Moderne britische Skulptur Automatische übersetzen

Geschichte und Eigenschaften

Der Bruch mit dem Traditionellen Naturalismus war nur ein Teil einer neuen Bewegung in der Kunst, die später international akzeptiert und angenommen wurde. Diese Bewegung begann in Paris gegen Ende des neunzehnten Jahrhunderts, als interessante Dinge mit der Malerei passierten. Die Künstler begannen, auf eine neue Art und Weise zu arbeiten, die den anerkannten traditionellen Methoden der Zeit widersprach. Diese Experimente in Gemälde, die später zu verbreiten waren Skulptur sollten in der Tat sehr weitreichende Konsequenzen haben. Tatsächlich sollten sie die gesamte Konzeption der Kunst für das 20. Jahrhundert verändern und eine neue Reihe von Modernisten einleiten Ästhetik was sich für den Rest des Jahrhunderts weiter verändern würde.

Die britische Öffentlichkeit war diesen Trends erstmals im Jahr 2000 ausgesetzt moderne Kunst im Jahr 1910 durch eine Reihe von Ausstellungen in London von Roger Fry, einer der führenden Briten Kunstkritiker. Zu dieser Zeit die ursprüngliche moderne Kunstbewegung, Impressionismus, verwandelte sich in einen zweiten Satz, wieder anders, bekannt als Post-Impressionismus. Der erste Satz beschäftigte sich fast ausschließlich mit Malerei und natürlichem Realismus, der zweite aber auch mit den ersten Experimenten in plastische Kunst weg von den traditionellen Methoden des Arbeitens und Sehens.

Zu Beginn dieses Jahrhunderts zeigte sich die britische Öffentlichkeit bemerkenswert widerstandsfähig gegen Änderungen jeglicher Art in Fragen der Kunst. Sogar die Gemälde der impressionistischen Schule, die in anderen Ländern längst etabliert und hoch angesehen waren, wurden in England zu dieser Zeit überhaupt nicht ernst genommen. Und da die britische Öffentlichkeit die leicht verständlichen Impressionisten, die auf direkt ungeplante Weise realistisch erkennbare Motive malten, nicht akzeptierte, war sie kaum bereit, die Postimpressionisten zu verstehen, die Nachahmung und Tradition abzulehnen versuchten Realismus in der Kunst insgesamt. Damit werden diese ersten Ausstellungen moderner Kunst – wie die Waffenschau in New York – öffnete die Augen einiger in England arbeitender Künstler, die Reaktion war im Allgemeinen eine heftige Ablehnung. Tatsächlich ist der Sturm, der durch den ersten Anblick von "moderner Kunst" (wie er damals noch als "moderne Kunst" bezeichnet wurde) in diesem Land ausgelöst wurde, bis heute kaum verflogen – und das aus gutem Grund. Seitdem sollte Kunst immer mehr zu einer Spezialität werden und daher für den Ungeübten immer schwieriger zu verstehen sein.

Einfach ausgedrückt, der Grund für die fast einstimmige Ablehnung der neuen Bewegung war der Unterschied zwischen gegenständliche Kunst, die natürliche Dinge auf eine erkennbare Art und Weise darstellten, die jeder verstehen konnte, und nicht darstellend oder abstrakte Kunst, die es nicht taten, und von denen zu dieser Zeit nur sehr wenige Menschen erwartet werden konnten, dass sie Kopf oder Schwanz davon machen.

Lassen Sie uns zunächst zugeben, dass die einfachste Art, ein Kunstwerk zu beurteilen, darin besteht, dass es natürlichen erkennbaren Dingen ähnelt. Wenn diese einfache Methode der Kunstbeurteilung aufgehoben wird, verliert der Durchschnittsmensch den einzigen Standard der Kunstkritik, den er kennt. Wir können jetzt vielleicht anfangen zu verstehen, warum die moderne Kunst so viel Unbehagen hervorrief, denn da alle Kunstwerke zu dieser Zeit in England gegenständlich waren, konnte sich fast jeder für berechtigt halten, feste Meinungen zu vertreten Kunst, auch wenn er noch nie in einer Kunstgalerie gewesen war oder eine Kunstausstellung in seinem Leben gesehen hatte.

