Henry Moore:
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Biografie

Henry Moore, der lange Zeit als Englands größter Bildhauer galt, war maßgeblich für das allmähliche Aufkommen der Briten verantwortlich Skulptur vom Provinzialismus in den Mainstream von moderne Kunst. Ironischerweise war es in den 1930er Jahren, als Moores Werk in der Presse so heftig angegriffen wurde, dass er und seine Zeitgenossen Ben Nicholson (1894-1982) und Barbara Hepworth (1903-75) legten den Grundstein für abstrakte Skulptur in England – die neue Moderne – nach den früheren Neuerungen des Boheme Jacob Epstein (1880 – 1959).

Mit seiner ersten großen retrospektiven Ausstellung im Museum of Modern Art, New York, wurde die Schule von moderne britische Skulptur war fest etabliert, und Moore war einer der am meisten bewunderten und einflussreichsten geworden abstrakte Bildhauer in der Welt.

Anfänge und Training

Henry Moore wurde in Castleford, Yorkshire, als siebtes Kind eines Bergmanns geboren und hatte im Alter von 10 oder 11 Jahren beschlossen, Bildhauer zu werden. Er erhielt seinen ersten Unterricht in Zeichnung an der Castleford Grammar School von der Kunstherrin Alice Gostick, deren Unterstützung und Ermutigung ihm sehr viel bedeuteten. Nachdem er zwei Jahre in der Armee gedient hatte, erhielt Moore ein Stipendium für einen ehemaligen Soldat an der Leeds School of Art und schrieb sich im September 1919 für den zweijährigen Kurs ein. Er wurde 1920 von Barbara Hepworth unterstützt, die befreundet und nahe wurde Mitarbeiter in den nächsten 20 Jahren.

In Leeds lernte er Sir Michael Sadler kennen, dessen bemerkenswerte Sammlung Gemälde von Paul Cezanne (1839-1906), Paul Gauguin (1848-1903) und Henri Matisse (1869-1954) enthielt, die ersten Beispiele moderner Kunst, die Moore sah. Zu dieser Zeit las er Roger Frys Vision and Design und war insbesondere von den Kapiteln "Ancient American Art" und "Negro Sculpture" beeinflusst.

1920er Jahre

1921 begann Moore den dreijährigen Diplomkurs am Royal College of Art in London. Es entwickelte sich bald ein Konflikt zwischen der akademischen Lehrtätigkeit und seinem Wunsch, seine eigene Richtung in der Bildhauerei einzuschlagen, basierend auf den Erkenntnissen, die aus zahlreichen Besuchen im British Museum gewonnen wurden. Dort studierte er Skulptur vieler Epochen: prähistorisch, ägyptisch, assyrisch, sumerisch, Archaisches Griechisch, ebenso gut wie Afrikanische Kunst, und ozeanisch ; Aber er fühlte sich am meisten zur mexikanischen Kunst hingezogen, die in den 1920er Jahren den größten Einfluss auf seine Arbeit hatte. Er schaffte einen Kompromiss, indem er während der Semesterzeit aus dem Leben schöpfte und modellierte. Abends und an Feiertagen hatte er Zeit, seine eigenen Interessen zu verfolgen.

1922 sah er auf der ersten von vielen Reisen nach Paris die Sammlung Pellerin, zu der auch Grandes Baigneuses gehörte Paul Cezanne (jetzt im Philadelphia Museum of Art). Er hat geschrieben: "Dieses Bild zu sehen, war für mich wie die Kathedrale von Chartres zu sehen. Es war einer der großen Auswirkungen." 1924 erhielt er ein Reisestipendium und war sieben Jahre lang Dozent für Bildhauerei am Royal College of Art. Er reiste im Januar 1925 nach Frankreich und Italien. Er bewunderte die Monumentalität von Masaccio sehr Brancacci Kapelle Fresken in Florenz. Bei seiner Rückkehr nach London im Sommer 1925 vollendete er die Hornton-Steinmutter und das Hornton-Steinkind von 1924 – 1955 (City of Manchester Art Gallery).

