2. Enzyklopädie

Ist Fotografie Kunst? Automatische übersetzen Die Bearbeitung dieses Abschnitts ist noch nicht abgeschlossen

Zur Erläuterung der
am häufigsten verwendeten Begriffe
von Kamerakünstlern, siehe:
Kunstfotografie-Glossar

Ist Fotografie eine Form der Linsenkunst?

In der laufenden Debatte darüber, ob Fotografie sollte als eine Art objektivbasiert angesehen werden Kunst Einige Kritiker sind der Ansicht, dass ein Foto eher durch Anwendung einer wissenschaftlichen Technik als durch eine wirklich kreative Kameraarbeit hergestellt wird. Schließlich könne ein sehr unkünstlerischer Hobbyfotograf mit einer guten Kamera durchaus akzeptable Bilder produzieren. Im Gegensatz dazu hätte eine Person, die keine Ahnung hatte, wie sie malen, formen oder schnitzen sollte, weitaus größere Schwierigkeiten, ein akzeptables Gemälde oder eine Statue zu schaffen. Aus diesem Grund geben sie an, dass die Fotografie nicht mit der kreativen Qualität von vergleichbar ist Gemälde , oder Skulptur .

Andere Kritiker sind anderer Meinung. Sie sagen, dass es genau deshalb so anders ist, weil sich Fotografie von Malerei und Skulptur unterscheidet Ästhetik anwenden. Darüber hinaus fordern sie jeden Maler auf, ein Bild zu malen, das so überzeugend ist wie ein gut komponiertes Foto. Ein Bild von König Karl I., der sich zum Beispiel vom Gerüst aus an die Menge wendet, hätte eine weitaus größere Wirkung als ein Gemälde derselben Szene. Und weil Kameras die Realität einfangen, ist die Wirkung ein wichtiger Bestandteil der Kamerakunst. Selbst wenn es einem ungeübten Kameramann gelingt, ein akzeptables Bild aufzunehmen, ist es unwahrscheinlich, dass es der Kreativität eines professionellen Fotografen entspricht. Infolgedessen sei die Fotografie möglicherweise nicht nur eine der neuesten Arten von Kunst kann es sogar "die" Form von moderne Kunst – eine direkte Widerspiegelung des modernen wissenschaftlichen Zeitalters.

Diese Themen wurden von Künstlern und Experten konfrontiert und diskutiert Kunstkritiker im 19. und 20. Jahrhundert. Zur Veranschaulichung hier ein ausführlicher Auszug aus der wunderbaren Neuerscheinung „Einführung in die Themse und Hudson“ „ Fotografie: Die ganze Geschichte“ (2012) – ein unverzichtbares Buch für alle, die sich für Linsenkunst interessieren. Außergewöhnlich ist beispielsweise die Auswahl an Fotografien und deren Analyse.

Berühmte Kunstfotografen
Diane Arbus (1923-1971)
Fotograf von Freaks.
David Bailey (geb. 1938)
Porträt- / Modefotos.
Cecil Beaton (1904-1980)
Porträtfotograf.
Robert Doisneau (1912–1994)
Französischer Straßenfotograf.
Walker Evans (1903–1975)
Porträts aus der Zeit der Depression.
Yousuf Karsh (1908-2002)
Formeller Porträtist.
Annie Leibovitz (geb. 1949)
Berühmte Porträtistin.
Moholy-Nagy (1895-1946)
Bekannt für Fotogramme.
Norman Parkinson (1913-90)
Bekannt für Outdoor-Porträts.

Fotografische Bilder: Teil-Real, Teil-Imagination

Warum sind fotografische Bilder so überzeugend? Die Tatsache, dass viele von uns heute wöchentlich oder sogar täglich fotografieren, hat weder die Magie persönlicher Schnappschüsse noch die der Galerie, des Museums oder des Buches gemindert. Die Bilder in einem Album oder auf Social-Networking-Sites können uns zum Lachen bringen. Wenn wir auf atemberaubende Bilder aus dem Internet stoßen Geschichte der Fotografie Wir sind fasziniert von den Fotografien der Antarktis aus dem frühen 20. Jahrhundert von Herbert Ponting (1870-1935). Pontings Bilder von der British Antarctic Expedition von 1910 bis 1913 lassen die ferne Vergangenheit aufregend gegenwärtig werden. Diese Bilder sind jedoch nicht nur historische Dokumente: Es ist klar, dass der Fotograf auch unter solchen Bedingungen entschlossen war, nichts von ästhetischer Wirkung zu opfern. Fotografie gehört sowohl zum Bereich der Realität als auch der Vorstellungskraft: Obwohl sie manchmal den einen über den anderen zieht, gibt sie auch nie ganz auf.

