Renaissance-Bildhauer Automatische übersetzen

Das Mäzenatentum für die Kunst der Renaissance in Italien ging hauptsächlich von Familien wie den Medici in Florenz, den Visconti und Sforza in Mailand, der Familie Gonzaga in Mantua, den Bentivoglio in Bologna, den Montefeltro in Urbino, den Malatesta in Rimini, den Este in Ferrara und Modena aus. In Rom war das Mäzenatentum für Malerei und Bildhauerei oft eine päpstliche Priorität, wie zur Zeit der Päpste Sixtus IV. und Julius II. Wie die Malerei wurde auch die italienische Renaissance-Skulptur stark von der Wiederbelebung klassischer Themen und Formen beeinflusst. Das mittelalterliche Italien vergaß weder die griechische Bildhauerei noch die etruskische und die römische Bildhauerei in der Zeit von 800 bis 1400, aber diese klassische Inspiration wurde durch den deutschen, langobardischen und fränkischen Einfluss ernsthaft untergraben. Man kann sagen, dass die Rückkehr zu den antiken Formen in der Zeit des apulischen Bildhauers Niccola Pisano (ca. 1206-1278) begann, und obwohl einige gotische Traditionen überlebten, nahmen diese gewöhnlich eine zunehmend „klassische“ Form an.

Italienische Skulptur der Frührenaissance (ca. 1400-1490)

Die Bildhauerei der italienischen Renaissance wurde stark von der Wiederbelebung klassischer Themen und Formen beeinflusst. Das mittelalterliche Italien vergaß weder die griechische Bildhauerei noch die etruskische und römische Bildhauerei in der Zeit von 800-1400, aber diese klassische Inspiration wurde durch den deutschen, langobardischen und fränkischen Einfluss ernsthaft untergraben. Man kann sagen, dass die Rückkehr zu den antiken Formen in der Zeit des apulischen Bildhauers Niccola Pisano (ca. 1206-1278) begann, und obwohl einige gotische Traditionen überlebten, nahmen diese gewöhnlich eine zunehmend „klassische“ Form an.

Ein weiteres charakteristisches Merkmal der Bildhauerei der Frührenaissance war ihr Naturalismus. Dies zeigt sich in der zunehmenden Zahl zeitgenössischer Themen und in der Verlagerung von der traditionellen zu einer naturalistischeren und realistischeren Behandlung von Proportion, anatomischer Struktur, Draperie und Perspektive.

Religiöse Nachfrage und Sujets

Die Nachfrage nach Skulpturen während des Quatrocento (15. Jahrhundert) und Cinquecento (16. Jahrhundert) war hauptsächlich religiös. Die Außenseiten der Kirchen wurden mit Skulpturen geschmückt, nicht nur um die Portale herum, sondern oft war die gesamte Außenfassade mit Statuen und Reliefs bedeckt. Die Innenräume der Kirchen waren mit Altaraufsätzen , Baldachinen, Kanzeln, Chören, Taufbecken und Tabernakeln sowie einzelnen Heiligen- und Engelsstatuen ausgestattet. Die Türen wurden oft in Bronze gegossen und mit Reliefs verziert, und die Chöre waren mit figürlichen Schnitzereien verziert. Die Innenwände der Renaissancekirchen waren mit Grabmälern und Sarkophagen geschmückt, die Erzbischöfen, Bischöfen, Generälen, Politikern und Aristokraten gewidmet waren.

Die Motive für die Kirchenplastik der Frührenaissance stammten aus dem Alten oder Neuen Testament der Bibel - das beliebteste Motiv war die Madonna mit Kind. In der Hochrenaissance erschien sie oft umgeben von Heiligen. Geschichten aus dem Leben Christi, der Madonna, des heiligen Franziskus und anderer Heiliger waren in der Bildhauerei ebenso üblich wie in der Malerei. Mit dem Fortschreiten der Renaissance wurden einige kirchliche Legenden sowie zahlreiche weltliche, bürgerliche Skulpturen in einen klassischen Hintergrund gestellt. Im Einklang mit den klassischen Werten war die Nacktheit weit verbreitet. Für einen kurzen Überblick über die menschliche Form in der Malerei und Skulptur der Renaissance siehe Weibliche Akte in der Kunstgeschichte (Top 20), und siehe auch Männliche Akte in der Kunstgeschichte (Top 10).

