Barockskulptur: Geschichte, Charakteristik Automatische übersetzen

Das Zeitalter des Barock hatte keinen Mangel an Bildhauern, obwohl nur wenige von ihnen herausragend waren - vielleicht nur Gian Lorenzo Bernini (1598-1680), der als Bildhauer noch größer war als als Architekt. Die Bildhauer, die die Besten ihres Fachs waren, arbeiteten mit einer nie dagewesenen Intensität, denn trotz der Bedeutung der barocken Architektur war die Bildhauerei die charakteristischste Form der christlichen Kunst des Barocks und bei weitem die am meisten verbreitete. Im Gegensatz zur Architektur und zur Malerei gelang es ihr nicht nur, eine in ganz Europa verbreitete Kunstsprache zu schaffen, sondern auch das Erscheinungsbild fast aller in dieser Zeit entstandenen künstlerischen Erzeugnisse zu beeinflussen. Kurz gesagt, das erste erkennbare Merkmal der barocken Skulptur ist ihre Allgegenwärtigkeit.

Die Werke der plastischen Kunst, die in dieser Zeit entstanden, lassen sich in zwei große Kategorien einteilen:
❶ solche, die der Dekoration dienen und der Architektur eine endgültige Form geben, und
❷ die Skulptur im gewöhnlichen Sinne des Wortes, als eigenständiges Objekt.

Architekturskulptur

Die Architektur verwendet die dekorative Bildhauerei auf drei typische Arten. Die erste besteht in der Form einer horizontalen Reihe von Statuen oder anderen Skulpturen, die den oberen Teil eines Gebäudes abschließen. Auch hier handelt es sich nicht um eine Erfindung des Barocks, doch wurde sie in der Barockzeit zu einem traditionellen Stilmittel, einer systematischen Technik. Sie entstand aus dem Brauch des siebzehnten Jahrhunderts, ein Gebäude „mit einer Attika“ abzuschließen. In Wirklichkeit handelte es sich um eine niedrige Brüstung, die die schrägen Seiten des Daches verdeckte und dem Gebäude von unten gesehen das Aussehen des Endes einer horizontalen Linie verlieh. Dieses Element war fast immer mit einer Reihe von Statuen geschmückt, die regelmäßig angeordnet waren und sich gegen den Himmel abhoben.

Beispiele hierfür sind der Petersdom in Rom, dessen ovale Kolonnade von Bernini selbst geschaffen wurde, und der Palast von Versailles, wo die Statuen durch riesige Urnen und Friese ersetzt wurden. Von der Attika oder dem Dach eines Gebäudes aus wurde diese Praxis auf andere horizontale Flächen ausgedehnt - Mauern, die Gärten umschließen, Brüstungen von Brücken, usw.

Einer der führenden Vertreter der Gartenplastik war der Italiener Carlo Bartolomeo Rastrelli, Vater von Bartolomeo Rastrelli (1700-1771), der 1716 während der Ära der petrinischen Kunst in Russland (1686-1725) aus Paris nach St. Petersburg kam. Er wurde mit der Ausschmückung mehrerer Paläste von Peter dem Großen beauftragt.

Eine andere architektonische Verwendung von skulpturalen Elementen wie Statuen bestand darin, Säulen als tragende Elemente zu ersetzen, seien es Karyatiden (Erhebungen in weiblicher Form) oder Telamone (in männlicher Form). Diese Verwendung geht auf das klassische Griechenland zurück und kam vor allem im österreichischen und deutschen Barock in Mode.

Die dritte und typischste Verwendung von Skulpturen in Verbindung mit Architektur sind Friese, Wappengruppen, Schriftrollen, Trophäen und ähnliche Elemente. Die Kombination von Bildhauerei und Architektur ging sogar so weit, dass die Bildhauerei scheinbar oder tatsächlich zur Architektur wurde, wie bei Berninis Baldachin im Petersdom, bei dem die Rollen der beiden Formen in einem Maße vermischt wurden, das dem barocken Geschmack entsprach.

Dies sind die Formen, in denen die Skulptur mit der Architektur verbunden ist.

Eine Anmerkung zur Wertschätzung der Skulptur
Um zu lernen, wie man die barocke Skulptur schätzt, siehe: Wie man die Skulptur schätzt . Für spätere Werke, siehe: Wie man die moderne Skulptur schätzt .

