Modefotografie: Geschichte, Stile, größte Fotografen Automatische übersetzen

Bildende Kunst-Fotografie-Reihe
Modefotografie (ab 1880)
Geschichte, Stile, Fotografen.

Weitere Informationen zu den frühen Erfindungen, auf denen die heutigen Modefotografien basieren, finden Sie unter: Geschichte der Fotografie (c.1800-1900).

Was ist Modefotografie?

Der Begriff "Modefotografie" beschreibt eine Art von Kunstfotografie Werbung für Modeartikel wie Haute Couture-Kleidung sowie für Kleidung, Schuhe, Parfums und andere Markenprodukte von Modehäusern auf der ganzen Welt. Von vielen auf der Welt praktiziert größte Fotografen "Modefotografie" sollte in erster Linie als eine Form von Visuelle Kunst eher als ein angewandte Kunst, da die erstellten Bilder keine nützliche Funktion haben. Darüber hinaus geht es in Modefotos des 21. Jahrhunderts – wie in Fernsehwerbespots – in erster Linie um die Werbung für eine Marke (das heißt ein Konzept) und nicht um ein physisches Produkt. (Siehe auch: Ist Fotografie Kunst ?) Was auch immer seine genaue Bedeutung ist oder Ästhetik "Modefotografie" ist eng verbunden mit zeitgenössische Kunst und populäre Kultur. Es spiegelt nicht nur die Einstellungen, Bestrebungen und Vorlieben der Bevölkerung wider, sondern auch die Ansichten, die Frauen über ihr Selbstbild, Geschlecht und Sexualität haben. Darüber hinaus ist "Modefotografie" untrennbar mit den Medien verbunden. Anfänglich entstanden, um die Bedürfnisse der von Conde Nast und Hearst herausgegebenen Frauenzeitschriften wie Vogue und Harper’s Bazaar zu befriedigen – heute ergänzt durch Veröffentlichungen wie Elle, Cosmopolitan, Vanity Fair, W, Grazia und Seventeen -, hat es dank der jetzt sofortige weltweite Wirkung digitale Computerrevolution und das Internet. Obwohl New York Paris bereits in den 1940er Jahren als das Mekka der Modefotografie abgelöst hat, bleiben Paris und Mailand wichtige kreative Zentren, und fernöstliche Städte in Indien und China werden ohne Zweifel in Kürze zu internationalen Modezentren.

Geschichte der Modefotografie

Die frühesten Modefotos entstanden in den 1860er Jahren, um die Kreationen der führenden Pariser Modehäuser zu dokumentieren. Die Idee, professionelle Models einzusetzen, wurde als abstoßend empfunden, weshalb Modefotografen auf soziale Prominente angewiesen waren, wie z Gertrude Vanderbilt Whitney oder Sarah Bernhardt als Vorbilder. Auch wenn später Vollzeitmodelle eingesetzt wurden, wurden sie von Künstlern entworfen und nicht fotografiert, da Couturiers und Designer dachten, dass Fotografien ihre Geheimnisse preisgeben würden. Erst in den späten 1880er Jahren wurden Fotos von Modellen verwendet und in Modemagazinen gedruckt, nachdem Frederic Eugene Ives (1856–1937) das Raster-Druckverfahren erfunden hatte. Dieses neue Druckverfahren ermöglichte die Reproduktion von Modefotografien in Massenmagazinen und die Vermarktung von Mode für ein Massenpublikum. (Siehe auch: Fotografen des 19. Jahrhunderts.) Die beiden wichtigsten Modemagazine (beide in Amerika gegründet) waren Harper’s Bazaar (gegründet von Harper & Brothers, erstmals 1867 veröffentlicht, später von Hearst gekauft) und Vogue (gegründet von Arthur Turnure, erstmals 1892 veröffentlicht, später von Conde- Nast). Diese Zeitschriften und ihre wachsende Leserschaft sowie die schnell voranschreitende amerikanische Technologie auf dem Gebiet der Fotografie und des Drucks machten die Vereinigten Staaten zu einem wichtigen Zentrum auf dem Gebiet der Modefotografie.