Materialien und Methoden

Die Skulptur der Renaissance legte weniger Wert auf die Verwendung von Edelmetallen wie Gold und Silber als die gotische Skulptur . Dennoch wurde Bronze zum bevorzugten Material der Renaissance-Bildhauer - nicht nur wegen ihrer Formbarkeit und Haltbarkeit, sondern auch wegen ihres Glanzes, wenn sie vergoldet wurde - und wurde zunächst für Reliefs, dann für Statuen, Porträtbüsten und kleine Objekte verwendet. Dennoch blieb der Bronzeguss eine Zeit lang problematisch, und die frühen Bronzen waren nicht hochglanzpoliert. Die Bildhauer der Hochrenaissance sollten diese Schwierigkeiten im sechzehnten Jahrhundert überwinden.

Die wachsende Nachfrage nach komplizierten dekorativen Details in der Steinskulptur führte zu einem erheblichen Anstieg der Verwendung von Marmor, aber auch von Kalkstein wie Pietra d’Istria und feinem Sandstein wie Pietra Serena. Für monumentale Skulpturen wurde gerne weißer Carrara-Marmor verwendet, dessen Farbe oft mit Wachs gemildert wurde. Skulpturen aus stark gefärbtem Marmor waren selten. Feine Details wie Engelsflügel, Haare und Gewandornamente wurden jedoch in der Regel vergoldet.

Die Bandbreite der Bildhauerei wurde durch die breitere Einführung von Terrakotta erheblich erweitert, die einen viel billigeren Ersatz für Marmor darstellte und, da sie glasiert und gebrannt wurde, ebenso haltbar war. Terrakotta wurde bald für Altarschranken, Kanzeln und Taufbecken verwendet, ebenso wie die immer billiger werdende Form der aus Marmorstaub und Sand hergestellten Leisten. Auch die Holzschnitzerei war nicht unüblich, allerdings nur in waldreichen Gegenden - daher die Vorherrschaft der süddeutschen Holzschnitzer.

In Bezug auf die praktische Technik, z. B. die Verwendung von Werkzeugen und Geräten, orientierten sich die Bildhauer der Renaissance im Allgemeinen an den Methoden der klassischen Bildhauer, wenngleich den malerischen und grafischen Mitteln ein viel größerer Stellenwert eingeräumt wurde. In Übereinstimmung mit der Philosophie der bildenden Kunst der Renaissance galt „disegno“ als vorrangig, so dass Skizzen auf Papier ein wichtiger Teil des Entstehungsprozesses von Skulpturen waren. Vorläufige Skizzen mit Modellen aus Ton, Wachs oder Holz wurden manchmal so weit verfeinert, dass die eigentliche Ausführung des Werks (in Bronze oder Marmor) von einem Kunsthandwerker oder einem erfahrenen Gesellen vorgenommen werden konnte.

Zur Beurteilung von Bildhauern der Frührenaissance und der Hochrenaissance siehe: Beurteilung der Bildhauerei . Für spätere Werke siehe: Wie man moderne Bildhauerei bewertet .

Die Florentiner Schule der frühen Renaissance-Skulptur

Die Bildhauer, die im späten 14. Jahrhundert an der Kathedrale von Florenz arbeiteten, insbesondere Piero di Giovanni Tedesco, schufen bereits naturalistische Skulpturen und kombinierten klassische und christliche Themen. Die wichtigsten Bildhauer der frühen Renaissance in Florenz waren Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Donatello (1386-1466) und Nanni di Banco (gestorben 1421).