Fotografische Prozesse: Daguerreotypie, fotogenes Zeichnen

Als im Januar 1839 der Welt bekannt wurde, dass es möglich war, das in einer Camera obscura (einem Hilfsmittel für Zeichnung Das projizierte, was der Künstler sah, auf eine Oberfläche, von der er oder sie ihr Motiv kopieren konnte. Es schien, als gäbe es keine Grenzen für den menschlichen Einfallsreichtum. Die von Louis-Jacques-Mande Daguerre (1787-1851) in Frankreich entwickelte Daguerreotypie führte zu einem sehr detaillierten Bild auf einer kleinen Metallplatte, als wäre ein kleiner Spiegel der Natur vorgehalten worden. Der Ankündigung des Daguerreotyps im Januar folgten umgehend Nachrichten über einen weiteren fotografischen Prozess, der von Henry Fox Talbot (1800-77) in England entwickelt wurde. Talbots Prozess, den er "fotogenes Zeichnen" nannte, führte zu einem negativen Bild auf Papier, das die Wärme und den Grat von hatte Grafik-Design . Während ein Daguerreotyp ein einzigartiges Objekt war (es gab kein Negativ), konnte eine fotogene Zeichnung verwendet werden, um mehrere positive Abzüge herzustellen. Seit diesen Anfängen pendelt die Fotografie zwischen Einzigartigkeit und Vielfalt. Heutzutage kann ein einzigartiger oder limitierter Fotodruck eines berühmten Künstlers für mehr als eine Million Dollar verkauft werden, und gleichzeitig spielt die digitale Fotografie mit ihrer scheinbar endlosen Replikation eine grundlegende Rolle in der globalen Kommunikation.

Kunstfotografien

Es gibt weltweit viele tausend wichtige Kunstfotografien in öffentlichen und privaten Sammlungen, die meisten wurden jedoch nicht für die Kunstausstellung angefertigt. Einige waren als Demonstration dessen gedacht, was das neue Medium leisten konnte; andere begannen ihr Leben als Dokumente, Aufzeichnungen oder Illustrationen; Erst später wurden sie als Kunstobjekte angesehen. Einige Fotos, wie die Studie von Eugene Atget (1852-1927) von Parisern, die eine Sonnenfinsternis betrachten, finden das Surreale im Realen. Andere, darunter das Selbstporträt als Ertrunkener (1840) von Hippolyte Bayard (1807-77), spielen mit der Fähigkeit der Fotografie, Fiktion als Tatsache erscheinen zu lassen. Da die meisten großartigen fotografischen Bilder nachträglich als Kunstobjekte akzeptiert wurden, kann ihre Geschichte nicht anhand von Bewegungen, Schulen und Coteries erzählt werden.

Seit der Erfindung der Fotografie im Jahr 1839 wurde die Frage nach Identität und Status des Mediums nicht anhand seiner technologischen Herkunft, sondern anhand seiner Beziehung zu thematisiert Visuelle Kunst . Nur wenige leugnen, dass die Fotografie eine geniale Erfindung der Moderne ist, aber viele sahen darin eine Bedrohung für die traditionellen Werte der Kunst. In einer Gesellschaft, die symbolisch zwischen "Gentlemen" (diejenigen, die ihren Intellekt und ihre Vorstellungskraft ausübten) und "Operatoren" (Arbeiter, die gedankenlos und mechanisch arbeiteten) aufgeteilt war, stellte eine Maschine, die Bilder machte, eine Herausforderung für die bestehende Gesellschaftsordnung dar.

