Eva Hesse:
Minimalistische Bildhauerin Automatische übersetzen

Biografie

Die schrullige amerikanische Malerin und Bildhauerin Eva Hesse war eine Pionierin von postmoderne Kunst, deren kurzes Leben tragisch endete, als sie begann, Anerkennung in der amerikanischen Kunstwelt zu erlangen. Obwohl sie ihr schöpferisches Leben begann in Gemälde Im Alter von 28 Jahren wechselte sie zu Skulptur, ein Medium, in dem sie sich in den 6 Jahren vor ihrem Tod dank innovativer Arbeiten wie "Hang-up" (1966, Art Institute of Chicago), Ishtar (1965, Private Collection) und "Untitled" (Rope) einen bedeutenden Namen gemacht hat Piece) (1970, Whitney Museum, NY). Obwohl ihre Arbeit als beschrieben wurde Minimalistische Kunst Ihre erfinderische Verwendung neuer Materialien (Gummi, Latex, Glasfaser, Schnur) sowie ihre sexuell suggestiven Formen verliehen ihrer Arbeit eine emotionale Kraft, die sich anderen zeitgenössischen Spitzenkünstlern entzogen hat, wie z Donald Judd (1928-94), Robert Morris (b.1931) und Richard Serra (* 1939) und führte dazu, dass sie als "Post-Minimalistin" bezeichnet wurde. Ihr vorzeitiger Tod an einem Gehirntumor könnte ihr zusätzliche Bedeutung verliehen haben zeitgenössische Kunst Aber ihr intensiver Fokus machte sie zu einer der einfallsreichsten Amerikanische Bildhauer in New York. Weitere Arbeiten von Hesse sind: "Ein Ohr in einem Teich" (1965, San Francisco Museum of Modern Art); "Ringaround Arosie" (1965, MOMA, New York); "Tomorrow’s Apples" (5 in Weiß) (1965, Tate Modern, London); "Addendum" (1967, Tate Modern, London); "Repetition Nineteen I" (1968, MOMA, New York) und "Untitled" (Wandstück) (1970, Des Moines Art Center). Anerkannt als einer der vielversprechendsten Bildhauer des 20. Jahrhunderts Hesse erhielt 1972 große Retrospektiven (New York, Chicago und anderswo) und 1979 (London, Otterlo und Hannover). Beschreibe sie Avantgarde-Kunst kurz vor ihrem tod sagte sie: "absurdität ist das schlüsselwort. es hat mit widersprüchen und widersprüchen zu tun."

HINWEIS: Weitere wichtige Bildhauerinnen und Installationsfachleute in den späten 1960er Jahren in Amerika: Louise Nevelson (1899-1988), Louise Bourgeois (1911-2010), Judy Chicago (geb. 1939) und Carole Feuerman (geb. 1945).

Frühen Lebensjahren

Eva Hesse wurde im nationalsozialistischen Deutschland in eine jüdische Familie hineingeboren und in ein Waisenhaus in Amsterdam geschickt, bevor sie zwei Monate später von ihren Eltern zurückgefordert wurde, die sie (und ihre Schwester) nach New York brachten. Obwohl diese Auswanderung sie aus den Konzentrationslagern rettete, ließen sich ihre Eltern bald scheiden und 1946 beging ihre Mutter Selbstmord. Diese frühe Geschichte des Verlassens hinterließ ein Erbe schwerer Angstzustände und Depressionen, die Hesse in ihrer Kunst kontinuierlich erforschen würde. (Siehe auch Holocaust-Kunst.)

Hesse absolvierte die Cooper Union und später, im Jahr 1959, die Yale School of Art. 1961 lernte sie einen Bildhauer namens Tom Doyle kennen und heiratete ihn. Drei Jahre später, im Juni 1964, verließen sie ihn, um ein Jahr in Deutschland zu arbeiten. Als sie ankam, sah sich die 28-jährige Hesse immer noch als Malerin. Es war ein Jahr voller Angst und Selbstzweifel: "Ich kann nicht so viele Dinge sein", vertraute sie ihrem Notizbuch an: "… Frau, schöne Künstlerin, Frau, Haushälterin, Köchin, Verkäuferin, all diese Dinge. Ich kann nicht einmal ich selbst sein. "

Wechselt zu Skulptur

Dennoch waren die zwölf Monate in Deutschland der Wendepunkt in Hessens künstlerischer Entwicklung. Sie verlagerte ihren Fokus auf plastische Kunst und am ende ihres aufenthaltes hatte sie ihre erste einzelausstellung im renommierten düsseldorf kunstverein. Doyle und Hesse lebten in der Nähe von Düsseldorf, wo die Einflüsse der beiden führenden Installationskünstler der Stadt, Gunter und Ucker Joseph Beuys, scheinen den Charakter ihrer stilistischen Verwandlung geprägt zu haben.