In vielerlei Hinsicht spiegelt das Werk Donatellos den sich wandelnden Zeitgeist am genauesten wider. Bereits 1425 lässt sich in seiner Bildhauerei ein deutlich gotischer Stil erkennen. Seine Statuen für die Kathedrale von Florenz , für den Campanile und für Orsan Michele sind relativ unelegant und stark drapiert: Die Propheten und Evangelisten (mit Ausnahme des Heiligen Georg) sind kaum mehr als Porträts seiner eigenen Zeitgenossen.

Zwischen 1425 und 1444 schuf Donatello seine besten Skulpturen und erlangte gleichzeitig nationalen Ruhm. In der Reliefskulptur demonstriert Donatello die Perspektive durch die Verwendung von zurückspringenden Ebenen, insbesondere im Taufbecken des Baptisteriums in Siena. Sein früherer Realismus wurde durch einen raffinierten Klassizismus ersetzt - wie bei der Bronzestatue des David - und durch einen ausgeprägten Sinn für Dramatik. Siehe: David von Donatello .

Michelozzo Michelozzi (1391-1473) war zu dieser Zeit eng mit Donatello verbunden. Die dritte und letzte Periode, die von 1444 bis zu seinem Tod im Jahr 1466 andauert, ist Zeuge der vollen Entfaltung dieses Sinns für Dramatik, gewöhnlich um den Preis übertriebener und unausgewogener Kompositionen. Zu den weiteren Nachfolgern Donatellos gehören Bernardo Ciuffagni (1385-1456), Schöpfer des sitzenden Matthäus in der Kathedrale von Florenz, und Agostino di Duccio (1418-1481), Schöpfer der manierierten Säulenstatuen an der Fassade von San Bernardino in Perugia und der Reliefs in San Francesco in Rimini. Wie sein Onkel Luca della Robbia (1400-1482) war auch Andrea della Robbia (1437-1528) ein bedeutender Vertreter der Terrakotta-Skulptur, der für seinen Bambino Tondi bekannt war.

In der zweiten Hälfte des fünfzehnten Jahrhunderts stieg die Nachfrage nach monumentalen Werken aus Marmor und Bronze erheblich. In den Kirchen entstanden geschnitzte Altäre, Kanzeln, Grabmäler und Statuen, und die weltlichen Paläste wurden mit geschnitzten Türöffnungen, Friesen, Reliefs und Porträtbüsten geschmückt. Zu den talentiertesten Marmorbildhauern der Zeit gehörten Bernardo Rossellino (1409-1464), Desiderio da Settignano (1428-1464), Antonio Rossellino (1427-1478), Mino da Fiesole (1431-1484), Matteo Civitali (1435-1501), und Benedetto da Maggiano (1442-1497). Die besten Bildhauer in Bronze waren Antonio Pollaiuolo (1432-1498) und Andrea del Verrocchio (1435-1488).

Obwohl die Florentiner Renaissance die treibende Kraft der Bildhauerei im fünfzehnten Jahrhundert blieb, entstanden bald auch andere Zentren wie Siena, Mailand, Venedig und Padua, die jeweils talentierte Bildhauer von unabhängigem Status und Einfluss hervorbrachten.

Die sienesische Schule der frühen Renaissance-Bildhauerei

Die Unterschiede in den künstlerischen Traditionen führten dazu, dass die gotische Bildhauerei in Siena länger Bestand hatte als in Florenz. Der bedeutendste Bildhauer von Siena, Jacopo della Quercia (1371-1438), entwickelte sich in dieselbe Richtung wie Donatello. Seine frühen Werke, wie zum Beispiel die Fonte Gaia (1409-1419), haben einen stark gotischen Charakter. Danach folgte eine eher klassische und schließlich eine dramatischere Periode. Die frühe Gotik von Quercia spiegelt sich in den Werken von Lorenzo Vecchietta (1410-1480) wider, und die klassische Manier fand ihren Ausdruck in den Werken von Antonio Federighi (um 1420-1490). Weitere berühmte Bildhauer aus Siena waren der Bronzemeister Giacomo Cozzarelli (1453-1515) und Lorenzo di Mariano (gestorben 1534).