Fast alle seine Skulpturen zwischen 1921 und 1939 waren Schnitzereien. Mögen Amedeo Modigliani (1884-1920), Henri Gaudier-Brzeska (1891-1915), Constantin Brancusi (1876-1957) und Sir Jacob Epstein (1880-1959) interessierten sich Moore für direktes Schnitzen; er glaubte an die Lehre von der Wahrheit über Materialien, von Verständnis und Sympathie für die Eigenschaften von Holz oder Stein. In der Manchester-Schnitzerei sind die Formen nicht vom Material befreit worden und bleiben etwas in der Blockhaftigkeit des Steins begraben. Das Schnitzen ist, wie die Skulptur, die Moore am meisten bewundert, "nicht perfekt symmetrisch, es ist statisch und es ist stark und vital und strahlt etwas von der Energie und Kraft großer Berge aus." Anders als beispielsweise Hepworth geht es Moore nicht um eine ideale, klassische Schönheit und Reinheit. Er strebt nach Ausdruckskraft und gibt seiner Skulptur eine aufgestaute Energie, ein Eigenleben.

Moores erste Einzelausstellung fand 1928 in der Warren Gallery in London statt. Im selben Jahr erhielt er seinen ersten öffentlichen Auftrag, eine Erleichterung mit dem Titel North Wind für die neue Zentrale des London Passenger Transport Board. Die liegende Figur von 1929 (Leeds City Art Gallery), zweifellos Moores wichtigste Skulptur der 1920er Jahre, war das erste Werk, das den enormen Einfluss der liegenden Figur des mexikanischen Chac Mool widerspiegelte. Obwohl die Leeds-Schnitzerei die gleiche Massivität und das gleiche Gewicht hat, die er im mexikanischen Prototypen bewunderte, und der wachsame, maskenhafte Kopf rechtwinklig zum Körper gedreht ist, ist die liegende Haltung ganz anders. Die Figur ruht auf der Seite, wobei der linke Arm hinter dem Kopf angehoben ist und das linke Bein über dem rechten absteht.

In der liegenden Figur hatte Moore ein Thema gefunden, das es ihm ermöglichte, mit neuen formalen Ideen zu experimentieren und unendliche Variationen eines einzigen Themas zu erforschen. In den späten 1920er Jahren waren das Mutter-Kind-Thema und die liegende Figur die beiden Hauptbesessenheiten in Moores Werk. Im Jahr 1929 heiratete Moore Irina Radetsky, eine Studentin an der Royal College of Art School of Painting. Sie zogen in die Parkhill Road, Hampstead, London, wo sie bis 1940 lebten. Das erste von zwei Landhäusern in Kent, die während der Ferien genutzt wurden, wurde 1931 gekauft. Das rätselhafte abstrakte Werk Composition von 1931 markierte einen radikalen Neuanfang, der sich verbündete Moores Arbeiten zu den in der Arbeit von Arp, Mira, Tanguy und vor allem Picasso aktuellen biomorphen Abstraktionen.

1930er Jahre

Die Skulptur und Zeichnungen von Picasso (1881-1973) übte in den späten 1920er Jahren einen direkten Einfluss auf Moores Skulpturen und Zeichnungen der frühen 1930er Jahre aus. Wie Hepworth und Nicholson besuchte Moore Picassos Werkstatt sowie die Pariser Ateliers von Georges Braque (1882-1963) und Brancusi. Composition zeigt, wie schnell und intuitiv Moore die Bildsprache von Picassos Werk aufgenommen hatte.

Hinweis zur Wertschätzung von Skulpturen
Informationen zur Bewertung modernistischer Bildhauer mit organischer Abstraktion wie Henry Moore finden Sie unter: Wie man moderne Skulptur schätzt. Zu früheren Werken siehe: Wie man Skulptur schätzt.

1932 gründete er die Abteilung für Skulptur an der Chelsea School of Art. Im folgenden Jahr wurde er zum Mitglied der "Unit One" gewählt. Die erste seiner zwei-, drei- und vierteiligen Kompositionen erschien 1934 und steht im Zusammenhang mit dem Werk von Jean Arp (1886-1966) und Alberto Giacometti (1901 & ndash; 66). Er verwendete oft die surrealistische Sprache des gefundenen Objekts und fertigte mehrere Schnitzereien mit Eisensteinkieseln an. Im Jahr 1932 machte er eine Reihe von Zeichnungen von Knochen und Muscheln, die Formen in der Natur in menschliche Formen umwandelten. In den mehrteiligen Skulpturen von 1934 wurde der menschliche Körper in Fragmente aufgeteilt und wieder zusammengesetzt. Erst in den späten 1950er und 1960er Jahren kehrte er zum zweiteiligen und dreiteiligen Figurenthema zurück.