Traditionelle Bildhauerei

Werke, die der Bildhauer in früheren Jahrhunderten traditionell für Gräber, Altäre, Denkmäler usw. geschaffen hatte, wurden auch im Barock weitergeführt. In der Regel näherten sie sich in ihrer Gestaltung dem Bühnenbild an oder konnten sogar mit ihm verwechselt werden, mit einem theatralischen Ansatz, der an ein Bühnenbild erinnert - vielleicht passend zu der Zeit, in der das Melodrama und das moderne Theater aufkamen. In einer der Seitenkapellen beispielsweise stellt Bernini die Ekstase der Heiligen als ein theatralisches Ereignis dar, und die Mitglieder der Familie, die das Werk in Auftrag gegeben hat, sind in Lebensgröße dargestellt, in Logen sitzend, als säßen sie in einem Theater und sähen dem Spektakel zu. („Ektasie der Heiligen Teresa“ (1647-52) Marmor, Capella Cornaro, Rom - siehe unten).

Die traditionelle Barockskulptur zeichnet sich im Allgemeinen durch zwei Merkmale aus. Erstens war sie technisch perfekt. Die Kunstfertigkeit der Barockbildhauer war eine wahre Virtuosität, wenn es beispielsweise darum ging, das Aussehen der menschlichen Haut je nach männlichem oder weiblichem, altem oder jungem Subjekt darzustellen. Locken, Faltenwürfe, verschiedene Stoffe wie Wolle und Seide und die Beschaffenheit von Rüstungen wurden akkurat nachgeahmt.

Die Bildhauer beherrschten ihr Material so gut, dass es bei aus Marmor gefertigten Statuen unmöglich ist, die ursprüngliche Form des Blocks zu erkennen oder sich vorzustellen. Michelangelo, der die Ideale der italienischen Renaissance-Skulptur verkörperte, sagte, dass eine Statue den Eindruck erwecken sollte, dass sie ohne Schaden von der Spitze eines Hügels zum Fuß rollen könnte. Von den barocken Skulpturen kann nichts dergleichen gesagt werden. Sie verfolgen ein Ziel, das man als fotografisch bezeichnen könnte: die Verewigung der Bewegung. Dazu werden freie, lockere Konstruktionen verwendet, und die menschliche Figur ist viel schlanker, als es die Bildhauer der Renaissance für wünschenswert hielten.

In der Bildhauerei war ein weiteres - und das wichtigste - Merkmal dieser Zeit die Darstellung von Bewegung. Die Figuren wurden nie in Ruhe oder in einer ruhenden Pose dargestellt, sondern immer in Bewegung, und zwar meist in jenem Moment des geringsten Gleichgewichts, der den Höhepunkt der Bewegung darstellt, ein unmerklicher, aber dramatischer Moment, etwa wenn ein Springer nicht mehr steigt, aber noch nicht zu fallen begonnen hat und in einer möglichen Pose in der Luft steht. Als er Apollo darstellen wollte, der Daphne verfolgt, wählte Bernini den dramatischsten Moment, als Daphne sich in einen Lorbeerbaum verwandelt, um vor dem Gott zu fliehen: den Moment des Höhepunkts der Handlung. ) Apollo und Daphne (1622-5) Marmor, Galleria Borghese, Rom).

Wegen ihrer Vorliebe für die Bewegung erfreute sich die als figura serpentinata bekannte Skizze, die Schlangenfigur, im siebzehnten Jahrhundert großer Beliebtheit. Als Darstellungsform für die menschliche Figur tauchte sie erstmals in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts auf, in der Zeit unmittelbar vor dem Barock. Diese Form erleichterte die Darstellung des Körpers in einer spiralförmigen Bewegung, einer schnellen Drehung, wie bei einem Athleten, der einen Diskus wirft, oder einem Kampf - siehe: „Die Entführung der Sabinerinnen“ (1581-3, Marmor, Piazza della Signora, Florenz) von Giambologna .

Für eine Analyse einer griechischen Statue, deren emotionaler Charakter sowie ihre Bewegung einen großen Einfluss auf die barocken Bildhauer hatte, siehe Laokoon und seine Söhne (ca. 42-20 v. Chr., Vatikanische Museen).

Manchmal wurde die Komposition übertrieben und glich eher einer Erregung als einer Bewegung. Manchmal war der Künstler so sehr von den Effekten, die er erzielte, und seinem technischen Können eingenommen, dass er die Harmonie der Gesamtkomposition aus den Augen verlor. Ein solcher Effekt war jedoch immer wahrscheinlich, wenn wir von den Werken der Meister zu denen der Lehrlinge übergehen.

