preis erworben - Pablo Picasso (1881) -1973), der sehr begeistert war. Diese Arbeit ist auch als Jadwiga bekannt, obwohl es keine Beweise dafür gibt, dass der Modellname übereinstimmt.

Es gibt eine Legende, wonach das Mädchen auf der Leinwand eine schöne polnische Frau war, die den Maler bezauberte. Und obwohl diese Version keine Beweise hat, bleibt die Tatsache: Rousseau mochte diesen Namen. Er selbst nannte sie die Hauptfigur des Stücks seiner eigenen Komposition - "Revenge of the Russian Orphan". Vielleicht war es sie, die für den Künstler ein bestimmtes Bild der idealen Frau verkörperte. Mit demselben Namen wird der Meister die Heldin seiner anderen Leinwand „Traum“ (1910) nennen.

Die Komposition des ersten Porträts ähnelt einer inszenierten Fotografie aus einem damaligen Ladengeschäft. Eine weibliche Figur steht auf einem Balkon voller Blumenvasen vor einem massiven Vorhang, umgeben von einer fantastischen Landschaft. In den Händen von Jadwiga befindet sich ein Ast. Dieses Detail ist von besonderem Interesse, da es ein traditionelles Symbol des Todes ist. Dies lässt sich erklären, wenn man den Befürwortern der Theorie der realen Existenz dieser Frau glaubt, die behaupten, dass zum Zeitpunkt des Schreibens der Leinwand Jadwiga bereits tot war. Diese Annahme wird indirekt durch die Tatsache bestätigt, dass die Künstlerin die schwarze Farbe für das Frauenkleid gewählt hat, was immer die besondere Dramaturgie der abgebildeten Szene betonte.

Die Frau im zweiten Porträt ist inmitten einer aufregenden Vielfalt von Grünflächen dargestellt. Ihre Hand liegt auf ihrem Oberschenkel und ihre Beine, die unter ihrem Kleid hervorschauen, berühren kaum den Boden, was die Illusion von Bewegung erzeugt. Am unteren Rand der Leinwand sehen wir ein Kätzchen, das mit einem Fadenballen spielt und dem offiziellen Ton des Porträts Lebendigkeit und Spontanität verleiht.

Nur einen Monat nach dem Tod seines einzigen Sohnes Henri Anatole beendet Russo sein berühmtes Werk "The Sleeping Gypsy", das ebenfalls dem weiblichen Image gewidmet ist.

Im Jahr 1897 stellte er das Werk im Salon der Unabhängigen aus, begleitet von einer auf den Rahmen geschriebenen Legende: "Ein von Blutdurst überwältigtes Raubtier erstarrt an Ort und Stelle und wagt nicht, ein schläfriges Opfer anzugreifen." Die Figur der Zigeunerin mit ihrem Schal und ihren farbenfrohen Kleidern, die sich stark vom dunklen Teint abhebt, erinnert ein wenig an orientalische Frauen aus Gemälden von akademischen Künstlern. Es war diese Arbeit, die Russo aktiv vorschlug, um die Maßnahmen seiner Heimatstadt Laval in Erinnerung an sich selbst zu erwerben.

Der Künstler schrieb sogar an den Bürgermeister der Stadt: "Hier ist alles im Mondschein gebadet." Natürlich lehnte das Rathaus sein Angebot ab. Das Werk verschwindet und wird erst 1923 wiederentdeckt. Da nicht alle Gemälde von Rousseau weithin bekannt waren, kommt es zu vielen Kontroversen und Gerüchten. Nicht wenige halten es für eine Fälschung, einen Witz, der einem anderen Künstler zugeschrieben wurde - Derain. Diejenigen, die nicht an der wahren Urheberschaft des Gemäldes zweifelten, betrachteten es als einen sehr entscheidenden Schritt des Malers vom Realismus zum Surrealismus.

Bald entfernte sich Rousseau von den Impressionisten, obwohl er immer noch ihre Abneigung gegen die traditionellen Kanone der bildenden Kunst teilte. Der Impressionismus implizierte die kreative Freiheit, die für Rousseau so notwendig war. Seine Kunst, die auf einer völlig flachen Interpretation aller Formen beruht, berücksichtigt nicht nur die in der Renaissance üblichen Regeln der Darstellung von Perspektiven, sondern vernachlässigt sie auch bewusst. Der Künstler vereinfacht die Form und schafft seinen eigenen einzigartigen Malstil. Die realen Proportionen sind hier verzerrt, die farbliche Ausarbeitung des Volumens fehlt und der Schatten existiert überhaupt nicht. Rousseau wollte nicht die langweilige und alltägliche Realität darstellen, sondern alle Bilder und Formen durch seine reiche Vorstellungskraft hindurchführen.

