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Skulptur aus der Zeit vor der Renaissance (1250-1400)

Beim Studium der Kunst der Skulptur In Italien ist es in dieser Zeit wichtig, sich daran zu erinnern Renaissance-Bildhauer hatte vor Augen greifbare Beispiele der klassischen Griechische Skulptur – genau die Arbeit, die sie bewunderten – während Maler keine Beispiele für antike Malerei hatten, auf die sie sich beziehen könnten. Während Giotto zum Beispiel seine eigenen „Fundamente“ errichten musste, den ersten wichtigen Bildhauer vor der Renaissance Nicola Pisano (c.1206-1278) hatten bereits Fundamente bereit, auf denen er aufbauen konnte.

Diese "Grundlagen" waren während des gesamten Mittelalters und der Ära von verfügbar gewesen Mittelalterliche Skulptur . Bemerkenswert an der Skulptur von Nicola Pisano ist, dass die klassischen Prototypen, von denen sie stammen, trotz ihrer jahrhundertelangen Verfügbarkeit die Kraft verloren haben, die Vorstellungskraft der mittelalterlichen Künstler, die sie sahen, zu stimulieren. Das Geschichte der Skulptur war noch nie inaktiv gewesen Romanische Skulptur wurde im gesamten Mittelalter in Italien und dem Rest Europas hergestellt. Was Nicola Pisano entdeckte, war nicht die physische Existenz einiger alter Statuen oder Denkmäler, sondern die Tatsache, dass sie plötzlich eine neue Bedeutung erlangt hatten. Es könnte keinen bemerkenswerteren Beweis für den Beginn der Renaissance geben Klassizismus als Nicola’s erste Hochrelief-Schnitzereien auf der Kanzel im Baptisterium von Pisa, die sechs Jahre vor Giottos Geburt angefertigt wurden, oder jene auf der Kanzel der Kathedrale von Siena, die geschnitzt wurden, während Giotto in seiner Wiege saß. Es gibt keinen Mangel an technischen Errungenschaften, nichts Primitives oder Zögerndes in seiner Arbeit. Abgesehen von einer leichten Tendenz zu einer Überfüllung der Formen und natürlich des christlichen Themas könnten die Schnitzereien selbst für das ungezwungene Auge leicht wie Produkte des kaiserlichen Rom aussehen. Die Madonna der Geburt Christi ist eine römische Matrone, die Könige sind bärtige Olympier. Man könnte vermuten, dass Nicola selbst ein römischer Rip Van Winkle war, der in den Tagen des Diokletian ins Koma gefallen war und Mitte des 13. Jahrhunderts erwacht war, und sich sofort an die Arbeit in einem Stil machte, für den er gestorben war fast tausend Jahre. Unter seinen vielen Schülern war der Bildhauer-Architekt Arnolfo di Cambio (1240–1310), der eine beispielhafte Grabskulptur schuf und die Kathedrale von Florenz entwarf.

Nicolas Sohn, Giovanni Pisano (c.1250-1314), entwickelte sich lebendiger, unruhiger, fast mehr Gothic Style als sein Vater. Trotzdem sehen wir in seiner Arbeit – insbesondere auf der Kanzel der Andreaskirche in Pistoia aus dem Jahr 1298 und der von Pisa aus dem Jahr 1310 – die wahre Renaissance-Hefe am Werk. Diese sind nicht Trecento Versionen des römischen Schnitzens, aber Versuche, dem neuen Geist formalen Ausdruck zu verleihen. Auf der Pistoia-Kanzel stehen Sibyllen, die keine römischen Gegenstücke haben. Ihre Gesten und Einstellungen sind voller dramatischer Spannungen. Sie sind beunruhigte, nervöse, ängstliche Wesen, und aus ihnen sollte Michelangelo zwei Jahrhunderte später die Art von Bedeutung extrahieren, die er in die Sibyllen in seiner gegossen hatte Fresken der Sixtinischen Kapelle . Der wichtigste Anhänger der Pisano-Dynastie war der italienische gotische Künstler Giovanni di Balduccio (1290–1339), der in Pisa und Mailand tätig war.

Giovanni Pisano wurde gefolgt von Andrea Pisano (1295-1348) – keine Beziehung, er wird manchmal auch Andrea da Pontedera genannt -, der mit Giotto an den Reliefs im Glockenturm der Florentiner Kathedrale arbeitete und später die erste der berühmten Serie von drei Bronzetüren für die Kathedrale ausführte Baptisterium. Sie zeigen, wie der Geist von Gotische Skulptur drang stetig über die Alpen nach Norditalien vor und ersetzte die schwereren römischen Formen von vor achtzig Jahren. Andrea gehört noch zum vierzehnten Jahrhundert.

Einen Einblick in die französische Bildhauerei des 14. Jahrhunderts, die größtenteils im Stil der internationalen Gotik (eine Art raffinierter Gotik, die von Hofkünstlern übernommen wurde) stattfand, bietet die Karriere des französischen Bildhauers Andre Beauneveu (um 1335-1400), der für König Karl V. arbeitete. Sein Zeitgenosse war der flämische Bildhauer Claus Sluter (c.1340-1406) war noch einflussreicher und eine Schlüsselfigur beim Übergang von der internationalen Gotik zur Renaissance.

Renaissance Italien (1400-1530)

Während des fünfzehnten Jahrhunderts setzte sich Italien aus einer Mischung verschiedener regionaler Einheiten zusammen, darunter die Herzogtümer Mailand und Savoyen sowie die Republiken Venedig, Genua, Florenz und Siena. Außerdem besaßen die Kirchenstaaten einen großen Teil Mittelitaliens, während ganz Süditalien einschließlich Sizilien zum Königreich Neapel gehörte. Im Allgemeinen wurden diese Gemeinschaften von Familien und Einzelpersonen monarchistisch regiert, von denen viele wichtige Förderer wurden Renaissance-Kunst , einschließlich der Kunst der Skulptur sowie Gemälde . Zu den wichtigsten herrschenden Familien gehörten die Sforza und Visconti in Mailand, die Gonzagas in Mantua, die Montefeltro in Urbino, die Este in Ferrara und Modena, die Malatesta in Rimini, die Bentivoglio in Bologna und die Mächtigen Medici-Familie in Florenz . Am Vatikan in Rom interessierten sich Papsttumoren für Kunst einschließlich Papst Sixtus IV. (1471-84), Papst Julius II (1503-13), Papst Leo X. (1513-21) und Papst Paul III. (1534-49).

Allgemeine Eigenschaften

Fast von Anfang an waren Skulptur und Malerei von Individualismus geprägt, da der Fortschritt immer weniger ein Spiegelbild der Schule, sondern mehr des Schaffens einzelner Künstler wurde. Ein ebenso wichtiges Merkmal der Renaissancekunst war ihre Naturalismus . In der Bildhauerei zeigte sich dies in der Zunahme der zeitgenössischen Motive, zusammen mit einem naturalistischeren Umgang mit Proportionen, Gewändern, Anatomie und Perspektive . Ein drittes Merkmal war das Wiederauftauchen klassischer Subjekte und Formen. Seit dem Fall Roms im fünften Jahrhundert hat Italien das nie ganz vergessen Skulptur des antiken Griechenlands , noch konnte es die sichtbare Masse der römischen Ruinen ignorieren. Die Wiederbelebung des Klassizismus in der Skulptur begann um die Zeit von Nicola Pisano (ca. 1206-1278) und setzte sich, obwohl im 14. Jahrhundert geprüft, im gesamten 15. Jahrhundert fort. Wahre, gotische Traditionen überlebten für einen Großteil der quattrocento , aber in der Regel etwas von einer klassischen Art und Weise angenommen. Der Klassizismus erlangte erst in der Hochrenaissance (um 1490-1530) seine volle Bedeutung. Ein letzter Punkt muss betont werden. Italienische Renaissancekunst war in erster Linie religiöse Kunst . Vielleicht weniger als in der Zeit der Romanik oder der Gotik – schließlich wurde Europa immer reicher -, aber das Christentum blieb eine dominierende Kraft im Leben (und in der Kunst) von Fürsten und Armen.