Hesse schuf die zwanzig brustartigen Hemisphären (ihre Assoziation), aus denen sie bestand abstrakte Skulptur "Ishtar" (1965, Privatsammlung), indem man akribisch Spiralen aus Kordeln um die Formen wickelt und klebt, sie malt und sie auf der evokativ behandelten Gesso-Oberfläche fixiert. Die schwarzen Plastikschnüre, die lose aus den Zentren jedes Hügels herausragen, stellen eine sinnliche, zerbrechliche Verbindung zu diesem ritualistisch wiederholten Mutterbild her. Die erotischen Kugeln in "Ishtar", die baumelnden phallischen Formen in "Mehrere" (1965, Sammlung Saatchi) und die anderen offen sexuellen Formen, die Hesses Skulptur von 1965 bis zum größten Teil des Jahres 1976 durchdringen, haben nicht nur im Zwangsprozess des Fetischismus einen Charakter ihre Herstellung aber in ihrer Wiederholung. Tatsächlich erinnern Titel und Komposition von "Ischtar" an den vielreihigen alten Fetisch Diana von Ephesus, der mit der semitischen Göttin der Liebe, Fruchtbarkeit und des Krieges verwandt ist, nach der Hesse ihr Werk benannt hat.

Die serielle Struktur der brustartigen Formen in "Ishtar" spielt auch direkt auf den systemischen Charakter der minimalistischen zeitgenössischen Skulptur an, die Hess in solchen Arbeiten erfolgreich angeeignet und personalisiert hat. Sie hat den allgemein unbestätigten, expressiven Inhalt des Minimalismus durchschaut und war davon bewegt, wie sich in ihrer Reaktion auf die Arbeit von zeigt Carl Andre (geb. 1935). "Ich fühle mich Carl Andre sehr nahe", sagte sie. "Ich fühle mich zum Beispiel emotional mit seiner Arbeit verbunden. Es hat etwas mit meinem Inneren zu tun. Seine Metallplatten waren das Konzentrationslager für mich." (Siehe auch Junk-Art.)

Aufgabe

Bald nachdem Hesse Ende 1965 nach New York zurückgekehrt war, verließ sie ihr Ehemann und ein Jahr später starb ihr Vater. Sie war panisch von dem unvermeidlichen Gefühl der Verlassenheit. Gleichzeitig wurden einflussreiche Ausstellungen wie "Exzentrische Abstraktion" (von ihrer Freundin Lucy Lippard im Herbst 1966 organisiert), Robert Morris "Nine at Leo Castelli" (die sogenannte "Warehouse Show" von Dezember 1968) und die Whitneys "Anti-Illusion: Procedure / Materials" (Anti-Illusion: Procedure / Materials) (von Marcia Tucker und James Monte im Sommer 1969 inszeniert) hat den Ruf Hesses als eine zentrale Figur für die Entstehung einer neuen Art von Illusion geprägt abstrakte Kunst (Postminimalismus) und möglicherweise einer der Top zeitgenössischen Künstlern in New York. Die zunehmend positive öffentliche Wahrnehmung ihrer Arbeit und eine Gruppe außerordentlich unterstützender Freunde – darunter Mel Bochner, Lucy Lippard, Robert Smithson und vor allem Sol LeWitt – förderten ein wachsendes künstlerisches Selbstbewusstsein, das Hessen emotional auf Trab hielt.

Die direkte Sinnlichkeit von Fiberglas und Latex

Im Laufe des Jahres 1967 verlagerte sich Hesses Arbeit von offen erotischen Bildern hin zu einer direkteren Art von Sinnlichkeit, die unmittelbar in den Materialien selbst vorhanden war und nicht als Symbol für etwas anderes. Ihre Entscheidung, Anfang 1968 mit Glasfaser- und Latexkautschuk zu arbeiten, hing mit ihrer Transluzenz und Lumineszenz, der praktischen Körperlichkeit, den Körper der Arbeit in Schichten wie eine Haut aufzubauen, und der Empfindlichkeit beider Materialien bei Berührung zusammen. Die kettenartigen Abfolgen einfacher Einheiten, die als Kompositionsprinzip vieler dieser späten Arbeiten dienen, spiegeln bewusst die zugrunde liegende Struktur der Polymere selbst wider – Hesse versuchte, in grundlegender Weise mit der Unsichtbarkeit ihrer Materialien in Beziehung zu treten. (Siehe auch: Feministische Kunst.)