Pariser Kultur und Mode (1880-1930)

Aber trotz des technischen Vorsprungs der USA blieb Paris das Zentrum der westlichen Kultur, insbesondere in den Gebieten von Kunst und Druckgrafik. Mit dem Aufkommen bedeutender künstlerischer Strömungen wie des Impressionismus (1873-83), des Postimpressionismus (1880-1900), des Jugendstils (1890-1914), des Fauvismus (1905-6) und des Kubismus (1907-14) war Paris das Mekka für alle ernsthaften Künstler Gemälde und Skulptur. Berlin war ein weiteres wichtiges Zentrum von Avantgarde-Kunst und Design, dank des Einflusses des deutschen Expressionismus, sowie der einflussreichen Sturm Gallery (1912-32), die später Bauhaus Design School (1919-1933) und die Aktivitäten von Fotografen mögen John Heartfield (1891-1968), Raoul Hausmann (1886-1971), Hannah Hoch (1889-1978), Heinrich Hoffmann (1885-1957) und Laszlo Moholy-Nagy (1895-1946).

Das war auch in der Mode so. Alle wichtigen Trends gingen von Paris und Berlin aus, und es waren diese französischen und deutschen Modetrends, die in Harper’s Bazaar und Vogue gezeigt wurden. Und da sich die meisten großen Couturiers und Modehäuser in Paris befanden, wurde hier der größte Teil der bahnbrechenden Modefotografie gemacht. In der Tat wurde das erste ernsthafte Modefoto-Shooting 1911 in Paris von dem amerikanischen Fotografen gemacht Edward Steichen (1879-1973), als er eine Reihe von Kleidern des Couturiers Paul Poiret fotografierte, um ihre körperliche Qualität sowie ihre formale Erscheinung zu vermitteln. Steichens Bilder, die in der Zeitschrift Art et Decoration veröffentlicht wurden, galten als die ersten modernen Modefotos, die jemals veröffentlicht wurden. Andere französische Magazine, die sich in den Vorkriegsjahren mit Modefotografie beschäftigten, waren La Mode Practique und La Gazette du Bon Ton. Andere Pariser Modefotografen des frühen 20. Jahrhunderts waren: die Brüder Seeberger – Jules Seeberger (1872-1932), Louis Seeberger (1874- 1946) und Henri Seeberger (1876-1956) – Maison Reutlinger, Boissonnas et Taponnier und Henri Manuel.

Hinweis: Die moderne französische Modefotografie entstand aus drei Pariser Postkartenfotografen, den Seeberger-Brüdern (Jules, Louis, Henri), die ab 1910 Porträtfotos der oberen Schichten der französischen Gesellschaft machten. Als diese lässigen Porträts von schönen Frauen, die auf Pferderennen, in Ferienresorts und in Cafés in der neuesten Mode gekleidet waren, in Zeitschriften und Magazinen zu erscheinen begannen, beeilten sich Couturiers wie Chanel, Hermes und Madeleine Vionnet, ihre Modemarken zum Fotografieren zu schicken die Brüder.

Obwohl Frankreich vom Ersten Weltkrieg (1914-18) hart getroffen wurde, blieb es in den 1920er und 30er Jahren dank der Geburt des Surrealismus im Jahr 1924 und des Aufstiegs von Couturiers wie Chanel weiterhin das Zentrum von Kunst und Mode. Balenciaga, Schiaparelli und Lanvin, die jeweils für ihren unverwechselbaren Stil bekannt wurden. Infolgedessen zog die Stadt weiterhin Top-Kamerakünstler an, darunter Horst P. Horst (1906-99), Man Ray (1890-1976), Cecil Beaton (1904–80), George Hoyningen-Huene (1900–68), Erwin Blumenfeld (1897–1969), Brassai (1899-1984) und Andre Kertesz (1894-1985) sowie das Designgenie Alexey Brodovitch (1898-1971).

