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Italienische Frührenaissance-Skulptur (um 1400-1490)

Die Schirmherrschaft von Renaissance-Kunst in Italien hauptsächlich von Familien wie der Medici in Florenz, Visconti und Sforza in Mailand, Gonzaga in Mantua, Bentivoglio in Bologna, Montefeltro in Urbino, Malatesta in Rimini und Este in Ferrara und Modena. In Rom hatte die Schirmherrschaft über Malerei und Bildhauerei häufig päpstliche Priorität, wie zu Zeiten von Papst Sixtus IV. Und Julius II.. Wie beim Malen, Italienische Renaissance-Skulptur wurde maßgeblich durch eine Wiederbelebung der klassischen Fächer und Formen beeinflusst. Das mittelalterliche Italien hat es auch nie vergessen Griechische Skulptur oder etruskisch und Römische Skulptur In der Zeit von 800 bis 1400 wurde diese klassische Inspiration jedoch von deutschen, lombardischen und fränkischen Einflüssen ernsthaft überprüft. Man kann sagen, dass die Rückkehr zu antiken Formen zur Zeit des apulischen Bildhauers begonnen hat Niccola Pisano (c.1206-1278), und obwohl eine Reihe von gotischen Traditionen erhalten geblieben sind, nahmen sie in der Regel eine zunehmend "klassischere" Form an.

Italienische Renaissance-Skulptur wurde stark von einer Wiederbelebung der klassischen Themen und Formen beeinflusst. Das mittelalterliche Italien hat es auch nie vergessen Griechische Skulptur oder etruskisch und Römische Skulptur In der Zeit von 800 bis 1400 wurde diese klassische Inspiration jedoch von deutschen, lombardischen und fränkischen Einflüssen ernsthaft überprüft. Man kann sagen, dass die Rückkehr zu antiken Formen zur Zeit des apulischen Bildhauers begonnen hat Niccola Pisano (c.1206-1278), und obwohl eine Reihe von gotischen Traditionen erhalten geblieben sind, nahmen sie in der Regel eine zunehmend "klassischere" Form an.

Ein weiteres Merkmal von Frühe Renaissance Skulptur war sein Naturalismus. Dies zeigt sich in der Zunahme zeitgenössischer Motive sowie im Wechsel von einer konventionellen zu einer naturalistischeren und realistischeren Behandlung von Proportionen, anatomischen Strukturen, Gewändern und Perspektiven.

Religiöse Nachfrage & Gegenstand

Die Nachfrage nach Skulptur während der quattrocento (15. Jahrhundert) und cinquecento (16. Jahrhundert) war hauptsächlich religiös. Das Äußere der Kirche war nicht nur um die Portale herum mit Skulpturen geschmückt, sondern oftmals war die gesamte Außenfassade mit Statuen und Reliefs bedeckt. Innenräume der Kirche wurden mit gefüllt Altarbild Kunst, Vordächer, Kanzeln, Chöre, Taufbecken und Tabernakel sowie einzelne Heiligen- und Engelsstatuen. Die Türen wurden oft in Bronze gegossen und mit Reliefs verziert, während die Chorbereiche mit figurativen Schnitzereien verziert wurden. In den Innenwänden der Renaissancekirchen befanden sich Grabstätten und Sarkophage, die an Erzbischöfe, Bischöfe, Generäle, Politiker und Aristokraten erinnerten.

Skulpturale Dekorationen in Form von Statuen und Reliefs wurden auch für weltliche Paläste und Herrenhäuser entworfen, während öffentliche Plätze und Gärten mit Statuen, Springbrunnen und Vasen geschmückt wurden, die oft von den bedeutendsten Renaissance-Bildhauern geschaffen wurden.