Die Mailänder Schule der Bildhauerei der Frührenaissance

In der Lombardei wie auch in Siena war die gotische Tradition stärker ausgeprägt als in Florenz. Es bestand ein Bedarf an aufwändigerem Schmuck. Prominente Mailänder Bildhauer waren unter anderem Cristoforo Mantegazza (gestorben 1482), Antonio Mantegazza (gestorben 1495), Giovanni Antonio Amodeo (1447-1522), Caradosso (1445-1527), Agostino Busti (1480-1548) und Cristoforo Solari, Spitzname „Il Gobbo“ (der Bucklige) (Tätigkeit 1489-1520), virtuoser Juwelier und Bildhauer von Terrakottareliefs.

Die venezianische Schule der Bildhauerei der Frührenaissance

Während die Mailänder Künstler ihren Lebensunterhalt in Genua, Bergamo, Brescia und anderen norditalienischen Städten suchten, dominierten die venezianischen Bildhauer den Osten. Ihr Einfluss erstreckte sich einerseits auf Istrien und Dalmatien, andererseits auf Verona und Brescia sowie auf Ravenna, Cesena, Faenza und Ancona. Venedig vertrat einen Geschmack für reiche dekorative Arbeiten, der deutlich weniger banal war als der von Mailand und sentimentaler als der von Florenz. Tatsächlich sprach die Kunst der Renaissance in Venedig die angenehmen Gefühle an, während Mailand und Florenz den Intellekt ansprachen. Zu den bedeutenden venezianischen Bildhauern gehörten Bartolommeo Buon, Pietro Lombardo (1435-1515) und Alessandro Leopardi (gestorben 1522).

Andere berühmte Bildhauer der Frührenaissance

Dazu gehören: Niccolò da Bari, bekannt als Niccolò degli Arca (1414-1494) aus Bologna; Guido Mazzoni (1450-1518) aus Modena, der, wie die Bildhauerfamilie della Robbia, Terrakotta dem Stein oder der Bronze vorzog; die früheren Bildhauer Andrea Ciccione und Antonio di Domenico da Bamboccio (1351-1422) aus Neapel; der Dalmatiner Francesco da Laurana, und Domenico Gagini und sein Sohn, Antonio Gagini (1478-1536) aus Sizilien. Was die römische Bildhauerei anbelangt, so wird sie bis zur späten Renaissance in Rom warten müssen.

Die Skulptur der frühen italienischen Renaissance ist in Kirchen und öffentlichen Gebäuden in Florenz, Mailand, Venedig, Padua und Rom sowie in Museen wie dem Louvre (Paris), dem Nationalmuseum (Florenz) und dem Metropolitan Museum of Art in New York gut vertreten.

Italienische Skulptur der Hochrenaissance und darüber hinaus (ca. 1490-1530)

Während der Periode der Hochrenaissance in Italien verlor die Bildhauerei gegenüber der Architektur und der Malerei deutlich an Bedeutung. Manchmal dominierte sie sogar ihre Schwesterkünste. So wurde beispielsweise die Architektur bildhauerischer (Pilaster wurden durch Säulen ersetzt), und in der Malerei setzten sich Modellierung und Perspektive gegenüber Kontur und Komposition durch.

Auch in der Bildhauerei änderte sich der Geschmack. Das aufwendige dekorative Flachrelief wurde weitgehend durch Hochrelief und Rundplastik ersetzt. Die Vornehmheit der Absicht wurde weniger wichtig als die Modellierung, die Haltung (Arme und Beine) und die Bewegung der Draperie. Die Wirkung war wichtiger als alles andere, und obwohl der Einfluss der klassischen Bildhauerei fortbestand, führte er nur gelegentlich zur Reproduktion der antiken Formen.