Fotografie auf Papier

In den 1850er Jahren lösten sich Daguerreotypie und Kalotypie (der Name, den Talbot nach wichtigen Verfeinerungen im Jahr 1841 für sein Verfahren verwendete) von der Nasskollodium-Fotografie, die auf der Verwendung von Glasnegativen für die Herstellung von Papierbildern basierte. Die resultierenden Bilder wurden im Allgemeinen auf mit Eiweiß beschichtetem Papier gedruckt und zeichnen sich durch gestochen scharfe Details, eine schokoladenbraune Tonalität und eine glänzende Oberfläche aus. Die Praxis der Fotografie, sowohl der Amateurfotografie als auch der kommerziellen Fotografie, erlebte Mitte der 1850er Jahre einen massiven Aufschwung Fotografen des 19. Jahrhunderts voll ausgenutzt. Die Praxis des Fotografierens auf Papier war von Lizenzbeschränkungen befreit, und zwei neue Formate wurden bald sehr populär. Das Stereogramm (zwei Bilder desselben Motivs, leicht auseinandergenommen und nebeneinander auf ein Stück Karte geklebt) zeigt ein dreidimensionales Bild, wenn es von einem speziellen Betrachter betrachtet wird. Die Probanden waren manchmal lehrreich, aber oft nur auf visuelle Effekte oder sogar auf Titration ausgelegt. Die Carte de Visite , auch als Album- oder Kartenporträt bekannt, war ein Porträt in voller Länge in der Größe einer Visitenkarte und betonte eher das Kleid als die Merkmale des Darstellers.

Opposition gegen Fotografie als Kunst

Die Popularisierung der Fotografie Mitte des 19. Jahrhunderts führte zu einer Verschiebung der Einstellungen gegenüber dem Medium. Die Praxis der Kalotypie in den 1840er und 1850er Jahren in Großbritannien und Frankreich hatte ein außerordentlich hohes Maß an technischen und ästhetischen Experimenten und Errungenschaften gezeigt. Angesichts der raschen Kommerzialisierung und Popularisierung der Fotografie in den 1850er und 1860er Jahren die Idee, dass Fotografie sein könnte Kunst – und dass Fotografen (die aus den unteren sozialen Schichten stammen) Künstler sein könnten – schienen einigen absurd. Die Kunstkritikerin und Historikerin Elizabeth Eastlake vertrat 1857 die Ansicht, dass die Fotografie gefeiert werden sollte, aber nur, wenn sie nicht über den Umgang mit "Fakten" hinausgehende Ansprüche aufzeigt. Wenige Jahre später prangerte der französische Dichter und Kritiker Charles Baudelaire die kommerzielle Fotografie als "Todfeind der Kunst" an. Der einflussreiche Kunstkritiker John Ruskin , der Mitte der 1840er Jahre in Venedig die Naturtreue der Daguerreotypie als visuelles Hilfsmittel bestaunt hatte, sagte später über die Fotografie, sie habe "nichts mit Kunst zu tun und werde sie niemals ersetzen". (Anmerkung: Die Fotografie gab dem Film neue Impulse Landschaftsmalerei und wollte ersetzen Porträtkunst fast ausschließlich als Mittel zur Erstellung persönlicher Porträts, wurde aber noch nicht als eigenständige Ausdrucksform akzeptiert.)

In den 1860er Jahren betrachtete die Mehrheit der kommerziellen Fotografen technische Qualitäten wie die Schärfe visueller Informationen und die einwandfreie Druckqualität als Mittel, um die Überlegenheit ihrer fotografischen Bilder zu demonstrieren. Diese technische Vorstellung von Exzellenz bedeutete, dass die Fotografie für den angehenden professionellen Fotografen eine Kunst des Realen war. Einige bemerkenswerte Persönlichkeiten lehnten diese Orthodoxie ab und betrachteten die Fotografie als Mittel, um komplexe Gewebe aus Idealität und Realität zu schaffen. Die bekannteste dieser Amateure war eine Frau: Julia Margaret Cameron (1815 & ndash; 79). Cameron begann Ende vierzig mit dem Fotografieren und schuf im Laufe des nächsten Jahrzehnts ein großes Werk ausschließlich aus ästhetischen Gründen. Sie verwendete Differentialfokus, Kostümboxkleidung und gelegentliche Requisiten, um weichkantige, warm getönte Porträts und Figurenstudien zu erstellen, wobei letztere von biblischen, literarischen oder allegorischen Themen inspiriert waren. Camerons Überzeugung, dass sie eine Kunst der Fotografie geschaffen hat, war so kühn, und ihre eigenwillige Praxis widersprach den bescheidenen Bestrebungen der Werke, die auf Ausstellungen der Photographic Society gezeigt wurden, so sehr, dass sie von der photographischen Gemeinschaft als unglückliche weibliche Exzentrikerin charakterisiert wurde wer konnte ihre Ausrüstung nicht richtig verwenden.