Anmerkung: Auf beiden Seiten des Atlantiks hat die Entstehung von Kaufhäusern die Zugänglichkeit von Damenmode erheblich verbessert. Zu den führenden Modegeschäften in Paris gehörten Le Bon Marche, La Samaritaine und die Grands Magasins Dufayel. In Amerika gehörten Macy’s, McCreary’s, Abraham & Straus, AT Stewart Dry Goods Store (alle New York), Marshall Field & Company, Carson Pirie Scott (beide Chicago) und Wanamaker (Philadelphia).

Modefotografie in Amerika (1900-1930)

Diese Aktivitäten in Paris hinderten auch die amerikanische Modefotografie nicht daran, Fortschritte zu machen. Der wachsende Reichtum des Landes, die Macht von Harper’s Bazaar und Vogue sowie seine Tradition der Fotokunst – am Beispiel von Alfred Stieglitz (1864-1946) und später Paul Strand (1890-1976), Charles Sheeler (1883-1965), Dorothea Lange (1895-1965) und Walker Evans (1903–1975) – Alles zusammen macht New York zu einer Hochburg der Innovation.

Der erste bekannte amerikanische Modefotograf war Baron Adolf de Meyer (1868-1946) – bekannt für seine eleganten Porträts von Prominenten wie Mary Pickford, John Barrymore, Lillian Gish, Ruth St. Denis, dem britischen König George V und Queen Mary – der 1913 der erste offizielle Modefotograf der amerikanischen Zeitschrift Vogue wurde, die jetzt Conde-Nast gehört. De Meyer war der erste, der seinen Modefotos ein Gefühl von "Stimmung" verlieh, indem er seine Aufnahmen in einer klaren Atmosphäre und in schimmerndem Licht badete. Diese Verfeinerung ermöglichte es der Modefotografie, beim Betrachter ein breites Spektrum von Gefühlen hervorzurufen, wodurch die traditionelle Konvention der Verwendung von Modefotos für den Betrachter aufgegeben wurde Illustration nur zu Zwecken. (Informationen zu den eindrucksvollen Effekten früher Porträtfotografen finden Sie in der Arbeit von Julia Margaret Cameron : 1815-79.)

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts betraf ein weiterer wichtiger Faktor für das Wachstum der amerikanischen Modeindustrie (und damit der amerikanischen Modefotografie) den Aufstieg der Konfektionsindustrie und die gleichzeitige Entwicklung eines unabhängigen US-Staates Stil ganz unverbunden mit Pariser Mode. Tatsächlich wechselte der amerikanische Modemarkt von Pariser Couture zu individualisierter Konfektionskleidung, die in Magazinen wie Women’s Wear Daily (gegründet 1910), Harper’s Bazaar und Ladies Home Journal (gegründet 1883) vermarktet und beworben wurde erste amerikanische Zeitschrift, die 1 Million Abonnenten erreicht hat).

1924 wurden Adolf de Meyers "Weichzeichner" -Effekte durch Steichens klaren geometrischen Stil der fotografischen Moderne verdrängt, der De Meyers Rokoko-Einstellungen durch einfache, aber elegante Kulissen ersetzte. Wie die glatten Linien, geometrischen Formen und stromlinienförmigen Formen von Art Deco – die enorm einflussreiche Designbewegung, die in Amerika entwickelt wurde – Steichens Fotos zeigten, dass US-Modefotografen beabsichtigten, Europa zu führen, nicht ihm zu folgen. Die Tatsache, dass Amerika das Land der europäischen Auswanderer war, befreit von den traditionellen und altmodischen Werten ihrer Heimatländer, war ein zusätzlicher Vorteil. So konnte Steichen die moderne Frau in einem modernen Kleidungsstil porträtieren, der ihre neuentdeckte Freiheit vom Korsett widerspiegelte – eine Situation, die später von Horst P. Horst in seinem bahnbrechenden Vogue- Bild mit dem Titel "Das Mainbocher-Korsett" (1939) dargestellt wurde. Siehe auch Steichens Fotoserie von Marion Morehouse, die die archetypische "zeitgenössische" Frau, die Flapper, verkörperte.

