Performance Art:
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Diese neue Form der zeitgenössischen Kunst, die aus Happenings und Konzeptkunst hervorging und in den späten 1960er und 1970er Jahren zur Hauptform der Avantgardekunst wurde, nimmt den Künstler selbst als Medium: Die Kunstwerke selbst sind die Live-Aktionen des Künstlers.

Die heute bei immer mehr postmodernen Künstlern beliebte Performance-Kunst neigt dazu, intensiv theatralisch zu sein, wobei Schauspiel und Bewegung oft zu Extremen des Ausdrucks und der Ausdauer führen, die im Theater nicht akzeptabel sind. Worte stehen selten im Vordergrund, während Musik und verschiedene Geräusche oft eine Rolle spielen. Aufführungen finden in mehreren der besten Galerien für zeitgenössische Kunst der Welt statt, aber auch in traditionellen Zentren wie dem Metropolitan Museum of Art. Eine der bekanntesten Vertreterinnen der zeitgenössischen Performance-Kunst ist die Serbin Marina Abramović (geb. 1946).

Merkmale

Obwohl diese Art der postmodernen Kunst nicht leicht genau zu definieren ist, ist ein wichtiges Merkmal die Anforderung, dass der Künstler seine „Kunst“ vor einem Live-Publikum aufführt oder zum Ausdruck bringt. Wenn man beispielsweise dem Publikum die Möglichkeit gibt, eine interessante Assemblage oder Installation zu betrachten, würde dies nicht als Performance-Kunst gelten, wohl aber die Beobachtung des Künstlers bei der Montage dieser Assemblage oder Installation.

Vorbehaltlich dieser Bedingung können Performance-Künstler jede Disziplin oder jedes Medium in ihrer Arbeit verwenden, einschließlich Tanz, Musik, Rezitation, Pantomime, Mode, Theaterdesign, Film, Jonglage, Tumbling, Gegenkraft, Entfesselungskunst, Installation, Körper- und Computerkunst (um nur einige zu nennen) sowie traditionellere Genres wie Malerei, Zeichnung und Skulptur.

Performance-Kunst kann spontan und einmalig oder einstudiert und seriell sein. Sie kann aus einer kleinen Veranstaltung oder einem groß angelegten öffentlichen Spektakel bestehen. Sie kann fast überall stattfinden: in Museen oder anderen Kunstorten, in Cafés und Bars, auf Plätzen oder auf der Straße.

Im Einklang mit den Traditionen der Anti-Kunst-Bewegung des frühen 20. Jahrhunderts (Dada) und dem breiteren Stil des Surrealismus bleibt die Grenze zwischen Performance-Kunst und Exhibitionismus oft absichtlich dünn. Aufgrund des flüchtigen Charakters des Mediums werden Performance-Ereignisse häufig auf Film und Videoband aufgezeichnet, und diese Aufnahmen sind letztlich das wichtigste Mittel zur Verbreitung von Performance in der Öffentlichkeit.

Einige Kunsthistoriker sind der Meinung, dass Performance-Kunst am besten als „darstellende Kunst“ wie Drama, Tanz oder Stand-up-Comedy zu verstehen ist, und nicht als eine Form der „bildenden Kunst“ - zumal die betreffenden „Kunstwerke“ für die Performance-Künstler selbst in der Regel von geringer Priorität sind.

Die Ursprünge und die Geschichte der Performance-Kunst

Obwohl sie auf die mittelalterlichen Darbietungen von Hofmusikanten und fahrenden Troubadouren zurückgeht (wenn nicht sogar auf die oratorischen Darbietungen der klassischen Antike), verdankt die moderne Performancekunst ihre Existenz den Aktivitäten solcher Avantgardebewegungen wie Futurismus (ca. 1909-14) (ca. 1909-14). 1909-14.), Dada (1916-24), Surrealismus Automatismus (1924-40), Nouveau Realisme (Anfang der 1960er Jahre), Fluxus (1960er Jahre), Neo-Dada (1960er Jahre), Body Art (ab 1960) und Feministische Kunst (ab 1970). Diese Bewegungen lehnten die „formalistischen“ Konventionen der traditionellen Kunst ab, die sich auf das „fertige Produkt“ konzentrierten: ein Gemälde, eine Skulptur oder ein anderes Kunstwerk - und sich stattdessen auf die „Botschaft“ oder das „Konzept“ des Werks konzentrierten.

