Ist Fotografie Kunst? Automatische übersetzen

Ist die Fotografie eine Form der objektiven Kunst?

In der anhaltenden Debatte darüber, ob die Fotografie als eine Form der bildenden Kunst betrachtet werden sollte, sind einige Kritiker der Meinung, dass die Fotografie eher durch wissenschaftliche Technik als durch wirklich kreative Kameraarbeit entsteht. Schließlich, so argumentieren sie, sei auch ein sehr unästhetischer Amateurfotograf mit einer guten Kamera in der Lage, durchaus akzeptable Bilder zu produzieren. Im Gegensatz dazu hätte es eine Person, die nicht weiß, wie man zeichnet, modelliert oder schnitzt, sehr viel schwerer, ein akzeptables Gemälde oder eine Statue zu schaffen. Aus diesem Grund argumentieren sie, dass die Fotografie nicht die kreative Qualität der Malerei oder Bildhauerei erreichen kann.

Andere Kritiker sind anderer Meinung. Sie sagen, dass gerade weil die Fotografie sich so sehr von der Malerei und der Bildhauerei unterscheidet – eine andere Ästhetik gilt . Außerdem fordern sie jeden Künstler heraus, ein Bild zu malen, das so überzeugend ist wie eine gut komponierte Fotografie. Eine Aufnahme von König Karl I., der sich vom Schafott aus an die Menge wendet, hätte beispielsweise eine weitaus größere Wirkung als ein Gemälde der gleichen Szene. Und da Kameras die Realität einfangen, ist die Wirkung ein wichtiger Bestandteil der Kameraarbeit. Selbst wenn es einem ungeschulten Kameramann gelingt, ein annehmbares Bild zu machen, ist es unwahrscheinlich, dass es mit der Kreativität eines von einem professionellen Fotografen aufgenommenen Bildes mithalten kann. Infolgedessen sei die Fotografie nicht nur eine der neuesten Kunstformen, sondern sogar „eine Form“ der modernen Kunst - ein direkter Ausdruck des modernen wissenschaftlichen Zeitalters.

Diese Fragen wurden im 19. und 20. Jahrhundert von Künstlern und Kunsthistorikern aufgeworfen und diskutiert. Wir empfehlen Thames and Hudson’s „Photography: the whole story“ (2012), ein unverzichtbares Buch für alle, die sich für Kunst mit Objektiven interessieren, und dessen Informationen in diesem Artikel verwendet werden.

Berühmte Kunstfotografen

Diane Arbus (1923-1971), Freak-Fotografien.
David Bailey (geb. 1938), Porträt-/Modefotografien.
Cecil Beaton (1904-1980), Porträts.
Robert Duano (1912-1994), Französischer Straßenfotograf.
Walker Evans (1903-1975), Porträts aus der Zeit der Depression.
Yusuf Karsh (1908-2002), Formaler Porträtist.
Annie Leibovitz (geb. 1949), Prominentenporträts.
László Moholy-Nagy (1895-1946), Berühmt für Fotogramme.
Norman Parkinson (1913-1990), Berühmt für seine Straßenporträts.

Fotografische Bilder: teils real, teils Bild

Warum sind fotografische Bilder so fesselnd? Die Tatsache, dass viele von uns heute wöchentlich oder sogar täglich fotografieren, hat den Zauber persönlicher Schnappschüsse oder von Werken, die in einer Galerie, einem Museum oder einem Buch zu finden sind, nicht geschmälert. Fotos, die in einem Album oder in den sozialen Medien veröffentlicht werden, können uns laut auflachen lassen. Wenn wir auf atemberaubende Bilder aus der Geschichte der Fotografie stoßen, wie die Fotografien der Antarktis von Herbert Ponting (1870-1935) aus dem frühen 20. Jahrhundert, sind wir fasziniert. Pontings Bilder der britischen Antarktis-Expedition von 1910-1913 machen die ferne Vergangenheit auf verlockende Weise gegenwärtig. Dennoch handelt es sich bei diesen Bildern nicht um bloße historische Dokumente: Es wird deutlich, dass der Fotograf selbst unter solch schwierigen Bedingungen entschlossen war, nichts dem ästhetischen Effekt zu opfern. Die Fotografie bezieht sich sowohl auf die Realität als auch auf die Phantasie: Obwohl sie manchmal das eine dem anderen vorzieht, gibt sie ihren Einfluss nie auf.