Arten von Skulpturen: religiös und weltlich

Die Nachfrage nach Bildhauerei während des Quattrocento und cinquecento blieb weitgehend kirchlich. Das Äußere der Kirche wurde nicht nur um die Türen mit Steinskulpturen geschmückt, sondern manchmal wurde auch die gesamte Fassade mit Stein verziert Reliefskulptur und Säulenstatuen. In der Zwischenzeit waren die Innenräume der Kirche voll Marmorskulptur (für Kanzeln, Taufbecken, Tabernakel, wichtige Gräber, Statuengruppen) und Holzschnitzen (insbesondere für Chorstände, Statuetten sowie bemalte Altarbilder nach spätgotischem Vorbild). Das Baptisterium der Kathedrale und die Türen der Sakristei bestanden oft ausschließlich aus Bronzeskulptur in der Regel niedrige Reliefs. In den Innenwänden der Renaissance-Kirchen befanden sich auch große architektonische Gräber, in denen sich weltliche Herrscher, Generäle, Staatsmänner und Philosophen sowie die üblichen Kardinäle und Bischöfe befanden.

Paläste und Privathäuser wurden ebenfalls mit Skulpturen geschmückt. Türen, Gärten, Empfangsräume und Inneneinrichtungen waren die am häufigsten verschönerten Bereiche. Zu den skulpturalen Innenarbeiten zählten Friese, geschnitzte Decken, Kamine, Statuetten und Büsten, während sich die Außenarbeiten auf Wasserspeier, Brunnen, Schreine, Statuen einschließlich Madonnen und Heilige erstreckten.

Themen

Die in der Bildhauerei verwendeten Themen waren denen in sehr ähnlich frühe Renaissance-Malerei . Motive für kirchliche Werke stammten fast immer aus dem Alten und Neuen Testament der Bibel. Wenn die Madonna mit dem Kind das beliebteste Thema ist, sind Szenen aus dem Leben Christi oder der Jungfrau Maria sowie Episoden aus der Genesis zu nennen. Zeitweise wurden dekorative Motive klassischer Herkunft in die religiöse Bildhauerei eingeführt, mythologische Motive jedoch mit Ausnahme von Amoren und Putten sehr viel seltener. Die Themen wurden jedoch im Laufe der Zeit erweitert Malerei der Hochrenaissance und das betraf auch die Bildhauerei. Themen für nichtkirchliche Skulpturen können Szenen aus der klassischen Mythologie, Porträts oder Motive des betreffenden Mäzens sowie biblische Themen enthalten.

Materialen und Methoden

Edelmetalle wie Gold und Silber wurden in der Bildhauerei weniger verwendet als in der vorangegangenen Gotik. Und während die Goldschmiedewerkstatt weiterhin einige der besten Bildhauer und Maler der Renaissance ausbildete, spezialisierte sich die Ausbildung allmählich, als die verschiedenen Disziplinen voneinander unabhängiger wurden und der Einfluss des Goldschmiedes auf das Handwerk beschränkt blieb Metallarbeiten . Bronze erhielt jedoch eine wichtigere Rolle, zuerst für Reliefs, dann für Statuen oder Büsten. Es war ein besonders beliebtes Medium für Renaissance-Bildhauer, sowohl wegen seiner Duktilität und Haltbarkeit als auch wegen seiner Brillanz im vergoldeten Zustand. Es ist nicht überraschend, dass es einige Zeit dauerte, bis sich solche Vorteile einstellten, da der frühe Bronzeguss roh war und die fertigen Teile nicht hochglanzpoliert waren. Zur Zeit der Hochrenaissance waren diese Schwierigkeiten überwunden und ein hohes Maß an technischer Perfektion erreicht.

Im Steinskulptur Die zunehmende Verfeinerung und der wachsende Bedarf an Details führten zu einer stark erhöhten Verwendung von Marmor sowie anderen feineren Arten wie istrischem Stein und Pietra serena Sandstein. Weißer Carrara- Marmor, der Favorit von Michelangelo, wurde häufig für monumentale Skulpturen verwendet, deren Farbe manchmal durch Wachs aufgeweicht wurde. Details der Statuen – einschließlich Haare, Ornamente und manchmal Haut – wurden oft vergoldet oder bemalt.

Terrakotta wurde als billige Alternative zu Marmor in Mode und war im glasierten Zustand ebenso haltbar. Es könnte auch vor dem Glasieren gestrichen werden, um einen dauerhaften polychromatischen Effekt zu erzielen. Es wurde im 15. Jahrhundert in ganz Italien für Altarbilder, Kanzeln, Schriften und andere kirchliche Einrichtungen sowie für zahlreiche Haushaltsanwendungen verwendet. Noch billiger als Terrakotta war feiner Stuck aus Marmorstaub und Sand. Sowohl Terrakotta als auch Stuck stimulierten das Kopieren alter Meisterwerke durch die bedeutendsten Bildhauer der Antike.

Holz war ein weiteres billiges skulpturales Material, aber die Tradition des Schnitzens beschränkte sich im Allgemeinen auf dicht bewaldete Gebiete, insbesondere das österreichische Tirol und Süddeutschland, wo es von Handwerksmeistern wie dem mit virtuosem Können praktiziert wurde Michael Pacher (1435-98) Tilman Riemenschneider (1460-1531) Veit Stoss (1447-1533) und Gregor Erhart (1460 & ndash; 1540).

Ob in Stein, Bronze oder Holz gearbeitet, die Bildhauertechniken der Renaissance-Bildhauer entsprachen im Großen und Ganzen denen der griechischen oder römischen Bildhauer: Es wurden die gleichen Arten von Arbeitsgeräten verwendet und viele der gleichen Techniken angewendet. Das Ethos der Renaissance war jedoch weitaus malerischer. Beispielsweise galten schriftliche Entwürfe als wesentlich. Darüber hinaus wurde besonderes Augenmerk auf die Perspektive, die Verwendung mehrerer Ebenen und die Abstufung des Reliefs gelegt. Darüber hinaus könnten vorläufige Cartoons, Studien und kleine Modelle der beabsichtigten Skulptur in Ton, Holz oder Wachs vom Bildhauermeister so weit fortgeschritten sein, dass sie von einem Schüler oder einem anderen Handwerker in Bronze oder Marmor ausgeführt werden könnten.

Florentiner Renaissance-Skulptur (um 1400-1450)

Es war im vierzehnten und fünfzehnten Jahrhundert in Norditalien, als die größeren Städte Gestalt annahmen; neue formen von Renaissance-Architektur blühte und bildhauer waren enger mit architekten verbunden als heute. So verwundert es nicht, dass die Anfänge eines erkennbar italienischen Stils in der Skulptur etwas früher liegen als in der Malerei. Es ist auch nicht verwunderlich, dass nach dem ersten Ausbruch der Pisaner die großen Bildhauer Italiens fast ausschließlich Florentiner waren. Der begeisterte Florentiner hatte eine natürliche Neigung zu formalen und strukturellen Problemen, die – angesichts seiner Ehrfurcht vor disegno – könnten ihre Lösung ebenso leicht in der Skulptur wie in der Malerei finden. Hinzu kam die Nähe zu Stein- und Marmorbrüchen, ohne die eine regionale Bildhauerschule nicht leicht gedeihen kann. Die wichtigsten Bildhauer der ersten Hälfte des Florentiner Renaissance (1400-90) waren Lorenzo Ghiberti, Donatello (Donato di Niccolo) und Luca Della Robbia.