Florentiner Bildhauer der Hochrenaissance

Zu den führenden Bildhauern dieser Zeit in Florenz gehören: Andrea Sansavino (1460-1529), sein Schüler Francesco di San Gallo (1493-1570), der einflussreichere Benedetto da Rovezzano (1476-1556), Piero Torrigiano (1472-1522), der nach England reiste und das Grabmal von Heinrich VII. und Königin Elisabeth in der Westminster Abbey schuf.

In Mailand und Pavia endete die Reihe der begabten Bildhauer mit Agostino Busti. In Modena gab es Antonio Begarelli (1479-1565), in Bologna Alfonso Lombardi von Lucca (1497-1537) und die Bildhauerin, Propertia de’ Rossi (1490-1530), und Niccole Pericoli (1485-1550).

In Venedig war der beste Bildhauer der Florentiner Jacopo Sansovino (1486-1570). Seine Schüler, wie Tommaso Lombardo, Girolamo Lombardo, Danese Cattaneo und Alessandro Vittoria (1525-1608) setzten seine Tradition fort, wenn auch mit Übertreibungen.

Römische Bildhauer der Hochrenaissance

Während in der Frührenaissance Florenz Rom mit Künstlern versorgte, kehrten sich die Rollen in der Hochrenaissance um, als Rom, hauptsächlich durch Michelangelo (1475-1564), die Entwicklung der Bildhauerei in ganz Italien beeinflusste.

Michelangelo, der gleichermaßen als Architekt, Bildhauer und Maler bekannt ist, war in all seinen Werken in erster Linie Bildhauer und beschäftigte sich hauptsächlich mit der menschlichen Gestalt. Seine erste Schaffensperiode (ca. 1488-1496) kann mit der von Donatello verglichen werden, ist aber freier und klassischer. Er stellte die Madonna mit Kind mit der gleichen Würde und Menschlichkeit dar wie in den griechischen Reliefs. Er genoss die Studie der nackten menschlichen Figur in seiner „Schlacht der Kentauren“.

Seine zweite Periode (ca. 1496-1500) zeigt seine Aufmerksamkeit für den menschlichen Körper. Sieht man einmal von den schweren Vorhängen ab, so ist seine „Pieta“ im Petersdom von Herzen zu nennen. Wie edel ist sein David. Sein letzter Stil (um 1500-1564), für den Moses (aus dem Grabmal von Papst Julius II.) und die Figuren auf den Gräbern der Medici ein Beispiel sind, zeigt eine große Harmonie in der Behandlung. Die Modellierung, die Posen, die Draperien und die Ausdruckskraft seiner Skulpturen sind feiner abgestimmt.

Andere berühmte Bildhauer der Hochrenaissance aus Rom sind Michelangelos Nachahmer Baccio Bandinelli (1487-1559), der jüngere Bartolommeo Ammanati (1511-1592), Raffaello da Montelupo (1505-1566) und Fra Giovanni Angelo Montorsoli (1507-1563).

Zu den römischen Bronzebildhauern der Hochrenaissance gehören Benvenuto Cellini (1500-1572), Schöpfer des großartigen Perseus (1545-54), und das flämische Genie Giambologna (1524-1608), der sich auf klassische Themen wie Neptun, Fliegender Merkur, Die Entführung der Sabinerinnen, Herkules und Nessus spezialisierte. Giambologna hatte einen enormen Einfluss auf eine Vielzahl von Studenten und zeitgenössischen Künstlern. Ein gutes Beispiel ist der niederländische Bronzebildhauer Adriaen de Vries (1560-1626), der in Italien bei Giambologna studierte und hauptsächlich in Prag und Augsburg arbeitete. Einer der letzten manieristischen Bildhauer in Rom, dessen naturalistische, nicht inszenierte Marmorstatue der Heiligen Caecilia zum Barock und zu Bernini führte, war Stefano Maderno (1576-1636).