Pictorialism

Erst Ende des 19. Jahrhunderts erlangte die Subjektivität in der Fotografie eine breitere kulturelle Legitimation. Zentral für die internationale Bewegung bekannt als Pictorialism ’, deren Vertreter die Fotografie als ausdrucksstarkes Medium bewarben, waren Fotografen, denen es in etablierten fotografischen Gesellschaften und den von ihnen geschätzten technischen Leistungen gelungen war. Die bildhauerische Fotografie zeichnet sich durch Techniken und Effekte aus, die der Grafik entlehnt sind. Obwohl ein pictorialistisches Bild im Allgemeinen von einem scharf definierten Negativbild herrührte, konnten aufgrund der oft umfangreichen Manipulationen in der Dunkelkammer, mit denen das Bild von dieser harten Realität abgewendet wurde, die einzelnen Drucke als einzigartig bezeichnet werden. Die resultierenden Bilder, die oft in einem lebhaften Farbton gedruckt wurden und weich, trüb und traumhaft wirkten, sollten eher ästhetische als buchstäbliche Reaktionen hervorrufen. Viele bildnerische Kompositionen beriefen sich auf den hohen künstlerischen Ernst der Gegenwart Symbolismus , wie auf dem Foto The Wind Harp (1912) von Anne Brigman (1869-1950) zu sehen.

Gerade Fotografie

Die Figur, die zu dieser Zeit am engsten mit der Förderung der Kunstfotografie verbunden war, war Alfred Stieglitz (1864–1946), ein New Yorker mit engen Verbindungen zu Europa. (Anmerkung: Stieglitzs Frau Georgia O’Keeffe (1887-1986) und sein jüngerer Zeitgenosse Edward Steichen (1879-1973) waren auch aktive Verfechter der auf Linsen basierenden bildenden Kunst und halfen, das Medium in Museumssammlungen einzuführen.) Nachdem er dem New Yorker Camera Club den Rücken gekehrt und die Photo-Secession gegründet hatte, führte Stieglitz den Vorsitz über der Zeitschrift Camera Work , einem Schaufenster für die beste Fotokunst, die dann international hergestellt wird, einschließlich seiner eigenen. Stieglitz und Camera Work spielten bei der Abkehr vom Pictorialismus eine ebenso wichtige Rolle wie bei seiner Förderung. Bereits 1904 verwendete der Kritiker Sadakichi Hartmann, der in Camera Work schrieb, den Ausdruck "Straight Photography" als Folie für die kantige Ästhetik des Pictorialismus. Stieglitz ’ The Steerage (1907), der 1911 in Camera Work erschien, wird oft als erstes modernes Foto gefeiert. Erst mit Erscheinen der letzten Ausgabe des Journals im Jahr 1917 wurde jedoch eine geradlinige Ästhetik für die Fotografie vollständig verwirklicht. Die Ausgabe war Arbeiten von gewidmet Paul Strand (1890-1976) und schloss seine jetzt ikonische Wall Street (1915) ein, die kühne Bildgeometrie mit einem modernen Lebensthema verband.