Eines der Verdienste des Barocks besteht darin, dass er Bedingungen schuf, unter denen zweitklassige Arbeit in die Ausführung komplexer Werke von großem künstlerischen Wert integriert werden konnte: Die großen, von bärtigen Figuren, Satyrn, Nymphen, Delphinen und verschiedenen Ungeheuern bewohnten Brunnen, die die Plätze und Gassen der barocken Städte und Gärten schmückten, die Dekoration der prächtigen Treppenhäuser in den Palästen dieser Zeit, bis hin zu den Gesimsen und anderen üppigen Dekorationen von Galerien, Salons, Kirchen und allen Arten von Innenräumen. In diesen Werken war der Gesamteindruck manchmal einfach nur orgiastisch, aber im Großen und Ganzen erzeugte der Barockstil eine triumphale Wirkung.

„Ekstase der heiligen Teresa“ Bernini (Cornaro-Kapelle)

Die Capella Cornaro ist das Herzstück der reich verzierten Barockkirche Santa Maria della Vittoria in Rom. Sie beherbergt eines der ehrgeizigsten Werke Berninis „Die Ekstase der Heiligen Teresa“, das als Mini-Theater konzipiert und geschaffen wurde. Die von Kardinal Federigo Cornaro in Auftrag gegebene Kapelle, die einen Raum an der Seite der Kirche einnimmt, ist eine unglaubliche Mischung aus Malerei, Bildhauerei und Innenarchitektur.

Theatralisch beleuchtet durch ein verborgenes Fenster an der Rückseite des Altars, fallen Strahlen göttlichen Lichts auf die aufgeregte, ohnmächtige Teresa auf dem Höhepunkt ihrer geistigen Ekstase. Die weiße Marmorskulptur ist von vergoldeten Bronzestrahlen „umgeben“, die symbolisch das göttliche Licht reflektieren. Ein Engel aus Marmor erhebt sich aus der Skulptur und dem Mantel von Therese und schickt sich an, einen Pfeil in Theresas Herz zu stoßen.

Die Symbolik entspricht der Erzählung der heiligen Teresa von Avila, wie der Engel ihr Herz mit einem Pfeil der göttlichen Liebe durchbohrt und so ihre mystische Vereinigung mit Jesus Christus symbolisiert. In flachem Relief sind Gruppen der Familie Cornaro dargestellt, die das Spektakel von der ersten Reihe der Opernlogen aus beobachten. Insgesamt handelt es sich um eine beeindruckende Mischung aus barocker Kunst und Architektur, die viele der wichtigsten Merkmale des Barocks veranschaulicht: dramatische religiöse Inspiration, Bewegung, Illusionismus und virtuose Bildhauerei.

Liste der berühmten Barockbildhauer

Zu den größten Bildhauern der Barockzeit:

ITALIEN

Stefano Maderno (1576-1636)
Der bedeutendste manieristische/barocke Bildhauer in Rom vor Bernini.
Statue der Heiligen Cecilia (1600) Kirche Santa Cecilia, Trastevere.

Francesco Mocci (1580-1654)
Erster Barockbildhauer; bildhauerischer Zeitgenosse von Caravaggio und Carracci.
Engel der Verkündigung (1605-08) Museo del Opera del Duomo, Orvieto.

François Duquesnoy (1594-1643)
Flämischer Maler, einer der besten Bildhauer in Rom. (Siehe Flämischer Barock).
Statue des Heiligen Andreas (1629-33), Marmor, Basilika San Pietro, Vatikanstadt.

Alessandro Algardi (1595-1654)
Hauptvertreter des hochbarocken Klassizismus.
Grabmal von Papst Leo XI. (1634-44) Petersdom in Rom.

Bernini (1598-1680)
Der größte Architekt und Bildhauer des Barock.
Ektasia der heiligen Teresa (1647-52) Marmor, Capella Cornaro, Rom.

Siehe auch: Künstler des italienischen Barock .

FRANKREICH

Pierre Puget (1620-1694)
Der größte französische Bildhauer des siebzehnten Jahrhunderts.
Milo von Crotona (1671-82) Marmor, Louvre, Paris.

Gaspard und Balthazar Marcy (1624-1681)
Französische Bildhauer, die von König Ludwig XIV. im Schloss von Versailles beschäftigt wurden.
Sonnenpferde (1668-70) Jardin du Chateau, Versailles.

François Girardon (1628-1715)
Zusammen mit Coysevox der beste Bildhauer der Herrschaft Ludwigs XIV.
Vergewaltigung/Entführung der Proserpina (1693-1710) Bronze, Schloss von Versailles.

Jean Baptiste Tuby (1635-1700)
Hofbildhauer in Versailles.
Apollo-Brunnen (1671) Stein, Schloss von Versailles.

Antoine Koisevox (1640-1720)
Hofbildhauer von König Ludwig XIV.
Porträtbüste von Charles Lebrun (1676) Wallace Collection, London.