Dies erklärt auch, warum es nicht "abstrakte" Kunst (oder nicht gegenständliche Kunst) war, die den Durchschnittsmenschen so sehr irritierte, sondern jene zahlreicheren Arbeiten, die irgendwo zwischen dem Abstrakten und dem Erkennbaren lagen – Arbeiten, in denen der Künstler erkennbar verwendete natürliche Dinge, die er jedoch je nach Bedarf seiner Arbeit verzerrt oder sogar neu geordnet hatte. Dies machte die damalige Öffentlichkeit wirklich wütend. Rein abstrakte Arbeiten, die sie ignorieren könnten, da sie kein bildliches oder illustratives Interesse haben. Die Werke stellten nichts Erkennbares dar, und daher gab es in ihnen nichts, was die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit auf sich zog oder worüber sie sprechen konnten. Verzerrte Arbeit war eine ganz andere Sache, denn sie zeigte erkennbare Dinge, die absichtlich falsch aussahen. Verzerrung war daher eine direkte Beleidigung des öffentlichen Wissens darüber, wie die Dinge aussehen sollten, und daher eine direkte Beleidigung ihres Status als Kunstkritiker. Die Verzerrung, insbesondere der menschlichen Figur, ließ dem Durchschnittsmenschen keine andere Antwort als Lächerlichkeit zu, und unter den gegebenen Umständen sollte die Lächerlichkeit selbst lächerlich werden. Denn ohne dumm zu sein, können wir nicht als Fehler bezeichnen, dass die Hände einer skulptierten Figur zu groß sind, wenn sie doppelt so groß sind, oder dass der Bildhauer den Kopf zu klein gemacht hat, wenn er nur halb so groß ist sollte den normalen menschlichen Proportionen entsprechen. Verzerrungen dieser Größenordnung waren eindeutig beabsichtigt und Teil der konkreten Absicht des Bildhauers.

Jacob Epstein

All dies mag erklären, warum die neue Kunstbewegung in Großbritannien auf solchen Widerstand stieß und warum die Menschen zwanzig Jahre nach ihrer Einführung in die britische Öffentlichkeit immer noch stark genug an der „modernen Kunst“ interessiert waren, um ein von der ersten Moderne geschaffenes Werk zu verunstalten Bildhauer in England zu üben. Das Werk war das Denkmal für den Naturforscher WH Hudson in Hyde Park. Der Bildhauer war der umstrittenste Künstler Jacob Epstein Epstein war auch für die Figuren " Night " und " Day " verantwortlich, die er für die U-Bahnstation St. James’s Park schnitzte. In der Tate Gallery gibt es eine Bronze namens " The Visitation " von ihm und eine weitere großartige Bronze, " Madonna and Child ", im Kloster des Heiligen Kindes Jesus am Cavendish Square in London, die er 1952 modellierte.

Epsteins Steinskulptur löste bei jedem neuen Werk eine Leidenschaft für öffentliche Abneigung und Presseanklage aus. Sein Model für Porträtbüsten und Bronzen, die mehr gegenständlich, weniger verzerrt und daher weniger im modernen Stil sind, erfreuten sich beträchtlicher Gunst. Der freie brillante Umgang mit den modellierten Porträts, ähnlich dem großen französischen expressionistischen Bildhauer Auguste Rodin (1840-1917) wurde besonders bewundert. Dies sind auch hervorragende Porträts, die unverwechselbare Ähnlichkeiten aufweisen und in ihrer Komposition und Technik originell und erfinderisch sind. Menschen konnten die unbestreitbare Kunstfertigkeit und technische Sicherheit seiner Modellierung nicht mit seinen Steinmetzarbeiten vereinbaren. Die starken gestalterischen Qualitäten dieser Schnitzereien mit ihren skulpturalen Vereinfachungen und kompromisslosen Verzerrungen sorgten immer wieder für öffentlichen Protest. In den 1930er Jahren verdiente eines dieser Werke, eine Figur mit dem Titel " Genesis ", tatsächlich Geld in einer Nebenschau in Blackpool, in der es ausgestellt wurde, nicht wegen seiner skulpturalen oder ästhetischen Qualitäten, sondern wegen seines populären Schockwerts als "Hass" ’ Objekt.