Eine weitere wichtige Entwicklung war Carmel Snow, Chefredakteur von Harper’s Bazaar, der veranlasste, dass der ungarische Sportfotograf Martin Munkacsi (1896-1963) an einem windigen Strand unter freiem Himmel einige Fotos für eine Badebekleidung machte. Als Lucile Brokaw, das Model, auf die Kamera zu lief, fotografierte Munkacsi sie in Bewegung, verschwommen und mit strömenden Haaren. In diesem Moment erschütterte sie die Konvention, dass Modefotografien nur in einer kontrollierten Studioumgebung aufgenommen werden konnten. Munkacsis spontaner Realismus revolutionierte die Ästhetik der Modefotografie und ebnete den Weg für andere.

Wichtig war auch die Erfindung von Kodachrome, einer Art Farbfilm, der 1935 von Eastman Kodak eingeführt wurde. Eine der ersten Kamerakünstlerinnen, die in der Modefotografie Farbe verwendete, war Louise Dahl-Wolfe (1895-1989), die am bekanntesten für ihre Außenaufnahmen war. schießt auf Harper’s Bazaar. Sie war auch eine der Ersten, die natürliches Licht und exotische Orte für ihre Fotografie nutzten.

Surrealistische Modefotografie

Unter dem Vorsitz seines Cheftheoretikers Andre Breton (1896-1966), lebt in Paris Surrealismus Die Bewegung mit ihren fantastischen, traumhaften Eigenschaften hat die Modefotografie maßgeblich beeinflusst. Dies lässt sich am besten anhand der Arbeit von Man Ray veranschaulichen, dem amerikanischen Kamerakünstler, der eine völlig neue Richtung für die Modefotografie eingeschlagen hat, vor allem, weil er die Konventionen missachtet und in seinem dunklen Raum mit surrealen, expressionistischen Bildern experimentiert hat. Tatsächlich stellte sein konstruierter, malerischer Indoor-Arbeitsstil das entgegengesetzte Ende des Spektrums zur Spontaneität von Munkacsi dar. Ein weiterer bedeutender Modefotograf war Erwin Blumenfeld (1897-1969), der zahlreiche Techniken einsetzte, darunter das Solarisieren, Überdrucken, Nebeneinanderstellen von Farbtransparenten und sogar das Kühlen nasser Negative im Kühlschrank, um seine surrealen Effekte zu erzielen. Andere Kamerakünstler, die surrealistische Ideen in ihre Fotos einfließen ließen, waren der Engländer Peter Rose Pulham (1910-56), der Franzose Andre Durst (1907-49), der Amerikaner George Platt Lynes (1907-55) und der unnachahmliche Cecil Beaton.

Zweiter Weltkrieg und 1950er Jahre

Das Aufkommen des Krieges veranlasste zahlreiche europäische Maler, Bildhauer und Fotografen, sich in die Sicherheit der Vereinigten Staaten zu begeben. Der Trend begann in den 1930er Jahren und beschleunigte sich ab Hitlers Machtantritt in Deutschland im Jahr 1933. So wanderte beispielsweise der Designer und Fotograf Alexey Brodovitch (1898-1971) 1930 von Paris nach New York aus; Martin Munkacsi tat es 1934; George Hoyningen-Huene zog 1935 um; und Erwin Blumenfeld (1897-1969) im Jahr 1941.

Die Mode in den Vereinigten Staaten während des Zweiten Weltkriegs war ein deprimierendes Geschäft. Es gab nicht nur einen ernsthaften Mangel an Modematerialien, Designern und Models, sondern die Menschen hatten angesichts so vieler Tragödien und Unsicherheiten auch das Interesse an Kleidung verloren. Mode galt als eine leichtfertige und unnötige Form der Nachsicht. Um sich wieder mit ihren Lesern in Verbindung zu setzen, haben Modemagazine die Rolle der Frau im Krieg analysiert, die Mode als moralisches Mittel beworben, die Kolumnen der Gesellschaft durch Kriegsberichte ersetzt und sich für maßgeschneiderte, aber schlichte Kleidung im einheitlichen Stil eingesetzt. Die Studiofotografie mit ihren teuren Beleuchtungssystemen und komplizierten Einstellungen verschwand fast vollständig. Viele Fotografen (Lee Miller in Paris, Cecil Beaton in London, Louise Dahl-Wolfe in New York) haben einen direkten, geradlinigen Stil gewählt, der fast einem Dokumentarfilm gleicht.