Lorenzo Ghiberti

Lorenzo Ghiberti (1378-1455) erhielt seine technische Ausbildung von seinem Stiefvater Bartolo, einem Goldschmied. Er begann als Maler, aber sein wahres Talent lag in der Skulptur kleiner Objekte. In seiner De Orificeria Benvenuto Cellini schreibt er : "Lorenzo Ghiberti war ein wahrer Goldschmied, nicht nur in seiner anmutigen Art, Gegenstände der Schönheit zu schaffen, sondern auch in der Sorgfalt und Vollendung, die er seiner Arbeit gab Miniaturwerke, und obwohl er sich gelegentlich größeren Skulpturen widmete, war er bei der Herstellung kleinerer Objekte viel besser aufgehoben. " Ghibertis Schlüsselwerke als Goldschmied waren eine Goldgehrung und ein Pluvialknopf (1419) für Papst Martin V (1417-31) und eine Goldgehrung (1439) für Papst Eugenius IV (1431-47). Diese schönen Mitren, die mit Miniaturreliefs und -figuren verziert und mit kostbaren Edelsteinen verziert sind, wurden 1527 eingeschmolzen, um Mittel für Papst Clemens VII. (1523-34) bereitzustellen. Seine Bronzen waren glücklicher, da sie alle überlebt haben, und Ghiberti widmete sich Bronze mit dem gleichen Geist des Goldschmieds. Im Jahr 1401 gelang es ihm, den Auftrag für ein Paar Bronzetüren für das Baptisterium von Florenz zu gewinnen, wobei er die zeitgenössischen Rivalen Jacopo della Quercia (um 1374-1438) und Filippo Brunelleschi (1377-1446) besiegte.

Sein Entwurf für die Türen folgte demselben Grundschema wie zuvor von Andrea Pisano: Es umfasste 28 Tafeln, die das Leben Christi, der vier Apostel und der vier Kirchenväter darstellten. Ghibertis Türen sind jedoch kompositionsreicher, reliefartiger und naturalistischer in ihren Figuren und Gewändern. Ghiberti widmete fast sein ganzes Berufsleben der Frührenaissance der Herstellung des berühmten zweiten und dritten Paares von Bronzetüren für das Florentiner Baptisterium. Sie sind handwerkliche Wunderwerke, und die flächendeckende Bearbeitung von Landschafts- und architektonischen Hintergründen im dritten Paar ist gekonnt und genial, aber der unfehlbare, höfliche Drapierungsfluss in Ghibertis Figuren wird ein wenig ermüdend. Bei dem zweiten Türpaar sind die erzählenden Tafeln in gotischen Vierpassformaten enthalten, die in ihrer Form denen von Andrea Pisano ähneln, die vor neunzig Jahren gegossen wurden, jedoch kompositorisch überfüllt sind. Im dritten Paar, das 1427 begann und 1452 endete, hatte die fortschreitende klassische Flut die äußeren Formen der Gotik hinweggefegt. Die Vierpassbilder werden durch quadratische Tafeln ersetzt, und die Behandlung – als ob ein Rechteck für Ghiberti, ein Bild, gedacht – wird genial, aber fast peinlich malerisch. Selten haben sich die Grenzen von Malerei und Skulptur so nahe gebracht wie in diesen zehn alttestamentlichen Erzählungen. Für die Zeitgenossen von Ghiberti waren diese Niederdrucktouren in Bronze erstaunlich: Michelangelo selbst erklärte, dass die Türen es wert seien, den Eingang zum Paradies zu bilden. Sie sind es immer noch: und doch offenbaren sie eher einen genialen als einen kreativen Geist.

Andere wichtige Zeitgenossen von Ghiberti schlossen den Bildhauer-Architekten ein Filippo Brunelleschi (1377-1446), einer der Mitbewerber um die ersten Türen des Baptisteriums, und ein Freund von Donatello; Nanni di Banco (1375-1421), dessen Statuen des hl. Eligius in Or San Michele, des hl. Lukas in der Kathedrale von Florenz und der Himmelfahrt der Madonna am nördlichen Eingang besonders hervorzuheben sind; und Niccolo d ’Arezzo (* 1370), der mit Piero di Giovanni an der Nordtür der Kathedrale zusammenarbeitete.

Donatello

Donatello (Donato di Niccolo) (1386-1466) war in vielerlei Hinsicht der repräsentativste Bildhauer des Quattrocento . Die Chronologie seiner Arbeit spiegelt die sich verändernde Ästhetik der Zeit wider. Bis 1425 war seine Skulptur durch und durch gotisch. Mit einigen Ausnahmen sind die Statuen, die er für die Kathedrale, für den Campanile und für Or San Michele geschaffen hat, etwas unbeholfen in der Haltung, überladen mit Vorhängen und ohne Anmut. Apostel und Propheten scheinen kaum mehr zu sein als Porträts seiner eigenen Zeitgenossen. Sogar sein Christus ist nur ein Bauer. Der St. George ist jedoch ganz anders – ein Ausbruch kreativer Energie.

In der Zeit von 1425 bis 1444 schuf Donatello die meisten seiner besten Werke und erweiterte seinen Ruf über Florenz hinaus bis nach Siena, Montepulciano, Orvieto, Rom und sogar Neapel. Wie Luca della Robbia verband er hellenistische Pracht mit nordischem Naturalismus. Aber zu dieser Verschmelzung von Gegensätzen fügte er die einzigartige Kraft seiner eigenen kreativen Vorstellungskraft hinzu, die in einem Moment die stilvolle Eleganz des Jungen David hervorbringen konnte, der beiläufig seinen Fuß auf den abgetrennten Kopf von Goliath legte (mit Sicherheit eine der größten Skulpturen überhaupt und die erste freistehende Aktstatue seit der Klassik – für weitere Details siehe: David von Donatello ), die Arroganz des jungen St. Georg, die Würde des sitzenden St. Johannes, in der Michelangelo die Inspiration für seinen Moses fand, den rodinesken Naturalismus von Il Zuccone – einem kahlköpfigen Bettler, der zum alttestamentlichen Propheten wurde – auf dem Campanile, der lebhafte, unanständige Tanz der Kinder der Kathedrale Cantoria (nur zwei Jahre nach Luca della Robbia ausgeführt), der Reiterstandbild von Gattamelata in Padua, dem Prototyp aller Reitsportstatuen der Renaissance, und nach allgemeinem Einverständnis der größte, und schließlich die für den Hochaltar der St.-Antonius-Kirche in Padua gefertigten Bronzen mit niedrigem Relief. Diese wunderbar erfinderischen Werke könnten als die Archtypen allen Expressionismus in der Erzählkunst bezeichnet werden. Die höflichen hellenischen Rhythmen von Ghiberti wurden für Donatellos Zwecke als nutzlos aufgegeben, und an ihrer Stelle finden wir eine neue nervöse Energie, eine neue Dynamik . Alle Arten von unruhigen, kurzzeitigen Gesten tragen zur emotionalen Intensität der zu erzählenden Geschichte bei. Verglichen mit diesen überfüllten und gewagten Experimenten mangelt es Ghibertis Versuchen der Bildhaftigkeit an den Türen des Baptisteriums leider an Vitalität und Vorstellungskraft.

Er arbeitete an mehreren Arbeiten mit dem Florentiner Architekten und Bronzebildhauer Michelozzo di Bartolommeo (manchmal fälschlicherweise Michelozzo Michelozzi genannt) (1396-1472) zusammen. In Zusammenarbeit mit Michelozzo schuf Donatello drei wichtige Gräber: die des Antipapstes Johannes XXIII. (1424-8, Baptisterium von Florenz); Kardinal Brancacci (1426-8, San Angelo a Nilo, Neapel); und Bartolommeo Aragazzi (1427-38, Kathedrale von Montepulciano). In seiner Reliefskulptur aus dieser Zeit führte er einige neue Perspektiveffekte ein, die am deutlichsten auf der Schrift im Baptisterium von Siena, der Kanzel von Prato und der Orgelgalerie des Kathedrale von Florenz . Sein Realismus (wie in Il Zuccone , 1423-36, Museo dell’opera del Duomo, Florenz) wurde allmählich von einem verfeinerten Klassizismus abgelöst, insbesondere in seiner revolutionären Bronze Statue von David (1440-3, Museo Nationale del Bargello, Florenz).