Die Motive für die kirchliche Skulptur der Frührenaissance wurden aus dem Alten oder Neuen Testament der Bibel entnommen – das beliebteste Thema war Die Madonna mit dem Kind. Während der Hochrenaissance trat sie häufig in der Gesellschaft von Heiligen auf. Geschichten aus dem Leben Christi, der Madonna, des Heiligen Franziskus und anderer Heiliger waren in der Bildhauerei ebenso verbreitet wie in der Malerei. Als sich die Renaissance entwickelte, wurden einige kirchliche Legenden in einen klassischen Hintergrund gestellt, ebenso wie zahlreiche weltliche bürgerliche Skulpturen. Im Einklang mit den klassischen Werten war Nacktheit weit verbreitet. Für einen kurzen Überblick über die menschliche Form in der Malerei / Skulptur der Renaissance siehe: Weibliche Akte in der Kunstgeschichte (Top 20) und siehe auch Männliche Akte in der Kunstgeschichte (Top 10).

Materialien und Methoden

In der Renaissance – Skulptur wurde der Verwendung von Edelmetallen wie Gold und Silber weniger Bedeutung beigemessen als Gotische Skulptur. Bronze wurde jedoch nicht nur wegen seiner Duktilität und Haltbarkeit, sondern auch wegen seiner Brillanz im vergoldeten Zustand zu einem bevorzugten Material für Renaissance-Bildhauer, die zuerst für Reliefs, dann für Statuen, Porträtbüsten und kleinere Gegenstände verwendet wurden. Trotzdem blieb der Bronzeguss einige Zeit problematisch und frühe Bronzen waren nicht hochglanzpoliert. Hochrenaissanceskulpturen würden diese Schwierigkeiten im 16. Jahrhundert überwinden.

Die wachsende Nachfrage nach komplizierten dekorativen Details in Steinskulptur führten zu einer signifikanten Zunahme der Verwendung von Marmor sowie von Kalkstein wie der Pietra d’Istria und von feinem Sandstein wie der Pietra Serena. Weißer Carrara-Marmor war beliebt für monumentale Skulpturen und wurde oft durch die Verwendung von Wachs in der Farbe aufgeweicht. Hochfarbige Marmorskulpturen waren selten. In der Zwischenzeit wurden feine Details wie Engelsflügel, Haare und Robenverzierungen normalerweise vergoldet.

Das Angebot an Skulpturen wurde durch die verstärkte Einführung von Terrakotta erheblich erweitert, die ein viel billigerer Ersatz für Marmor war und im glasierten und gebrannten Zustand gleichermaßen haltbar war. Terrakotta wurde bald für Altarbilder, Kanzeln und Schriften verwendet, ebenso wie eine immer billigere Art von Stuck aus Marmorstaub und Sand. Holzschnitzen war auch keine Seltenheit, sondern nur in Waldgebieten – daher der Vorrang der süddeutschen Holzschnitzer.

In Fragen der praktischen Technik, wie dem Gebrauch von Werkzeugen und Geräten, orientierten sich die Bildhauer der Renaissance im Allgemeinen an den Methoden der klassischen Bildhauer, obwohl das Bild und die grafischen Hilfsmittel einen viel größeren Stellenwert hatten. Im Einklang mit der Kunstphilosophie der Renaissance " disegno "wurde als vorrangig angesehen, daher waren Entwürfe auf Papier ein wichtiges Merkmal des Bildhauprozesses. In der Tat wurden vorläufige Studien mit Ton-, Wachs- oder Holzmodellen manchmal so weit entwickelt, dass die eigentliche Ausführung des Werkes (in Bronze oder Marmor) möglich war von einem Handwerker oder einem erfahrenen Lehrling ausgeführt werden.

Hinweis zur Wertschätzung von Skulpturen
Informationen zur Beurteilung von Bildhauern der Frührenaissance und Hochrenaissance finden Sie unter: Wie man Skulptur schätzt. Für spätere Arbeiten sehen Sie bitte: Wie man moderne Skulptur schätzt.