Gezeichnet zu den ernsten Arbeiten von historischem und Biblische Kunst Epsteins größtes und zeitloses Meisterwerk ist die monumentale Bibel Statue mit dem Titel Adam (1938, Harewood House, Leeds, UK). Andere Beispiele von ihm Christliche Kunst umfassen: Lazarus (1947-48, Oxford, New College Chapel); Christus in Majestät, 1954-54, Kathedrale von Llandaff); und St. Michael und der Teufel (1956-8, Coventry Cathedral).

Eric Gill

Die moderne Kunst wurde in den Werken von Eric Gill , dessen Verwendung von Vereinfachungen und Verzerrungen viel weniger aggressiv war als die von Epstein, für Kunstliebhaber akzeptabler. Gill war wie Epstein ein direkter Carver. Tatsächlich würde Gill kaum zugeben, dass jemand, der eine Statue zuerst aus Ton modellierte und dann von jemand anderem in Stein kopieren ließ, überhaupt ein Bildhauer war. Seine Arbeiten sind immer sehr bewusst „gestaltet“, aber seine Figuren sind immer gegenständlich und sein Stil ist der traditionellen Skulptur viel näher als der modernen. Seine Arbeit bot einen guten Kompromiss zwischen Tradition und Neuem, der für eine große Anzahl von Menschen in diesem Land völlig akzeptabel war. Es gibt viele Bildhauer, die immer noch auf diese Weise arbeiten und eine Darstellung verwenden, die durch das Design, die Vereinfachung und die Verzerrung einiger früherer Formen der modernen Skulptur verstärkt wird. Einige von Eric Gill öffentliche Kunst Skulptur kann auf Broadcasting House gesehen werden. Es repräsentiert Prospero und Ariel, den alten Mann und das Sprite aus Shakespeares The Tempest. Eine weitere Gruppe desselben Themas befindet sich in der Tate Gallery. Gill war jedoch vielleicht der Beste im Flachrelief, und Beispiele sind in London in der katholischen Kathedrale in Westminster zu sehen. Er hat für dieses Gebäude während des Ersten Weltkrieges " Die Stationen des Kreuzes " geschnitzt.

Henry Moore

Bei weitem der wichtigste der modernen englischen Bildhauer war jedoch Henry Moore (1898-1986), der 1928 seine erste Ausstellung hatte und zu gegebener Zeit einen internationalen Ruf als einer der größten Bildhauer des 20. Jahrhunderts erlangte. Seine Arbeiten bewegten sich zwischen halbrepräsentativer Skulptur und formaler nichtrepräsentativer oder abstrakter Skulptur. Bekannt vor allem für seine Erforschung von biomorphe Abstraktion Eine große Anzahl seiner Arbeiten basierte auf dem Thema "Liegende Figur". Manchmal sind diese Schnitzereien als menschliche Figuren deutlich zu erkennen, in andere ist die Form mit Löchern eingeschnitten, und Teile der Figur sind sogar vollständig entfernt, andere erscheinen wieder als Gruppen von natürlich aussehenden Steinen oder Felsblöcken, die vom Bildhauer kaum berührt zu sein scheinen Meißel. Unabhängig vom Stil vermitteln jedoch alle stark das Gefühl der Präsenz der Figur. Uns wird gesagt, dass das Wichtigste für Moore das Material ist, das er verwendet, der Stein selbst. Er erklärte, dass ihn die geschwungenen Formen und natürlichen Löcher in Steinen – wie Wind und Wasser sie getragen haben – ebenso faszinierten wie die mysteriösen Höhlen in Hügeln und Klippen. Es gibt Beispiele von Moores Arbeiten in der Tate Gallery. Eine heißt Liegeradfigur. Es hat die Kurven und Löcher, die verwitterte Felsen haben, und schlägt dennoch eine Frau vor, die auf dem Boden liegt. Weitere Arbeiten in London sind eine " Draped Reclining Figure " und eine abstrakte Leinwand aus Portlandstein im Time-Life-Gebäude. Es gibt viele Beispiele, die auch in der Tate Gallery zu sehen sind. Ein besonders schönes Beispiel für Moores Bronzeskulptur ist Locking Piece (1963-4, Millbank, London: Henry Moore Foundation).