Fotografische Verfahren: Daguerreotypie, fotogenes Zeichnen

Als im Januar 1839 der Welt verkündet wurde, dass es möglich sei, eine Fotografie in einer Camera obscura (ein Hilfsmittel zum Zeichnen, das das Gesehene auf eine Fläche projiziert, von der aus der Künstler die Szene kopieren kann) sichtbar zu machen, schien dem menschlichen Einfallsreichtum keine Grenze gesetzt zu sein. Die Daguerreotypie, ein in Frankreich von Louis-Jacques-Mande Daguerre (1787-1851) entwickeltes Verfahren, ermöglichte es, ein sehr detailliertes Bild auf einer kleinen Metallplatte herzustellen. Auf die Ankündigung der Daguerreotypie im Januar folgte unmittelbar die Nachricht über ein anderes fotografisches Verfahren, das in England von Henry Fox Talbot (1800-1877) entwickelt wurde. Talbots Verfahren, das er „fotogene Zeichnung“ nannte, führte zu einem Negativbild auf Papier, das die Wärme und das Rauschen der grafischen Künste aufwies. Während die Daguerreotypie das ultimative Unikat war (es gab kein Negativ), konnte die fotogene Zeichnung zur Herstellung mehrerer Abzüge im Positiv verwendet werden. Seit diesen Entwicklungen schwankt die Fotografie zwischen Einzigartigkeit und Vielfältigkeit. Heute kann ein einmaliges oder in limitierter Auflage hergestelltes Foto eines berühmten Künstlers für mehr als eine Million Dollar verkauft werden, und dennoch spielt die digitale Fotografie - mit ihrer scheinbar endlosen Vervielfältigung - bereits eine grundlegende Rolle in der globalen Kommunikation.

Künstlerische Fotografien

In öffentlichen und privaten Sammlungen auf der ganzen Welt gibt es Tausende von bedeutenden Kunstfotografien, aber die meisten wurden nicht mit dem Ziel der Kunst aufgenommen. Einige dienten dazu, die Möglichkeiten eines neuen Mediums zu demonstrieren; andere waren zunächst Dokumente, Aufzeichnungen oder Illustrationen und wurden erst später als Kunstobjekte bezeichnet. Einige Fotografien, wie Eugene Atgets (1852-1927) Studie von Parisern, die die Sonnenfinsternis betrachten, zeigen das Surreale in der Realität. Andere, wie Selbstporträt als Ertrunkener (1840) von Hippolyte Bayard (1807-1877), spielen mit der Fähigkeit der Fotografie, Fiktion als Tatsache darzustellen. Da die meisten der großen fotografischen Bilder erst im Nachhinein als Kunstobjekte akzeptiert wurden, kann ihre Geschichte nicht mit Bezug auf Bewegungen, Schulen und Kreise erzählt werden.

Seit der Erfindung der Fotografie im Jahr 1839 wurde über die Identität und den Status dieses Mediums nicht in Bezug auf seine technischen Ursprünge, sondern in Bezug auf seine Beziehung zur visuellen Kunst diskutiert. Nur wenige bestritten, dass die Fotografie eine geniale Erfindung der Moderne war, aber viele sahen in ihr eine Bedrohung der traditionellen, mit den Künsten verbundenen Werte. In einer Gesellschaft, die symbolisch zwischen „Gentlemen“ (denjenigen, die ihren Intellekt und ihre Vorstellungskraft einsetzten) und „Arbeitern“ (körperlichen Arbeitern, die geistlose mechanische Arbeit verrichteten) geteilt war, stellte die Maschine, die Bilder herstellte, eine Herausforderung für die bestehende soziale Ordnung dar.