Florentiner Schule für Bildhauerei der Frührenaissance

Die am Ende des 14. Jahrhunderts an der Kathedrale von Florenz arbeitenden Bildhauer, insbesondere Piero di Giovanni Tedesco, schufen bereits naturalistische Skulpturen und kombinierten klassische mit christlichen Themen. Die Top-Bildhauer der frühen Renaissance in Florenz wurden Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Donatello (1386-1466) und Nanni di Banco (gestorben 1421).

In vielerlei Hinsicht spiegeln die Werke von Donatello den sich wandelnden Zeitgeist am genauesten wider. Noch 1425 wurde seine Skulptur nachdrücklich gotisch behandelt. Seine Statuen für die Kathedrale von Florenz Für den Campanile und für Orsan Michele sind sie relativ unelegant und drapiert: Propheten und Evangelisten (außer St. George) sind kaum mehr als Porträts seiner eigenen Zeitgenossen. In der Zeit von 1425 bis 1444 schuf Donatello seine besten Skulpturen und erlangte dabei einen landesweiten Ruf. In seinem Reliefskulptur Donatello demonstrierte seine Perspektive durch den Einsatz von zurückgezogenen flachen Flugzeugen, insbesondere am Font für das Baptisterium von Siena. Sein früherer Realismus wurde jetzt durch einen raffinierten Klassizismus ersetzt – wie in seiner Bronze Statue David – zusammen mit einem spürbaren Gefühl von Drama. Sehen: David von Donatello für Details. Michelozzo Michelozzi (1391-1473) war in dieser Zeit eng mit Donatello verbunden. Eine dritte und letzte Periode, die von 1444 bis zu seinem Tod im Jahr 1466 dauerte, war Zeuge der vollen Entwicklung dieses Dramasinns, meist auf Kosten übertriebener und unausgeglichener Kompositionen. Zwei weitere Anhänger Donatellos sind: Bernardo Ciuffagni (1385-1456), Schöpfer des sitzenden Matthäus in der Kathedrale von Florenz; und Agostino di Duccio (1418-1481), Schöpfer der artgerechten Säulenstatuen an der Fassade von S. Bernardino in Perugia und der Reliefskulpturen in S. Francesco in Rimini. Wie sein Onkel Luca Della Robbia (1400-1482) Andrea della Robbia (1437-1528) war ein hoch angesehener Exponent von Terrakotta-Skulptur, der für seinen Bambino Tondi bekannt war.

In der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts stieg die Nachfrage nach monumentalen Arbeiten aus Marmor und Bronzeskulptur deutlich gewachsen. Die Kirchen erhielten skulptierte Altarbilder, Kanzeln, Gräber und Statuen, während die weltlichen Paläste mit skulpturalen Türen, Friesen, Reliefs und Steinen geschmückt waren Porträtbüsten. Zu den talentiertesten Marmorbildhauern der Zeit gehörten Bernardo Rossellino (1409-1464), Desiderio da Settignano (1428-1464), Antonio Rossellino (1427-1478), Mino da Fiesole (1431-1484), Matteo Civitali (1435-1501) und Benedetto da Majano (1442-1497). Die Top-Bronzeskulpturen waren Antonio Pollaiuolo (1432-98) und Andrea del Verrocchio (1435 & ndash; 88).

Obwohl die Florentiner Renaissance blieb die treibende Kraft der Bildhauerei im 15. Jahrhundert, und bald erschienen andere Zentren wie Siena, Mailand, Venedig und Padua, die jeweils talentierte Bildhauer mit unabhängigem Status und Einfluss ausbildeten.

Sienesische Schule für Bildhauerei der Frührenaissance

Unterschiedliche künstlerische Traditionen führten dazu, dass die gotische Skulptur in Siena länger Bestand hatte als in Florenz. Sienas bedeutendster Bildhauer, Jacopo della Quercia (1371-1438), ähnlich wie Donatello entwickelt. Seine frühesten Werke, wie die Fonte Gaja (1409-1419), hatten einen robusten gotischen Charakter. Danach folgte eine klassischere und zuletzt eine dramatischere Periode. Quercias frühgotische Art spiegelte sich in der Arbeit von Lorenzo Vecchietta (1410-1480) wider, während seine klassische Art in Werken von Antonio Federighi (um 1420-1490) zum Ausdruck kam. Andere bekannte sienesische Bildhauer waren der Bronzekünstler Giacomo Cozzarelli (1453-1515) und Lorenzo di Mariano (gestorben 1534).