Donatellos letzte Periode begann mit einem Besuch in Padua im Jahr 1444 und dauerte bis zu seinem Tod im Jahr 1466. Es war durch einen deutlichen Anstieg seines Dramasinns gekennzeichnet. Richtig , seine bronzene Reiterstatue der Gattemelata (Condottiere Erasmo da Narni) (1444-53, Piazza del Santo, Siena). Er zeigte eine beträchtliche Menge an klassischer Zurückhaltung, aber seine Reliefskulptur, die von den Altarreliefs von S. Antonio in Padua bis zu den bronzenen Kanzelreliefs von S. Lorenzo in Florenz reichte, zeichnete seinen allmählichen Niedergang nach. Seine späteren Reliefs zeichnen sich beispielsweise durch übertriebene Emotionen, unzusammenhängende Kompositionen und einen übermäßig lockeren Umgang mit Form und Gewand aus. Sie sind unglückliche Vorläufer des Rokokostils, in den die italienische Skulptur verfallen sollte.

Mit Donatellos frühem Auftreten sind insbesondere zwei Künstler verbunden: Nanni di Bartolo (Il Rosso) (um 1379-48), der mehrere Prophetenstatuen für Giottos Campanile (Glockenturm) der Kathedrale von Florenz schuf; und Bernardo Ciuffagni (1385-1456), verantwortlich für den sitzenden Matthäus in der Kathedrale. Agostino di Duccio (1418–1481) war ein weiterer Anhänger, der stark von Donatellos bester Arbeit inspiriert war, obwohl sein Umgang mit Gewändern eher an den von Ghiberti erinnert. Siehe zum Beispiel seine Statuen an der Fassade von San Bernardino in Perugia. Seine Schnitzereien haben die gleiche Art von fließender Stricharabeske und etwas von der gleichen wehmütigen Delikatesse wie die Gemälde von Botticelli. Er ist ein kleiner Dichter der Bildhauerei, aber er hat das Innere des berühmten Tempio Malatestiana in Rimini in Erinnerung gerufen, was mehr als die Hälfte seiner Schönheit seiner großen Serie von sanften heidnischen Schnitzereien an den Wänden zu verdanken hat.

Es besteht kein Zweifel, dass Donatellos Skulptur einen großen Einfluss auf Maler und Bildhauer hatte. Seine Verwendung klassischer Motive, seine raffinierte Verwendung von Perspektiven und seine Virtuosität in allen Materialien machten ihn zum einflussreichsten Bildhauer seiner Zeit, den kein Künstler der Renaissance bis Michelangelo je erreicht hatte.

Luca Della Robbia

Weniger experimentell als Ghiberti, zurückhaltender als Donatello, Luca Della Robbia (1400-1482) unter der Anleitung des Goldschmiedes Leonardo di Ser Giovanni ausgebildet, um eine erkennbare Meisterschaft in Bronze (Türen an der Sakristei der Kathedrale von Florenz) sowie in Marmorskulpturen (Reliefs der Chorgalerie und Marmorgrab des Bischofs Benozzo Federighi zu erlangen, S. Francesco di Paola). Am bekanntesten als Begründer einer Schule für Tonskulpturen aus glasiertem Terrakotta, sollte sein Einfluss auf die italienische Renaissance-Skulptur nicht unterschätzt werden. Seltsamerweise ist das schönste Einzelwerk von Luca sein erstes – die Marmorreliefs in der Cantoria der Kathedrale in Florenz, die 1438 fertiggestellt wurden. Die Fotografie und ihr wunderbar fließender Charme haben sie abgedroschen, aber der Charme ist die geringste ihrer Tugenden. Die Schnitzereien von Jungenmusikern und Kindertänzern haben eine fast hellenische Reinheit: Sie lassen jedoch ein wunderbar aufmerksames Auge für das Verhalten und die Gesten der Jugend erkennen und werden durch einen Hauch von leisem Humor belebt.

Andere frühe Skulpturen wie die Auferstehung (1443) und die Himmelfahrt (1446), die Lünetten in der Kathedrale von Florenz und die Kirche S. Pierino wurden von Leonardo di Ser Giovanni und Ghiberti beeinflusst. Aber seine Lünette der Madonna mit dem Kind über dem Eingang in der Via dell ’Agnolo sowie die Apostelmedaillons in der Pazzi-Kapelle und die Visitationsgruppe in S. Giovanni Fuorcivitas, Pistoia, wurden in seinem persönlichen Stil ausgeführt. Um 1463 schuf er das exquisite Medaillon für den Florentiner Generalrat der Kaufleute sowie für die Gilde der Steinmetze und Holzschnitzer, die beide die Fassade von Or San Michele schmücken. Zu seinen späteren Werken gehört die prächtige Stiftshütte des Heiligen Kreuzes in Impruneta. In einigen seiner Arbeiten verwendete Luca Della Robbia farbige Lasuren, doch häufiger verwendete er Farbe nur auf Details wie Augen und Augenbrauen oder als oberflächliche Verzierung.

Luca’s Terrakotta-Skulptur das Geschäft wurde von seinem Neffen erheblich angekurbelt, Andrea della Robbia (1435 & ndash; 1525). Andrea verwendete Terrakotta ausgiebiger und führte es in die kleineren Städte der Region. Zunächst borgte er – wie in seinen frühen Werken in La Verna und Arezzo – stark vom Repertoire und Stil seines Onkels ab, bevor er seinen eigenen, etwas anmutigeren Stil entwickelte – wie die Lünette über dem Eingang der Kathedrale in Prato und der Altar in der Osservanza bei Siena. Manchmal jedoch verschlechterte sich diese Anmut in Sentimentalität, wie in seinen Reliefs über dem Portal von S. Maria della Quercia in Viterbo.

Andrea wurde im Geschäft von seinen fünf Söhnen gefolgt, von denen Giovanni (1469-1529) das talentierteste war und für die Sakristei (1497) von S. Maria Novella, die Geburt Christi (1521) im Museo Nazionale und das Medaillons im Ceppo-Krankenhaus in Pistoia. Der jüngste Sohn Girolamo (1488-1566) führte die Familientradition in Frankreich ein, ohne erkennbaren Einfluss auf die französische Kunst.

Florentiner Renaissance-Skulptur (um 1450-1500)

In der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts stieg die Nachfrage nach großformatigen Skulpturen aus Marmor und Bronze spürbar an. Die Kirchen benötigten eine Reihe verschiedener Gegenstände für ihre Altarbilder, Tabernakel, Kanzeln, Gräber und Innenaussparungen, die alle im neuen dynamischen Renaissancestil gestaltet waren, während die weltlichen Paläste neue Friese, Schornsteine, Porträtbüsten und zahlreiche andere dekorative Skulpturen benötigten. Zu den bedeutendsten Marmorbildhauern im Florenz des späten 15. Jahrhunderts gehörten Desiderio, die Brüder Rossellino, Benedetto da Maiano und Mino da Fiesole. Die besten Bronzearbeiter der gleichen Zeit waren Verrocchio und Pollaiuolo.