Die Idee, dass die Fotografie eine eigene Ästhetik haben könnte und auf medienspezifischen Qualitäten basiert, war für US-amerikanische Kunstfotografen, von denen viele auf den Pictorialismus verzichteten, äußerst überzeugend. Edward Weston (1886-1958) vertraten die Idee, dass die kreative Arbeit der Fotografie nicht mehr in der Dunkelkammer, sondern in der „Vorvisualisierung“ des Motivs und seiner Komposition durch den Fotografen durchgeführt werden sollte, bevor das Negativ in der Kamera belichtet wird. Im Jahr 1932 wurde in Kalifornien mit Weston und New York eine Gruppe gegründet, die sich der Förderung der geradlinigen Fotografie widmete Ansel Adams (1902-84) unter seinen Mitgliedern. Weston mit seinen fast abstrakten Stillleben und Akten und Adams mit seiner lyrischen Landschaft Dokumentarfotografie Danach dominierte er jahrzehntelang das fotografische Kunsthandwerk in den Vereinigten Staaten.

Avantgarde Art

In Europa hatte der Erste Weltkrieg einen tiefgreifenden Einfluss auf das Schaffen von Kunst. Unzufriedene Künstler suchten nach bildnerischen Ausdrucksformen, die die durch den Konflikt hervorgerufene Glaubenskrise in Bezug auf traditionelle Werte zum Ausdruck bringen konnten. Die ersten nicht figurativen Fotografien, die sich auf Zeit, Raum und andere abstrakte Konzepte berufen, entstanden während des Krieges, und dieser Geist radikaler Innovation prägte die Entstehung von Avantgarde-Kunst in den 1920er Jahren und darüber hinaus. Als moderne Technologie mit demotischen Konnotationen konnte die Fotografie eine zentrale Rolle in der avantgardistischen Kunstszene einnehmen. Das Medium, das nun im Allgemeinen die Form von Drucken auf Silberbasis mit einem "Schwarzweiß" -Auftritt hat, wurde von verwendet Dada in Deutschland für Werke der beißenden Gesellschaftskritik – siehe zum Beispiel Dada Fotomontagen von Raoul Hausmann (1886-1971), Hanna Hoch (1889-1978) und John Heartfield (Helmut Herzfeld) (1891-1968) – von Konstruktivismus in der Sowjetunion neue Bildmodi für eine neue Gesellschaft zu schmieden; durch surrealistische Künstler mögen Man Ray (1890-76) in Paris, in ihren visuellen Scherzen und Erkundungen des Unterbewusstseins; und international von Modernisten, um neue Formen von Kunst und Design zu zelebrieren. Die Fotografie bot sich diesen sehr unterschiedlichen ästhetischen Agenden an, weil sie die Aktualität festhielt. Die Fotografie zelebrierte als moderne Technologie die Moderne und das Material. Als mechanistisches Aufnahmegerät hat die Fotografie das Gewicht objektiver Tatsachen einfallsreich oder irrational gemacht. In Ländern, die so ideologisch entgegengesetzt waren wie das sowjetische Russland und die Vereinigten Staaten, betrachtete eine kleine, aber einflussreiche Anzahl von Avantgarde-Praktizierenden die Fotografie als das ideale visuelle Medium für die Moderne.

Untergräbt die Kommerzialität die Kunst?

