Anfang, Max Beckmann:
Analyse des Triptychons Automatische übersetzen

Der Anfang (Triptychon) von Max Beckmann.
Einer der tolle moderne gemälde der Mitte des 20. Jahrhunderts..

Beschreibung

Name : Der Anfang (1949)
Künstler : Max Beckmann (1884-1950)
Medium : Öl auf Leinwand
Genre : Triptychon
Bewegung / Stil : Deutscher Expressionismus (allegorisch)
Standort : Metropolitan Museum of Art

Für eine Interpretation anderer Bilder aus dem 19. und 20. Jahrhundert siehe: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).

Am meisten geliebt für seine kühn gemalt Selbstporträts und mächtigen Triptychen gelang Max Beckmann mit seiner ein früher finanzieller Erfolg Biblische Kunst und wurde in den Vorstand des renommierten gewählt Berliner Secession Als er erst 26 Jahre alt war, änderten seine Erfahrungen als medizinischer Freiwilliger während des Ersten Weltkriegs seinen Stil Gemälde vollständig. In den 1920er Jahren war er mit der Neue Sachlichkeit (New Objectivity) Gruppe und begann zu produzieren expressionistische Porträts und Selbstporträts, die er weithin ausstellte. In dieser Nachkriegszeit Porträtkunst und figur malerei Er stellte das Leben als Karneval der menschlichen Torheit dar, indem er expressionistische Pinselstriche und intensivere Farben mit kühnen Konturen verwendete. Darüber hinaus wurde ab den frühen 1930er Jahren aufgrund seines großen Interesses an mittelalterliche Malerei Außerdem produzierte er eine Serie von zehn allegorischen Triptychon-Gemälden (1932-50), von denen The Beginning Nummer acht war. 1933 wurde er von den nationalsozialistischen Behörden von seiner Lehrtätigkeit an der Akademie der bildenden Künste in Frankfurt entlassen. 1937 wurden zehn seiner Gemälde in die NS-Ausstellung " entartete Kunst Als Reaktion darauf floh Beckmann nach Amsterdam. 1947 wanderte er in die USA aus, wo er drei Jahre später starb.

Der Anfang war inspiriert von einem Traum, den Beckmann im April 1946 in seinem Tagebuch festhielt: "Ich hatte gerade einen absurden und unangenehmen Traum, in dem irgendwie ein Kater eine Rolle spielte, die mich mächtig lächerlich machte". Er begann im Oktober 1946 in Amsterdam mit der Arbeit an dem Gemälde und bemerkte: "Schon heute wird ein Entwurf von ’Puss-in-Boots’ recht interessant." Im Januar 1947 beginnt er mit den Aufzeichnungen auf den Seitentafeln des Werks und nennt sie jetzt "L’Enfance" (Kindheit) und später "Jeunesse" (Jugend).

Beckmann hörte bald darauf mit der Arbeit an dem Gemälde auf, vielleicht beschäftigt von seinem bevorstehenden Umzug in die Vereinigten Staaten. Erst nach einem Jahr in Amerika erwähnt er das Triptychon wieder in seinem Tagebuch, wo er im Dezember 1948 verkündet: "Interessant, das alte neue kleine Triptychon L’Enfance". Im April 1949 schreibt er, er habe "den Anfang mit scheinbar wunderbarem Erfolg gekürzt". Dieser letzte Titel wurde dann beibehalten, und das Werk wurde am 16. Mai 1949 für vollständig erklärt.

Für andere moderne Künstler Malerei in einem ähnlichen Stil wie Beckmann, siehe: George Grosz (1893-1959).

Der Anfang ist vielleicht das autobiografischste von Beckmanns Hauptwerken moderne Kunst und kann, wie die früheren Titel andeuten, als Allegorie der Kindheit gelesen werden. Die Szenen in jeder der drei Tafeln drehen sich um einen Jungen, der sich in der rechten Tafel in der hinteren Reihe einer Klasse von Schülern befindet, die vor einem strengen Schulmeister sitzt. Der Junge hat einen gemacht Zeichnung einer nackten Frau und gibt es an einen Kommilitonen weiter, ein Akt, an den sich Beckmann aus seiner Schulzeit erinnert: "Ich habe mich in der Schule vor allem dadurch hervorgetan, dass ich im Unterricht eine kleine Bilderfabrik eingerichtet habe. Die Produkte wanderten von Hand zu Hand Hand und hypnotisierte für ein paar Minuten das traurige Schicksal vieler armer Sklaven. "