Skulptur der Renaissance in Frankreich

15. Jahrhundert

Die Renaissance nahm in Italien eine einzigartige Form an - sie war im Wesentlichen eine Wiederbelebung des nationalen Geistes. In anderen Ländern außerhalb Italiens hingegen war sie nichts anderes als eine Vermischung der italienischen Kunst mit dem nationalen Stil. In Frankreich zum Beispiel, das großartige romanische und gotische Bewegungen in der Bildhauerei und Architektur hervorgebracht hatte , hatte die italienische Renaissance eine weit weniger revolutionäre Wirkung, obwohl ihre einfachen, klassischen Formen ein willkommener Ersatz für den müden gotischen Stil waren. Ein weiterer wichtiger Faktor war die Umwandlung der französischen Feudalschlösser in Lustschlösser, die zahlreiche Aufträge für neue Skulpturen im Stil der Renaissance nach sich zog.

Viele Bildhauer aus Norditalien zogen nach Frankreich, um diese neue Nachfrage zu befriedigen - sie ließen sich in Tours, Paris und Fontainebleau nieder und schlossen sich denjenigen an, die sich bereits vor ihnen niedergelassen hatten, wie Guido Mazzoni, Girolamo da Fiesole, Girolamo della Robbia, und Benedetto da Rovezzano .

Die erste Schule der französischen Bildhauerei, die den neuen Einfluss der italienischen Renaissance zeigt, ist die Schule von Tours. Ihr Hauptvertreter, Michel Collomb (1432-1515), ist mit den besten italienischen Bildhauern der Frührenaissance vergleichbar. Sein Relief „des Heiligen Georg und des Drachen“, das 1508 für den Hochaltar des Schlosses von Guyon geschaffen wurde, steht in einer Reihe mit den Werken Donatellos zum selben Thema. Andere französische Bildhauer, die im italienischen Stil arbeiteten, waren Perreal sowie der französisch-italienische Antoine Juste (1479-1519) und sein Bruder Jean Juste (1485-1534).

16. Jahrhundert

Der französisch-italienische Stil der Bildhauerei verbreitete sich in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts dank der tatkräftigen Förderung und Unterstützung durch François I. rasch in Frankreich. Die großen Schlösser von Blois, Chambord, Fontainebleau und Saint-Germain wurden im Einklang mit dem neuen Stil der florentinischen Skulptur der Frührenaissance umgebaut.

Die erste Schule von Fontainebleau, die von König Franz I. (reg. 1515-47) gefördert und von König Franz I. (reg. 1515-47) geleitet wurde.) und von Francesco Primaticcio geleitet wurde. Ihr folgte in den 1690er Jahren die kleinere Zweite Schule von Fontainebleau, die von König Heinrich IV. (1589-1610) unterstützt und von Künstlern wie Ambroise Dubois (1542-1614), Toussaint Dubreuil (1561-1602) und Martin Fréminet (1567-1619) geleitet wurde.

Es folgten öffentliche Gebäude und Privathäuser in Tours, Angers, Orléans, Rouen, Reims und Toulouse sowie Kirchen, deren Portale, Chorschranken, Chorgitter und Bänke mit Reliefs, Friesen und Renaissance-Statuen verziert wurden.

Später, in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts, führte der Einfluss von Katharina von Medici auf das Haus Valois zu einer Verstärkung des italienischen Einflusses auf die französische Kunst. Die gotische Architektur bestimmt nicht mehr die baulichen Formen, und die Bildhauerei wird viel unabhängiger. Die drei großen Bildhauer dieser Epoche waren Pierre Bontemps (tätig um die Jahrhundertmitte), Jean Goujon (tätig 1540-1563) und Germain Pilon (1529-1590). Der beste Schüler von Pilon war Barthelemy Prieur (1536-1611).

Andere Schulen der französischen Renaissance-Skulptur waren die Schule von Toulouse, vertreten durch Nicolas Bachelier, und die Schule von Troyes, die von François Gentil verkörpert wurde. Eine weitere starke Tradition, die burgundische Schule, knüpfte enge künstlerische Verbindungen zu Karl I. in Spanien.