Barbara Hepworth

Ein weiterer wichtiger britischer Bildhauer ist Barbara Hepworth (1903-1975). Wie Henry Moore veranstaltete sie 1928 ihre erste Ausstellung; Tatsächlich kamen diese beiden Bildhauer aus demselben Bezirk und besuchten dieselben Kunstschulen. Abgesehen von einer kurzen Zeit in den 1930er Jahren, als sie an ähnlichen Problemen in der Bildhauerei arbeiteten, waren ihre Ziele grundsätzlich unterschiedlich. Die menschliche Figur erscheint nie in der typischen Arbeit von Barbara Hepworth. Ihre Skulptur ist in ihrer Absicht völlig abstrakt: eine Form von nicht-objektive Kunst, basierend auf geometrischen und anderen Grundformen. Ihre Schnitzereien tragen Titel wie "Formen", "Kugeln", "Skulptur mit Farbe" usw. – Titel, die die Tatsache betonen, dass sie kein Lebewesen darstellen oder andeuten sollen. Da ist einer in der Tate Gallery Zum Beispiel ’ Bicentric Form ’ genannt. Weitere Werke von Barbara Hepworth in London sind die abstrakten Figuren auf der Vorderseite der Festival Hall, ’ Meridian ’ im State House und ’ Orpheus ’ in Messing im Milliard House. In New York steht ihr Denkmal für Dag Hammarsjold – Single Form (1961-4) neben dem Gebäude der Vereinten Nationen. Hepworth begann ab den frühen 1930er Jahren auf die gleiche abstrakte Art und Weise zu arbeiten, was für ihn unmodern früh war abstrakte Skulptur in England. Ihre Arbeiten erregten nicht das gleiche öffentliche Missfallen wie das von Epstein und Moore, obwohl es vielleicht eher den ersten Prinzipien der modernen Kunst und der damit verbundenen Abstraktion entsprach.

Ben Nicholson

Wie wir gesehen haben, war es für die Öffentlichkeit schwierig, sich so leidenschaftlich wie möglich für ein Werk der vollkommen abstrakten Kunst zu begeistern, das Verzerrungen der menschlichen Figur aufwies. Der englische Maler und Bildhauer Ben Nicholson (1894-1982) produzierten zu dieser Zeit in den 1930er Jahren eine einzigartige Art von Monochrom Reliefskulptur – mit dem Titel "weiße Reliefs". Diese Arbeiten bestanden aus Flachrelief-Hartfaserplatten in einem formalen geometrischen Geist. Sie sind eine streng abstrakte Form von konkrete Kunst und sind neben ihren ästhetischen Werten insofern interessant, als sie sich zwischen Malerei und Skulptur bewegen. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wurde es sehr schwierig, die Trennung zwischen Malerei und Skulptur zu definieren. Gemälde wurden oft zu Hochreliefs zusammengefügt, der traditionelle Rahmen und die formale rechteckige Form des Bildes wurden oft aufgegeben und das Bild in eine Art 3-D-Relief verwandelt. Die Skulptur hingegen erinnerte an flache Reliefs, manchmal aus Plastik oder Schrott, die wie ein Bild an der Wand hingen. Ein Bildhauer namens Cesar (Cesar Baldaccini) (1921-98) verwendeten sogar Schrott, meist in Form von Kraftfahrzeugkarosserien, die für den Schrotthandel zu Ballen oder Bündeln verpresst wurden. Von diesen schuf Cesar eine Skulptur, einschließlich halbplastischer Reliefs, die einigen Gemälden des amerikanischen "Action" -Malers sehr ähnlich sehen. Jackson Pollock (1912 & ndash; 56).