Im späten Frühjahr 1968 hatte Hessen begonnen, mit einem Kunststoffhersteller auf Staten Island zusammenzuarbeiten. Wie so viele Künstler in den 1960er-Jahren stellte sie fest, dass die Hilfe von externen Verarbeitern und Studioassistenten das Produktionstempo und die Entwicklung von Ideen beschleunigen und ihr die Möglichkeit geben könnte, ihre Arbeit zu erweitern Installationskunst durch die Schaffung einer größeren "Umgebung" für die Zuschauer. Doug Johns, einer der Inhaber des Kunststoffkonzerns, war so begeistert von der Arbeit mit Hesse, dass er bis September sein Geschäft geschlossen hatte, um sich ganz auf sie zu konzentrieren. Johns direkt vor Ort zu haben, um die strukturellen Probleme zu lösen, ermöglichte Hesse eine viel größere Spontanität und die Fähigkeit, Ideen schnell zu generieren und umzusetzen.

In Werken von 1969 wie "Expanded Expansion", "Contingent" und "Untitled (Ice Piece)" setzte sich Hesse mit der Idee der unendlichen Expansion auseinander. Sie "beziehen Stellung zur Absurdität", wie sie es ausdrückte, indem sie die Unfassbarkeit der unendlichen Ausdehnung des Raumes, die unwahrscheinliche Umwandlung abstoßender Oberflächen in schöne Licht- und Formeffekte und den Widerspruch zwischen der Stärke des Fiberglases und der Zerbrechlichkeit herausforderten des Latex. Sie entschied sich sogar dafür, Unbeständigkeit in die Arbeit einzubauen, indem sie den Latex in einer Weise einsetzte, die seine ordnungsgemäße Aushärtung beeinträchtigte.

Hinweis zur Wertschätzung von Skulpturen
Informationen zur Bewertung postmoderner amerikanischer Bildhauer wie Eva Hesse finden Sie unter: Wie man moderne Skulptur schätzt. Zu früheren Werken siehe: Wie man Skulptur schätzt.

Hesses Sinn für Absurdität

"Kunst und Arbeit und Kunst und Leben sind sehr verbunden und mein ganzes Leben war absurd", sagte Hesse zu Cindy Nemser. "Es ist in meinem Leben nichts passiert, was nicht extrem war – persönliche Gesundheit, Familie, wirtschaftliche Situation… Ich war mir immer bewusst, dass ich Ordnung gegen Chaos, Faden gegen Masse, Riesen gegen Klein, und ich würde versuchen, die absurdesten oder extremsten Gegensätze zu finden. "

Diese Anziehungskraft zwischen den Polaritäten liegt sowohl der Erotik als auch dem bewussten Humor von Hesses Werk zugrunde. Im Ohne Titel ("Wall Piece") von 1970 setzten die vier Glasfaserkästen mit heraushängenden, zarten Schnüren eine klare Gesamtreihenfolge. Die liebenswerte anthropomorphe Exzentrizität jeder Einheit verhöhnt jedoch die Konformität der seriellen Regelmäßigkeit.

Anfang April 1969 erkrankte Hesse an einem Hirntumor und wurde drei Mal operiert, bevor sie im Mai 1970 im Alter von vierunddreißig Jahren endgültig verstarb. Die Tatsache, dass sie bereits 1968 ein System der Zusammenarbeit mit Assistenten entwickelt hatte, ermöglichte es ihr, bis zum Ende weiterzuarbeiten, und in der Tat produzierte sie ihre größte Arbeit in diesem letzten Jahr. Das "Untitled (Rope Piece)" von 1970 untergräbt beispielsweise die Vorstellung von fester Form und Skala. Wie im gestischen Feld eines Pollock zieht das Detail in dieser Arbeit den Betrachter in seinen Bann, entstellt ihn jedoch durch seine Unvertrautheit mit Material und Form. "Ich wollte mich total in eine Vision stürzen, an die ich mich anpassen und verstehen lernen musste", sagte sie. "… ich möchte meine Kunst vielleicht auf etwas erweitern, das es noch nicht gibt."

Werke von Hessen befinden sich in mehreren der besten Museen Amerikas, darunter: Whitney Museum of American Art, New York; Museum für moderne Kunst, New York; und das Kunstinstitut von Chicago. Im Ausland ist sie in mehreren Sammlungen zeitgenössischer Kunst vertreten, unter anderem in der Saatchi Galerie, und das Tate-Sammlung, London.

Verwandte Artikel

VERWEISE
Wir danken Jonathan Fineberg (2000, Laurence King Publishing) für die Verwendung von Material aus "Art Since 1940", ein herausragendes Nachschlagewerk für jeden ernsthaften Studenten der zeitgenössischen Kunst.