Spanische Renaissance-Skulptur (1400-1600)

Die Bildhauer der Frührenaissance im Spanien des fünfzehnten Jahrhunderts waren weit weniger entwickelt als ihre Kollegen in Italien. Tatsächlich ist es nicht einmal einfach, den Beginn der eigentlichen Renaissance auf der iberischen Halbinsel zu datieren. Spanische Künstler hatten keine ehrgeizigen Mäzene wie die Familie Medici in Florenz oder päpstliche Gönner in Rom. Und obwohl der neue Renaissancestil in Spanien von größerer Freiheit und mehr Naturalismus geprägt war, behielten die Bildhauer einen Großteil der traditionellen religiösen Ikonographie sowie eine Reihe gotischer Elemente bei.

Während der Hochrenaissance (ca. 1490-1530) ließen sich viele Künstler aus Flandern, Frankreich und Italien in Spanien nieder. Sie trugen zum humanistischen Geist der Renaissance bei, allerdings meist im Rahmen der spanischen Traditionen.

Der Franzose Philippe Vigarni (Felipe Bigarni) (ca. 1470-1543) arbeitete in Burgos und schnitzte Alabasterreliefs in der Kathedrale. Er schuf auch einen Teil der großen Retabeln in den Kathedralen von Toledo und Palencia. Er arbeitete gelegentlich mit Diego de Siloe (ca. 1495-1563) und Alonso Berruguete (1488-1561) zusammen, der als der zurückhaltendste, naturalistischste und an der Renaissance orientierte der drei gilt. Diego de Siloe, der sowohl in Andalusien als auch in Kastilien einflussreich war, ist bekannt für die Goldene Treppe und die Skulptur „Christus und die Jungfrau mit Kind“ in der Kathedrale von Burgos.

Der Bildhauer Bartolomé Ordóñez (ca. 1490-1520) aus Burgos ist für seine harmonischen Reliefs und Marmortafeln sowie für das Grabmal von Don Felipe und Doña Juana in der Königlichen Kapelle von Granada bekannt.

In Palencia, damals ein wichtiges kulturelles Zentrum, wurden die plastischen Künste von dem gotischen Bildhauer Juan de Valmaceda (geb. 1490) angeführt, der für den Kalvarienberg auf dem Retablo der Kathedrale von Palencia berühmt ist. In Toledo, dem wichtigsten künstlerischen Zentrum Neukastiliens, trat der Renaissancestil schon früher in Erscheinung, und zwar dank Vasco de la Zarza, bekannt für das Grabmal von Don Juan Carrillo de Albornozin in der Kathedrale von Toledo und das Grabmal von Don Alonso de Madrigal in der Kathedrale von Avila. Der Einfluss von Vasco de la Zarza erstreckte sich auf Toledo, Avila und Segovia.

In Andalusien wurde die Renaissance von Jorge Fernández verbreitet, der für verschiedene Skulpturen im gotischen Stil in der Königlichen Kapelle von Granada bekannt ist. In Aragonien stützte sich die Renaissance auf den Bildhauer Gil Morlanes den Älteren, der für das Alabaster-Retablo des Klosters Montearagon (Kathedrale in Huesca) bekannt ist. Ein weiterer bedeutender spanischer Bildhauer des 16. Jahrhunderts war Damian Forment (1480-1540), bekannt für das großartige Retablo der Nuestra Señora del Pilar, das Retablo der Kathedrale von Huesca und das große Retablo des Klosters Poblet, der in Valencia und später in Saragossa arbeitete.

Die Zeit zwischen 1530 und 1570 markiert den Höhepunkt der spanischen Renaissance-Skulptur. Diese Epoche wurde von dem genialen Alonso Berruguete (1488-1561), Sohn des Malers Pedro Berruguete (1450-1504) und Schüler von Michelangelo, geleitet. Bekannt für das Retablo von Mejorada, das Retablo von San Benito de Valladolid, die Reliefs an den Chören der Kathedrale von Toledo und das Grabmal des Kardinals Tavera.