Am Ende des Krieges hatte sich das globale Zentrum der Modefotografie von Paris nach New York verlagert, wo die Rivalität zwischen Harper’s Bazaar und Vogue in vollem Gange war. Die wichtigsten Fotografen waren jetzt Martin Munkacsi, Louise Dahl-Wolfe, Irving Penn (1917–2009), Richard Avedon (1923-2004), die alle einen bedeutenden Beitrag zur Modefotografie leisten würden, obwohl Penn und Avedon das Genre in den kommenden Jahren dominieren würden. Wie viele tolle moderne Künstler Sie hatten die Fähigkeit, sich in fast jedem Jahrzehnt neu zu erfinden.

Avedons Fotos zeichneten sich durch ihre schicke Unbekümmertheit und grenzenlose Vitalität aus. Er hatte auch eine einzigartige Begabung für erfinderisches Risiko und einfallsreiches Experimentieren und war ein wahrnehmbarer Talentsucher, der immer das "Gesicht" fand, das den "Blick" des Augenblicks am besten einfängt, wie Dorian Leigh, Suzy Parker, Twiggy, Jean Shrimpton, Brooke Shields und Nastassja Kinski. Im Gegensatz dazu drehte sich bei Penn’s Fotografie alles um Schönheit und Form – Elemente, die sich in seiner späteren Serie von Stillleben-Fotos am besten vereinten. Er war der erste, der strenge graue und weiße Hintergründe verwendete, und seine Studioarrangements waren sowohl ästhetisch als auch akribisch. Wenn man Avedons Werk als "unmittelbar" bezeichnen kann, ist Penn’s "monumental". Neben ihrer Modearbeit produzierten beide Männer hervorragend Porträtkunst – Sehen Sie zum Beispiel Penn’s unsterbliches Porträt von Pablo Picasso oder Avedons Porträt des Models Dovima in einem Dior-Kleid, das von afrikanischen Elefanten umgeben ist.

Ein weiteres großes Nachkriegstalent war der britische Kamerakünstler Norman Parkinson (1913-90), der 1946 zu Vogue (International) kam und 1949 für die US-amerikanische Vogue arbeitete. Parkinsons "action-realistischer" Stil und seine überlebensgroße Persönlichkeit trugen dazu bei, die konventionelle Modefotografie zu transformieren.

Im Allgemeinen kann man sagen, dass Mitte der 1950er Jahre eine neue fließende und energetische Ästhetik entstanden ist, die den eher statischen Vorkriegsansatz ersetzt. In gewisser Hinsicht war dies nur ein Ausdruck des wachsenden Vertrauens, das sowohl von Unternehmen als auch von Verbrauchern gezeigt wurde, als der Wohlstand in ganz Amerika Einzug hielt. Mit einem erneuten Interesse an Kleidung, das durch das stilvolle Image und die Outfits von Filmstars noch verstärkt wurde, begannen amerikanische Frauen, mehr Mode zu wollen und die Magazine entsprechend zu verpflichten. Neben Avedon, Penn und Parkinson gehörten auch William Klein (* 1928) und Lillian Bassman (1917–2012) zu den führenden Modefotografen der 1950er Jahre.

Hinweis: Harper’s Bazaar und Vogue hatten einen starken Wettbewerb um die innovativsten Mode-Redakteure, Art Direktoren und Designer, von denen viele einen enormen Einfluss auf die Entwicklung von Kleidung und anderer Modefotografie hatten, und zwar durch ihren Einfluss auf ihre Mitarbeiter, Fotografen und freiberuflichen Kameraleute. Die beiden besten Beispiele sind: Alexey Brodovitch, Art Director bei Harper’s Bazaar (1934-56); und Frau T. Reed Vreeland, Mode-Redakteurin bei Harpers (1936–1962), später Chefredakteurin bei Vogue.