Mit dem Ende des Zweiten Weltkriegs tauchten eine Reihe neuer britischer Bildhauer als bedeutende Künstler auf, doch erst in den 1950er-Jahren erlangte ihre Arbeit eine echte Auszeichnung für die britische Bildhauerei auf internationaler Ebene. Dies war eine erstaunliche und höchst unerwartete Leistung für ein Land, dessen Publikum dem Einfluss der modernen Kunst so stark widerstanden hatte. Bis dahin waren Jacob Epstein, Henry Moore und Barbara Hepworth die einzigen modernen Künstler in Großbritannien, die in der Lage waren, Skulpturen in ausreichendem Maße zu entwickeln, um einen internationalen Ruf im Ausland zu erlangen. So war es in der Tat sehr überraschend, als eine ganze Gruppe britischer Bildhauer, nicht nur Henry Moore und Barbara Hepworth, deren Ruf bereits hergestellt wurde, sondern auch eine jüngere Generation von Bildhauern, mit Arbeiten, die in ganz Europa anerkannt und ausgestellt wurden, viele Preise und Auszeichnungen erhielt und Nord- und Südamerika. Und sie gewannen in den 1950er Jahren weiterhin Preise und Anerkennung.

Reg Butler, Lynn Chadwick und Kenneth Armitage

Die herausragenden Bildhauer dieser jüngeren Gruppe waren Reg Butler (1913-81), Lynn Chadwick (1914-2003) und Kenneth Armitage (1916-2002). Der allgemeine Trend ihrer Arbeit zu dieser Zeit war die letzte Phase der Repräsentation, in der die Repräsentation verschwindet und das Abstrakte übernommen hat. Ihre skulpturalen Formen sind grundlegend und gehören zur Geometrie, aber es gibt störende menschliche Echos in der Arbeit, besonders in ihrer allgemeinen Silhouette. Um ein Gefühl der skulpturalen Masse zu erreichen, vergrößerte Kenneth Armitage die Körper seiner Figuren und reduzierte die Bedeutung ihrer Extremitäten. Köpfe, Arme und Beine werden zu bloßen Noppen oder stäbchenartigen Ergänzungen der Figur. Armitage hat diese Idee ebenfalls weiterentwickelt, indem nicht eine, sondern viele Figuren zu einer einzigen großen Form zusammengefasst wurden. Die Arbeit von Lynn Chadwick, der mit seinem Entwurf für ein Denkmal für den "unbekannten politischen Gefangenen" einen Preis gewann, beschäftigte sich weniger mit der menschlichen Figur als mit Armitage und Butler. Seine Skulpturen erschaffen eine seltsame Vorstellungswelt von insektenähnlichen Wesen, stacheligen Vögeln und Tieren, scharf, eckig und bedrohlich.

Reg Butler, der 1953 mit seiner Maquette (kleines Skizzenmodell) für ein Denkmal für den "Unbekannten politischen Gefangenen" den Großen Preis im Internationalen Skulpturenwettbewerb gewann, zeigt in seinem späteren Werk eine Rückkehr zu einer traditionelleren Arbeitsweise. Seine Arbeit auf diese Weise ist völlig gegenständlich. Die modellierten Oberflächen haben die gleiche Textur wie Rodins Arbeit, die Figuren sind jedoch leicht verzerrt, um die Pose zu betonen. Obwohl sie gegenständlich sind, wirken diese Werke sehr "modern". In der Tate Gallery gibt es ein für diese Phase in Butlers Werk typisches Bronze- Mädchen, in dem auch Beispiele für die Arbeiten von Chadwick und Armitage zu sehen sind. Für einen internationalen Bildhauer, der in einem nicht allzu unterschiedlichen Stil arbeitet, siehe den Schweizer Künstler Alberto Giacometti (1901-1966).