Desiderio da Settignano

Desiderio da Settignano (1430-64) hat den Geist von Donatellos bester Skulptur aufgegriffen und ihm ein Gefühl der Harmonie und eine raffinierte Eleganz verliehen. Sein Grab für Kanzler Carlo Marsuppini in der Kirche S. Croce ist das beste Beispiel für diese Art von Denkmal. So ist auch sein Marmor-Tabernakel in der Kirche von S. Lorenzo. Bemerkenswert waren auch seine Würde Porträtbüsten von Marietta Strozzi und der Prinzessin von Urbino, während seine Büsten von Kindern weiterhin fälschlicherweise Donatello zugeschrieben werden. Obwohl er im zarten Alter von 34 Jahren starb, war sein Beitrag zur italienischen Renaissance-Skulptur von Dauer.

Bernardo und Antonio Rossellino

Bernardo Rossellino (1409–1464) war zwar technisch ausgereift, hatte aber als Künstler wenig Originalität. In der Architektur war er ein treuer Anhänger Albertis, während er in der Bildhauerei zu viel von anderen übernahm, wie sein berühmtes Grab von Leonardo Bruni (d.1444) zeigt. Sein jüngerer Bruder Antonio Rossellino (1427-1479) hat es besser gemacht: Sein St. Sebastian in der Stiftskirche von Empoli gilt als eine der anmutigsten Statuen des Quattrocento . Sein Grab von Kardinal Portogallo (gest. 1459) in San Miniato ist zwar nicht von architektonischer Bedeutung, aber dennoch voller Schönheit. Seine Flachreliefskulptur und seine Porträtbüsten sind nicht weniger beeindruckend als viele von Desiderios Werken.

Mino da Fiesole

Nach Angaben des Biographen Giorgio Vasari war Desiderios Schüler Mino da Fiesole (1429-84) für eine Vielzahl von Altären, Kanzeln, Gräbern, Reliefs, Statuen und Büsten verantwortlich. Als geschickter Handwerker verzichtete er auf die Verwendung von Modellen oder Cartoons und war bekannt für sein hervorragendes Finish. Seine Arbeiten, die einen Großteil von Desiderios Raffinesse enthielten, hatten typischerweise den Charme der Unterscheidung, gepaart mit einem ungewöhnlichen Manierismus. Trotz seines langen Aufenthalts in Rom entlehnte er sich wenig aus der Antike: Seine römische Skulptur ist in der Tat nicht mit seiner besten florentinischen Arbeit zu vergleichen. Zu seinen schönsten Skulpturen, die sich alle in der Kathedrale von Fiesole befinden, gehören das Grab von Bischof Leonardo Salutati sowie das Altarbild der Madonna mit dem Jesuskind.

Benedetto da Maiano

Benedetto da Maiano (1442-97) war zwar nicht besonders originell, aber ein perfekter Vertreter des allgemeinen Ethos seiner Zeit. Sein Altar des hl. Savinus in Faenza (1470) sowie sein hl. Sebastian in der Misericordia in Florenz entlehnten sich deutlich Antonio Rossellino, dessen Einfluss auch in Benedettos Werken in San Gimignano zu sehen ist. Bemerkenswerter ist seine berühmte Kanzel in der Kirche S. Croce in Florenz, die mit malerischen Reliefs aus dem Leben des Heiligen Franziskus geschmückt ist. Aber seinen Madonnenstatuen und Reliefs fehlt der Rand der früheren Meister und sie erinnern an wohlgenährte, wohlhabende Frauen der Mittelklasse.

Matteo Civitali

Der in Lucca geborene Matteo Civitali (1435-1501) ist eigentlich ein Vertreter der florentinischen Skulptur, deren Werke von Antonio Rossellino, Desiderio und Benedetto da Maiano beeinflusst wurden. Trotzdem gibt es in vielen seiner Skulpturen einen Hauch von unflorentinischer Emotion. Seine Christusfiguren sind Menschen von großer Trauer; Seine Engel beten an. seine Madonnen sind zärtliche Mütter. Bezaubernde Beispiele seiner Arbeit sind in Genua sowie in Lucca zu sehen.

Florentiner Bronzeskulpturen

Wenn die Marmorbildhauer von Florenz einen großen Beitrag zur Verbreitung von Anmut und Schönheit der Renaissancekunst leisteten, waren die Bronzearbeiter nicht weniger aktiv darin, die Techniken ihres Mediums zu beherrschen.

Antonio Pollaiuolo

Antonio Pollaiuolo (1432-98), ein Schüler von Bartolo – Ghibertis Stiefvater – hat als Goldschmied und Metallurg große Erfolge erzielt. Sein Grabdenkmal für Papst Sixtus IV. (Petersdom, Rom), das 1493 fertiggestellt wurde, entstand aus dem Deckengrab. Der Papst liegt auf einer Couch, die mit Reliefs der sieben Tugenden und der zehn Freien Künste geschmückt ist. Pollaiuolo stützte sich in diesem Werk eher auf Detailreichtum als auf reine Masse. Weniger bemerkenswert ist sein Grab für Papst Innozenz VIII., Ebenfalls in St. Peter, während seine kleinen Bronzen von Marsyas sowie von Herkules und Cacus im Bargello von Florenz zu sehr nach Wirkung streben. Zur gleichen Zeit ist es jedoch klar, dass Pollaiuolo, wenn man davon ausgeht, dass die Basis eines silbernen Kreuzes im Museum der Kathedrale von Florenz korrekt Pollaiuolo zugeschrieben wird, ein ungewöhnlich gut entwickeltes Gespür für Architektur besitzt. Er wurde auch als Begründer der Malschule "Goldschmied" gefeiert.

Andrea del Verrocchio

Andrea del Verrocchio (1435–1488) schuf die besten Metallarbeiten seiner Zeit und war der größte Bildhauer zwischen Donatello und Michelangelo. Trainiert in Goldschmiedekunst Von Giuliano Verrocchio lernte er mehr von Donatello und Desiderio, bevor er schließlich einen eigenen eigenständigen Stil entwickelte. In seinem Medici- Denkmal (1472) in der Sakristei von S. Lorenzo entlehnte er sich von Desiderio, obwohl er gerade Linien gegenüber geschwungenen bevorzugte. Sein Bronze- David (1476) im Bargello strahlt den Geist von Donatello aus, ist aber kantiger, weniger sylphisch und weniger provokant. Innovativer ist sein Christus und der ungläubige Thomas (1483) in einer Nische an der Außenseite von Or San Michele, obwohl die Vorhänge vielleicht zu schwer sind, wie es auch im Kardinal-Forteguerra-Denkmal in der Kathedrale von Pistoia der Fall ist.

Verrocchio ist der anerkannte Typ des florentinischen Allroundkünstlers, der sich damit begnügt, sein Erbe zu verfeinern, anstatt seinen Anwendungsbereich zu erweitern. dennoch hinterließ er eine großartige skulpturale Konzeption – sein letztes Werk, das er nicht mehr gesehen hat, wie wir es jetzt sehen können – die Bronzestatue von Bartolommeo Colleoni (1480-95) auf seinem Pferd auf dem hohen Sockel auf der Piazza von SS Giovanni e Paolo in Venedig. Im Vergleich dazu wirkt Donatellos Einsatz in Siena entschieden unbeweglich: In keiner anderen Reiterstatue sind Pferd und Reiter so vereint.

Florenz war die inspirierende Triebfeder der italienischen Renaissance-Skulptur im 15. Jahrhundert, und ihr Einfluss strahlte in ganz Italien aus. Aber auch andere Zentren wie Siena, Mailand, Venedig, Padua und Umbrien haben Bildhauer von Originalität und Einfluss hervorgebracht.

Sienesische Schule der Renaissance-Skulptur

Das konservativere Siena blieb ein Vorposten der gotischen Kunst weit länger als Florenz. Wie Sienesische Malschule Die Bildhauer der Stadt drückten weiterhin den Naturalismus und die Emotionen der gotischen Skulptur aus, jedoch ohne die klassischen Motive und den dynamischen Sinn der Renaissance Ästhetik . Der führende sienesische Bildhauer war Jacopo della Quercia, ein nicht unwichtiger Einfluss auf den jungen Michelangelo.