Modefotografie in den 1960er Jahren

Während die 1950er Jahre einen frischen, abenteuerlichen Geist in die Modekamerakunst einbrachten, erlebten die 1960er Jahre einen völligen Wandel. Mit der Kulturrevolution der 60er Jahre eröffnete sich eine ganz neue Modewelt. Neue Formen der Popmusik, Pop-Art, mehr Freizeit, eine liberalere Einstellung zum Sex und natürlich die plötzliche "Generationenkluft" machten die Mode für die Jugend äußerst relevant – ein Phänomen, das sich in der Entstehung neuer Wörter wie "trendy" und "fashion" widerspiegelt. bewusst". Der weit verbreitete Drang, als "hip" oder "cool" angesehen zu werden, führte zu einer Nachfrage nach neuen Stilen, Formen, Materialien und Farben. Weitere wichtige Einflüsse auf die Einstellung zur Mode (und damit zur Modefotografie) waren der Vietnamkrieg, das NASA-Weltraumprogramm, die Frauenbefreiungsbewegung und das Thema "Rasse". Obwohl die Jugendkultur nicht zu 100 Prozent dominiert, wurde die Mode der 60er Jahre durch die Anforderungen junger Menschen neu definiert.

Diese wachsende Nachfrage nach Mode, verbunden mit sich verändernden sozialen und moralischen Werten, hatte einen großen Einfluss auf die Modefotografie. Die besten jungen Fotografen – wie das Londoner Trio von David Bailey (geb. 1938), Terence Donovan (1936-96) und Brian Duffy (1933-2010) – genossen hohe Gebühren und Kultstatus; Bailey wurde fast so berühmt wie die Prominenten, die er fotografierte. Auch Models wie Jean Shrimpton (Baileys Muse), Twiggy, Lauren Hutton und Veruschka wurden zu bekannten Namen.

Wenn die Modefotografie der 1960er Jahre eine einheitliche Ästhetik hatte, war sie "Neuheit". Zeitschriften brauchten neue und aufregende Bilder, um mithalten zu können. David Bailey war kühn, direkt und unbestreitbar konzentriert. Terence Donovan leistete Pionierarbeit in der Verwendung kahler und rauer städtischer Umgebungen. Yasuhiro Wakabayashi (* 1930), besser bekannt als Hiro, verwendete ungewöhnliche Beleuchtung, kreative Gegenüberstellungen und ein einzigartiges Gefühl für Farbe, um einen monumentalen, surrealen Stil zu kreieren. Bob Richardson (1928-2005) brachte Sex, Drogen und Rock’n’Roll auf seine Fotos, ebenso wie Art Kane (1925-95) – mit 26 Jahren der Art Director des Seventeen Magazine Diane Arbus (1923-1971) produzierten einige der verstörendsten Kindermodebilder, die jemals veröffentlicht wurden.

Eine kurze Erläuterung der Kamera- und Fotobegriffe finden Sie unter: Kunstfotografie-Glossar.

Modefotografie in den 1970er Jahren

In den 1970er Jahren wurden die exotischen Hippiestile der 60er Jahre durch praktischere Kleidung ersetzt. Jeans wurden zum Markenzeichen der Freizeitkleidung, und die Nachfrage nach Konfektionskleidung (Pret-a-Porter) explodierte. Die Mode breitete sich von jung bis alt aus, und dieser neu entdeckte Konsumismus trieb die Mode in eine milliardenschwere Branche, die durch raffinierte Werbekampagnen und hochmoderne Fernsehwerbung gestärkt wurde.

Die französische Vogue übernahm nun die kreative Führung in der Modefotografie dank Kamerakünstlern wie Helmut Newton (1920-2004) und Guy Bourdin (1928-91). Newton war am bekanntesten für subversive und erotische Bilder, die irgendwie einen ironischen Ton beibehalten, während Bourdin für seine hochkünstlerischen, farbenfrohen und gelegentlich surrealen Bilder bekannt war. Deborah Turbeville (1932-2013) war die erste, die übergewichtige und unschöne Modelle verwendete. Alle drei haben dazu beigetragen, konventionelle, gut beleuchtete Modebilder in etwas viel Nervöseres und Ungewöhnlicheres zu verwandeln.

