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Skulptur der Vorrenaissance (1250-1400)

Bei der Untersuchung der Bildhauerkunst in Italien während dieser Zeit ist es wichtig, sich daran zu erinnern, dass die Bildhauer der Renaissance greifbare Beispiele der klassischen griechischen Bildhauerei vor sich hatten - genau die Werke, die sie bewunderten -, während die Maler keine Beispiele der antiken Malerei hatten, auf die sie sich beziehen konnten. Während Giotto beispielsweise sein eigenes „Fundament“ errichten musste, hatte der erste bedeutende Bildhauer der Vorrenaissance Nicola Pisano (um 1206-1278) bereits ein fertiges Fundament, auf dem er aufbauen konnte.

Diese „Grundlagen“ waren während des gesamten dunklen Mittelalters und der Epoche der mittelalterlichen Bildhauerei vorhanden. Das Bemerkenswerte an der Skulptur von Nicola Pisano ist, dass die klassischen Vorbilder, von denen sie sich ableitete, zwar über so viele Jahrhunderte hinweg verfügbar waren, aber ihre Fähigkeit verloren, die Vorstellungskraft der mittelalterlichen Künstler, die sie sahen, anzuregen. Die Geschichte der Bildhauerei war nie untätig: Während des gesamten Mittelalters wurde in Italien und im übrigen Europa eine große Anzahl romanischer Skulpturen geschaffen.

Nicola Pisano entdeckte nicht die physische Existenz einiger antiker Statuen oder Denkmäler, sondern dass sie plötzlich eine neue Bedeutung bekamen. Es gibt keinen bemerkenswerteren Beweis für den Beginn des Klassizismus der Renaissance als Nicolas erste Reliefs an der Kanzel des Baptisteriums von Pisa, die sechs Jahre vor Giottos Geburt entstanden, oder die Schnitzerei an der Kanzel des Doms von Siena, die geschnitzt wurde, als Giotto noch in der Wiege lag. Sein Werk ist technisch ausgereift, aber nicht primitiv oder unentschlossen. Abgesehen von einer leichten Tendenz zur Überfrachtung der Formen und natürlich des christlichen Themas, könnte die Schnitzerei selbst dem flüchtigen Auge als Produkt des kaiserlichen Roms erscheinen.

Madonna der Geburt - römische Matrone, Heilige Drei Könige - bärtige Olympier. Nicola selbst, so können wir annehmen, war ein römischer Rip Van Winkle, der zur Zeit Diokletians ins Koma fiel und in der Mitte des dreizehnten Jahrhunderts wieder erwachte und sich sofort an die Arbeit in einem Stil machte, der seit fast tausend Jahren tot war. Zu seinen zahlreichen Schülern gehörte der Bildhauer-Architekt Arnolfo di Cambio (1240-1310), der mehrere beispielhafte Grabskulpturen schuf und den Dom von Florenz entwarf.

Nicolas Sohn, Giovanni Pisano (um 1250-1314), entwickelte einen extravaganteren, unruhigeren, fast gotischeren Stil als sein Vater. Dennoch zeigt sich in seinen Werken - insbesondere in der Kanzel der Kirche San Andrea in Pistoia (1298) und in Pisa (1310) - die wahre Hefe der Renaissance. Es handelt sich nicht um trecento Versionen der römischen Schnitzkunst, sondern um Versuche, einem neuen Geist formalen Ausdruck zu verleihen.

Die Kanzel in Pistoia stellt die Sibyllen dar, die kein römisches Gegenstück haben. Ihre Gesten und Körperhaltungen sind von dramatischer Spannung geprägt. Sie sind unruhige, nervöse, ängstliche Wesen, von denen Michelangelo zwei Jahrhunderte später die Bedeutung ableiten sollte, die er den Sibyllen in den Fresken der Sixtinischen Kapelle verlieh. Der wichtigste Nachfolger der Pisano-Dynastie war der italienische gotische Maler Giovanni di Balduccio (1290-1339), der in Pisa und Mailand arbeitete.