Mailänder Schule für Bildhauerei der Frührenaissance

In der Lombardei wie in Siena waren die gotischen Traditionen fester verankert als in Florenz. Es bestand die Nachfrage nach einer aufwendigeren Dekoration. Zu den bedeutendsten Bildhauern Mailands zählen Cristoforo Mantegazza (gestorben 1482), Antonio Mantegazza (gestorben 1495), Giovanni Antonio Amodeo (1447-1522), der virtuose Goldschmied und Terrakotta-Reliefbildhauer Caradosso (1445-1527) sowie Agostino Busti (1480-1548) Cristoforo Solari, genannt "Il Gobbo" (der Bucklige) (aktiv 1489-1520).

Venezianische Schule der Frührenaissance für Bildhauerei

Wenn Mailänder Künstler nach Genua, Bergamo, Brescia und anderen norditalienischen Städten blickten, um dort ihren Lebensunterhalt zu verdienen, dominierten venezianische Bildhauer den Osten. Ihr Einfluss erstreckte sich einerseits auf Istrien und Dalmatien, andererseits auf Verona und Brescia sowie auf Ravenna, Cesena, Faenza und Ancona. Venedig war ein Geschmack für reiche dekorative Werke, die weniger banal als die Mailänder und sentimentaler als die von Florenz waren. Im Wesentlichen, Renaissancekunst in Venedig appellierte an die angenehmen Gefühle, während Mailand und Florenz beide an den Intellekt appellierten. Bemerkenswerte venezianische Bildhauer schlossen ein: Bartolommeo Buon , Pietro Lombardo (1435-1515) und Alessandro Leopardi (starb 1522).

Andere berühmte Bildhauer der Frührenaissance

Dazu gehören: Niccolo da Bari, bekannt als Niccolo dell ’Arca (1414-1494) von Bologna; Guido Mazzoni (1450-1518) aus Modena, die – wie die Bildhauerfamilie della Robbia - Terrakotta Stein oder Bronze vorzogen; die früheren Bildhauer Andrea Ciccione und Antonio di Domenico da Bamboccio (1351-1422) von Neapel; der Dalmatiner Francesco da Laurana sowie Domenico Gagini und sein Sohn Antonio Gagini (1478-1536) aus Sizilien. Was die römische Skulptur anbelangt, müsste dies bis zum späteren Zeitpunkt warten Renaissance in Rom.

Die Skulptur der frühen italienischen Renaissance ist in den Kirchen und öffentlichen Gebäuden von Florenz, Mailand, Venedig, Padua und Rom sowie in Museen wie dem Louvre (Paris) und dem Museo Nazionale (Florenz) gut vertreten. und das Metropolitan Museum of Art, New York.

Italienische Hochrenaissanceskulptur und darüber hinaus (um 1490-1530)

Während der Hohe Renaissance In Italien wurde die Skulptur weniger von Architektur und Malerei dominiert. Manchmal beherrschte es sogar die Künste ihrer Schwester. Zum Beispiel wurde die Architektur skulpturaler (Pilaster wurden durch Säulen ersetzt), während beim Malen, Modellieren und Perspektivieren die Umrisse und die Komposition abgelöst wurden. Auch der Geschmack in der Skulptur veränderte sich. Kompliziertes dekoratives Flachrelief wurde weitgehend durch Hochrelief und Skulptur in der Runde ersetzt. Die Eleganz des Designs verlor an Bedeutung als das Modellieren, die Haltung (von Armen und Beinen) und die Bewegung im Gewand. Die Wirkung war von entscheidender Bedeutung, und obwohl der Einfluss der klassischen Skulptur beibehalten wurde, führte dies nur gelegentlich zur Reproduktion antiker Formen.