Die Kunst des Künstlers ähnelt stark dekorativen gemalten Bildern mit mehrfarbigen Zahlen der glatten Beschaffenheit und der unprätentiösen Form. Sein Gemälde "Das Kind mit der Puppe" macht einen seltsamen Eindruck, der einen erschaudert. Der Meister skizziert zunächst die Konturen der Figur eines Kindes, die einer Porzellanpuppe ähnelt, lässt sie selbst unbeschrieben, bearbeitet dann den Hintergrund des Bildes und kehrt wieder zur Figur zurück. Wie Emil Bernard (1868 - 1941) und Paul Gauguin ignoriert Rousseau die Prinzipien der klassischen Perspektive völlig. Darüber hinaus gibt der Maler inhaltlichen Konventionen einen klaren Vorzug vor langweiligen Besonderheiten.

Kinderporträts

Pinsel Russo besitzt viele Kinderporträts. Es ist nicht bekannt, warum das Thema Kinder für den Künstler so wichtig war, wenn es sich um Sonderanfertigungen handelte, wenn der Künstler den Verlust seiner sechs Kinder spürte. Die genaue Antwort auf diese Frage ist unbekannt, wir können nur annehmen, dass der Maler, der Kinder porträtiert, mit Hilfe von Farben, Pinseln und Fantasie versucht hat, die Bilder seiner Lieben wieder zum Leben zu erwecken. Viele von Rousseaus Kinderporträts sind großformatig.

Zum Beispiel sieht ein Kind in einem roten Kleid so groß aus, dass es sich anfühlt, als würde seine Figur kaum auf die Leinwand passen. Anscheinend sitzt das Kind: Beine, die an den Knien gebeugt und fast im Gras versteckt sind, sprechen darüber. Die Figur selbst schien zwischen Himmel und Erde zu schweben, was das Gefühl einer übermäßigen Masse unmerklich mildert. Wie „Das Kind mit der Puppe“ hält auch das Kind auf diesem Bild eine seltsame Puppe in der Hand, die einem Erwachsenen mit Gesichtszügen ähnelt.

In einem anderen Bild aus der gleichen Zeit - "Bauernhochzeit" - sehen wir eine Braut, die uns mit demütiger Ehrfurcht ansieht. Die Figuren der Menschen um sie herum sind so flach, dass sie separat aus farbigem Papier ausgeschnitten und auf die Hintergrundlandschaft geklebt zu sein scheinen. Selbst trotz der Bäume, die sorgfältig mit dem Buchstaben „V“ arrangiert wurden, und eines unbeholfenen Hundes im Vordergrund, der theoretisch eine kompositorische Bezeichnung für die Perspektive sein sollte, konnten sie den Collageneindruck dieses Gemäldes nicht auslöschen.

Die Figur der Braut ist die unbestrittene Dominante des Bildes, sie scheint mit ihrem schneeweißen Gürtel die übrigen Figuren zu einer einzigen Gruppe zu verbinden. Auf der Leinwand zeigte der Künstler symbolisch die Kontinuität von Generationen mit Hilfe eines langen Schleiers der Braut an, der die in der Nähe sitzende ältere Frau, die offensichtlich die Großmutter der Braut oder des Bräutigams ist, leicht bedeckte. Die Figur eines alten Mannes, der getrennt von der Gruppe der Hauptfiguren sitzt und dessen Beine im Gras versteckt sind, erinnert an die Verbindung von Moderne und Ewigkeit, Leben und Tod, Erde und Himmel. Die Feierlichkeit, mit der sich die ganze Gruppe unter den Bäumen befindet, erinnert wieder an einen Laden aus dem 19. Jahrhundert. In solch statischen Posen erstarrten die Menschen vor dem Hintergrund einer gemalten, flachen Landschaft vor einem Fotoobjektiv: „Wir bewegen uns nicht! Atme nicht! ". Es ist möglich, dass sich der Maler bei der Arbeit an der" Hochzeit "von einem Foto inspirieren ließ, aber über die Gründe für seine Berufung auf dieses Thema sowie über die Persönlichkeiten der Prototypen der Figuren ist nichts bekannt Der Mann rechts von der Braut ähnelt in der Ferne dem Künstler selbst.