Moores quadratische Schnitzereien von 1935 und 1937 gehören zu seinen abstraktesten Werken und spiegeln den Einfluss von Ben Nicholsons Reliefs aus dieser Zeit wider. Während dieser Jahre, als er in Hampstead in der Nähe von Hepworth lebte, waren Nicholson und der Kritiker Herbert Read Zwischen diesen Künstlern fand ein fruchtbarer Gedankenaustausch mit weitgehend ähnlichen Zielen statt. Moores Werk wurde nie ganz abstrakt; es gibt immer einen Hinweis auf menschliche oder organische Formen. Wahrscheinlich ist er am bekanntesten für die biomorphe Abstraktion seiner "liegenden Figuren".

Er nahm 1936 an der "International Surrealist Exhibition" in London teil und trug im folgenden Jahr zu Circle: International Survey of Constructive Art bei. Die Idee der liegenden weiblichen Figur als Metapher für Landschaft tauchte zuerst in der Liegenden Figur von 1929 (City Art Gallery, Leeds) und dann in der Liegenden Frau von 1930 (National Gallery of Canada, Ottawa) auf. Die Landschaftssprache, in der Brust und Knie wie Hügel oder Berge und Löcher wie Höhlen in einem Hügel sind, ist in Recumbent Figure of 1938 (Tate Gallery, London) wunderschön aufgelöst. Die sanft steigenden und fallenden Rhythmen spiegeln die South Downs wider, in denen sich die Skulptur ursprünglich befand.

Von 1937 bis 1939 führte Moore eine Reihe von aufgereihten Figurenzeichnungen und Skulpturen durch, eine kurze Pause in seiner Arbeit. Seine erste "Helmskulptur" erschien in den Jahren 1939-40. Zwischen 1921 und Mitte der 1950er Jahre ist die Entstehung fast aller Moore-Skulpturen in den Skizzenbüchern und größeren Zeichnungen zu finden. Die Zeichnungen für die Skulptur waren ein Mittel, um Ideen für die Skulptur zu generieren, den Überfluss an Ideen aufzuzeichnen, der zu zahlreich war, um direkt in Holz oder Stein erforscht zu werden.

1940er Jahre

Im September 1940 begann Moore mit der Arbeit an seinen Tierheimzeichnungen, Szenen von Londonern, die vor dem Blitz in den Londoner U-Bahn-Stationen Zuflucht suchten. Im folgenden Monat wurde sein Hampstead-Studio durch eine Bombe schwer beschädigt, und die Moores zogen in ein Bauernhaus aus dem 17. Jahrhundert in Much Hadham, 30 Meilen nördlich von London. Als Kriegskünstler arbeitete er im nächsten Jahr an den Zeichnungen des Tierheims. Ein- oder zweimal in der Woche besuchte er die Tierheime und fertigte die Zeichnungen nach seiner Rückkehr nach Hause an. 1942 fertigte er eine Reihe von Zeichnungen von Bergleuten an, die an der Kohlengrube arbeiteten. Die Madonna und das Kind von 1943/44, die für die Matthäuskirche in Northampton in Auftrag gegeben wurden, spiegeln den Einfluss der Tierheimzeichnungen auf die Verwendung von Vorhängen und die humanistische Betonung wider.

Die mediterrane Tradition, die auf seiner Italienreise 1925 in Konflikt mit seinem Interesse an primitive Kunst war noch einmal an die Oberfläche gekommen. 1946, im Jahr seiner ersten Retrospektive im Museum für moderne Kunst In New York wurde seine Tochter Mary geboren. Zwei Jahre später gewann er den Internationalen Skulpturenpreis auf der 24. Biennale in Venedig. Seine erste Retrospektive in der Tate Gallery fand 1951 statt. Moores weltweiter Ruf als Bildhauer und führender Vertreter der organischen Abstraktion war nun fest etabliert.