Florentiner Bildhauer der Hochrenaissance

Führende Bildhauer in Florenz während dieser Zeit waren: Andrea Sansavino (1460-1529), sein Schüler Francesco di San Gallo (1493-1570), der einflussreichere Benedetto da Rovezzano (1476-1556), Piero Torrigiano (1472-1522), der ging nach England und machte das Grab von Henry VII und Königin Elizabeth in Westminster Abbey.

In Mailand und Pavia endete die Reihe talentierter Bildhauer mit Agostino Busti. In Modena gab es Antonio Begarelli (1479-1565), in Bologna Alfonso Lombardi von Lucca (1497-1537) und die Bildhauerin Properzia de ’Rossi (1490-1530) sowie Niccole Pericoli (1485-1550).

In Venedig war der Florentiner der beste Bildhauer Jacopo Sansovino (1486-1570). Seine Schüler wie Tommaso Lombardo , Girolamo Lombardo , Danese Cattaneo und Alessandro Vittoria (1525-1608) setzten seine Traditionen fort, wenn auch übertrieben.

Römische Bildhauer der Hochrenaissance

Wenn Florenz während der Frührenaissance Rom mit Künstlern versorgte, wurden die Rollen während der Hochrenaissance vertauscht, als Rom, hauptsächlich durch Michelangelo (1475-1564), die Entwicklung der Skulptur in ganz Italien beeinflusste.

Michelangelo Der ebenso berühmte Architekt, Bildhauer und Maler war in all seinen Arbeiten in erster Linie ein Bildhauer, der sich vor allem mit der menschlichen Form auseinandersetzte. Seine erste Periode (ungefähr 1488-1496) ist vergleichbar mit der von Donatello, nur dass sie freier und klassischer war. Er porträtierte die Madonna und das Kind mit der gleichen Würde und Menschlichkeit, wie sie in griechischen Reliefs zu finden sind. Er freute sich über das Studium der nackten menschlichen Gestalt in seiner Schlacht um die Zentauren. Seine zweite Periode (ca. 1496-1500) zeigte noch mehr seinen Fokus auf den menschlichen Körper. Abgesehen von seinen schweren Vorhängen, wie gefühlvoll ist seine Pieta in St. Peter. Wie edel sein David ist. Sein endgültiger Stil (um 1500-1564) am Beispiel des Moses (aus dem Grab von Papst Julius II) und durch die Zahlen auf den Medici-Gräbern zeigte sich eine größere Harmonie der Behandlung. Modellierung, Haltung, Gewandung und Ausdruckskraft seiner Skulpturen sind feiner ausbalanciert.

Andere bemerkenswerte Bildhauer der Hochrenaissance aus Rom sind: der Michelangelo-Möchtegern Baccio Bandinelli (1487-1559), der jüngere Bartolommeo Ammanati (1511-1592), Raffaello da Montelupo (1505-1566) und Fra Giovan ’Angelo Montorsoli (1507-1563).

Zu den in Rom ansässigen Bronzeskulpturen der Hochrenaissance gehören Benvenuto Cellini (1500-1572), Schöpfer des großartigen Perseus (1545-54) und des flämischen Genies Giambologna (1524-1608), spezialisiert auf klassische Themen wie Neptun, Der fliegende Merkur, Die Vergewaltigung der Sabinerinnen , Herkules und Nessus. Giambologna hatte großen Einfluss auf eine Vielzahl von Schülern und zeitgenössischen Künstlern. Ein gutes Beispiel ist der niederländische Bronzeskulptur Adriaen de Vries (1560-1626), der in Italien bei Giambologna trainierte und hauptsächlich in Prag und Augsburg arbeitete. Einer der letzten manieristischen Bildhauer Roms, dessen naturalistisch freigelegte Marmorstatue der Heiligen Cäcilie in die Barockzeit und nach Bernini führte, war Stefano Maderno (1576 & ndash; 1636).