Symbolische Werke

Im Jahr 1906 präsentierte Henri Rousseau der Öffentlichkeit sein neues Werk - "Freiheit, Aufruf an die Maler, an der 22. Ausstellung unabhängiger Künstler teilzunehmen", das selbst in der Ausstellung des Salons der Unabhängigen nur zum Lachen anregt. Nur ein enger Freundeskreis bewundert das neue Werk des Künstlers, während der Rest weder das Design selbst noch die Art und Weise seiner Umsetzung verstehen kann.

Freund des Malers - Räuber Delaunay ruft aus: „In einer anderen Ära hätte er die Wände der Paläste im Auftrag von Gönnern gestrichen. Bei uns ist er gezwungen, ein Narr für die Bewohner zu sein, er ist so ernst, so ruhig. Was für eine sinnlose Ironie des Schicksals! Russo feiert den Salon mit seiner neuen Arbeit, die ihn in jeder Hinsicht zu einem vollwertigen Künstler machte. Das kompositorische Zentrum der Arbeit ist die allegorische Figur der Freiheit, die in einer Art und Weise dargestellt ist, die an den Akademiker erinnert. Sie spielt die Trompete, traditionell ein Symbol der Anbetung.

Ein Jahr später amüsiert Rousseau das Publikum im Salon der Unabhängigen erneut mit seiner Arbeit „Ausländische Vertreter sind unter dem Banner des Friedens angereist, um die Republik zu begrüßen“. Auf der Leinwand erkennen wir die sechs Präsidenten der Französischen Republik (in schwarz gekleidet), die auf dem Podium stehen, den russischen Kaiser (in gelber und blauer Uniform), den König von England (auf der linken Seite) und auch die rechts: Franz Joseph aus Österreich, Peter I. aus Serbien, Wilhelm II. aus Deutschland, Leopold II. aus Belgien, Georg I. aus Griechenland, der persische Schah und König von Äthiopien. Triumphierend erhebt sich vor allem die Republik in roten Gewändern und einer phrygischen Mütze (der Kopfschmuck der Zeit der Französischen Revolution von 1789), die einen Olivenzweig in ausgestreckter Hand hält. Diese bunte Extravaganz, die von fremden Flaggen gefärbt wird, steht unter dem Motto „Arbeit, Freiheit, Gleichheit“, das auf drei schwarzen Sockeln im Vordergrund der Leinwand steht. „Und im Hintergrund sehen wir Menschen, die sich im Kreis versammeln, um ihren Urlaubstanz zu beginnen.

Der Künstler liebte Allegorien, die unter Vertretern der politischen Kreise so beliebt waren. Rousseau nahm wiederholt an verschiedenen Wettbewerben teil, die von Zeit zu Zeit von den Pariser Behörden veranstaltet werden, um die Räumlichkeiten verschiedener Abteilungen zu dekorieren. Der Maler wollte immer einen offiziellen Auftrag erhalten, gut bezahlt und angesehen, weil er zum einen ständig das Bedürfnis nach Geld verspürte und zum anderen immer noch von universeller Anerkennung träumte.

Der Zollbeamte konnte jedoch weder den einen noch den anderen erobern. Außerdem gab es immer wieder Leute, die die Schwäche dieses Künstlers und seine inhärente Naivität ausnutzten, um immer wieder den armen Rousseau zu spielen. Es kam sogar so weit, dass der Maler fast zur Champs Elysees gefahren wäre, um dem Präsidenten der Französischen Republik persönlich dafür zu danken, dass er seinen wichtigsten staatlichen Preis erhalten hatte - den Orden der Ehrenlegion, dessen Preis dem Künstler bekannt gegeben wurde von bösen Spassvögeln.