Fotografie auf Papier

In den 1850er Jahren wichen Daguerreotypie und Kalotypie (der Name, den Talbot seinem Verfahren nach wichtigen Verbesserungen im Jahr 1841 gab) der Nasskollodiumfotografie, die auf der Verwendung von Glasnegativen zur Herstellung von Papierbildern basierte. Die so entstandenen Bilder wurden in der Regel auf mit Eiweiß beschichtetem Papier gedruckt und zeichneten sich durch scharfe Details, schokoladenbraune Farbtöne und eine glänzende Oberfläche aus. Mitte der 1850er Jahre erlebte die Fotografie, sowohl die Amateurfotografie als auch die kommerzielle Fotografie, einen Aufschwung, den die Fotografen des 19. Der Druck von Fotografien auf Papier wurde von Lizenzbeschränkungen befreit und zwei neue Formate wurden sehr beliebt. Die Stereografie (zwei leicht voneinander entfernte Bilder desselben Motivs, die nebeneinander auf eine Karte geklebt werden; der Begriff wird heute für die Projektion dreidimensionaler Körper auf eine Ebene verwendet) stellt ein dreidimensionales Bild dar, wenn es durch das Fenster eines speziellen Geräts betrachtet wird; die Motive waren manchmal lehrreich, dienten aber oft einfach zur visuellen Demonstration oder sogar zur Betitelung. Die Carte de Visite, auch Porträt auf Karte genannt, war ein Ganzkörperporträt in der Größe einer Visitenkarte und betonte eher die Kleidung als die Gesichtszüge der Person, die sie pflegte.

Die Popularisierung der Fotografie in der Mitte des 19. Jahrhunderts führte zu einem Wandel in der Einstellung ihr gegenüber. Die Praxis der Kalotypie in den 1840er und 1850er Jahren in Großbritannien und Frankreich war von einem hohen Maß an technischen und ästhetischen Experimenten und Leistungen geprägt. Angesichts der raschen Kommerzialisierung und Popularisierung der Fotografie in den 1850er und 1860er Jahren erschien die Vorstellung, dass die Fotografie Kunst sein könnte - und dass Fotografen (die aus den unteren sozialen Schichten stammten) Künstler sein könnten - einigen absurd. Die Kunsthistorikerin und Historikerin Elizabeth Eastlake vertrat 1857 die Ansicht, dass die Fotografie zwar geschätzt werden sollte, aber nur, wenn sie keine über die Betrachtung „von Tatsachen“ hinausgehende Anmaßung zeige. Wenige Jahre später prangerte der französische Dichter und Kritiker Charles Baudelaire die kommerzielle Fotografie als „den tödlichsten Feind“ der Kunst an. Der einflussreiche Kunsthistoriker John Ruskin, der die Treue der Daguerreotypie bewunderte, als sie Mitte der 1840er Jahre in Venedig als Sehhilfe eingesetzt wurde, sagte später über die Fotografie, dass sie „nichts mit Kunst zu tun habe und niemals“ sein werde. (Anm.: Die Fotografie gab der Landschaftsmalerei neue Impulse und war im Begriff, die Porträtkunst durch die Schaffung von persönlichen Porträts fast vollständig zu ersetzen , wurde aber noch nicht als eigenständige Ausdrucksform akzeptiert.)