Renaissance-Skulptur In Frankreich

15. Jahrhundert

Die Renaissance nahm in Italien eine einzigartige Form an – es war praktisch eine Wiedergeburt des nationalen Geistes. In anderen Ländern außerhalb Italiens war es jedoch nur eine Mischung aus italienischer Kunst und nationalem Stil. So in Frankreich, das die großartigen Bewegungen der romanischen und gotischen Skulptur und Architektur hervorgebracht hatte, die Italienische Renaissance wirkte weit weniger revolutionär, obwohl seine einfachen, klassischen Formen ein willkommener Ersatz für die eher müden waren Gothic Style. Ein weiterer wichtiger Faktor war die Umwandlung der französischen Feudalschlösser in Lustschlösser, was zahlreiche Aufträge für die neue Skulptur im Renaissancestil auslöste. Viele Bildhauer aus Norditalien zogen nach Frankreich, um dieser neuen Nachfrage nachzukommen – sie ließen sich in Tours, Paris und Fontainebleau nieder – und gesellten sich zu anderen, die sich vor ihnen niedergelassen hatten, wie Guido Mazzoni , Girolamo da Fiesole , Girolamo della Robbia und Benedetto da Rovezzano .

Die erste französische Bildhauerschule, die den Einfluss der neuen italienischen Renaissance zeigte, war die von Tours. Sein Hauptvertreter, Michel Colombe (1432-1515), ist vergleichbar mit den besten italienischen Bildhauern der Frührenaissance. Sein 1508 für den Hochaltar des Schlosses von Gaillon geschaffenes Relief des Heiligen Georg und des Drachen steht Donatellos gleichem Thema gegenüber. Weitere französische Bildhauer im italienischen Stil waren Perreal sowie der französisch-italienische Antoine Juste (1479-1519) und sein Bruder Jean Juste (1485-1534).

16. Jahrhundert

Der französisch-italienische Skulpturenstil verbreitete sich in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts schnell in ganz Frankreich, dank der starken Schirmherrschaft und Unterstützung von Francois I. Die großen Schlösser in Blois, Chambord, Fontainebleau und St. Germain wurden in Übereinstimmung mit renoviert der neue Stil der florentinischen Skulptur der Frührenaissance.

Die erste Fontainebleau Schule , von König Franz I. (regiert von 1515 bis 1547) bevormundet und geleitet von Francesco Primaticcio , wurde in den 1690er Jahren von der weniger wichtigen Second School of Fontainebleau gefolgt, die von König Heinrich IV. (1589-1610) unterstützt wurde und von Künstlern wie Ambroise Dubois (1542-1614), Toussaint Dubreuil (1561-1602) und Martin Freminet (1567-1619).

Es folgten öffentliche Gebäude und Privathäuser in Tours, Angers, Orleans, Rouen, Reims und Toulouse, gefolgt von Kirchen, deren Türen, Altarbilder, Chorwände und Stände mit Renaissance-Reliefs, Friesen und Statuen verziert waren.

Später, in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts, führte der Einfluss von Catherine de ’Medici auf das Haus von Valois zu einem größeren italienischen Einfluss auf die französische Kunst. Die gotische Architektur bestimmte nicht länger die strukturellen Formen, und die Skulptur wurde viel unabhängiger. Die drei großen Bildhauer dieser Zeit waren Pierre Bontemps (aktive Mitte des Jahrhunderts), Jean Goujon (Active 1540-1563) und Germain Pilon (1529-1590). Pilons bester Schüler war Barthelemy Prieur (1536 & ndash; 1611).

Weitere Schulen der französischen Renaissance-Bildhauerei waren die von Nicholas Bachelier vertretene Schule von Toulouse und die von Francois Gentil veranschaulichte Schule von Troyes. Eine weitere starke Tradition, die burgundische Schule, knüpfte enge künstlerische Beziehungen zu Karl I. in Spanien.