Exotisches Indien

Einmal entschloss sich die Mutter des Künstlers Robert Delaunay, den Bitten ihres Sohnes nachzugeben, ein russisches Gemälde zu bestellen. Ihre Geschichten über eine exotische Reise nach Indien inspirierten den Zollbeamten, eine Leinwand in satten Grüntönen zu gestalten, die typisch für den tropischen Dschungel sind. In der Mitte des Bildes sehen wir die Gestalt einer schwarzhaarigen Frau - eines Schlangenbeschwörers, der sehr an eine alte mystische Gottheit erinnert. Schwarze Schlangen, wie hypnotisiert von den magischen Klängen ihrer Pfeifen, schleichen sich langsam von überall heraus und wenn sie auf den ersten Blick kaum zu unterscheiden sind, dann sehen Sie sie mehr, wenn sich der Look an eine bunte Vielfalt gewöhnt und beginnt, Details zu unterscheiden und mehr. Erstaunlicherweise ist ihre Bewegung auf der Leinwand fast körperlich zu spüren. Die Augen der weiblichen Figur, die der einzige helle Fleck auf dem Bild sind, verleihen der Leinwand einen mystischen Schatten, ihre enorme Anziehungskraft ist bemerkenswert.

Ein Fluss, der vom Vollmond beleuchtet wird, ein dichter und geheimnisvoller Schleier aus Pflanzen, der in allen Grüntönen schimmert, ein exotischer rosa Vogel, leuchtend gelbe Blüten - die ganze Szene strahlt ein unglaubliches Paradies und Ruhe aus. Die vertikalen Linien der Figur und die sie umgebenden Pflanzen werden durch horizontale Lichtstrahlen des Monats abgeschwächt.Dies unterscheidet die Komposition von „Die Zauberin“ von Rousseau grundlegend von seinem „Krieg“, bei dem die horizontale Konstruktion der gesamten Leinwand den Effekt des Verfalls erzeugt und Zerstörung und Zerstörung symbolisiert.

Unpleasant Surprise steht Snake Charmer etwas nahe. Auf diesem Bild sehen wir eine Frau, die Angst vor einem Bären hat. Die Figur der Frau ähnelt wieder der mythischen Göttin, der im Garten Eden verlorenen alttestamentlichen Eva. Ihre runden Hüften sind leicht von Haaren bedeckt, die bis zu den Knien herunterfallen. Wie in The Caster ist die Frau von denselben bizarren Bäumen mit hellem Laub umgeben und im Hintergrund - an den Ufern eines magischen Sees, der dichte Wälder bizarrer Bäume darstellt. Und in der Tiefe ist die Gestalt eines lauernden Jägers kaum wahrzunehmen. Wenn Sie sie sehen, wird die Seele ruhig - er wird mit Sicherheit schießen und die Frau vor dem Raubtier retten.

Zeitgenossen werden eine Aussage eines italienischen Kritikers zu Rousseau aufschreiben: „Er lebt in einer fremden Welt, fantastisch und real zugleich, nah und fern, manchmal lustig, manchmal tragisch. Er liebt einen Aufruhr von Farben, Früchten und Blumen, wilden Tieren und sagenhaften Vögeln. Er lebt, arbeitet bewusstlos, konzentriert und geduldig, stößt bei jedem Entschluss, seine Einsamkeit zu brechen, um seine Schöpfung der Welt zu präsentieren, auf Lächerlichkeit und unfreundliche Schreie. "

Buddy-Porträt

Der Held des Bildes „Chaise of Father Juniet“ (1908) ist ein echter Charakter - ein Gemüseverkäufer, ein ehemaliger Freund von Rousseau (obwohl sein richtiger Name Claude Junier war). Sein Geschäft in der Montparnasse befand sich nur wenige Meter von der Malerwerkstatt entfernt. Junier half immer einem Künstler, dem oft das Geld für Produkte fehlt. Manchmal fuhr Junier zusammen mit seinen Freunden mit Rousseau auf seinem Wagen, der ihm für den Warentransport diente. Junieras Haustier - eine Stute Rosa zog einen Wagen. Der Gemüseverkäufer hatte eine große Schwäche für Pferde und Hunde, von denen eine auf dem Bild neben dem Wagen zu sehen ist.

Bei der Erstellung der Leinwand verwendete der Künstler ein 1908 in Klamar aufgenommenes Foto. Rousseau übertrug die Komposition der Fotografie auf die Leinwand und fügte ihr einen Hund auf der Straße und mehrere Figuren hinzu. Während der Maler an dem Gemälde arbeitete, besuchte der amerikanische Künstler Max Weber (1881-1961) seine Werkstatt. In Anbetracht der Arbeit machte Weber den Autor auf das Größenungleichgewicht zwischen Hunden und anderen Gegenständen und Charakteren aufmerksam. Rousseau antwortete: "Alles muss so bleiben, wie es ist."