Auf Giovanni Pisano folgte Andrea Pisano (1295-1348) - kein Verwandter, er wird manchmal auch Andrea da Pontedera genannt -, der mit Giotto an den Reliefs des Campanile der Kathedrale von Florenz arbeitete und später die erste der berühmten Serien von drei Bronzetüren für das Baptisterium der Kathedrale ausführte. Sie zeigen, wie der Geist der gotischen Bildhauerei stetig über die Alpen nach Norditalien vordrang und die schwereren römischen Formen von achtzig Jahren zuvor verdrängte. Andrea stammt noch aus dem vierzehnten Jahrhundert.

Um eine Vorstellung von der französischen Bildhauerei des vierzehnten Jahrhunderts zu bekommen, von der ein großer Teil im internationalen gotischen Stil (eine Art raffinierte gotische Manier, die von Hofkünstlern übernommen wurde) ausgeführt wurde, siehe die Karriere des französischen Bildhauers André Bonevaux (ca. 1335-1400). Sein Zeitgenosse, der flämische Bildhauer Klaus Sluter (ca. 1340-1406), war noch einflussreicher und wurde zu einer Schlüsselfigur beim Übergang von der internationalen Gotik zur Renaissance.

Italien der Renaissance (1400-1530)

Im fünfzehnten Jahrhundert bestand Italien aus einer Mischung verschiedener regionaler Einheiten, darunter die Herzogtümer Mailand und Savoyen, die Republiken Venedig, Genua, Florenz und Siena. Darüber hinaus besaßen die Kirchenstaaten einen Großteil Mittelitaliens, und ganz Süditalien, einschließlich Sizilien, gehörte zum Königreich Neapel.

Im Allgemeinen wurden diese Gemeinschaften von Monarchen - Familien und Einzelpersonen - regiert, von denen viele zu wichtigen Förderern der Kunst der Renaissance wurden, einschließlich der Bildhauerkunst und der Malerei . Zu den wichtigsten Herrscherfamilien gehörten die Sforza und die Visconti in Mailand, die Gonzaga in Mantua, die Montefeltro in Urbino, die Este in Ferrara und Modena, die Malatesta in Rimini, die Bentivoglio in Bologna und die mächtige Familie Medici in Florenz . Im Vatikan in Rom waren an den schönen Künsten interessierte Pontifexe unter anderem Papst Sixtus IV (1471-84), Papst Julius II (1503-13), Papst Leo X (1513-21) und Papst Paul III (1534-49).

Allgemeine Charakterisierung

Fast von Anfang an waren Bildhauerei und Malerei durch Individualismus gekennzeichnet, da der Fortschritt immer weniger die Arbeit von Schulen und immer mehr die Arbeit einzelner Künstler widerspiegelte. Ein ebenso wichtiges Merkmal der Kunst der Renaissance war ihr Naturalismus . In der Bildhauerei äußerte sich dies in einer zunehmenden Anzahl moderner Themen und in einer naturalistischeren Herangehensweise an Proportionen, Draperie, Anatomie und Perspektive . Ein drittes Merkmal war die Wiederbelebung der klassischen Themen und Formen. Nach dem Untergang Roms im fünften Jahrhundert hat Italien die griechische Bildhauerei nie ganz vergessen und konnte auch die sichtbare Masse römischer Ruinen nicht ignorieren.

Die Wiederbelebung des Klassizismus in der Bildhauerei begann um die Zeit von Nicola Pisano (ca. 1206-1278) und setzte sich, obwohl sie im 14. Es stimmt, dass die gotische Tradition für einen beträchtlichen Teil des Quatrocento fortbestand, aber in der Regel war etwas von der klassischen Manier in ihr enthalten. Der Klassizismus setzte sich erst in der Hochrenaissance (ca. 1490-1530) vollständig durch. Ein letzter Punkt muss hervorgehoben werden. Die Kunst der italienischen Renaissance war in erster Linie religiöse Kunst . Vielleicht in geringerem Maße als in der Romanik oder Gotik - denn Europa wurde reicher -, aber das Christentum blieb die dominierende Kraft im Leben (und in der Kunst) von Fürsten und Armen gleichermaßen.