In den 1860er Jahren sahen die meisten kommerziellen Fotografen in technischen Qualitäten wie der Klarheit der visuellen Information und der makellosen Druckqualität eine Möglichkeit, die Überlegenheit ihrer fotografischen Bilder zu demonstrieren. Diese technische Vorstellung von Perfektion bedeutete für den angehenden Berufsfotografen, dass die Fotografie die Kunst der Gegenwart war. Einige berühmte Persönlichkeiten lehnten diese Orthodoxie ab und sahen in der Fotografie ein Mittel zur Schaffung einer komplexen Verflechtung von Perfektion und Realität. Die berühmteste dieser Amateure war eine Frau, Julia Margaret Cameron (1815-1879). Cameron begann im Alter von vierzig Jahren mit der Fotografie und schuf im Laufe des nächsten Jahrzehnts eine Vielzahl von Werken aus rein ästhetischen Gründen. Sie nutzte die Differenzialfokussierung, Kastenvorhänge und zufällige Requisiten, um weiche, warmtonige Porträts und Zeichnungen zu schaffen, die von biblischen, literarischen oder allegorischen Themen inspiriert waren. Camerons Überzeugung, dass sie es war, die die Kunst der Fotografie schuf, war so kühn und ihre einzigartige Praxis ein so bescheidener Anspruch, der in Ausstellungen der fotografischen Gesellschaft gezeigt wurde, dass sie von der fotografischen Gemeinschaft als unglücklich und exzentrisch charakterisiert wurde, unfähig, die Ausrüstung richtig zu benutzen.

Piktorialismus

Erst im späten 19. Jahrhundert erlangte die Subjektivität in der Fotografie eine breitere kulturelle Legitimität. Im Mittelpunkt der internationalen Bewegung, die als „Piktorialismus“ bekannt ist und deren Vertreter die Fotografie als Ausdrucksmedium propagierten. Die piktorialistische Fotografie zeichnet sich durch Techniken und Effekte aus, die der Grafik und der Malerei entlehnt sind. Obwohl das piktorialistische Bild in der Regel von einem klar definierten Negativ abgeleitet wurde, bedeutete die oft umfangreiche Dunkelkammermanipulation, die mit der Umwandlung des Bildes aus dieser harten Realität verbunden war, dass jeder Abzug als einzigartig bezeichnet werden konnte. Die daraus resultierenden Bilder, die oft in hellen Farbtönen gedruckt wurden und weich, verschwommen und traumähnlich erscheinen, sollten eher ästhetische als wörtliche Reaktionen hervorrufen. Viele piktorialistische Werke beriefen sich auf die hohe künstlerische Ernsthaftigkeit des zeitgenössischen Symbolismus, wie zum Beispiel in den Fotografien von Anna Brigman (1869-1950) „Harfe des Windes“ (1969).

Gerade Fotografie

Die Person, die am engsten mit der Entwicklung der Kunstfotografie in dieser Zeit verbunden ist, ist Alfred Stieglitz (1864-1946), ein New Yorker mit engen Beziehungen zu Europa. (Anmerkung: Stieglitz’ Frau, Georgia O’Keeffe (1887-1986) und sein Zeitgenosse Edward Steichen (1879-1973) waren ebenfalls starke Verfechter der Kunstfotografie mit Objektiv und trugen dazu bei, dieses Medium in die Museumssammlungen aufzunehmen). Nach seiner Rückkehr zum „Camera Club“ in New York und der Gründung der „Photo-Secession“ arbeitete Stieglitz weiter an der Zeitschrift „Camera Work“, einem Schaufenster für die beste Fotokunst, die zu dieser Zeit international produziert wurde. Stieglitz und seine Camera Work spielten eine ebenso wichtige Rolle bei der Abkehr vom Piktorialismus wie bei dessen Förderung. Bereits 1904 verwendete der Kritiker Sadakichi Hartmann, der für „Camera Work“ schrieb, den Ausdruck „straight photography“, um die weichkantige Ästhetik des Piktorialismus zu beschreiben. Stieglitz’ „The Steerage“ (1907), das 1911 in „Camera Work“ erschien, wird oft als die erste moderne Fotografie bezeichnet. Doch erst mit der letzten Ausgabe der Zeitschrift im Jahr 1917 wurde die direkte Ästhetik der Fotografie vollständig verwirklicht. Die Ausgabe konzentrierte sich auf das Werk von Paul Strand (1890-1976) und enthielt sein inzwischen ikonisches Wall Street (1915), das eine kühne Bildgeometrie mit dem Thema des modernen Lebens verbindet.