Metall-Skulptur

Es gibt keinen Grund, die verschiedenen Stile und Arbeitsmethoden der 1950er Jahre zu erwähnen. Einige Bildhauer arbeiteten in der Sprache von Konstruktivismus andere in der Mitte von kinetische Kunst (Handys und andere bewegliche Skulpturen). Metall wurde immer häufiger in Form von ausgeschnittenen oder geschmiedeten Eisenstücken verwendet, die zusammengeschweißt wurden. Andere Bildhauer verwendeten Maschinen- und Schrottteile, die sie als erkennbare Teile zusammenschweißten.

Für andere mit Kinetik verbundene Bildhauer siehe: Naum Gabo (1890-1977) und Jean Tinguely (1925-1991). Für diejenigen, die mit Metall zu tun haben, siehe: Mark Di Suvero (b.1933) und Richard Serra (geb. 1939).

In den 1950er Jahren wurde großes Interesse an der strukturellen Behandlung der Oberfläche der Skulptur gezeigt. Textur kann durch den Charakter des Materials und die Art und Weise, wie es geformt wird, auf natürliche Weise entstehen. Weicher modellierter Ton oder Terrakotta-Skulptur Offensichtlich hat es eine ganz andere Oberflächenqualität als geschnittenes Holz oder Stein. Harter Stein hat eine andere Oberflächenqualität als weicher Stein. Die früheren "modernen" Bildhauer beschäftigten sich sehr mit der Idee, die richtigen Oberflächen für die verschiedenen Materialien zu finden, die sie verwendeten. "Wahrheit zum Material" war eine ihrer Arbeitsregeln. Henry Moores Liebe zu "natürlichen" Steinoberflächen ist aus dieser Überzeugung entstanden. In den 1950er Jahren interessierten sich jedoch einige Maler und Bildhauer für Oberflächenstrukturen.

Eduardo Paolozzi

Eduardo Paolozzi (1924-2005) ist ein Bildhauer, der den Einsatz von Texturen vielleicht an seine Grenzen stößt. Paolozzi wurde 1924 als Sohn italienischer Eltern in Edinburgh geboren. Er verwendete vielfach strukturierte Oberflächen auf seinen Bronzen, die er durch die Verwendung von Metallschrott und Metallabdrücken vor dem Gießen erhielt. Darüber hinaus wurde viel mit neuen Materialien und neuen Methoden der Materialverwendung experimentiert. Wir haben gesehen Assemblage-Kunst hergestellt aus "Junk" – oder "gefundenen" Materialien. (Siehe zum Beispiel Empire II des amerikanischen Bildhauers Robert Rauschenberg.) Motorreifen, abgenutzte Maschinen, Abfallmaterialien und allerlei unwahrscheinliche Abfälle wurden in der zeitgenössischen "Skulptur" verwendet. Manchmal präsentiert der Bildhauer diese Materialien so, wie sie sind, aber oft sind sie in Bronze gegossen, was ihnen mit Sicherheit mehr Würde und Prestige als "Kunstobjekte" verleiht. (Siehe zum Beispiel Ale Cans von Jasper Johns.)

Anthony Caro

Eine weitere einflussreiche Figur in der britischen Nachkriegsskulptur, die mit Metall zu arbeiten begann, war Anthony Caro (1924-2013). Als Assistent von Henry Moore in den frühen 1950er Jahren wechselte Caro von figurativer Darstellungskunst zu abstrakter Metallskulptur, nachdem er den abstrakten amerikanischen Bildhauer getroffen hatte David Smith (1906-1965), 1959. Sein bahnbrechender Abstraktionsstil wird durch Early One Morning (1962, Tate Gallery, London) veranschaulicht.