Arten von Skulpturen: Religiöse und weltliche

Die Nachfrage nach Skulpturen während des Quatrocento und Cinquecento blieb weitgehend kirchlich. Die Außenseiten der Kirchen wurden mit Steinskulpturen geschmückt, und zwar nicht nur um die Türen herum, sondern manchmal wurde die gesamte Fassade mit Reliefs und Statuensäulen verziert. Die Innenräume der Kirchen wurden mit Marmorskulpturen (für Kanzeln, Taufbecken, Tabernakel, bedeutende Grabmäler, Statuengruppen) und Holzschnitzereien (insbesondere für Chöre, Statuetten und bemalte Altäre im spätgotischen Stil) ausgestattet. Die Türen der Taufkapellen und Sakristeien der Kathedralen bestanden oft vollständig aus Bronzeskulpturen, in der Regel als Reliefs. Die Innenwände der Renaissancekirchen enthielten auch große architektonische Grabmäler, die weltlichen Herrschern, Generälen, Staatsmännern und Philosophen gewidmet waren, sowie die üblichen Kardinäle und Bischöfe.

Auch Paläste und Privathäuser wurden mit Skulpturen geschmückt. Türöffnungen, Gärten, Empfangsräume und Innenräume wurden am häufigsten dekoriert. Zur Innenplastik gehörten Friese, geschnitzte Decken, Kamine, Statuetten und Büsten, während zur Außenskulptur Wasserspeier, Brunnen, Schreine und Statuen, darunter Madonnen und Heilige, gehörten.

Themen

Die in der Bildhauerei verwendeten Themen waren denen der Malerei der Frührenaissance sehr ähnlich . Die Themen für kirchliche Werke stammten fast immer aus dem Alten und Neuen Testament der Bibel. Während die Madonna mit Kind das beliebteste Motiv war, wurden auch Szenen aus dem Leben Christi oder der Jungfrau Maria sowie Episoden aus der Genesis häufig dargestellt.

Dekorative Motive klassischen Ursprungs wurden manchmal in die religiöse Bildhauerei eingeführt, aber mythologische Themen waren viel seltener, mit Ausnahme von Amoretten und Putten . In der Malerei der Hochrenaissance wurden die Themen jedoch erweitert, und dies beeinflusste auch die Bildhauerei. Zu den Themen der nichtkirchlichen Bildhauerei gehörten Szenen aus der klassischen Mythologie, Porträts oder Motive, die mit dem jeweiligen Auftraggeber verbunden waren, sowie biblische Themen.

Materialien und Methoden

Edelmetalle wie Gold und Silber wurden in der Bildhauerei weniger verwendet als in der vorangegangenen gotischen Epoche. Obwohl die besten Bildhauer und Maler der Renaissance weiterhin in der Werkstatt des Juweliers ausgebildet wurden, spezialisierte sich die Ausbildung allmählich, da die verschiedenen Disziplinen immer unabhängiger voneinander wurden, und der Einfluss des Juweliers beschränkte sich auf das Handwerk der Metallbearbeitung .

Die Bronze hingegen spielte eine immer wichtigere Rolle und wurde zunächst für Reliefs und dann für Statuen und Büsten verwendet. Es war bei den Bildhauern der Renaissance besonders beliebt, sowohl wegen seiner Formbarkeit und Haltbarkeit als auch wegen seines Glanzes, wenn es vergoldet wurde. Es überrascht nicht, dass diese Vorteile erst nach einiger Zeit zum Tragen kamen, denn der frühe Bronzeguss war grob und die fertigen Stücke waren nicht hochglanzpoliert. Zur Zeit der Hochrenaissance waren diese Schwierigkeiten jedoch überwunden, und es wurde ein hoher Grad an technischer Perfektion erreicht.

In der Steinskulptur führten die zunehmende Verfeinerung und die Nachfrage nach Details zu einer beträchtlichen Zunahme der Verwendung von Marmor sowie anderer feinerer Gesteine wie istrischem Stein und Pietra serena Sandstein . Weißer Carrara-Marmor, der Lieblingsmarmor Michelangelos, wurde häufig für monumentale Skulpturen verwendet, wobei seine Farbe manchmal mit Wachs gemildert wurde. Details der Statuen, wie Haare, Schmuck und manchmal auch die Haut, wurden oft vergoldet oder bemalt.