Die Idee, dass die Fotografie ihre eigene Ästhetik haben und auf den einzigartigen Qualitäten der Fotografie beruhen könnte, war für die amerikanischen Kunstfotografen, von denen viele den Piktorialismus aufgaben, äußerst überzeugend. Edward Weston (1886-1958) kam zu dem Schluss, dass die kreative Arbeit mit der Fotografie nicht in der Dunkelkammer stattfinden sollte, sondern in der „Vorvisualisierung“ des Motivs und seiner Komposition durch den Fotografen, bevor das Negativ in die Kamera eingelegt wird. 1932 wurde in Kalifornien eine Gruppe zur Förderung der direkten Fotografie gegründet, die so genannte f/64-Gruppe, zu der Weston und Ansel Adams (1902-1984) gehörten. Weston mit seinen fast abstrakten Stillleben und Aktbildern und Adams mit seiner lyrischen Landschafts- und Dokumentarfotografie dominierten die Fotografie in den Vereinigten Staaten über Jahrzehnte.

Avantgarde

In Europa hatte der Erste Weltkrieg einen tiefgreifenden Einfluss auf das Kunstschaffen. Wütende Künstler versuchten, visuelle Ausdrucksformen zu entwickeln, die die durch den Konflikt verursachte Krise des Glaubens an die traditionellen Werte zum Ausdruck bringen konnten. Die ersten nicht-figurativen Fotografien, die Zeit, Raum und andere abstrakte Konzepte festhielten, entstanden während des Krieges, und dieser Geist der radikalen Innovation beeinflusste die Entstehung der Avantgardekunst in den 1920er Jahren und darüber hinaus. Als moderne Technologie mit demotischen Untertönen war die Fotografie ideal geeignet, um in der Avantgarde-Kunstszene eine zentrale Rolle zu spielen. Die traditionelle Fotografie - nun meist in Form von Abzügen auf Silberbasis mit Schwarz-Weiß-Bildern - wurde von Dada in Deutschland für sozialkritische Werke verwendet - siehe, z.B. Dada Fotomontagen von Raoul Hausmann (1886-1971), Hanna Hoch (1889-1978) und John Hartfield (Helmut Herzfeld) (1891-1968) - und Konstruktivismus in der Sowjetunion, um neue figurative Bilder für die neue Gesellschaft zu schaffen; surrealistische Künstler wie Man Ray (1890-76) in Paris mit ihren visuellen Scherzen und Erkundungen des Unterbewusstseins, und international durch die Modernisten, um neue Formen der Kunst und des Designs zu feiern. Die Fotografie passte zu diesen sehr unterschiedlichen ästhetischen Anliegen, weil sie sich an die Relevanz klammerte. Als moderne Technologie feierte die Fotografie das Zeitgenössische und das Materielle. Als mechanistisches Aufzeichnungsgerät verlieh die Fotografie objektiven Tatsachen kreatives oder irrationales Gewicht. In ideologisch so gegensätzlichen Ländern wie Sowjetrussland und den Vereinigten Staaten begann eine kleine, aber einflussreiche Zahl von Avantgardisten, die Fotografie als ideales visuelles Medium für das moderne Zeitalter zu betrachten.

Untergräbt der Kommerz die Kunst?

Die Fotografie mag von den Künstlern der Avantgarde in großem Umfang genutzt worden sein, aber das bedeutet nicht, dass sie ihre Gleichwertigkeit mit anderen Kunstformen immer anerkannt haben. Das lag zum Teil an der Kommerzialisierung in Form von Prominentenporträts, Werbung und Mode. Diese Sorge um den Status der Fotografie wurde von Biographen, Kunsthistorikern und Kuratoren geteilt, die die kommerziellen Elemente der Fotografenkarrieren verschwiegen, um sicherzustellen, dass sie als Künstler anerkannt wurden. Es ist heute allgemein bekannt, dass die wichtigsten Fotografen der Pariser Avantgarde der 1920er Jahre - Man Ray, André Kertész (1894-1985) und Brassaï (1899-1984) - alle auf Bestellung arbeiteten. Man Ray, der als Emmanuel Radnitzky in Philadelphia geboren wurde, zog 1921 nach Paris und etablierte sich als ikonoklastischer Innovator in den Bereichen Malerei, Skulptur, Film und Fotografie.