Neue Materialien in der modernen Skulptur

Experimente wie diese können als Übungen aufgefasst werden, in denen der Künstler den Charakter seines Materials, seine Eigenschaften und seine Entwicklungsmöglichkeiten erlernt. Die Verwendung eines Materials, das noch nie für die Herstellung von Skulpturen verwendet wurde, bedeutet natürlich, dass der Künstler eine neue Arbeitsweise erfinden muss. Er hat in diesem Material eine neue Art von Schönheit gesehen, die vielleicht niemand zuvor geschätzt hat, und er muss diese auf eine Weise entwickeln, die ihn als Künstler zufriedenstellt. Jedes verwendbare Material, ob traditionell oder nicht, wird einem sensiblen Künstler seine eigene korrekte Art der Behandlung vorschlagen. Neue oder nicht traditionelle Materialien können somit nicht nur einem kreativen Künstler einen neuen Ansatz bieten, sondern auch zur Entdeckung neuer Arten von Schönheit führen. Das Verdienst einer Technik hängt jedoch ausschließlich vom Verdienst des Künstlers ab, der sie einsetzt. Das Werk eines schlechten Künstlers wäre immer noch schlecht, selbst wenn es aus reinem Gold gegossen wäre. Die Arbeit eines guten kreativen Künstlers kann auch dann gut sein, wenn er mit Altmaterialien arbeitet.

Collage

Die Produkte solcher Experimente sind tendenziell abstrakt. Der Bildhauer macht das Material zum Thema seiner Arbeit, er verwendet das Material nicht, um etwas anderes zu imitieren. Solche Arbeiten bleiben abstrakt, auch wenn tatsächlich erkennbare Objekte in der Skulptur verwendet werden. Damit die Verwendung von Objekten nicht gegenständlich ist, werden die Objekte für sich selbst verwendet. Dieses Gerät wurde von Anfang an in der Praxis der modernen Kunst eingesetzt. Es wurde von den frühen Postimpressionisten in ihre Gemälde und Skulpturen eingeführt. Sie verwendeten gedruckte Zeitungs-, Wachstuch- und andere Materialien, die sie wegen ihres Musters oder ihrer Textur auf ihre Gemälde klebten. Diese Arbeitsweise wurde bekannt als Collage ’und es wurde auf verschiedene Arten in der Malerei und Skulptur entwickelt. Bereits 1914 verwendeten Maler tatsächliche Materialien und Gegenstände, um eine dreidimensionale (oder feste) Skulptur nach den Prinzipien von zu schaffen Kubismus (siehe Werke von Archipenko) und seine Schwesterbewegung Futurismus (siehe Werke von Umberto Boccioni). Die Idee wurde viel von der Surrealismus Bewegung und wir sehen es auch in der Arbeit von Künstlern, die in den 1950er Jahren mit Textur experimentierten. Sie befestigten stark strukturierte Materialien an ihren Gemälden. (Grobe Sackleinen, Fischernetze, Zwiebelsäcke und alle Arten von Material wurden auf diese Weise verwendet, oft mit reichhaltiger Wirkung.)

In den Händen späterer Künstler entwickelte sich die "Collage" zu einem beliebten oder Pop-Art Aber für diese Art von Arbeit werden gewöhnlich Fotografien und Zeitungsausschnitte verwendet. (Die Viktorianer nutzten die Idee auch ausgiebig, um Bildschirme usw. in der Art eines Sammelalbums abzudecken.) Die Einbeziehung realer Objekte verleiht einem Kunstwerk eine neue Qualität, die viele Künstler genutzt haben. Der Einsatz von erkennbaren Schrottmaschinenteilen wurde bereits erwähnt, zusammen mit "Assemblages", die die Idee an ihre Grenzen bringen. Assemblagen sind Anordnungen von Gegenständen und Teilen von Gegenständen und gehören zur Sprache der "Schrottskulptur".

Bereit Mades

Eine andere Art der Verwendung realer Objekte wurde 1913 von einem französischen Künstler eingeführt. Marcel Duchamp (1887-1968) – gilt als der Vater von Junk Art – die ein Fahrradrad schmucklos und "fabrikneu" ausstellten. Dies war vielleicht das erste Beispiel für diese Art des Denkens, und Exponate dieser Art wurden den Bildhauern als " Ready Mades " bekannt. Der Künstler machte auf die Schönheit eines sehr gewöhnlichen und unbedachten Produkts seiner Zeit aufmerksam. Duchamp wiederholte diese Aufführung zwei Jahre später mit einer Schneeschaufel, die er " Im Vorfeld eines gebrochenen Arms " nannte. ’Ready mades’ sind seitdem regelmäßig in Ausstellungen zu sehen.