Terrakotta kam als billige Alternative zu Marmor in Mode und war, da glasiert, ebenso haltbar. Außerdem konnte sie vor dem Glasieren gefärbt werden, um einen dauerhaften polychromen Effekt zu erzielen. Im 15. Jahrhundert wurde Terrakotta in ganz Italien für Altäre, Kanzeln, Taufbecken und andere kirchliche Gegenstände sowie für den Hausgebrauch verwendet. Ein noch billigeres Material als Terrakotta war dünner Gips, der aus Marmorstaub und Sand hergestellt wurde. Sowohl Terrakotta als auch Stuck regten die berühmtesten Bildhauer der Antike zur Nachahmung antiker Meisterwerke an.

Holz war ein weiteres preiswertes Bildhauermaterial, aber die Tradition der Holzschnitzerei beschränkte sich hauptsächlich auf waldreiche Regionen, vor allem auf das österreichische Tirol und Süddeutschland, wo sie von Meistern wie Michael Pacher (1435-1498), Tilman Riemenschneider (1460-1531), Veit Stoss (1447-1533) und Gregor Ehrhart (1460-1540) mit virtuosem Geschick praktiziert wurde.

Unabhängig davon, ob sie in Stein, Bronze oder Holz arbeiteten, waren die von den Bildhauern der Renaissance angewandten bildhauerischen Techniken im Allgemeinen die gleichen wie die der griechischen oder römischen Bildhauer: Es wurden die gleichen Arten von Werkzeugen und viele der gleichen Techniken verwendet. Allerdings war die Renaissance viel malerischer. Schriftliche Skizzen zum Beispiel wurden als wesentlich angesehen. Darüber hinaus wurde der Perspektive, der Verwendung mehrerer Ebenen und der Abstufung des Reliefs große Aufmerksamkeit gewidmet. Außerdem konnten vorläufige Karikaturen, Skizzen und kleine Modelle einer geplanten Skulptur in Ton, Holz oder Wachs vom Bildhauermeister so weit entwickelt werden, dass ein Lehrling oder ein anderer Handwerker sie in Bronze oder Marmor vollenden konnte.

Die Bildhauerei der florentinischen Renaissance (ca. 1400-1450)

Im vierzehnten und fünfzehnten Jahrhundert entstanden in Norditalien große Städte, neue Formen der Renaissance-Architektur blühten auf, und die Bildhauer waren enger mit den Architekten verbunden als heute. Es ist daher nicht verwunderlich, dass die Ansätze eines erkennbaren italienischen Stils in der Bildhauerei etwas früher zu finden sind als in der Malerei. Es ist auch nicht verwunderlich, dass nach dem ersten Ausbruch der Pisaner die großen Bildhauer Italiens fast alle Florentiner waren.

Der scharfe florentinische Verstand hatte eine natürliche Neigung zu formalen und strukturellen Problemen, die - angesichts seiner Verehrung für disegno - in der Bildhauerei ebenso leicht gelöst werden konnten wie in der Malerei. Hinzu kam die Nähe zu Stein- und Marmorbrüchen, ohne die eine regionale Bildhauerschule nicht ohne weiteres gedeihen konnte. Die wichtigsten Bildhauer der ersten Hälfte der Florentiner Renaissance (1400-1490) waren Lorenzo Ghiberti, Donatello (Donato di Niccolo) und Luca della Robbia.

Lorenzo Ghiberti

Lorenzo Ghiberti (1378-1455) erhielt seine technische Ausbildung von seinem Stiefvater Bartolo, einem Goldschmied. Er begann als Maler, aber sein wahres Talent lag in der Bildhauerei kleiner Objekte. In seinem Werk De Orificeria Benvenuto stellt Cellini fest: "Lorenzo Ghiberti war ein wahrer Juwelier, nicht nur in seiner anmutigen Art, schöne Gegenstände zu schaffen, sondern auch in der Sorgfalt und Vollkommenheit, mit der er seine Arbeit verrichtete. Er widmete sich mit ganzer Seele der Schaffung von Miniaturwerken, und obwohl er sich gelegentlich mit großformatigen Skulpturen beschäftigte, war er mehr an der Schaffung kleiner Objekte interessiert."