Jacopo della Quercia (1371-1438)

Jacopo della Quercia , geboren um 1370, ist der erste italienische Bildhauer, von dem man sagen kann, dass er die volle Bedeutung des Italienische Renaissance und benutzte die menschliche Figur weder als Vehikel für unruhige gotische Energie noch für statischen klassischen Adel, sondern für tiefere spirituelle Bedeutungen. Man sieht ihn von seiner besten Seite in der großen Serie von Reliefskulpturen, die die Haupttüren der Kirche San Petronio in Bologna umgeben. Hier war ein Mann, der sich in geschnitztem Flachrelief Figuren vorstellen konnte, die so solide und ausdrucksstark waren wie die von Masaccio Brancacci Kapelle Fresken die genau im selben Moment hingerichtet wurden. In einigen Fällen kann man die Herangehensweise der beiden Künstler an dasselbe Thema vergleichen und feststellen, wie ähnlich beispielsweise ihre Vorstellung von der Vertreibung von Adam und Eva ist. Es gibt die gleiche Beherrschung des nackten menschlichen Körpers für Erzählzwecke, die gleiche Größe des Rhythmus, die gleiche Vorliebe für Gesten, die eher teuer als anmutig sind. Michelangelo, der im Alter von neunzehn Jahren Bologna besuchte, muss diese große Serie von Schnitzereien gesehen haben und erinnerte sich an sie, als er seine Adam- und Eva-Fresken in der Sixtinischen Kapelle entwarf. Jacopo della Quercia folgten Lorenzo Vecchietta (1412-1480), Antonio Federighi (um 1420-1490) und der Bronzegießer Giacomo Cozzarelli (1453-1515).

Mailänder Schule der Renaissance-Skulptur

In der Lombardei, insbesondere in Mailand, aber auch in Parma, Cremona, Bergamo und Pavia, hat die Mailänder Schule der Bildhauer in ganz Norditalien Spuren hinterlassen. Obwohl die gotische Tradition fester verankert war als in Florenz, konnte sie die Verbreitung der Ideen und Methoden der Renaissance nicht aufhalten. Gleichzeitig, plastische Kunst in der Lombardei eher aufwändig dekoriert, um den Verzierungswunsch zu befriedigen. So änderte der Florentiner Michelozzo zum Beispiel seinen Stil nach lombardischem Geschmack, als er nach Mailand kam. Ein Beispiel für diesen dekorativen Stil sind die Skulpturen des Mailänder Doms, der Colleoni-Kapelle in Bergamo und der Certosa in Pavia. Die Brüder Cristoforo Mantegazza (um 1420-82) und Antonio Mantegazza (um 1425-95) – Kopfbildhauer an der Certosa, bekannt für ihren konventionellen, harten, akademischen Stil – waren zwei der ersten Steinmetzarbeiten, die in der Antike das Gewand zeigten "Cartaceous" Weise, von seiner Ähnlichkeit mit nassem Papier. Sie wurden von Giovanni Antonio Omodeo gefolgt (1447-1522), deren Skulptur in Bezug auf Naturalismus und klassische Formen einen bedeutenden Fortschritt zeigte. Siehe zum Beispiel seine dekorativen Stücke für die Colleoni-Kapelle, sein Grab für Bartolommeo Colleoni in Bergamo, seine Arbeiten an der Außenseite der Certosa in Pavia und seine Borrommeo-Denkmäler in Isola Bella.

Weitere Top-Bildhauer der lombardischen Schule waren: Cristoforo Solari (tätig 1489-1520), dessen Werke der Hochrenaissance insbesondere von Michelangelo beeinflusst wurden; der Tonreliefbildhauer Caradosso (1445-1527) wen Benvenuto Cellini Es wurde als der talentierteste Goldschmied angesehen, den er jemals getroffen hatte, und dessen Terrakotta-Reliefs für die Sakristei in der Kirche von San Satiro neben denen des großen Donatello standen. und Agostino Busti (1480-1548), bekannt für seinen charakteristischen "Miniatur" -Stil, den er mit einigem Erfolg auf die monumentale Skulptur anwendete.

Venezianische Schule der Renaissance-Skulptur

Während Mailänder Künstler in Bergamo, Brescia, Genua und anderen norditalienischen Städten für Gönner skulptierten, erstreckte sich der Einfluss Venedigs auf Istrien und Dalmatien im Osten, auf Verona und Brescia im Westen und auf Ravenna, Cesena, Faenza und Ancona im Süden Süd.

Venezianische Skulptur, wie Venezianische Malerei ein wenig exotisch, neigte dazu, die Emotionen anzusprechen, während die von Mailand, Siena und Florenz den Intellekt ansprach. Angesichts der Vorliebe Venedigs für war dies nur natürlich colorito eher als das florentinische disegno . (Für eine farbenfrohe Karriere in der venezianischen Skulptur siehe den Bildhauer-Architekten Filippo Calendario .) Kein Wunder also, dass die Stadt in der Renaissance keine erstklassigen Bildhauer hervorgebracht hat. Zu den nennenswerten venezianischen Künstlern zählen: Antonio Bregno (um 1400-1462), Antonio Rizzo (aktiv 1465-1999), Pietro Lombardo (um 1435-1515), seine Söhne Tullio Lombardo (um 1455-1532) und Antonio Lombardo (um 1458-1532). 1516) sowie Alessandro Leopardi (gest. 1522).

Nicht anders als in Siena und Mailand war die venezianische Schule zu gotisch, um sie zu schnell beiseite zu schieben. So war die Übergangszeit, in der die Gotik mit der Renaissance zusammenlebte, in Venedig vergleichsweise lang. Weder Donatello (noch seine Anhänger in Padua) noch Antonio Rizo aus Verona hatten Erfolg darin, den Trend der venezianischen Skulptur zu ändern. Die Kontinuität seiner Entwicklung zeigt sich in der skulpturalen Dekoration der Porta della Carta des Dogenpalastes, und es gelingt ihm schließlich, den klassischen Humanismus der italienischen Renaissance in den Werken von Pietro Lombardo (1435-1515) zu reflektieren. Die Art des letzteren wird aus seinen Gräbern für die Dogen Niccolo Marcello (gest. 1474) und Pietro Mocenigo (gest. 1476) deutlich, aber ein typisch venezianischer Charme durchdringt seinen dekorative Kunst in der Kirche von S. Maria dei Miracoli.

Paduan Schule der Renaissance-Skulptur

Padua besaß im 15. Jahrhundert eine produktive, wenn auch nicht hochkarätige Bildhauerschule, deren Einfluss hauptsächlich auf Mantua und Ferrara zu spüren war. Nachdem er Donatello verpflichtet hatte, seinen Stil nach ihrem Geschmack zu ändern, wurden seine Schüler zu beliebten Bildhauern, von denen Giovanni da Pisa der talentierteste war, der die figurative Terrakottaskulptur in der Eremitenkirche schuf. Bekannter war Bartolommeo Bellano (1430-1498), dessen Nachbildungen von Donatello und Desiderio seine mangelnde Originalität zeigten, während seine Reliefs für die Kanzeln in S. Lorenzo in Florenz von einem künstlichen Streben nach dramatischer Wirkung gekennzeichnet waren. Sein Nachfolger Andrea Briosco (1470-1532) haben etwas von seiner Herangehensweise aufgegriffen, albeil moderiert durch ein größeres Wissen über Griechische Kunst . Auf der anderen Seite zeigte er sich in seinen kleinen häuslichen Bronzereliefs, in seinen Kerzenleuchtern, Schmuckkisten und Statuetten als Meister und zog eine bemerkenswerte Schule von Anhängern an.