Edward Steichen wurde 1911 durch seine berühmte Sammlung von Fotografien der modischen Kleider von Paul Poiret für die Zeitschrift Art et Decoration nicht kompromittiert. Heutzutage betrachten wir seine Arbeit nicht als kompromittiert durch seine redaktionellen oder modischen Aufnahmen. Manchmal, wie im Fall seines berühmten Bildes „Black and White“, regte der Auftrag die Kreativität an. (Siehe insbesondere Charles Sheelers Charles Sheeler Fotografien des Ford River Rouge Automobilwerks.) Selbst einige der Kriegsfotografien von Kameramännern wie Robert Capa (1913-1954), Larry Burrows (1926-1971), Don McCullin (*1935) und Steve McCarry (*1950) haben tiefgreifende künstlerische Qualitäten. Führende amerikanische Werbe- Mode- fotografen der 1950er und 60er Jahre, wie Irving Penn (1917-2009) und Richard Avedon (1923-2004), leisteten trotz des kommerziellen Charakters ihrer Mode- fotografie enorme Beiträge zur zeitgenössischen Kunst und entwickelten mehrere neue fotografische Techniken.

Humanistische Fotografie

Eine weitere wichtige Entwicklung, die in der Zwischenkriegszeit in Frankreich Einzug hielt, ist die humanistische Fotografie. Diese Art der Fotografie, die eng mit dem Aufkommen von Publikumszeitschriften wie Life verbunden ist, zeigt Themen von menschlichem Interesse. Die berühmtesten humanistischen Fotografen waren die Künstler Dorothea Lange (1895-1965) und Henri Cartier-Bresson (1908-2004), deren Straßenfotografien und Fotoreportagen aus aller Welt auch in einer Reihe von einflussreichen Fotobüchern veröffentlicht wurden. Cartier-Bressons Werke im realistischen Stil verdanken dem Surrealismus ebenso viel wie der reinen Fotografie. Siehe auch die ungekürzten Fotos in Fotobuch „Sechsundzwanzig Tankstellen“ (1962) Ed Ruscha (geb. 1937).

Die Anerkennung der Fotografie als Kunstform

Das renommierte Museum of Modern Art (MoMA) in New York, eine der weltweit besten Galerien für zeitgenössische Kunst, war die ideologische Heimat des Modernismus, der vorherrschenden Avantgarde-Ästhetik der Jahrhundertmitte, die Kunst, Design und Architektur umfasste. Das MoMA führte 1937 eine wichtige Überprüfung der Fotografie durch und eröffnete schließlich 1940 eine Abteilung für Fotografie, aber der Status der Fotografie als Kunstform war noch nicht gesichert. John Szarkowski (1925-2007), der 1962 zum Kurator für Fotografie am MoMA ernannt wurde, setzte sich am wirkungsvollsten dafür ein, die Fotografie in die Moderne einzugliedern. Szarkowski zufolge war die legitime Fotografie „direkt“, demokratisch in ihrem Gegenstand und hatte eine starke formale Komponente. Die Fotografien waren keine Werke der Phantasie, sondern Fragmente der Realität, die visuell organisiert waren, um eine starke persönliche Vision widerzuspiegeln.

Laut dem Wissenschaftler Douglas Crimp wurde die Fotografie zwar 1839 erfunden, aber erst in den 1960er und 1970er Jahren voll entwickelt. Crimp und andere aus seinem Umfeld haben den Verlust des Verständnisses kritisiert, der durch die Übertragung von Fotografien aus den Schubladen eines Archivs an die Wände eines Kunstmuseums entsteht. Dieses kritische Interesse an der Fotografie und Bücher wie „Un art moyen“ von Pierre Bourdieu (1965), „On Photography“ von Susan Sontag (1977) und „Lusida“ von Roland Barthes (1979) trugen unweigerlich dazu bei, die Fotografie in ihrem kulturellen Status weiter aufzuwerten. Barthes’ Buch, ein sehr ergreifender Bericht über seine Suche nach dem „wahren“ Bild seiner Mutter, ist vielleicht das einflussreichste Beispiel für den Versuch, die Fotografie in essentialistischen Begriffen zu definieren. In seinem Buch formulierte Barthes die Idee des „punctum“, des Details einer Fotografie, das beim Betrachter ein Gefühl der Verwundung hervorruft. Wie in den modernistischen Auffassungen von Fotografie schlug er vor, dass die Fotografie eine einzigartige Natur hat, die sie von allen anderen visuellen Medien unterscheidet.