Ghibertis Schlüsselwerke als Juwelier waren die goldene Mitra und der goldene Knopf (1419) für Papst Martin V. (1417-31) und die goldene Mitra (1439) für Papst Eugenius IV. (1431-47). Diese wunderschönen, mit Miniaturreliefs und -figuren verzierten und mit Edelsteinen besetzten Mitren wurden 1527 eingeschmolzen, um Mittel für Papst Clemens VII. (1523-34) zu beschaffen. Seine Bronzestatuen waren erfolgreicher, da sie alle überlebten, und Ghiberti widmete sich der Bronze mit demselben Geist wie ein Juwelier. Im Jahr 1401 erhielt er den Auftrag zur Herstellung von zwei Bronzetüren für das Florentiner Baptisterium und übertraf damit seine zeitgenössischen Rivalen Jacopo della Quercia (ca. 1374-1438) und Filippo Brunelleschi (1377-1446).

Seine Türgestaltung folgte demselben Grundschema, das zuvor von Andrea Pisano verwendet worden war: Sie bestand aus 28 Tafeln, auf denen das Leben Christi, die vier Apostel und die vier Kirchenväter dargestellt waren. Ghibertis Türen sind jedoch reicher in der Komposition, stärker geprägt und naturalistisch in ihren Figuren und Faltenwürfen.

Ghiberti widmete fast sein gesamtes Arbeitsleben in der Frührenaissance der Herstellung des berühmten zweiten und dritten Paares von Bronzetüren für das Florentiner Baptisterium. Es handelt sich um Wunderwerke der Handwerkskunst, und die Behandlung der Relieflandschaft und der architektonischen Hintergründe im dritten Paar ist geschickt und erfinderisch, aber die konsequente Feinheit der Draperie von Ghibertis Figuren ist ein wenig ermüdend. Im zweiten Türpaar sind die erzählenden Tafeln in gotische Quattrofoils eingefasst, die in ihrer Form denen ähneln, die Andrea Pisano neunzig Jahre zuvor gegossen hatte, aber in ihrer Komposition enger sind. Bei dem dritten Paar, das 1427 begonnen und 1452 vollendet wurde, hat die fortschreitende klassizistische Welle die äußeren Formen der Gotik hinweggefegt. Die Vierpässe werden durch quadratische Tafeln ersetzt, und die Behandlung - wie das für Ghibertis Gemälde vorgesehene Rechteck - wird erfinderisch, aber fast unbeholfen malerisch.

Selten sind die Grenzen zwischen Malerei und Bildhauerei so nah beieinander gewesen wie in diesen zehn alttestamentlichen Erzählungen. Für Ghibertis Zeitgenossen waren diese Reliefs aus Bronze erstaunlich: Michelangelo selbst erklärte, diese Türen seien würdig, das Tor zum Himmel zu sein. Das sind sie auch heute noch: Sie zeugen jedoch mehr vom Genie als vom schöpferischen Geist.

Zu den anderen wichtigen Zeitgenossen Ghibertis gehörten der Bildhauer-Architekt Filippo Brunelleschi (1377-1446), ein weiterer Konkurrent um die ersten Türen des Baptisteriums und ein Freund Donatellos; Nanni di Banco (1375-1421), dessen Statuen des Hl. Lukas in der Kathedrale von Florenz und die Himmelfahrt der Madonna am Nordportal besonders bemerkenswert sind; und Niccolò d’ Arezzo (geb. 1370), der mit ) zusammenarbeitete, der mit Piero di Giovanni über dem Nordportal der Kathedrale zusammenarbeitete.

Donatello

Donatello (Donato di Niccolo) (1386-1466) war in vielerlei Hinsicht der repräsentativste Bildhauer des Quattrocento . Die Chronologie seines Werks spiegelt die sich wandelnde Ästhetik der damaligen Zeit wider. Bis 1425 war seine Bildhauerkunst vollständig gotisch. Die Statuen, die er für die Kathedrale, den Campanile und den Or San Michele schuf, sind bis auf wenige Ausnahmen etwas unbeholfen in der Pose, überladen mit Draperien und ohne Anmut. Die Apostel und Propheten scheinen nur Porträts seiner Zeitgenossen zu sein. Selbst sein Christus ist ein einfacher Bauer. Aber „Der Heilige Georg“ ist ganz anders - ein Blitz der schöpferischen Energie.