Vielleicht hat der Künstler recht und verlässt sich nur auf seine eigene Vision, denn wenn man sich dieses Werk für eine lange Zeit ansieht, scheint es, dass es absolut unverhältnismäßig ist und daher ein mysteriöser Hund, der dem Bild einen Hauch von Fabelhaftigkeit verleiht. Es sind die veränderten Proportionen und die verstörte Perspektive, die reichlich durch Elemente der Phantasmagorie ergänzt werden, die Rousseaus Alltagsszenen dieses Element der Attraktivität und des Geheimnisses verleihen.

Fünf Personen und ein Hund sitzen in einem Wagen. Sie alle sind dem Betrachter zugewandt wie eine Gruppe aus der Leinwand "Bauernhochzeit" in einer Linie aufgereiht, jedoch in einem deutlichen Winkel zu den Sitzen des Wagens und der Fahrtrichtung. Die Leinwand hat eine beeindruckende Größe, die für dekorative Kunstwerke sehr charakteristisch ist. Kritikern zufolge ähnelt sie den "Tapisserien mit tausend Blumen" - großartigen Teppichen, die im 15. Jahrhundert populär waren und auf denen bunte Ornamente aus Phantasie gewebt wurden Pflanzen.

Zum ersten Mal verwendet der Künstler eine absolut glatte Leinwand im Gemälde, dank derer die Striche fast unsichtbar sind. Die gesamte Farbe des Bildes ist klar in zwei Skalen unterteilt: Schwarz, Weiß und Rot im Vordergrund und Ocker, Grün und Blau - auf dem "Hintergrund".

Stadtlandschaften

Weniger bekannt, aber nicht weniger bedeutend für Rousseaus kreatives Erbe sind Stadtlandschaften. Zahlreiche Arten von Paris und seinen Vororten waren stark nachgefragt, weshalb der Künstler, der ständig auf die Mittel angewiesen war, sie unermüdlich schreiben musste. In jenen fernen Zeiten waren die Außenbezirke von Paris noch wenig bebaut und buchstäblich im unberührten Grün der Wälder begraben. Der Künstler fertigte Skizzen für zukünftige Gemälde sofort mit Ölfarben an, ohne Gouache oder Holzkohle zu verwenden. Selbstbewusst schreibt er aus dem Leben, direkt auf Leinwand, nur ab und zu skizzierend.

Rousseau schreibt einzelne Fragmente unter freiem Himmel mit scharfen Bewegungen des Pinsels vor und vervollständigt das bereits in der Werkstatt vorhandene Bild, wobei er die Details der einzelnen Komponenten sorgfältig abschließt. Zwei der bekanntesten Beispiele für Stadtlandschaften in der Arbeit von Rousseau sind die Leinwände „Möbelfabrik in Alfortville“ und „Blick von der Sevri-Brücke“. Auf ihnen zeigte der Maler eine freie Interpretation der Fabrik für die Herstellung von Sesseln und Stühlen in Alfortville und einem der Bezirke von Sevri am südwestlichen Stadtrand der französischen Hauptstadt.

Die Möbelfabrik in Alfortwigle wurde zehn Jahre früher als The View from Sevri Bridge geschrieben. Wenn Sie das Bild betrachten, fällt der Himmel sofort mit bizarren Wolken auf. Links ist ein Fluss und im Hintergrund eine Brücke. Beide Elemente sind jedoch eher von untergeordneter Bedeutung. Die gesamte kompositorische Konstruktion des Gemäldes stammt von dem gewellten Bürgersteig, der unerwartet den Eindruck der richtigen Perspektive erweckt, der für Russos Gemälde selten ist. Das Fabrikgebäude selbst ähnelt stark einem Papphaus in der Theaterkulisse, und die Figuren der Menschen in der Umgebung wirken unnatürlich. All dies macht die Szene sehr bedingt, fast surreal.