Eine Reihe von Kunstbewegungen und neuen Kunstformen der 1960er Jahre machten die Fotografie zu einem integralen Bestandteil ihres Ansatzes. Zu den Bewegungen gehörten Fluxus (1960er Jahre) und Pop Art (ca. 1955-70), und Arte Povera (ca. 1966-71), während zu den neuen Kunstformen, die Fotografien verwenden, Installation Art und Performance Art gehörten. Einer der wichtigsten zeitgenössischen Künstler, der sich bei der Schaffung seiner Werke auf die Fotografie stützte, war Andy Warhol (1928-1987); siehe z. B. seine Drucke mit Fotos von Filmstars wie Elvis und Elizabeth Taylor. Viele zeitgenössische Künstler, darunter Gilbert und George (geb. 1943 und 1942), sind ebenfalls stark durch die Verwendung von Fotografien beeinflusst. Interessanterweise ist Warhols eigenes fotografisches Porträt von Robert Mapplethorpe (1946-1989) aus dem Jahr 1987, das 2006 bei Christie’s für 643.200 $ versteigert wurde, nach wie vor eines der teuersten Fotos dieser Zeit.

Postmoderne Fotografie

Eine konkurrierende Auffassung von Fotografie behauptet, dass sie keine angeborenen Eigenschaften hat. Ihre Identität hänge von den Rollen und Anwendungen ab, die ihr zugeschrieben werden. Diese Theorie der Fotografie gehört zu der modernen Kritik an der Moderne, die als Postmoderne bekannt ist. (Anmerkung: siehe auch: Die Kunst der Postmoderne und Künstler der Postmoderne). Der Wunsch, Kunst wieder als soziales und politisches Engagement zu sehen und nicht als Teil des Bereichs der kreativen Reinheit, führte die Wissenschaftler zu den Arbeiten von Walter Benjamin, einem Kritiker und Philosophen, der in den 1930er Jahren mit der Frankfurter Schule verbunden war. Mit dem Argument, dass die fotografische Kopie die Aura „des ursprünglichen Kunstwerks zerstöre“ und die Massen durch dieses Simulakrum in den Genuss der Kunst kämen, symbolisierte die Fotografie für Benjamin die Möglichkeit, den Nationalsozialisten die kulturelle und letztlich auch die politische Macht zu entziehen. In den 1980er Jahren begannen linke Theoretiker, die Geschichte des Mediums im Hinblick darauf zu überdenken, wie die Fotografie in die Ausübung von Macht verwickelt war. (Zum Thema Macht und Nacktheit siehe das Werk von Helmut Newton (1920-2004); zum Thema Geschlecht siehe das Werk von Nana Goldin (geb. 1953)). Der Begriff der fotografischen Objektivität wurde durch die Arbeiten dieser Wissenschaftler und Intellektuellen sowie durch Jean Baudrillard untergraben, der die Vorstellung einer bereits existierenden Realität, die von den visuellen Medien lediglich erfasst oder wiedergegeben wird, in Frage stellte. Baudrillard zufolge sind Bilder die Realität, durch die wir die Welt kennen.