In dieser Zeit, 1425-1444, schuf Donatello die meisten seiner besten Werke und verbreitete seinen Ruf über Florenz hinaus nach Siena, Montepulciano, Orvieto, Rom und sogar Neapel. Wie Luca della Robbia verband er hellenische Erhabenheit mit nordischem Naturalismus. Zu dieser Verschmelzung von Gegensätzen fügte er jedoch die einzigartige Kraft seiner eigenen schöpferischen Vorstellungskraft hinzu, die in einem Augenblick die stilvolle Eleganz des knabenhaften David erschaffen konnte, der sorglos seinen Fuß auf den abgetrennten Kopf des Goliaths stützt (sicherlich eine der größten Skulpturen der Geschichte und die erste freistehende Aktstatue seit der Antike - für weitere Informationen siehe: David von Donatello).

Die Arroganz des jungen Georgs, die Würde des sitzenden Johannes, der Michelangelo zu seinem Moses inspirierte, der rodinische Naturalismus von Il Zuccone - dem glatzköpfigen Bettler, der zum alttestamentarischen Propheten wurde - auf dem Campanile, die belebte Reiterstatue von Gattamelata in Padua, der Prototyp aller Reiterstatuen der Renaissance und angeblich die majestätischste, und schließlich die erzählenden Bronzen mit Flachrelief für den Hochaltar der Kirche des Heiligen Antonius in Padua. Diese wunderbar einfallsreichen Werke könnten als Archetypen des gesamten Expressionismus in der erzählenden Kunst bezeichnet werden. Die sanften hellenischen Rhythmen Ghibertis wurden als unbrauchbar für Donatellos Zwecke verworfen, und an ihrer Stelle finden wir eine neue nervöse Energie, einen neuen Dynamismus . Alle Arten von unruhigen, momentanen Gesten erhöhen die emotionale Intensität der erzählten Geschichte. Im Vergleich zu diesen überladenen und kühnen Experimenten fehlt es Ghibertis Versuchen, die Türen des Baptisteriums mit Bildern zu versehen, an Vitalität und Phantasie.

Er arbeitete bei mehreren Werken mit dem Florentiner Architekten und Bronzebildhauer Michelozzo di Bartolommeo (manchmal fälschlicherweise Michelozzo Michelozzi genannt) (1396-1472) zusammen. In Zusammenarbeit mit Michelozzo schuf Donatello drei bedeutende Grabmäler: die des Antipapstes Johannes XXIII. (1424-8, Baptisterium von Florenz), des Kardinals Brancacci (1426-8, San Angelo a Nilo, Neapel) und des Bartolommeo Aragazzi (1427-38, Dom von Montepulciano). In seinen Reliefs aus dieser Zeit führte er einige neue perspektivische Effekte ein, vor allem im Taufbecken von Siena, in der Kanzel von Prato und auf der Orgelempore des Doms von Florenz. Sein Realismus (wie in Il Zuccone, 1423-6, Museo dell’opera del Duomo, Florenz) wurde allmählich durch einen raffinierteren Klassizismus abgelöst, insbesondere in seiner revolutionären Bronzestatue David (1440-3, Museo Nationale del Bargello, Florenz).

Die letzte Schaffensperiode Donatellos begann mit einem Besuch in Padua im Jahr 1444 und dauerte bis zu seinem Tod im Jahr 1466. Sie war durch eine erhebliche Steigerung seines Sinns für Dramatik gekennzeichnet. Es stimmt, dass seine Bronzestatue Reiterstatue der Gattemelata (Condottiere Erasmo da Narni) (1444-53, Piazza del Santo, Siena). ein beträchtliches Maß an klassischer Zurückhaltung zeigte, aber seine Reliefs, von den Altarbildern von San Antonio in Padua bis zu den Bronzereliefs der Kanzel von San Lorenzo in Florenz, zeigen einen allmählichen Rückgang. Seine späten Reliefs sind beispielsweise durch übertriebene Emotionen, unzusammenhängende Kompositionen und eine zu freie Interpretation von Formen und Draperien gekennzeichnet. Sie sind erfolglose Vorläufer des Rokokostils, dem die italienische Bildhauerei zum Opfer fiel.