Ein markantes Element des Bildes ist die Figur eines Fischers im Vordergrund. Sein Bild war zunächst nur eine kompositorische Notwendigkeit. Nach Fertigstellung der Figur entdeckte der Künstler jedoch, dass dieser Fischer, der auf den Biss wartet, eine gewisse Existenz außerhalb von Zeit und Raum symbolisiert und so die Ewigkeit im Bild verkörpert. Es ist diese unverwechselbare Herangehensweise an die Darstellung der Zeit, die Rousseau scharf von den Impressionisten unterscheidet, die sich dadurch auszeichneten, dass sie einen vom Leben getrennten Moment bewunderten.

Das kompositorische Zentrum des zweiten Bildes ist die Brücke über die Seine, die die bewaldeten Ufer miteinander verbindet. Das schwarz-weiße Boot im Vordergrund ist sehr ausdrucksstark, sein Rumpf ähnelt seltsamerweise dem Gesicht eines Mannes. Kleine Fußgängerfiguren verschmelzen mit Häusern, die von rotem Laub beschattet sind. Rote und graugrüne Dächer passen perfekt in die herbstliche Landschaft. Ein Ballon, ein Drachen und ein Flugzeug symbolisieren die drei Epochen der Himmelseroberung, die in der damaligen Presse oft erwähnt wurden und die Rousseau selbst bewunderte.

Träume

Henri Russo schafft 1910 sein größtes Meisterwerk - die Leinwand "Dream", die er im selben Jahr im 26. Salon der Unabhängigen ausstellt. Alle seine Freunde und Kollegen behaupten einstimmig, dass die Arbeit die besten Kritiken verdient. Der Dichter Guillaume Apollinaire schreibt in einem seiner Artikel über sie: „Ich denke, dass dieses Jahr niemand es wagt zu lachen. Sie können die Künstler fragen - jeder ist sich einig, jeder bewundert sie, auch dieses Sofa im Stil von Louis - Philippe, verloren in einem Urwald. Und sie haben recht. "

Russo liefert der Arbeit die folgenden Kommentare: „Jadwig hat einen magischen Traum. Sie schlief leise auf der Flöte eines unbekannten Verführers ein. Wenn ein Monat Licht auf Blumen und grüne Bäume wirft, frieren Tiere und sogar Raubtiere ein und lauschen den wunderbaren Klängen der Musik. "Andre Breton (1896 - 1966) wird einige Jahre später bemerken:" Ich stehe kurz davor zu sagen: Diese großartige Leinwand absorbierte alle Poesie und alle Geheimnisse unserer Zeit. Es zeichnet sich durch die unerschöpfliche Frische der Entdeckungen aus… "

Das Gemälde "Traum", das zu einem der letzten Werke Russos geworden ist, gilt als Wille des Künstlers. Durch die Verflechtung der Pflanzen entsteht eine räumliche Illusion auf der Leinwand, die vom gesamten Farbschema des Bildes wiedergegeben wird. Das Gefühl der Tiefe wird durch schillernde Grüntöne unterstrichen. Affen tummeln sich in bizarren Ästen, wo überall strahlende exotische Vögel zu sehen sind, und unter ihnen tummeln sich Raubtiere im Gras. Nur ein schwarzer Musiker steht im dichten Gras und spielt auf seiner Flöte, als würde er nichts bemerken. Sowohl Figuren als auch Pflanzen sind aus dem realen Raum gerissen, ihre charakteristische Form und ihr wahrer Zustand, aber sie sind alle so sorgfältig ausgeschrieben, dass sie unglaublich plausibel aussehen. Wie im Vorgriff auf seinen Tod hinterlässt uns Henri Russo das Erbe eines wahren Paradieses. Mit seinem „Traum“der künstler beleuchtete die kommende generation mit dem weg zur surrealen kunst vor seiner zeit.

Im selben Jahr 1910 malte Rousseau ein weiteres Bild - "Der Angriff des Jaguars auf das Pferd", das später von der Schirmherrin Ambroise Vollard gekauft wurde. Der Künstler selbst war stolz auf die Arbeit. "Zweiundzwanzig Grüntöne!", Sagte der Maler stolz zu dem berühmten italienischen Kritiker Argendo Soffichchi, der zu ihm kam, um sich ein neues Werk anzusehen. Sofficchi war schockiert von der malerischen Art von Rousseau. Nachdem der Künstler alle Konturen exotischer Pflanzen mit einem Bleistift gezeichnet hatte, trug er verschiedene Grüntöne in getrennten Strichen auf, wobei er jedes Fragment mehrmals vorschrieb und die Palette bei jedem Farbwechsel sorgfältig reinigte.