Bis in die 1970er Jahre wurde die Fotokunst mit den ikonischen Bildern des 19. und frühen 20. Heute wird sie mit den Werken der letzten etwa fünfunddreißig Jahre identifiziert. Der Weltrekord für eine auf einer Auktion verkaufte Fotografie lag bei 4,3 Millionen Dollar für „Rhein II“ (1999) von Andreas Gursky (geb. 1955). Als wir ins 21. Jahrhundert eintraten, lag der Weltrekord bei 860.000 Dollar - „Die große Welle“, aufgestellt von Gustave Le Gray (1820-1884). Der massive Anstieg der Fotografie wird oft als Beweis dafür angeführt, dass die Fotografie endlich als Kunst akzeptiert wurde. (Anmerkung: siehe auch „Die teuersten Gemälde: die 20 besten“ .) Dies ist jedoch nicht das erste Mal, dass die Fotografie als Kunstform definiert wurde. Der Unterschied zwischen heute und früher besteht darin, dass Informationen in jeglicher Form nur noch selten ohne unbewegte oder bewegte Bilder übermittelt werden: Die digitale Fotografie ist ebenso ein modernes Wunderwerk wie die Daguerreotypie im Jahr 1839. (Anmerkung: siehe auch Animation und Videokunst .)

Schlussfolgerung: Fotografie – ist eine Kunst

In Anbetracht einiger intellektueller Argumente scheint der derzeitige Konsens zu sein, dass Fotografien einen konstruierten oder absichtlichen Moment der Realität einfangen, und es ist diese Absichtlichkeit, die den künstlerischen Kern enthält. (Siehe z. B. die „inszenierten“ Fotografien von Jeff Wall (geb. 1946), die manipulierten Landschaften von Andreas Gursky (geb. 1955) oder die surrealistischen Selbstporträts von Cindy Sherman (geb. 1954)). Mit anderen Worten: Die Kunst des Fotografen besteht in seiner Fähigkeit, einen Moment der Realität einzufangen und ihn in ein sichtbares Bild von Interesse oder Schönheit zu verwandeln. Es ist unerheblich, dass eine Fotografie tausendfach reproduziert werden kann und damit das Original „seiner Einzigartigkeit beraubt“. Es reicht aus, dass keine zwei Fotografen ein völlig identisches Bild herstellen können. Die künstlerische Qualität des „malerischen“ Bildes, das sozusagen „in einer Dunkelkammer entsteht“, ist sogar noch besser gesichert. Der Prozess der Beurteilung, ob eine Fotografie Kunst ist, erinnert uns daran, dass weder die Malerei noch die Bildhauerei eine so reine Form der Kunst ist, wie manchmal angenommen wird. Bronzeskulpturen können in einer großen Anzahl von Kopien gegossen und wieder gegossen werden; und unser Wissen über griechische Skulpturen stammt nicht von den griechischen Originalen, sondern von römischen Kopien. Außerdem schätzt man, dass mindestens eines von zehn Gemälden, die in den besten Kunstmuseen hängen, Kopien und keine Originale sind. Schließlich unterscheidet sich die Kamera zusammen mit der Dunkelkammer und ihren Chemikalien nicht so sehr von den Pinseln und Farben des Künstlers. Sie bleibt nichts weiter als ein Instrumentarium, mit dem der Fotograf versucht, ein Bild zu schaffen: ein Bild, das unsere Seele berührt, so wie es die Ölgemälde tun.

Heute sind die besten Beispiele der Kunstfotografie in vielen Museen auf der ganzen Welt zu sehen, darunter das Metropolitan Museum of Art, New York, (Sammlungen von Stieglitz, Steichen, Walker Evans und der Ford Motor Company); das Museum of Modern Art (MOMA), New York (Sammlungen von Edward Steichen, John Szarkowski und Peter Galassi); das Guggenheim Museum in New York (Sammlung Robert Mapplethorpe); Art Institute of Chicago (Sammlung Alfred Stieglitz); Detroit Institute of Arts (Albert / Peggy de Salle Gallery); Los Angeles County Museum of Art (Wallis Annenberg Photography Department); Philadelphia Museum of Art (30.000 Fotografien von Fotografen wie Alfred Stieglitz, Paul Strand); und Victoria and Albert Museum, London (500.000 Bilder von 1839 bis heute).

Für eine Erklärung der gängigsten Begriffe siehe: Kunstfotografie, Glossar