Zwei Künstler werden mit Donatellos frühem Stil in Verbindung gebracht: Nanni di Bartolo (Il Rosso) (ca. 1379-48), der mehrere Prophetenstatuen für den Campanile (Glockenturm) von Giottos Florentiner Kathedrale schuf; und Bernardo Ciuffagni (1385-1456), der für den sitzenden Matthäus in der Kathedrale verantwortlich ist. Agostino di Duccio (1418-1481) war ein weiterer Anhänger, der sich stark von Donatellos besten Werken inspirieren ließ, obwohl seine Draperien eher an die von Ghiberti erinnern. Siehe z. B. seine Statuen an der Fassade von San Bernardino in Perugia. Seine Schnitzereien haben die gleiche Art von fließenden arabesken Linien und etwas von der gleichen wehmütigen Zärtlichkeit wie die Gemälde Botticellis. Er ist ein unbedeutender Dichter der Bildhauerei, aber er hat einen unvergesslichen Eindruck im Inneren des berühmten malatestianischen Tempels in Rimini hinterlassen, der mehr als die Hälfte seines Reizes seiner großen Serie von zarten, heidnischen Schnitzereien an den Wänden verdankt.

Es besteht kein Zweifel daran, dass die Bildhauerei Donatellos einen enormen Einfluss auf Maler und Bildhauer gleichermaßen hatte. Seine Verwendung klassischer Motive, sein raffinierter Einsatz der Perspektive und seine Beherrschung aller Materialien machten ihn zum einflussreichsten Bildhauer seiner Epoche, der von keinem Renaissancekünstler vor Michelangelo übertroffen wurde.

Luca Della Robbia

Weniger experimentell als Ghiberti, zurückhaltender als Donatello, Luca Della Robbia (1400-1482) wurde unter dem Goldschmied Leonardo di Ser Giovanni ausgebildet und erlangte eine anerkannte Meisterschaft in der Bronze (Portale in der Sakristei der Kathedrale von Florenz) sowie in der Marmorskulptur (Reliefs der Chorempore, das Marmorgrabmal des Bischofs Benozzo Federighi, S. Francesco di Paola). Er ist vor allem als Begründer der Bildhauerei aus glasiertem Terrakotta-Ton bekannt und hat einen nicht zu unterschätzenden Einfluss auf die Bildhauerei der italienischen Renaissance.

Merkwürdigerweise ist Lucas schönstes Einzelwerk sein erstes, die 1438 vollendeten Marmorreliefs in der Cantoria der Kathedrale von Florenz. Die Fotografie und ihr bemerkenswerter, fließender Charme haben sie abgedroschen gemacht, aber Charme ist die geringste ihrer Tugenden. Die Schnitzereien der Musikantenknaben und der Kindertänzer haben eine fast hellenische Reinheit: Sie offenbaren jedoch einen bemerkenswert aufmerksamen Blick für das Verhalten und die Gesten der Heranwachsenden und werden durch einen Hauch von leisem Humor aufgelockert.

Andere frühe Skulpturen wie Auferstehung (1443) und Himmelfahrt (1446), die Lünetten in der Kathedrale von Florenz und in der Kirche von San Pierino, wurden von Leonardo di Ser Giovanni und Ghiberti beeinflusst. Seine Lünette der Madonna mit Kind über dem Portal in der Via degli Agnolo sowie die Medaillons der Apostel in der Pazzi-Kapelle und die Gruppe der Heimsuchung in der Kirche San Giovanni Fuorquitas in Pistoia wurden jedoch in seinem persönlichen Stil ausgeführt. Um 1463 schuf er ein exquisites Medaillon für den Florentiner Generalrat der Kaufleute und für die Gilde der Steinmetze und Holzschnitzer, das die Fassade des Or San Michele schmückt.