Unter Fremden

Obwohl Rousseaus persönliche Sympathien immer auf der Seite der akademischen Malerei standen, wurde er nur von den fortschrittlichsten Zeitgenossen anerkannt - avantgardistische Künstler waren sein ganzes Leben lang seine besten Freunde. Die kreative Art des Künstlers selbst wird dem Primitivismus aufgrund seines ursprünglichen Stils und seiner Liebe zu italienischen Primitivkünstlern wie Fra Angelico (ca. 1400 - 1455) und Giotto (1267 - 1337) zugeschrieben, die in der XIV und XV Jahrhunderte, als die Gesetze einer klassischen Perspektive noch nicht entdeckt worden waren, dessen Fehlen ein echtes Kennzeichen aller Arbeiten von Rousseau werden würde. „Erst 1885 konnte ich mich nach zahlreichen Enttäuschungen der Kunst widmen, mich selbst studieren, die Natur lernen und den Rat von Jerome und Clemens befolgen“, berichtet Henri Russo über sich.

Auf der Suche nach seinem eigenen Stil arbeitete Russo viel im Louvre und schuf Kopien der Meisterwerke der großen Meister der Vergangenheit. Der Maler erhielt die Erlaubnis, im berühmten Museum zu arbeiten, dank seines Freundes Felix Clement (1826 - 1888), der wie Rousseau selbst ein Autodidakt war. Aber anders als der Zollbeamte wurde Clemens von den Behörden anerkannt und freundlich aufgenommen. Er, der glückliche Gewinner des Römischen Grand Prix der Französischen Republik, wurde für Unterkunft und Training in Italien bezahlt. Der intelligente Clemens, ein ergebener Freund und feinfühliger Berater, ließ sich niemals über Rousseau und seine Gemälde lustig machen oder verspotten. Im Gegenteil, er bestand immer darauf, dass der Künstler seinem Stil treu blieb und den eingeschlagenen Weg nicht verließ. Clement stellt den Zollbeamten Leon Jerome (1824 - 1904) vor,die zu dieser Zeit an der künstlerischen Verkörperung der erhabenen Szenen der antiken Mythologie und der antiken östlichen Handlungen gearbeitet haben. Jerome - der Star der offiziellen Kunst - gehörte zu einer Gruppe von Künstlern - Pompiers, die nach ihrem prunkvollen Luxus benannt waren, der ihren Leinwänden und ihrer prächtigen Pracht innewohnt, und nach den charakteristischen Kopfbedeckungen ihrer alten Helden, die an Helme von Feuerwehrleuten (Pompiers) erinnern.

Mit seltenen Ausnahmen wie Clemens und Hieronymus gehörten Russos Freunde hauptsächlich zum Kreis der unabhängigen Künstler. Es waren die Vertreter des Neoimpressionismus, insbesondere Georges Cera (1859 - 1891) und Paul Signac (1863 - 1935), die 1886 in Rousseau als erste einen brillanten und originellen Meister erkannten. Signac schätzte sein Talent als Der Kolorist und Camille Pissarro (1831-1903) wurde von den Werken des Künstlers sehr bewundert und erkannte, dass es sich genau um „Gefühle an erster Stelle“ handelte. Robert Delaunay, der erstere, drückte zusammen mit seiner Frau Sonia (1885 - 1979), einer der Begründer der abstrakten Kunst, ihre Bewunderung für den Künstler aus.

Delaunay und Russo werden Freunde, obwohl der Zollbeamte das Wesen der kreativen Forschung seines Freundes nicht immer durchdringt. "Warum hat Robert den Eiffelturm zerbrochen?" - Rousseaus aufrichtige Frage nach dem Gemälde von Delaunay ließ die Legende über den Zollbeamten als naives Genie auftauchen, der die figurativen Techniken der Avantgarde-Kunst nie wirklich verstand.