Einer der innovativsten französischen Bildhauer der Renaissance, der zu dieser Zeit in Spanien arbeitete, war der burgundische Künstler Juan de Joigny (Jean de Joigny) (1507-1577), der für die ausdrucksstarke Spiritualität seiner Werke bekannt ist, wie zum Beispiel das Begräbnis im Museum von Valladolid.

Von etwa 1570 bis 1600 erleben wir den Aufstieg des spanischen Manierismus, angeführt von spanischen Bildhauern wie Juan de Anchieta (geb. 1540) und ausländischen Künstlern wie den Italienern Leone Leoni (1509-1590) und Pompeo Leoni (1533-1608). Ihr Stil, der Manierismus und Akademismus miteinander verbindet, wird durch die Bronzestatuen der Kaiserin Isabella und Philipps II. (Museo del Prado) sowie durch die Schnitzgruppen der Grabmäler von Karl V. und Philipp II.

Deutsche Renaissance-Skulptur (ca. 1450-1600)

Der Einfluss von Klaus Slüter (ca. 1340-1406), der sich bereits in den Werken von Hans Multscher in Ulm zeigt, breitet sich durch den Einfluss von Nikolaus Gerhart von Leyden (tätig 1462-1473) und seinen Anhängern im Rheinland, in Schwaben, in Franken und im Süden bis nach Österreich aus. Die für die Spätgotik charakteristische Vorliebe für exzessive Ornamentik verhinderte die Schaffung einer monumentalen Steinskulptur.

Dieser Wunsch nach Verzierung, der seinen Ursprung in einer dicht besiedelten Waldregion hatte, führte dazu, dass die Holzschnitzerei zum bevorzugten Medium der deutschen Künstler wurde und für Kirchenmöbel (z. B. Chorgestühl) und Altarbilder weit verbreitet war. Zu den führenden deutschen Holzschnitzern der Renaissance gehören Jörg Sirlin aus Ulm; Gregor Ehrhart (ca. 1460-1540) aus Ulm und Augsburg; Veit Stoss (ca. 1447-1533) aus Nürnberg, Autor eines Altarbildes der Jungfrau Maria, Marienkirche in Krakau, 1486; und Nikolaus von Hagenau (aufgezeichnet 1485-1526) aus Straßburg.

In Nürnberg demonstrierte Adam Kraft (ca. 1455-1509), berühmt für den Tabernakel in der Kirche St. Lorenz, all die technischen Fähigkeiten und die Fülle der Holzschnitzerei, aber in Stein. (Siehe: Die Kunst der deutschen Renaissance .)

Obwohl sich in einigen Skulpturen der deutschen Bildhauer eine deutliche Entspannung abzeichnete, fiel es ihnen schwer, sich an die nüchternen Formen der Renaissancekunst anzupassen. Führende Persönlichkeiten wie Veit Stoss, Tilman Riemenschneider (ca. 1460-1531), Meister H.L. . (Breisacher Altarbild) und Hans Bekofen (gest. 1519) behielten eine starke Bindung an die Spätgotik. Zu den eifrigsten Anhängern des neuen Renaissancestils gehörten der Augsburger Maler Adolf Doher (1460-1524) und der Nürnberger Bildhauer Peter Vischer der Ältere (ca. 1460-1529), berühmt für das Heiligtum des Heiligen Sebaldus.

Später beschäftigten sich Peter Vischer der Jüngere (1487-1528) und der Goldschmied Peter Flotner (gest. 1546) mit Kleinplastik der Renaissance. Zur gleichen Zeit brachte Alexander Colin aus Mechelen (gest. 1612), der am Otteinrich-Flügel arbeitete, die dekorative Formensprache der flämischen Renaissance nach Heidelberg. In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts setzte sich der Renaissancestil schließlich in Augsburg und München durch, die zu Zentren des Italianismus wurden.