Die Fotografie mag von avantgardistischen Künstlern weit verbreitet gewesen sein, aber dies bedeutet nicht, dass sie immer die Gleichheit mit den anderen Künsten erkannte. Dies lag zum Teil an der Kommerzialisierung in Form von Promi-Porträts, Werbung und Mode. Diese Sorge um den Status der Fotografie wurde von Biographen, Kunsthistorikern und Kuratoren geteilt, die die kommerziellen Elemente der Karriere der Fotografen beschönigten, um sich ihre Anerkennung als Künstler zu sichern. Heute ist bekannt, dass die wichtigsten Fotografen der Pariser Avantgarde der 1920er Jahre – Man Ray, Andre Kertesz (1894–1985) und Brassai (1899-1984) – alle arbeiteten im Auftrag. Man Ray, geboren Emmanuel Radnitzky in Philadelphia, zog 1921 nach Paris und profilierte sich als ikonoklastischer Innovator in den Bereichen Malerei, Skulptur, Film und Fotografie. (Anmerkung: Auch Edward Steichen wurde 1911 nicht durch seine berühmte Fotosammlung von Paul Poirets Modekleidern für die Zeitschrift Art et Decoration beeinträchtigt.) Heutzutage betrachten wir seine Kreativität nicht als durch seine redaktionellen oder modischen Aufnahmen beeinträchtigt. Manchmal, wie im Fall seines berühmten Bildes Schwarz und Weiß, war der Auftrag ein Ansporn für die Kreativität. (Siehe insbesondere die Fotografien von Charles Sheeler von Fords River Rouge Car Factory.) Auch einige der Kriegsfotografien von Kameraleuten mögen Robert Capa (1913-54), Larry Burrows (1926-71), Don McCullin (geb. 1935) und Steve McCurry (geb. 1950) hat eine zutiefst künstlerische Qualität. Der führende amerikanische Werbespot Modefotografen der 1950er und 60er Jahre, wie z Irving Penn (1917-2009) und Richard Avedon (1923-2004) leisteten trotz ihres kommerziellen Charakters enorme Beiträge zur modernen Kunst Modefotografie und entwickelte dabei mehrere neue fotografische Techniken.

Humanistische Fotografie

Eine weitere wichtige Entwicklung, die in den Zwischenkriegsjahren in Frankreich ihren Ursprung hatte, ist die humanistische Fotografie. Diese Art der Fotografie war eng mit dem Aufkommen populärer Zeitschriften wie dem Life Magazine verbunden und zeigte Themen von menschlichem Interesse. Die bekanntesten Fotografen, die auf humanistische Weise arbeiteten, waren die Künstler Dorothea Lange (1895-1965) und Henri Cartier-Bresson (1908-2004), deren Strassenfotografie und Fotoreportagen aus aller Welt wurden in einer Reihe einflussreicher Fotobücher veröffentlicht. Cartier-Bressons Oeuvre verdankte dies auch Surrealismus Was die reine Fotografie anbelangt, so wurde dies im späten 20. Jahrhundert durch den Platz der Fotografie in der modernistischen Orthodoxie verdeckt. Siehe auch die Deadpan-Fotografie im Fotobuch Twentysix Gasoline Stations (1962) von Ed Ruscha (geb. 1937).

Akzeptanz der Fotografie als Kunstform

Einer der weltweit beste Galerien für zeitgenössische Kunst , das berühmte New York Museum für moderne Kunst (MoMA) war die ideologische Heimat der Moderne – die vorherrschende Avantgarde-Ästhetik der Mitte des Jahrhunderts, die sich mit Kunst befasste. Design und die Architektur . Das MoMA führte 1937 eine wichtige Umfrage zur Fotografie durch und eröffnete schließlich 1940 seine Abteilung für Fotografie. Dennoch war der Status der Fotografie als Kunstform noch nicht gesichert. Es war John Szarkowski (1925-2007), der 1962 Kurator für Fotografien am MoMA wurde und die Fotografie am effektivsten an die Moderne anpasste. Nach Szarkowskis Ansicht war legitime Fotografie geradlinig, demokratisch in ihrem Gegenstand und hatte eine starke formale Komponente. Fotografien waren keine imaginären Werke, sondern bildlich organisierte Fragmente der Wirklichkeit, die eine starke persönliche Vision widerspiegeln.