Italienische Hochrenaissanceskulptur

Die Skulptur gewann im späten 15. und frühen 16. Jahrhundert im Hinblick auf Architektur und Malerei zunehmend an individueller Bedeutung. So wurde die Architektur tatsächlich skulpturaler: Pilaster wurden durch Säulen ersetzt; Gesimse und Formteile wurden mit einer größeren Projektion versehen, was neue Muster von Licht und Schatten ermöglichte. Auch die Malerei wurde plastischer, da Figuren stärker modelliert wurden und die Perspektive die Umrisse und die Komposition an Bedeutung überholte. In der Tat reduzierte die Skulptur gelegentlich die Kunst ihrer Schwester auf Unterwerfung. In Mauergräbern erhielten Figuren einen neuen Stellenwert, wobei die architektonische Konstruktion als bloße Kulisse angesehen wurde. Sogar ganze Gebäude wurden manchmal als Kulissen für Skulpturenfiguren betrachtet. Außerdem die bezaubernden Reliefs der Frührenaissance wurden durch Hautreliefs und Statuen abgelöst. Modellierung, Haltung und Bewegung des Gewandes wurden zu den neuen Kriterien für hervorragende Leistungen, ebenso wie die Schaffung kolossaler Statuen. Der Einfluss der klassischen griechischen Bildhauerei blieb erhalten, führte aber selten zur Reproduktion antiker Formen.

Florenz

Ein bedeutender Bildhauer der Hochrenaissance in Florenz war Andrea Sansovino (1467–1529). Seine frühen Altarbilder aus Ton aus Terrakotta in S. Chiara am Monte Sansavino verdankten Andrea del Verrocchio und Antonio Rossellino viel. Und seine Figurengruppe, die die Taufe Christi darstellt Über dem Eingang des Baptisteriums von Florenz stand es dem Gemälde von Lorenzo di Credi (1458-1537) in nichts nach – und markierte einen deutlichen Rückgang gegenüber den energischeren Vorstellungen von del Verrocchio. In Rom zeigten seine Grabdenkmäler für die Kardinäle Ascanio Sforza und Girolamo Basso della Rovere einen Konflikt zwischen Skulptur und Architektur. Seine Köpfe und Vorhänge waren im Wesentlichen klassisch, aber die Proportionen seiner Figuren waren zu schwer. Seine spätere Skulptur in Loreto war zu erfunden und zu auf das Neue angewiesen Manierismus .

Sein Schüler Benedetto da Rovezzano (1476–1556) besaß viel von Sansavinos technischen Fähigkeiten und mehr Originalität, wie seine zarten floralen Muster und die seltsamen Kombinationen von Totenköpfen und gekreuzten Knochen zeigten. Seine Gräber für Piero Soderini im Karmin und für Oddo Altoviti in der SS. Apostoli in Florenz sind interessanter als die Verhaftung, während sein Relief im Bargello, das das Leben von S. Giovanni Gualberto darstellt, die Unabhängigkeit seiner Kunst offenbarte. Sein Grab für König Ludwig XII. Von Frankreich und sein Grab für Kardinal Wolsey in England (unvollendet) haben viel dazu beigetragen, die Ideen der italienischen Renaissance in Nordeuropa einzuführen. Der irakische venezianische Bildhauer Piero Torrigiano (1472-1522) ging auch nach England, wo er in Westminster Abbey das Grab Heinrichs VII. Schuf. Ein anderer Schüler von Sansovino, Francesco di San Gallo (1493–1570), enthüllte etwas von der Art seines Lehrers, dem er einen größeren Sinn für Realismus hinzufügte. Sein Grab für Bischof Leonardo Bonafede auf der Certosa bei Florenz stammt aus den Flachreliefplatten der Spätgotik und der Frührenaissance.

Nord Italien

In der Lombardei scheint die Linie talentierter Bildhauer mit Agostino Busti zu enden. Diejenigen, die nach ihm kamen, waren minderwertig: sogar Leonardo da Vinci (1452-1519) trugen wenig zur Bildhauerkunst bei. Der Einfluss des Florentiner Michelangelo war ziemlich dominant.

In Modena wurde ein gewisser Fortschritt erzielt durch Guido Mazzoni (1450-1518) – bekannt für seine figurative Tonskulptur, darunter Kopf eines lachenden Jungen (1498, British Royal Collection), angeblich ein Porträt eines jungen Heinrich VIII. – und Antonio Begarelli (1479-1565), der sich auf Terrakotta und Ton spezialisiert hat skulptierte gruppen für vertiefungen, altarbilder und statuen. Seine früheren Werke, wie das Erwachen Christi in S. Maria Pomposa, verdankten Mazzoni viel, aber Begarelli fand vielfältigere Ausdrucksmöglichkeiten und erfasste in seinen Kompositionen viel mehr Bewegung. Seine späteren Arbeiten – wie das Altarbild von S. Pietro, das vier Heilige mit der von Engeln in den Wolken umgebenen Madonna porträtiert – waren erfüllt von dem Geist von Correggio (1490 & ndash; 1534).

In Bologna kann ein ähnlicher Fortschritt in der Arbeit von Alfonso Lombardi (1497-1537) verfolgt werden. Seine frühen Arbeiten bei Ferrara und bei S. Pietro in Bologna ähnelten ebenfalls Werken von Mazzoni. Später geriet er unter den Einfluss von Sansavino und nahm eine offen klassischere Form an: siehe zum Beispiel seine Skulptur im linken Portal von S. Petronio. Ein weiterer Verdienstkünstler war die Bildhauerin Properzia de ’Rossi (1490-1530). Niccole Pericoli (Il Tribolo) (1485-1550) war ein weiterer talentierter Bildhauer, wie die Sibyllen, Engel, Propheten und anderen Reliefs rund um die Portale von S. Petronio zeigten. Eine Reihe von Unglücksfällen verhinderte, dass er die gebührende Anerkennung erhielt, die er verdient hatte.

In Venedig war der beste Bildhauer ein weiterer Schüler von Andrea Sansavino, der Florentiner Jacopo Tatti, besser bekannt als Jacopo Sansavino (1487-1570). Im Jahr 1506 folgte er seinem Meister nach Rom, wo er sich im Kreis der Besucher bewegte Donato Bramante (1444-1514) und Raphael (1483-1520) und wurde mit dem Geist und der Art der klassischen Antike durchdrungen. Sein Bacchus mit einer Schale Wein (um 1508, Museo Nazionale, Florenz) ist ein hervorragendes Beispiel für seine Skulptur in dieser Zeit. Von ungefähr 1518 bis 1527 war er in Rom, danach ging er nach Venedig, wo er mehrere wichtige architektonische und skulpturale Aufträge erfüllte und seinen Stil änderte, um die reichen dekorativen Effekte hervorzubringen, die von venezianischen Gönnern gefordert wurden. In seinen Statuen von Apollo , Merkur , Minerva und Frieden Für die Loggietta in der Nähe des Campanile von S. Marco bewies er, dass er ein würdiger Nachfolger von Pietro Lombardo war. Seine berühmte Bronzetür im Chor von S. Marco und sein Marmorrelief für die Kapelle von S. Antonio in Padua waren jedoch insgesamt weniger wert. Weitere venezianische Bildhauer der Hochrenaissance waren Alessandro Vittoria (1525-1608) und Girolamo Campagna .

Michelangelo Buonarroti

Während der Frühe Renaissance Florenz lieferte Künstler nach Rom. Aber während der Hochrenaissance dominierte Rom Kunst (vor allem Skulptur) in ganz Italien, vor allem durch die Person des Florentiner Genies Michelangelo.