Guillaume Coustou (1677-1746)
Französischer Bildhauer des Spätbarock.
Pferd, das vom Stallburschen gebändigt wird („Marleys Pferd“) (1745) Louvre, Paris.

Siehe auch: Französische Barockkünstler .

DEUTSCHLAND/ÖSTERREICH

Jörg Zurn (1583-1638)
Süddeutscher Holzschnitzer des Barock.
Marienaltar (1613-16) Kirche von Uberlingen.

Balthasar Permoser (1651-1732)
Bedeutender Bildhauer des Spätbarock, schnitzte in Holz, Elfenbein, Stein, Marmor.
Apollo (1715) Staatliche Kunstsammlungen, Dresden.

Andreas Schlüter (1664-1714)
Einer der größten deutschen Bildhauer der Barockzeit.
Reiterstandbild von Friedrich Wilhelm dem Großen (1703) Schloss Charlottenburg.

Siehe auch: Künstler des deutschen Barock .

SPANIEN/PORTUGAL

Juan Martínez Montañez (1568-1649)
Spanischer Holzschnitzer aus Sevilla, bekannt als „Gott des Holzes“.
Barmherziger Christus (Christus der Barmherzigkeit) (1603) Kathedrale von Sevilla.

Alonso Cano (1601-1667)
Bildhauer, Maler, Architekt - mit dem Spitznamen „der spanische Michelangelo“.
Unbefleckte Empfängnis (1655) Kathedrale von Granada.

Pedro Roldan (1624-1699)
Spanischer Künstler, Meister der polychromen Holzschnitzerei.
Begräbnis (1673) Hospital de la Caridad, Sevilla.

Pedro de Mena (1628-1688)
Spanischer Bildhauer des Barocks, der für seine unübertroffenen technischen Fähigkeiten bekannt war.
Büßende Maria Magdalena (1664) Museum von Valladolid.

Siehe auch Künstler des spanischen Barock und Spanische Barockkunst .

MITTELEUROPA

Adriaen de Vries (1560-1626)
Niederländischer Bildhauer, der in Prag arbeitete (siehe: Niederländischer Barock).
Merkur und Psyche (1593) Louvre, Paris.

Die größten Barockskulpturen

Es folgt eine kurze Auflistung einiger der größten Skulpturen (Statuen, Reliefs und andere traditionelle Werke), die in der Barockzeit geschnitzt oder modelliert wurden, geordnet nach Bildhauern.

Ekstase der Heiligen Teresa (1647-52, Marmor, Capella Cornaro, Rom)
Pluto und Proserpina (1621-2, Marmor, Galleria Borghese, Rom)
Apollo und Daphne (1622-5, Marmor, Galleria Borghese, Rom)
Von Giovanni Bernini (1598-1680).

Grabmal von Papst Leo XI (1634-44, Marmor, Petersdom, Rom)
Ekstase des Heiligen Philipp Neri (1638, Santa Maria in Vallicella, Rom)
Papst Leo, der Attila vor den Toren Roms vertreibt (1646-53, Petersdom, Rom)
Von Alessandro Algardi (1598-1654).

Statue des Heiligen Andreas (1629-33, Marmor, Basilika San Pietro, Vatikanstadt)
Von François Duquesnoy (1594-1643).

Milo von Crotona (1671-82, Marmor, Louvre, Paris)
Von Pierre Puget (1620-1694).

Apollo wird von den Nymphen der Fetida umworben (1666-72, Marmor, Schloss Versailles)
Die Entführung der Proserpina (1693-1710, Bronze, Versailles)
Von François Girardon (1628-1715).

Apollo-Brunnen (1671, Stein, Schloss von Versailles)
Von Jean Baptiste Tuby (1635-1700).

Pferd, das von einem Stallknecht zurückgehalten wird („Marleys Pferd“) (1739-45, Louvre, Paris)
Von Guillaume Coustou (1677-1746).

Merkur beim Binden seiner Thalaria (1753, Blei, Louvre, Paris)
Voltaire (1776, Marmor, Louvre, Paris)
Von Jean Baptiste Pigalle (1714-1785).

Denkmal für Peter den Großen („Bronzereiter“) (1766-78, Senatsplatz, St. Petersburg)
Von Etienne-Maurice Falcone (1716-1791).

Cravata-Holzschnitzerei (ca. 1690, Limwood, Victoria and Albert Museum)
Von Greenling Gibbons (1648-1721).

Apollo (1715, Marmor, Staatliche Kunstsammlungen, Dresden)
Von Balthasar Permoser (1651-1732).

Reiterstandbild von Fürst-Kurfürst Friedrich Wilhelm dem Großen (1689-1708, Bronze, Schloss Charlottenburg, Berlin)
Andreas Schlüter (1660-1714).