Laut dem Gelehrten Douglas Crimp wurde die Fotografie, wenn sie 1839 erfunden wurde, erst in den 1960er und 1970er Jahren entdeckt – Fotografie, das heißt als Wesen Fotografie selbst. Crimp und andere in seinem Kreis kritisierten den Verlust des Verständnisses, das durch die Übertragung von Fotografien aus den Schubladen des Archivs an die Wände des Kunstmuseums verursacht wurde. Dieses kritische Interesse an der Fotografie trug unweigerlich zusammen mit Texten wie Pierre Bourdieus Un art moyen (1965), Susan Sontags On Photography (1977) und Roland Barthes ’ Camera Lucida (1979) dazu bei, die Fotografie hinsichtlich ihres kulturellen Status weiter zu steigern. Barthes ’Text – ein äußerst ergreifender Bericht über seine Suche nach einem „wahren“ Bild seiner Mutter – ist vielleicht das einflussreichste Beispiel für den Versuch, Fotografie in essentialistischen Begriffen zu definieren. Barthe formulierte in seinem Buch die Idee des "Punctum", das Detail in einem Foto, das den Betrachter mit einem wundartigen Gefühl sticht. Ähnlich wie in der Fotografie der Moderne schlug Camera Lucida vor, dass die Fotografie einen einzigartigen Charakter habe, der sie von allen anderen visuellen Medien unterscheide. [Anmerkung: Eine Reihe von Kunstbewegungen und neuen Kunstformen der 1960er Jahre machten die Fotografie zu einem integralen Bestandteil ihres Ansatzes. Bewegungen enthalten Fluxus (1960er) und Pop-Art (c.1955-70) sowie Arte Povera (c.1966-71), während neue Kunstformen mit Fotografien enthalten sind Installationskunst und Performance-Kunst . Eins der wichtigsten moderne Künstler sich bei der Kreation seiner Bilder auf die Fotografie zu verlassen, war Andy Warhol (1928 & ndash; 87); siehe zum beispiel seine siebdrucke von fotos von filmstars wie elvis und elizabeth taylor. Eine Reihe zeitgenössischer Künstler, darunter Gilbert & George (* 1943, * 1942) hängen auch stark von der Verwendung von Fotografie ab.] Interessanterweise Warhols eigenes fotografisches Porträt, das 1987 von Robert Mapplethorpe (1946-89), das 2006 bei Christie’s für 643.200 USD versteigert wurde, ist nach wie vor eines der teuersten Fotos dieser Zeit.

Postmoderne Fotografie

Eine konkurrierende Konzeptualisierung der Fotografie behauptet, dass sie keine angeborenen Eigenschaften hat. Es wird argumentiert, dass seine Identität von den ihm zugewiesenen Rollen und Anwendungen abhängt. Diese Theorie der Fotografie gehört zur zeitgenössischen Kritik der Moderne, die als Postmoderne bezeichnet wird. (Hinweis: siehe auch: Postmoderne Kunst und Postmoderne Künstler .) Der Wunsch, Kunst wieder als sozial und politisch engagiert zu sehen, anstatt zu einem Bereich kreativer Reinheit zu gehören, führte die Wissenschaftler zurück zu den Schriften von Walter Benjamin, dem Kritiker und Philosophen, der in den 1930er Jahren mit der Frankfurter Schule in Verbindung gebracht wurde. Mit der Behauptung, dass eine Fotokopie die "Aura" eines Originalkunstwerks zerstörte und es der Masse möglich war, Kunst durch dieses Simulacrum zu genießen, symbolisierte die Fotografie für Benjamin die Möglichkeit einer Veräußerung kultureller und letztendlich politischer Macht von den Nationalsozialisten. In den 1980er Jahren begannen linke Theoretiker, die Geschichte des Mediums im Hinblick darauf, wie Fotografie in die Ausübung von Macht verwickelt ist, neu zu interpretieren. (Zu Macht und Nacktheit siehe die Arbeit von Helmut Newton (1920-2004); zu geschlechtsspezifischen Fragen siehe die Arbeit von Nan Goldin (* 1953).) Der Begriff der fotografischen Objektivität wurde durch die Schriften jener Gelehrten und Intellektuellen, insbesondere Jean Baudrillards, weiter untergraben, die die Idee einer existierenden Realität in Frage stellten, die lediglich von visuellen Medien erfasst oder reflektiert wird. Bildsprache ist laut Baudrillard die Realität, durch die wir die Welt kennenlernen.