Spanische Renaissance-Skulptur (1400-1600)

Bildhauer der Frührenaissance in Spanien des 15. Jahrhunderts waren viel weniger fortgeschritten als ihre Kollegen in Italien. Tatsächlich ist es nicht leicht, den Beginn einer richtigen Renaissance auf der Iberischen Halbinsel zu datieren. Spanische Künstler hatten keinen der ehrgeizigen Förderer der Künste wie die Medici-Familie in Florenz oder die päpstlichen Förderer in Rom. Obwohl der neue Renaissancestil in Spanien durch größere Freiheit und Naturalismus gekennzeichnet war, behielten die Bildhauer den größten Teil ihrer traditionellen religiösen Ikonographie sowie eine Reihe gotischer Wesensmerkmale bei.

Während der Hochrenaissance (um 1490-1530) ließen sich zahlreiche Künstler aus Flandern, Frankreich und Italien in Spanien nieder. Diese Personen trugen zur Förderung des Geistes der humanistischen Renaissance bei, im Allgemeinen jedoch im Kontext der spanischen Traditionen. Der Franzose Philip Vigarny (Felipe Bigarny) (um 1470-1543) arbeitete in Burgos und schnitzte die Alabaster-Reliefs in der Kathedrale. Er schuf auch einen Teil der großen Altarbilder der Kathedralen von Toledo und Palencia. Von Zeit zu Zeit arbeitete er mit Diego de Siloe (um 1495-1563) und Alonso Berruguete (1488-1561) zusammen und galt als der zurückhaltendste, naturalistischste und renaissanceorientierteste der drei. Diego de Siloe, der sowohl in Andalusien als auch in Kastilien einflussreich ist, wurde für die Goldene Treppe und den Christus und die Jungfrau und das Kind in der Kathedrale von Burgos erwähnt. Der aus Burgos stammende Bildhauer Bartolome Ordonez (um 1490-1520) war bekannt für seine harmonischen Reliefs und Marmorplatten sowie das Grab von Don Felipe und Dona Juana in der königlichen Kapelle von Granada.

In Palencia, damals ein wichtiges kulturelles Zentrum, wurden die bildenden Künste vom gotischen Bildhauer Juan de Valmaseda (* 1490) geleitet, der für den Kalvarienberg des Retabels der Kathedrale von Palencia bekannt war. In Toledo, dem wichtigsten künstlerischen Zentrum von Neukastilien, kam der Renaissancestil dank Vasco de la Zarza , bekannt für das Grab von Don Juan Carrillo de Albornozin in der Kathedrale von Toledo und das Grab von Don Alonso de Madrigal in der Kathedrale von Avila, früh an. Vasco de la Zarzas Einfluss erstreckte sich auf Toledo, Avila und Segovia.

In Andalusien setzte die Renaissance dank Jorge Fernandez ein , der für verschiedene gotische Skulpturen in der königlichen Kapelle von Granada bekannt war. In Aragonien stützte sich die Renaissance auf den Bildhauer Gil Morlanes the Elder , der für das Alabasterretabel des Klosters Montearagon (Kathedrale von Huesca) bekannt ist. Ein weiterer bedeutender spanischer Schnitzer des 16. Jahrhunderts war Damian Forment (1480-1540) – bekannt für das hervorragende Retabel von Nuestra Senora del Pilar, das Retabel der Kathedrale von Huesca und das hervorragende Retabel des Klosters Poblet – das in Valencia und dann in Saragossa arbeitete.