Eine Variation dieses Aspekts des Realismus erschien in der Ausstellung ’ British Sculpture in the Sixties ’, die 1965 in der Tate Gallery stattfand. Sie trug den Titel ’ Mounted Infant ’ und bestand aus einem kleinen Tisch und einem Eckschrank mit sehr wenigen Ergänzungen. Es deutet darauf hin, dass ein kleiner Junge auf einem Pferd sitzt, aber sein Hauptinteresse liegt in der Tatsache, dass es komplett in Bronze gegossen ist. Es könnte kaum realer aussehen, eher wie ein Tisch und ein Schrank, wenn es noch in seinem ursprünglichen Zustand wäre.

Neue bildhauerische Methoden und Techniken

Wir sehen, dass die Absichten und Ideen der Pioniere der modernen Kunst nach vielen Jahren positiven Widerstands in England Fuß gefasst haben. Was auch immer die Gründe für die größere Toleranz der Öffentlichkeit in den 1950er Jahren waren, es hat den Künstlern hier ermöglicht, ihre Arbeit mit größerer Freiheit zu entwickeln. Infolgedessen hat die britische Bildhauerei jede verbleibende Einschränkung traditioneller Arbeitsweisen abschütteln können. Dem Bildhauer stehen nur noch wenige Hindernisse im Weg, er kann nach Belieben arbeiten.

Das spanische Genie Pablo Picasso (1881-1973) zeigten, dass ein Künstler die Möglichkeit hatte, seine Arbeitsweise im Laufe seines Lebens beliebig oft zu ändern. In Sachen Kunst muss diese Veränderung kein langwieriger emotionaler oder instinktiver Prozess langsamer Veränderung sein, sondern die langsame, unvermeidliche Entwicklung von Künstlern, die über lange Zeiträume hinweg arbeiten. Auch argumentieren die herausfordernden jungen Bildhauer von heute, dass das Erlernen seines Handwerks einem Bildhauer ein Leben lang dauern muss. Die bezahlte Assistentin des Bildhauers ist zurück. Außer heute dürfte er nicht der professionelle Steinmetz sein, denn obwohl Henry Moore und Barbara Hepworth Steinmetz als bezahlte Assistenten beschäftigt haben, reagieren Bildhauer derzeit wegen Stein als Material für die Bildhauerei seine starken traditionellen Assoziationen. Die professionellen Assistenten, die Bildhauer in der heutigen Ära der zeitgenössischen Kunst beschäftigen, sind eher Computer-Software-Experten oder computergestützte Design-Experten.

Moderne Skulptur muss neu sein

All dies ist eine Reaktion auf traditionelle Arbeitsweisen: Je weiter ein Künstler von traditionellen Werken abweicht, desto „moderner“ oder „zeitgenössischer“ oder aktueller und zukunftsorientierter dürfte sein Werk sein. Heute postmoderne Kunst wird von neuen Generationen von gemacht postmoderne Künstler die lange nach dem ursprünglichen Kampf gegen den Traditionalismus geboren wurden und von den Aktivisten des Kubismus geführt wurden. Aber Kunst erreicht keine Art von "Perfektion" und bleibt dann für immer so, denn was für ein Alter richtig ist, kann für ein anderes ganz falsch sein. Es ist töricht zu sagen, dass eine Statue empörend oder schlecht ist, nur weil sie nicht der vor 400 Jahren im Renaissance-Italien oder vor 2000 Jahren im antiken Griechenland geschnitzten Statue ähnelt. Eine schöne Arbeit von Avantgarde-Kunst ist nicht besser oder schlechter als gute Arbeit, die vor Hunderten oder Tausenden von Jahren geleistet wurde. Aber es ist und muss anders sein. Wenn nicht, dann ist es nur eine Kopie von etwas aus der Vergangenheit und drückt die Gedanken, Gefühle oder Ideen des Künstlers oder seiner Zeit nicht wirklich aus.

Weitere Ressourcen

Beispiele für moderne britische Skulpturen aus der Zeit von 1930 bis 1970 sind in mehreren der beste Kunstmuseen und Skulpturengärten auf der ganzen Welt.