Bis in die 1970er Jahre wurde die Fotokunst mit ikonischen Bildern aus dem 19. Jahrhundert und dem frühen 20. Jahrhundert identifiziert. Heute wird es mit Arbeiten in den letzten fünfunddreißig Jahren identifiziert. Der Weltrekord für ein Foto, das bei einer Auktion versteigert wurde, liegt zum Zeitpunkt der Veröffentlichung bei 4, 3 Mio. USD für The Rhine II (1999) von Andreas Gursky (b.1955). Vor nur zwölf Jahren, als wir in das 21. Jahrhundert eintraten, lag der Weltrekord bei 860.000 US-Dollar – für The Great Wave, Sete von Gustave Le Gray (1820-84). Der massive Wertzuwachs von Fotografien wird oft als Beweis dafür angeführt, dass die Fotografie endlich als Kunst akzeptiert wurde. (Hinweis: siehe auch Die teuersten Gemälde: Top 20 .) Es ist jedoch nicht das erste Mal, dass Fotografie als Kunstform identifiziert wird. Was die Gegenwart von der Vergangenheit unterscheidet, ist, dass Informationen, in welcher Form auch immer, heutzutage nur noch selten ohne Standbilder oder bewegte Bilder übermittelt werden: Die Fotografie in ihrer digitalen Form ist ebenso ein modernes Wunder wie der Daguerreotyp von 1839. (Anmerkung: siehe auch Animation Kunst und Videokunst .)

Fazit: Fotografie ist Kunst

Der gegenwärtige Konsens scheint darin zu bestehen, dass Fotografien einen konstruierten oder absichtlichen Moment der Realität einfangen, und es ist diese Absicht, die den künstlerischen Kern enthält. [Siehe zum Beispiel die "inszenierten" Fotografien von Jeff Wall (geb. 1946), die manipulierten Landschaften von Andreas Gursky (geb. 1955) oder die surrealen Selbstporträts von Cindy Sherman (geb. 1954)]. Anders ausgedrückt ist die Kunst eines Fotografen seine Fähigkeit, einen Moment der Realität einzufangen und ihn in ein sichtbares Bild von Interesse und / oder Schönheit zu verwandeln. Es ist unerheblich, dass das Foto tausendmal reproduziert werden kann, wodurch das „Original“ seines einzigartigen Status beraubt wird. Es ist ausreichend, dass wahrscheinlich keine zwei Fotografen ein identisches Bild erstellen. Noch sicherer ist die künstlerische Qualität eines "bildnerischen" Bildes, das sozusagen in der Dunkelkammer "geschaffen" wird. Der Prozess der Beurteilung, ob Fotografie Kunst ist, erinnert uns daran, dass weder Malerei noch Skulptur eine so reine Kunstform sind, wie manchmal angenommen wird. Bronzeskulptur kann in einer großen Anzahl von Kopien gegossen und neu gegossen werden; und unsere Kenntnisse der griechischen Skulptur stammen nicht von griechischen Originalstatuen, sondern von römischen Kopien. Darüber hinaus wurde geschätzt, dass bis zu 1 von 10 Gemälden in der beste Kunstmuseen , sind Kopien keine Originale. Am Ende des Tages unterscheidet sich eine Kamera zusammen mit einem dunklen Raum und seinen Verarbeitungschemikalien nicht so sehr von den Pinseln und Farben eines Malers. Es bleibt nichts anderes als eine Reihe von Werkzeugen, mit denen ein Fotograf versucht, ein Bild zu schaffen: ein Bild, das unsere Seele in der Art und Weise bewegt, wie es Bilder tun.

Heute sind in vielen Museen auf der ganzen Welt Kunstfotos zu sehen, unter anderem im Metropolitan Museum of Art , NYC (Sammlungen von Stieglitz, Steichen, Walker Evans und Ford Motor Company); Museum of Modern Art (MOMA), NYC (Sammlungen von Edward Steichen, John Szarkowski und Peter Galassi); Guggenheim Museum New York , (Sammlung Robert Mapplethorpe); Kunstinstitut von Chicago (Alfred Stieglitz Collection); Detroit Institute of Arts (Galerie Albert / Peggy de Salle); Los Angeles County Museum der Kunst (Wallis Annenberg Photography Dept); Philadelphia Museum of Art (30.000 Fotos von Fotografen wie Alfred Stieglitz, Paul Strand); und Victoria & Albert Museum , London (500.000 Bilder von 1839 bis heute).



Sie können nicht kommentieren Warum?

Wenn Sie einen grammatikalischen oder semantischen Fehler im Text bemerken, geben Sie diesen im Kommentar an. Vielen Dank!