Der Autor davon war, wie viele andere Legenden über das Leben des Künstlers, der modernistische Dichter Guillaume Apollinaire. Er schuf Mythen über Rousseau, indem er durch seine poetische Vorstellungskraft die Geschichte seines Lebens führte und der Künstler sein Bild auf Leinwand verewigte. Apollinaire beschrieb den Prozess des Schreibens seines eigenen Porträts wie folgt: „Zunächst maß er meine Nase, meinen Mund, meine Ohren, meine Stirn, meine Arme, meinen ganzen Körper und übertrug all diese Maße sehr genau auf seine Leinwand, um sie entsprechend zu verkleinern die Größe des Rahmens. (…) Ich bewegte mich nicht und beobachtete mit Bewunderung, wie besorgt er in Bezug auf die Arbeit seiner Vorstellungskraft war und niemandem und niemandem erlaubte, sich in den kreativen Prozess einzumischen, um die Harmonie des Bildes nicht zu stören. Und wie mathematisch genau hat er die Figur eines Mannes dargestellt!Wenn mein Porträt nichts mit meinem Aussehen gemein gehabt hätte, wäre dies nicht durch Rousseaus Verschulden geschehen, sondern aufgrund eines nervigen Rechenfehlers. Aber auch diejenigen, die mich nicht kennen, haben mich auf dem Bild erkannt. In der Rolle der Muse des Dichters zeigt die Leinwand die Künstlerin und Apollinaires enge Freundin Marie Lorensen (1883 - 1956).

Ein Abend in der Kunstgeschichte

Hier ist ein Beispiel für eine der Geschichten, die sich auf das Leben Russos und seiner Freunde beziehen. An einem Januarabend 1908 traten Rousseau und Apollinaire in Bago Lavoir auf, wo Pablo Picasso (1881 - 1973), ein Künstler aus Katalonien, seine Werkstatt in einem kleinen Holzhaus aufbaute. Der Zollbeamte, der einen weichen Filzhut trägt, nimmt am Tisch einen Ehrenplatz ein und lässt Oberbekleidung und einen Spazierstock an der Tür. An der Wand hängt die Arbeit des Autodidakten "Portrait of Mrs. M." (Das gleiche mysteriöse "Jadwiga"). Die Wand selbst ist mit Fahnen, Laternen und einem großen Plakat mit der Aufschrift "Zu Ehren von Rousseau" geschmückt. Die anwesenden Gäste sind alle gut gelaunt, einige haben bereits die nahegelegene Taverne besucht.

Apollinaire rezitiert feierlich die Ode, die er für diesen Abend geschrieben hat: „Wir haben uns versammelt, um Sie mit Wein zu ehren, der Picasso einschenkt. Es gibt Grund zum Trinken, und wir werden trinken und uns freuen: „Es lebe Rousseau!“ Rund um den Tisch versammelten sich die Künstler Georges Braque (1882 - 1963), Marie Lorensen und Andre Derain (1880 - 1954), der Schriftsteller Andre Salomon, der Dichter Max Jacob (1876 - 1944) und zwei amerikanische Frauen - die berühmte Schriftstellerin Gertrude Stein (1874 - 1946) und Alicia Toklas. Wein fließt wie Wasser, Rousseau nimmt die Geige und spielt den Walzer, den er einmal für Clemence geschrieben hat. Dann kommt er zu Picasso und sagt leise in sein Ohr: "Wir sind die beiden größten Künstler der Zeit." Dann steht Apollinaire wieder auf und liest ein Gedicht über Rousseaus von ihm erfundene Mexiko-Reise: „Erinnerst du dich, Rousseau?die aztekische Landschaft? Wälder, in denen Ananas und Mangos wachsen, lustige Affen, Wassermelonenschnitzel, Rasse den Kaiser Maximilian wärmen? "Ihre Bilder kommen aus Mexiko, wo die brennende Sonne und der Aufruhr der Natur." Ein Künstler, der noch nie in diesem Land war, versucht nicht einmal, Einwände zu erheben, denn heute ist der lang ersehnte Tag seines Triumphs.

Fernanda Olivier, eine Freundin von Picasso, wird später argumentieren, dass der festliche Empfang in Bateau Lavoir ein Scherz, ein Scherz war. Andre Salomon schreibt jedoch in seinen Memoiren: "In Bato Lavoir hatten wir nur eine Aufgabe - wir wollten Rousseau den Urlaub geben, den er verdient hat." Diese Technik in Bato Lavoir war einer der Schlüsselmomente in der Geschichte der Entwicklung der modernen Malerei: Hier trafen sich zwei Künstlergenerationen, dank derer neue Kunst geboren wurde.