In den 70er Jahren machten es die Models weiterhin groß. 1975 unterzeichnete Margaux Hemingway den ersten Millionen-Dollar-Vertrag als Gesicht von Fabergés Babe- Parfüm, während Lauren Hutton 25-mal (!) Auf dem Cover der Vogue erschien. Schwarze Modelle machten auch den Durchbruch, wie zum Beispiel Iman, Donyale Luna, Naomi Sims und Beverly Johnson, die 1974 als erstes afroamerikanisches Modell auf dem Cover der amerikanischen Vogue zu sehen waren. Andere Topmodels der 70er Jahre waren Cybill Shepherd, Patti Hansen, Penelope Tree, Grace Jones und Jerry Hall.

Modefotografie in den 1980er Jahren

Während einige der kreativsten Modefotografien der 1980er Jahre weiterhin von "Oldtimern" wie Richard Avedon produziert wurden, sehen Sie sich zum Beispiel seine narrative Werbekampagne "The Diors" oder seine mit einer Schlange verschlungene Nacktaufnahme von Nastassja Kinski an – Auch jüngere Fotografen rückten ins Rampenlicht, darunter: Herb Ritts (1952-2002), bekannt für seine legendäre Aufnahme von "Stephanie, Cindy, Christy, Tatjana, Naomi, Hollywood, 1989", die im Rolling Stone Magazine erschien; Bruce Weber (* 1946), der mit seinen Fotoshootings für Armani und Calvin Klein einen neuen Blick auf die Männlichkeit wies Robert Mapplethorpe (1946-89) mit seinen homoerotischen Aufnahmen; und Gian Paolo Barbieri (* 1938), bekannt für seine Arbeiten für die Modedesigner Armani, Versace, Dolce & Gabbana, Pomellato und Giuseppe Zanotti. Gleichzeitig wurde die Unabhängigkeit von Frauen in verschiedenen Situationen von Fotografen wie Denis Piel (geb. 1944) und Bert Stern (1929-2013) betont.

Die von Oliviero Toscani (* 1942) inszenierte Modekampagne von Benetton war eine Kontroverse, die immer ein nützliches Mittel zur Ankurbelung des Handelsvermögens war. Zu den Bildern gehörte eine an AIDS sterbende Patientin vor trauernden Verwandten, während andere Hinweise auf Rassismus, Krieg, Religion und die Todesstrafe enthielten.

Zu den Topmodels der Modefotografie der 1980er Jahre gehörten unter anderem Gia Marie Carangi, Ines de la Fressange, Cheryl Tiegs, Christie Brinkley, Paulina Porizkova, Brooke Shields, Heather Locklear, Carol Alt und Elle Macpherson. Während dieses Jahrzehnts hörten Supermodels auf, als Individuen gesehen zu werden und wurden wie Filmstars als Bilder angesehen. Erleben Sie die Promi-Party-Aufnahmen der Modefotografin Roxanne Lowit (* 1965) von Supermodels wie Elle Macpherson, Naomi Campbell und anderen.

Modefotografie in den 1990er Jahren

Die Mode der 90er Jahre wurde beinahe manieristisch, als die Konsumenten schäbige Grunge-Styles sowie Tätowierungen und Piercings annahmen. Später im Jahrzehnt gab es eine Wiederbelebung bestimmter Stile der späten 60er / frühen 70er Jahre, obwohl die 1990er Jahre eine ganz eigene Aufregung bewahrten. Lange etablierte Künstler wie Irving Penn und Helmut Newton dominierten weiterhin das Feld, während Ellen von Unwerth (* 1954) den Zuschauern ihre einzigartige Marke erotischer Weiblichkeit vorstellte. Darüber hinaus wurde Peter Lindberg (geb. 1944), der für seine einfarbigen Fotos bekannt ist, mit seinem Vogue- Cover von Januar 1990 mit Christy Turlington, Cindy Crawford, Naomi Campbell, Linda Evangelista und Tatjana Patitz berühmt. Inzwischen wurde sein jüngerer Zeitgenosse Steven Meisel (* 1954) für seine Aufnahmen von Madonna in ihrem 1992 erschienenen Buch "Sex" und für Vanity Fair gelobt. Der peruanische Modefotograf Mario Testino (* 1954) wurde 1997 auch für seine Vanity Fair- Titelbilder der verstorbenen Lady Di, Prinzessin von Wales, bekannt.