Die künstlerischen Aktivitäten des Jungen scheinen jedoch kurz vor dem Abbruch zu stehen, da der finstere Blick des Lehrers auf ihn gerichtet ist. Diese schwere Bestrafung wird durch das Schicksal des Schülers an der Vorderseite des Raumes angezeigt, der mit erhobenen Händen vor der Wand steht. Die Verwendung von düsteren Braun- und Schwarztönen, die klaustrophobisch wirken Verkürzung und das stark vergitterte Gitter auf der linken Seite der Tafel trägt zur Unterdrückung bei: Dies ist ein Ort der physischen und psychischen Zurückhaltung. Nur das Vorhandensein eines Globus und eines farbenfrohen Gemäldes einer Berglandschaft impliziert, dass es eine Alternative zu dieser Welt gibt. Der skulpturierte Kopf hinter dem Lehrer, die Harfe im Vordergrund und die künstlerischen Aktivitäten des Jungen lassen die Fluchtwege erahnen.

Im Gegensatz zu den erdigen Farben des rechten Paneels gehören das Blau und Lila im linken Paneel zu einer mystischen Ebene, von der die Zuschauer durch das Gitter eines Fensterrahmens ausgeschlossen sind. Der jetzt gekrönte Junge starrt in diesen Raum. Seine weibliche Begleiterin mit Girlande, die von ihrem Spiegelbild fasziniert ist, verkörpert irdische Eitelkeit und Täuschung. In der Nähe symbolisiert eine brennende Kerze die Vergänglichkeit der menschlichen Existenz im Stil von Vanitas Malerei der niederländischen Schule des 17. Jahrhunderts. Jenseits des Fensters erscheint eine fantastische Vision vor dem jungen König – eine Schar engelhafter Wesen umgibt einen blinden Orgelschleifer. In Beckmanns früheren Werken symbolisiert die Orgelmühle das Schicksal und spielt immer wieder das Lied des Lebens. Der bärtige alte Musiker kann als einsamer Visionär gesehen werden, das unvermeidliche Ende der Träume des jungen Künstlers vom Ruhm.

Die Implikationen der Seitenwände, der Welten der Realität und der Imagination werden in der Mittelwand zusammengeführt. Hier zeigt Beckmann einen Kindergarten, in dem der Junge, auf einem weißen Schaukelpferd sitzend und ein Spielzeugschwert heldenhaft schwingend, die Komposition dominiert. Puss-in-Boots, eine märchenhafte, mutige Figur, die für ihren Erfolg gegenüber erwachsenen Monstern bekannt ist, hängt beunruhigend vom Dach. Vielleicht wird der Junge ihn bald retten, aber in Anbetracht von Beckmanns Traum ist es wahrscheinlicher, dass der Junge die Katze besiegt hat, deren schwingende Pfoten parallel zu den ausgestreckten Armen des Jungen liegen, der auf der angrenzenden Tafel bestraft wird. Im Schrank lauert die nächste Eroberung des Kindes, der bedrohliche Clown – ein weiteres Gespenst kindlicher Unsicherheit.

Eine üppige rothaarige Frau lehnt sich im Vordergrund zurück und bläst zerstreut Blasen aus einer Tonpfeife. Schönheit wird als fragiles Bild gesehen. Beckmann identifizierte diese Figur als Gouvernante, eine Rolle, die sich gut für Muse und Femme Fatale eignet. Neben ihr liest eine alte Frau eine Zeitung, die ihrer Umgebung gegenüber gleichgültig ist und durch Erfahrung und Lernen Wissen über die Welt vermittelt. Die Eltern des Jungen, die auf einer Leiter hinter ihm auftauchen, winken missbilligend, können aber den Sprung ihres Sohnes ins Erwachsenenalter nicht verhindern.

Seit den 1990er Jahren gehört Beckmanns expressionistische Malerei haben eine wachsende internationale Fangemeinde angezogen, mit Retrospektiven und Ausstellungen im Museum für moderne Kunst (1995) und die Samuel R. Guggenheim Museum (1996) in New York sowie in den wichtigsten Museen von Rom (1996), Madrid (1997), Zürich (1998), München (2000), Paris (2002), London (2003), Frankfurt (2006) und Amsterdam (2007).