In den Jahren 1530-1570 erreichte die spanische Renaissance ihren Höhepunkt. Diese Ära wurde vom Genie geführt Alonso Berruguete (1488–1561), Sohn des Malers Pedro Berruguete (1450–1504) und Schüler Michelangelos. Bekannt für das Retabel der Mejorada, das Retabel von San Benito de Valladolid, die Reliefs der Chorstände in der Kathedrale von Toledo und das Grab von Kardinal Tavera. Einer der innovativsten französischen Bildhauer der Renaissance, die zu dieser Zeit in Spanien gearbeitet haben, ist der burgundische Künstler Juan de Juni (Jean de Joigny) (1507-1577), bekannt für die expressive Spiritualität seiner Werke, wie das Entombment, das im Museum in Valladolid aufbewahrt wird.

Von ungefähr 1570 bis 1600 sehen wir den Aufstieg des spanischen Manierismus unter spanischen Bildhauern wie Juan de Anchieta (geb. 1540) und ausländischen Künstlern wie den Italienern Leone Leoni (1509-1590) und Pompeo Leoni (1533-1608). Die Kombination von Manierismus und Akademismus ist beispielhaft für den Stil der Bronzefiguren der Kaiserin Isabella und Philipp II. (Prado-Museum) und der Schnitzgruppen der Gräber Karls V. und Philipps II. (Escorial).

Deutsche Renaissance-Skulptur (um 1450-1600)

Deutsche Bildhauer des 15. Jahrhunderts

Der Einfluss von Claus Sluter (c.1340-1406), bereits sichtbar in der Arbeit von Hans Multscher in Ulm durch den Einfluss von Nikolas Gerhaert von Leyden (tätig 1462-1473) und seinen Anhängern nach Rheinland, Schwaben, Franken und Süden bis nach Österreich verbreitet. Die Verbundenheit mit exzessiver Dekoration, die für den spätgotischen Stil charakteristisch ist, verhinderte die Entstehung monumentaler Steinskulpturen.

Dieser dekorative Antrieb, der in einem dicht bewaldeten Gebiet auftrat, führte dazu, dass die Holzschnitzerei zum bevorzugten Medium deutscher Künstler wurde und ausgiebig für kirchliche Einrichtungsgegenstände (z. B. Chorstände) und Altarbilder verwendet wurde. Zu den führenden deutschen Holzschnitzern der Renaissance gehörten: Jörg Syrlin von Ulm; Gregor Erhart (um 1460-1540) von Ulm und Augsburg); Veit Stoss (c.1447-1533) von Nürnberg, bekannt für das Altarbild der Jungfrau Maria in Krakau, 1486; und Nikolas von Hagenau (1485-1526) aus Straßburg. In Nürnberg demonstrierte Adam Kraft (um 1455-1509), bekannt als Tabernakel in der Lorenzkirche, alle technischen Fähigkeiten und den Überschwang der Holzschnitzerei, jedoch in Stein. (Sehen: Deutsche Renaissancekunst.)

Obwohl sich einige ihrer Skulpturen merklich entspannten, fiel es den deutschen Bildhauern schwer, sich an die ausgewogenen Formen der Renaissancekunst anzupassen. Führende Persönlichkeiten wie Veit Stoss , Tilman Riemenschneider (c.1460-1531), Master HL . (bekannt für das Breisacher Altarbild) und Hans Backofen (gest. 1519) hielten eine starke Vorliebe für den spätgotischen Stil. Weitere engagierte Vertreter des neuen Renaissance-Stils waren der Augsburger Künstler Adolf Daucher (1460-1524); der Nürnberger Bildhauer Peter Vischer d. Ä. (um 1460-1529), bekannt für das Heiligtum des hl. Sebaldus. Später beschäftigten sich Peter Vischer der Jüngere (1487-1528) und der Goldschmied Peter Flotner (d.1546) mit kleinformatigen Renaissance-Skulpturen. In der Zwischenzeit brachte Alexander Colyn von Mechelen (gest. 1612), bekannt für den Ottheinrich-Flügel, die flämische Renaissance in die Stadt Heidelberg ein. In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts setzte schließlich der Renaissancestil ein, als Augsburg und München zu Zentren des Italienismus wurden.