Zu den wichtigsten Teilnehmern dieser Bewegungen gehören der rumänische Aktivist Tristan Tzara (1896-1963); der so genannte Vater der Konzeptkunst Marcel Duchamp (1887-1968); der einsame Dadaist Kurt Schwitters (1887-1948) und seine Assemblage „Merzbau“; der Avantgarde-Komponist John Cage (1912-1992), der die „stille“ Symphonie 4-33 schuf; Sol LeWitt (geb. 1928), Hohepriester des Konzeptualismus und seines einflussreichen Essays „Paragraphs on Conceptual Art“ (1967); Allan Kaprow (geb. 1927), Vertreter der Assemblage und Hauptschöpfer der „Happenings“. Alle diese Männer inszenierten bewusst oder unbewusst dramatische, humorvolle oder respektlose Ereignisse, die an Performance-Kunst grenzten, um ihre künstlerischen Ideen zu popularisieren.

Die Entwicklung der Performance-Kunst

Der unmittelbare Impuls für die Entwicklung der Performance-Kunst ging von einer Reihe theatralischer Happenings aus, die Allan Kaprow und andere in den späten 1950er Jahren in New York veranstalteten. 1961 präsentierte Yves Klein (1928-1962) drei nackte Modelle, die sich auf weißen Papierbögen wälzten und mit seinem Markenzeichen, der blauen Farbe, bedeckt waren. Er war auch berühmt für seine „Sprünge ins Leere“. Für weitere Einzelheiten siehe Die postmoderne Kunst von Yves Klein (1956-62). In den frühen 1960er Jahren begannen mehrere andere amerikanische Konzeptkünstler, wie Robert Morris (geb. 1931) Bruce Nauman (geb. 1941) und Dennis Oppenheim, die „Performance“ in ihr Repertoire aufzunehmen.

In Deutschland wurde die Performance-Kunst als Aktionismus bekannt, teilweise beeinflusst durch die 1950 von Hans Namuth aufgenommenen Fotografien des abstrakten Expressionisten Malers Jackson Pollock (1915-1956) bei der Arbeit in seinem Atelier, wo er sein „Action Painting“ ausführte, obwohl sich der Begriff Aktionismus streng genommen auf die 1962 gegründete Wiener Gruppe Wiener Aktionismus bezieht. Die führenden Mitglieder des Aktionismus waren Günter Brus (geb. 1938), Hermann Nitsch (geb. 1938) und Rudolf Schwarzkogler, deren Performances (Aktionen und Demonstrationen) - die angeblich die brutale Natur des Menschen betonen sollten - schockierende Ausstellungen von Selbstfolterungen und pseudoreligiöse Rituale umfassten. Der gewalttätige Charakter der Kunstphilosophie der Gruppe spiegelt sich auch in den Aktionen des Wiener Künstlers Arnulf Rainer wider.

Noch wirkungsvoller waren in den 1960er Jahren die Veranstaltungen und Happenings der vom litauisch-amerikanischen Kunsttheoretiker George Maciunas (1931-1978) gegründeten Fluxus-Bewegung, die ihren Ursprung in Deutschland hatte, sich dann über ganz Europa ausbreitete und sich in New York etablierte. Eines der bekanntesten Mitglieder von Fluxus war der deutsche Künstler Josef Beuys (1921-1986), ein deutscher Professor für Bildhauerei an der Düsseldorfer Kunstakademie, zu dessen Werken eine ungewöhnliche Performance mit dem Titel „How to Explain Paintings to a Dead Hare“ (1965) gehörte. In mehreren europäischen Hauptstädten sowie in New York fanden Festivals für zeitgenössische Kunst im Stil von Fluxus statt, die alle mit Performance-Kunst verbunden waren.