Ein wichtiger fotografischer Trend ("Heroin-Chic" genannt), der möglicherweise die geschlechtsspezifische Ambivalenz des Zeitalters widerspiegelt, war die Verwendung von blass abgemagerten Modellen im androgynen Stil, die in dem Fotoshooting für Calvin Kleins "Obsession" von Mario Sorrenti (geb..1971) mit einer Waifish Kate Moss.

In den 1990er Jahren erlebten die oben genannten fotografischen Superstars Naomi Campbell, Linda Evangelista, Christy Turlington, Claudia Schiffer und Tatjana Patitz den Höhepunkt der Model-Power. Der Heroin-Chic- Stil erlebte Mitte des Jahrzehnts einen kurzen Aufschwung, erlosch jedoch 1999 mit dem Aufstieg des brasilianischen Models Gisele Bundchen. In den 90er Jahren setzte sich auch der zunehmende Einsatz etablierter Prominenter in Modefotografien durch, wie dies am Beispiel von Julia Roberts deutlich wurde, der das Gesicht von Lancome wurde.

Modefotografie im 21. Jahrhundert

Das einundzwanzigste Jahrhundert war bereits von drei Dingen geprägt: den Bombenanschlägen vom 11. September; Globalisierung und Verarmung der Dritten Welt; und der wirtschaftliche Abschwung (2007-2014). Dies scheint die Mode auf vielfältige Weise beeinflusst zu haben. Ethische Handelspraktiken und Green Policies bestimmen die Kaufpolitik. Konfektionskleidung wird mittlerweile größtenteils in China hergestellt. Die Flucht vor finanziellen und politischen Unsicherheiten hat die Wiederbelebung der surrealistischen oder kitschigen Modefotografie sowie die fortgesetzte Verwendung von Prominenten und etablierten Supermodels gefördert. Die wachsende Unzufriedenheit mit etablierten Werten im Zuge der weltweiten Sparmaßnahmen stimuliert weiterhin die Verwendung kontroverser Elemente bei der Gestaltung von Modefotoshootings, auch wenn Oliviero Toscanis konfrontative Modeshootings aus den 1980er Jahren für Benetton keine Rolle spielten.

Nach dem Tod von Herb Ritts (2002), Richard Avedon, Helmut Newton, Francesco Scavullo (2004) und Irving Penn (2009) gehören Patrick Demarchelier, Steven Meisel, Mario Testino, Peter Lindbergh und Oliviero zu den führenden Modefotografen von heute Toscani (geb. 1942), Annie Leibovitz (geb. 1949), Nick Knight (geb. 1958) und David LaChapelle (1963). Zu den jüngeren Kamerakünstlern zählen Christophe Kutner, Glen Luchford, Craig McDean und Javier Vallhonrat.

Auch wenn Kate Moss, Naomi Campbell, Gisele Bundchen und andere „etablierte“ Models weiterhin die Nase vorn haben, gehören zu den neuen professionellen Modemodellen des 21. Jahrhunderts – wie in der amerikanischen Vogue (Mai 2007) zitiert -: Agyness Deyn, Lily Donaldson, Chanel Iman, Doutzen Kroes, Sascha Pivovarova, Hilary Rhoda, Coco Rocha, Jessica Stam, Caroline Trentini und Raquel Zimmermann.

Mittlerweile gehören zu den führenden Modemagazinen (neben Vogue und Harper’s Bazaar) Elle (das weltweit meistverkaufte Modemagazin), Cosmopolitan, Seventeen, W, Vanity Fair, GQ, Grazia, Marie Claire sowie Dazed and Confused und Sleaze Nation.

Ausstellungen der Modefotografie werden regelmäßig in mehreren Ausstellungen gezeigt beste Galerien für zeitgenössische Kunst quer durch Amerika.