Zu seinen späteren Werken gehört der prächtige Tabernakel des Heiligen Kreuzes in Impruneta. Luca della Robbia verwendete in einigen seiner Werke farbige Glasuren, aber häufiger trug er Farbe nur für Details wie Augen und Augenbrauen oder als Oberflächendekoration auf.

Lucas Terrakotta-Bildhauerei wurde von seinem Neffen, Andrea della Robbia (1435-1525), stark ausgebaut. Andrea setzte die Terrakotta in größerem Umfang ein und verbreitete sie in den kleineren Städten der Region. Zunächst lehnte er sich - wie bei seinen früheren Arbeiten in La Verna und Arezzo - stark an das Repertoire und den Stil seines Onkels an, entwickelte dann aber seinen eigenen, anmutigeren Stil, wie die Lünette über dem Eingang der Kathedrale von Prato und das Altarbild in Osservanza bei Siena zeigen. Manchmal ging diese Anmut jedoch in Sentimentalität über, wie zum Beispiel bei seinen Reliefs über dem Portal der Kirche Santa Maria della Quercia in Viterbo.

Auf Andrea folgten seine fünf Söhne, von denen Giovanni (1469-1529) der begabteste war, bekannt für die Sakristei (1497) in Santa Maria Novella, die Geburt Christi (1521) im Nationalmuseum und die Medaillons im Krankenhaus Cheppo in Pistoia. Sein jüngster Sohn Girolamo (1488-1566) führte die Familientradition in Frankreich ein, ohne jedoch einen nennenswerten Einfluss auf die französische Kunst zu haben.

Bildhauerei der florentinischen Renaissance (um 1450-1500)

In der zweiten Hälfte des fünfzehnten Jahrhunderts stieg die Nachfrage nach großformatigen Skulpturen aus Marmor und Bronze deutlich an. In den Kirchen wurden verschiedene Objekte für Altäre, Tabernakel, Kanzeln, Grabmäler und Innennischen im neuen, dynamischen Renaissancestil benötigt, während in den weltlichen Palästen neue Friese, Kamine, Porträtbüsten und viele andere Arten dekorativer Skulpturen benötigt wurden. Die bedeutendsten Marmorbildhauer im Florenz des späten fünfzehnten Jahrhunderts waren Desiderio, die Brüder Rossellino, Benedetto da Maiano und Mino da Fiesole. Die besten Bronzebildhauer der gleichen Zeit waren Verrocchio und Pollaiuolo.

Desiderio da Settignano

Desiderio da Settignano (1430-1464) nahm den Geist der besten Skulpturen Donatellos auf, denen er einen Sinn für Harmonie und raffinierte Eleganz hinzufügte, der nur ihm eigen war. Sein Grabmal für den Kanzler Carlo Marsuppini in der Kirche Santa Croce ist das beste Beispiel für ein Denkmal dieser Art. Gleiches gilt für seinen Tabernakel aus Marmor in der Kirche San Lorenzo. Erwähnenswert sind auch seine würdigen Porträtbüsten von Marietta Strozzi und der Prinzessin von Urbino, während die Büsten der Kinder weiterhin fälschlicherweise Donatello zugeschrieben werden. Obwohl er im zarten Alter von 34 Jahren starb, war sein Beitrag zur italienischen Renaissance-Skulptur von Dauer.

Bernardo und Antonio Rossellino

Trotz seiner technischen Meisterschaft fehlte es Bernardo Rossellino (1409-1464) an Originalität als Künstler. In der Architektur war er ein treuer Anhänger von Alberti, aber in der Bildhauerei nahm er zu viele Anleihen bei anderen, wie sein berühmtes Grabmal von Leonardo Bruni (gest. 1444) zeigt. Sein jüngerer Bruder Antonio Rossellino (1427-1479) hat mehr erreicht: Sein Heiliger Sebastian in der Stiftskirche von Empoli gilt als eine der anmutigsten Statuen des Quattrocento. Sein Grabmal des Kardinals Portogallo (gest. 1459) in San Miniato ist zwar architektonisch unbedeutend, aber dennoch von großer Schönheit. Seine Flachreliefskulpturen und Porträtbüsten sind nicht weniger beeindruckend als viele der Werke Desiderios.