Michelangelo (1475-1564), obwohl ebenso brillant wie Architekt, Bildhauer und Maler, war in allem, was er tat, ein Bildhauer. Obwohl seine frühen Arbeiten Donatello und Jacopo della Quercia etwas zu verdanken hatten, gab sein Geist der Skulptur ein größeres Gefühl der Unabhängigkeit, als es seit den Tagen der Griechen zu irgendeiner Zeit genossen hatte. In der Tat war seine plastische Kunst in der Antike verwurzelt, weil er sich von Anfang an nur für die menschliche Form interessierte. Inspiriert von den Werten der Skulptur im antiken Griechenland, ließ er den menschlichen Körper alles ausdrücken, was er zu sagen hatte.

Michelangelos erster Werkstil (1488-1496) kann mit dem von Donatello verglichen werden, obwohl er freier und klassischer war. Er hat den Kopf eines Fauns perfekt eingefangen, die Steinstatue, die mit dem restaurierten Teil der sogenannten Roten Marsyas in den Uffizien identifiziert wurde ; und stellte die Madonna della Scala (Madonna der Treppe) (um 1490, Casa Buonarroti, Florenz) mit dem gleichen Grad an Würde und Menschlichkeit dar, den man normalerweise in griechischen Reliefs findet. Er schwelgte in der männliche Akte in seinem Marmor-Hochrelief, das als Schlacht der Zentauren bekannt ist und ihm von Poliziano vorgeschlagen wurde. Seine Schuld an Donatello ist in der Marmorstatue des jungen Johannes (S. Giovannino) in Berlin mit ihrer schlanken Form, den übergroßen Händen und dem ausdrucksstarken Kopf zu sehen.

Sein zweiter Arbeitsstil (1496-1505) zeigte größere Originalität und Kenntnis der menschlichen Anatomie. Trotz der weiten Vorhänge sein Meisterstück Pieta (1500, Petersdom ) schafft einen sehr persönlichen Moment menschlicher Trauer. Aus einem einzigen Block Carrara-Marmor geformt, verbindet es klassischen Idealismus mit christlicher Frömmigkeit und einem außergewöhnlichen Auge für anatomische Details: Die Adern Christi werden sogar als aufgerissen dargestellt, wodurch hervorgehoben wird, wie kürzlich Blut in seinem Körper geflossen ist. Ironischerweise, als es zum ersten Mal der Öffentlichkeit gezeigt wurde, hörte er, wie die Leute es einem berühmteren Bildhauer jener Zeit zuschrieben, und so schnitt er seinen eigenen Namen auf das Band über der Brust der Madonna. Seine Freude, neue Posen zu entdecken, wie in seiner Genesis Fresko wurde in der Skulptur im Cupido (1497) ausgestellt. Sein nächstes Meisterwerk die Statue von David (1501-4, Galleria dell’Accademia) zeigt seinen Sinn für Drama, wie es in seinem mächtigen Kopf ausgedrückt, was bedeutet, dass Intellekt größer als die physische Kraft eines Riesen. Die selbstbewusste Gelassenheit dieser Arbeit sollte der sich windenden Bewegung und den übertriebenen Gesten von Giambolognas unsterblichem Werk, dem., Gegenübergestellt werden Vergewaltigung der Sabinerinnen (1583, Loggia dei Lanzi, Florenz).

Sein letzter Werkstil (1505–1564) ist am Beispiel des Moses (1513–1564) für das Grab von Julius II. In S. Pietro in Vincoli, Rom, zu sehen – der wichtigsten erhaltenen Figur des prächtigen Denkmals, das errichtet werden sollte in St. Peter in Erinnerung an Julius II. Das ursprüngliche Design bestand aus einem freistehenden Bauwerk mit bis zu vierzig Statuen, an das Michelangelo vierzig Jahre lang (1505–1545) dachte. Die Umstände verhinderten jedoch seine Fertigstellung. So wie es in S. Pietro in Vincoli steht, ist das Grab nur ein Fragment des Originals, und nur der Moses wird von seiner Hand geschnitzt. Zwei Sklaven im Louvre – Rebellischer Sklave (1513-16) und Sterbender Sklave (1513-16) – waren wahrscheinlich für das Grab bestimmt, genau wie der Sieg (1532-4, Palazzo Vecchio, Florenz).

Auch die Bestattungsgräber der Medici in der Kirche San Lorenzo in Florenz (1524–1534) wurden nur zum Teil erfüllt: Die für Cosimo und Lorenzo il Magnifico wurden nie angefertigt, während die für Lorenzo und Giuliano noch nicht vollständig fertiggestellt waren. Der Lorenzo (1524-31), der wegen seiner nachdenklichen Haltung als "Il Penseroso" bezeichnet wird, ist eine hervorragende Figur, und der Giuliano kaum weniger ausdrucksstark. Aber es sind die vier Figuren, die die sitzenden Statuen von Lorenzo und Giuliano de Medici flankieren und die typischsten Beispiele für sein Genie sind. Sie sind nicht nur menschliche Körper in halb liegenden Posen, wie sie wären, wenn sie von einem Athener des Periclean-Zeitalters geschnitzt worden wären. Sie sind unvergessliche expressionistische Interpretationen von Tag und Nacht , Morgendämmerung und Abenddämmerung . Ein moderner Bildhauer würde das gleiche Problem lösen, indem er die anatomische Genauigkeit aufgibt. Michelangelos überraschende Leistung besteht darin, auf ein profundes anatomisches Wissen zurückzugreifen und es zu expressionistischen Zwecken zu machen. Sein letztes großes Werk, die Grablegungsgruppe in der Kathedrale von Florenz, enthält sein ganzes außergewöhnliches Genie – seine absolute Beherrschung der menschlichen Figur als Gefäß für die tiefsten emotionalen Inhalte.

Römische Scuptors

Baccio Bandinelli (1493-1560) wollte Michelangelo ähnlicher sein als der große Mann selbst. Seine erste Statue, ein Hl. Hieronymus , wurde angeblich von Leonardo da Vinci (1452-1519) gelobt, während seine zweite, ein Merkur , von König Franz I. gekauft wurde. Allerdings wird die Minderwertigkeit seiner Werke im Vergleich zu denen von Michelangelo gezeigt deutlich durch sein statisches Paar Herkules und Cacus (1525-34) vor dem Palazzo Vecchio, die von seinen Zeitgenossen stark verspottet wurden.

Bandinellis Schüler Bartolommeo Ammanati (1511-1592), der auch bei Jacopo Sansavino studierte, führte zahlreiche Werke in Padua, Urbino, Florenz und Rom durch. Seine beste Skulptur, der Neptun des Brunnens in der Piazza della Signoria ist leider ziemlich leblos. Der Florentiner Manierist Benvenuto Cellini (1500-70) beschrieb es als "ein Beispiel für das Schicksal, das ihm widerfährt, wenn er versucht, einem Übel zu entkommen, das zehnmal schlimmer wird, als es Bandinelli entkommen will Hände von Ammanati. "

Der römische Bildhauer Raffaello da Montelupo (1505-1566) arbeitete mit Andrea Sansavino in Loreto und assistierte später Michelangelo in der Medici-Kapelle. Seine Schnitzerei enttäuschte Michelangelo, doch zwei Altarbilder in Orvieto belegen deutlich sein Talent mit einem Meißel. Der Bildhauermönch Montorsoli (1507-1563) war ein engagierterer Anhänger Michelangelos und führte seinen Stil nach Bologna, Genua und sogar nach Sizilien ein. Andere Künstler, die die Art Michelangelos übertrieben und so zum Niedergang der italienischen Skulptur beitrugen, waren Giacomo della Porta (d.1577) und Prospero Clementi (d.1584).

Sammlungen

Italienische Renaissance – Skulptur kann in gesehen werden beste Kunstmuseen und Skulpturengärten auf der ganzen Welt, insbesondere die Vatikanische Museen (Rom), Galerie Doria Pamphilj (Rom), Pitti Palace (Florenz), die Louvre (Paris), die Victoria & Albert Museum (London) und das J Paul Getty Museum of Art (LA).