1950er Jahre

In den 1950er Jahren waren die beiden wichtigsten Aufträge für eine Abschirmung für die Fassade und die drapierte liegende Bronzefigur (1952-3) für das neue Time-Life-Gebäude in London sowie die große liegende römische Travertinmarmorfigur (1957-8) für Sitz der UNESCO in Paris.

Obwohl Moores Interesse am Schnitzen zeitlebens anhielt, waren viele seiner bekanntesten Skulpturen der Nachkriegszeit – wie Family Group (1948-9; Museum of Modern Art, New York), King and Queen (1952-3; Joseph Hirshhorn Museum and Sculpture) Garden, Smithsonian Institution, Washington, DC, Warrior with Shield (1953-4; Kunstgalerie von Ontario, Toronto), Reclining Figure (1963-5; Lincoln Center, New York) und Nuclear Energy (1964-6; Universität von New York) Chicago) – wurden aus Gips gefertigt und in Bronze gegossen. Eine schöne Sammlung der Putze befindet sich in der Art Gallery of Ontario, Toronto.

Zu den eindrucksvollsten Skulpturen der letzten zwei Jahrzehnte zählen die zwei- und dreiteiligen Liegestühle von 1959 bis 1962 (Beispiele sind in der Albright-Knox Art Gallery in Buffalo, im Museum of Modern Art in New York usw. zu sehen). Die Landschaftsmetapher, von der Moore seit Ende der 1920er Jahre inspiriert war, ist umgekehrt: Die Skulpturen sind eher landschaftlich als menschlich. Fragmentarische Elemente einer schroffen Landschaft aus Felsen, Klippen und Höhlen werden zur weiblichen Figur.

Bis Mitte der 1950er Jahre, als sein plastische Kunst dreidimensionaler werden, in jeder hinsicht eine organische vollständigkeit aufweisen, die zeichnung nicht mehr als weg zur ideenentwicklung für die skulptur dienen. Ausgangspunkt für die meisten seiner späteren Skulpturen waren die Knochen, Muscheln und Feuersteine, die im Maquette-Atelier in Much Hadham zu finden sind.

Späte Periode

Nach 1968 zeigte Moore ein erneutes Interesse am Zeichnen als skulpturunabhängiger Tätigkeit Druckgrafik und produzierte mehr als 260 Lithographien und Radierungen, darunter die Portfolios Elephant Skull, Auden, Stonehenge und Sheep.

Die große Retrospektive im Tate Gallery 1968 folgte 1972 die prächtige Ausstellung im Forte di Belvedere in Florenz. Viele große Bronzen und Glasfasergüsse wurden auf den Terrassen platziert; Die Architektur von Florenz und die Hügel dahinter machten diese Stätte zu einer der prächtigsten der Welt, an der Skulpturen im enormen Umfang von Moores spätem Werk ausgestellt wurden. Im Oktober 1974 wurde das Henry Moore Sculpture Centre in Toronto eröffnet. Das Zentrum beherbergt Moores Geschenk an die Kunstgalerie von Ontario mit mehr als 500 Originalpflastern, Bronzen, Zeichnungen und Drucken.

Moore arbeitete den größten Teil des Jahres in Much Hadham und verbrachte jeden Sommer ein oder zwei Monate in Italien, um in den Querceta-Marmorwerken der Herren Henraux zu schnitzen. Von seinem kleinen Haus in der Nähe von Forte dei Marmi aus konnte er die Carrara-Berge sehen Michelangelo (1475-1564) soll für seine Schnitzereien große Marmorblöcke ausgewählt haben. Der essentielle Humanismus von Moore Kunst wurde von so unterschiedlichen Quellen wie der paläolithischen Skulptur und dem Werk Picassos genährt. Mit der menschlichen Figur als zentralem Gegenstand seiner Arbeit verwendete er Landschaftselemente, die Formen von Knochen, Muscheln und Kieseln, um die dreidimensionale Sprache der Skulptur zu erweitern. Henry Moore zählt jetzt zu den größten Bildhauer des 20. Jahrhunderts in Europa die Tradition, zu der seine Arbeit gehört, weiter ausgebaut und erweitert zu haben.