Zu den prominenten Performance-Künstlern im Vereinigten Königreich gehörten Stuart Brisley (geb. 1933) sowie Gilbert Proesch (geb. 1943) und George Passmore (geb. 1942) - besser bekannt als Gilbert und George - ein Duo, das 1969 an der St Martin’s School of Art in London zusammenkam und als „Living Sculptures“ bekannt wurde. Die Idee war, sich selbst in eine Skulptur zu verwandeln und so ihre getrennten Identitäten um der Kunst willen auszulöschen.

Um dies zu erreichen, wurden sie zu austauschbaren Chiffren und gaben sogar ihre Nachnamen auf. Sie bemalten ihre Gesichter, trugen identische Kleidung und veranstalteten Ein-Mann-Shows „“, bei denen sie eine beliebte Melodie „Underneath the Arches“ pantomimisch darstellten. Nachdem sie durch britische Kunstschulen gereist waren, bereisten sie den Kontinent, Amerika, Japan, Australien und China und erweiterten dabei ihr Angebot an „lebenden Skulpturen“ mit einer deutlich „britischen“ Färbung. Die Themen ihrer Arbeiten umfassten den Niedergang innerstädtischer Viertel, die Verehrung von Margaret Thatcher, Anti-Royalismus und vieles mehr, meist auf kantige Weise präsentiert und begleitet von einer breiten Palette visueller Kunstprodukte wie Postkartenskulpturen, Filme, Videos und Installationen. Die ultimative Performance-Kunst, sagen Kunstkritiker, aber ist es auch Kunst?

Zu den jüngsten zeitgenössischen Kunstbewegungen, die mit „Performancekunst“ in Verbindung stehen, gehören: Körperkunst (Marina Abramović), Pantomime (Marcel Marceau) einschließlich „lebender Statuen“ und feministische Kunst (Carolee Schneerman).

Andere Performance-Künstler

Zu den anderen führenden zeitgenössischen Künstlern, die Performance-Kunst in ihr Repertoire aufgenommen haben, gehören: Yayoi Kusama (geb. 1929), eine kontroverse japanische Künstlerin, die für ihre Happenings und phallischen Bilder bekannt ist; Joan Jonas (geb. 1936), bekannt für ihre Performance-Videos; Helio Oiticica (1937-1980), brasilianischer experimenteller Künstler und Gründer der Grupo Neoconcreto; Rebecca Horn (geb. 1944), bekannt für ihre zum Nachdenken anregenden Installationen; und die Körperkünstler Marina Abramovic (geb. 1946) und Chris Burden (geb. 1946). Weitere Künstler sind Laurie Anderson, Eric Bogosian, Chong Ping, Martha Clark, Ethyl Eichelberger, Karen Finley, Richard Foreman, Dan Graham, Holly Hughes, Suzanne Lacy, Tim Miller, Meredith Monk, Linda Montano, Yoko Ono, Rachel Rosenthal und Carolee Schneerman. Ein weiterer innovativer Künstler ist der in Korea geborene Musiker und Maler Nam June Paik (1932-2006), der zunächst mit Performance-Kunst, dann mit Video und schließlich mit Installationen arbeitete.

Wie mehrere Strömungen der zeitgenössischen Kunst agiert die Performance-Kunst um ihrer selbst willen und nach ihren eigenen Prioritäten. Manchmal ähnelt sie einer Zirkusnummer, manchmal ist sie lustig, anstößig oder sogar abstoßend und stellt die konventionelle Ethik und (vor allem) unsere Vorstellung davon, was Kunst ist oder sein sollte, in Frage.