Badende bei Asnières, Georges Seurat:
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Badende bei Asnières (1883-4). Von Georges Seurat.
Einer der größte moderne Gemälde des 19. Jahrhunderts.

Beschreibung

Name: Badende in Asnières (1883-4)
Künstler: Georges Seurat (1859-91)
Mittel: Ölgemälde auf Leinwand
Genre: 19. Jahrhundert Genre-Malerei
Stil: Neoimpressionismus
Lage: National Gallery, London

Für eine Interpretation anderer Bilder aus dem 19. und 20. Jahrhundert siehe: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).

Hintergrund

Es war wohl seine klassische Ausbildung am Ecole des Beaux-Arts, wo er traditionell lernte figur zeichnung unter Henri Lehmann, einem Schüler von JADIngres, das Georges Seurat mit seinem Sinn für Klassizismus – ein Merkmal seiner formalen Gestaltung sowie seiner statuenhaften Figuren. In jedem Fall ist seine Wertschätzung der traditionellen Gemälde zog ihn von den vorübergehenden Werten beider Monets weg Impressionismus und Courbets Realistische Malerei und zu einem nachhaltigeren, intellektuellen Stil von moderne Kunst. Sich entscheiden, sich zu vertiefen Farbtheorie entwickelte er eine neue Methode des Malens – synchronisiert ’ Pointillismus ’(Dottismus) durch den einflussreichen Kritiker Felix Feneon (1861-1944) – das auf den wissenschaftlichen Theorien von Divisionismus, vorgeschlagen von Michel Eugene Chevreul und Ogden Rood. Anstatt wie gewohnt Farbe auf seiner Palette zu mischen und dann auf die Leinwand zu bringen, begann Seurat, kleine Punkte reiner Farbe direkt auf die Leinwand zu bringen. Er wusste, dass das menschliche Auge die Farben für ihn mischt, wenn es das Bild von einer bestimmten Stelle aus betrachtet Entfernung. (Dieselbe Technik, die die moderne Methode des Druckens von Farbbildern untermauert.) Obwohl Seurat die luftige Frische impressionistischer Farben, die in kurzen, leichten Pinselstrichen aufgetragen wurden, gezielt auf seine Verwendung von Reinem umsetzte Farbpigmente die sich dann optisch vermischten, gaben seinen Gemälden eine wunderbare Lichtqualität. Darüber hinaus hatte Seurat wenig Interesse an der Art von Plein-Air-Malerei benutzt von Impressionistische Maler flüchtige Eindrücke von Licht und Farbe festhalten. Stattdessen plante und bereitete er seine Kompositionen lieber im Studio vor und arbeitete sie langsam aus Zeichnungen und anderen vorbereitenden Studien heraus.

Seurat hatte jedoch den Pointillismus nicht abgeschlossen, als er Badende in Asnières malte. Die Punkte im pointillistischen Stil mit reiner Farbe würden erst dann in großer Zahl auftauchen, wenn er sie malte Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte (1884-6, Art Institute of Chicago). Nichtsdestotrotz veranschaulicht Bathers Seurats umfassenderen Stil des Neo-Impressionismus – den Stil, der sich aus dem Impressionismus entwickelte, aber auch dagegen reagierte. Wie Monet und die anderen war auch Seurat von Licht und Farbe fasziniert; aber während sie nur daran interessiert waren, flüchtige "Momente" festzuhalten, war er daran interessiert, solche "Momente" in zeitlose Größe zu verwandeln. Beachten Sie, dass einige Kunsthistoriker starke Ähnlichkeiten in Bezug auf Geometrie und Stille zwischen Bathers und dem Werk des Malers der frühen Renaissance in der Toskana feststellen Piero della Francesca (c.1412-92).

In jedem Fall betrachten Historiker La Jatte und Bathers heute als wegweisende Werke beider Post-Impressionismus, und das Klassische Wiederbelebung (Fl.1900-30). Obwohl keines dieser herausragenden Genrebilder wurde auf dem offiziellen Pariser Salon gezeigt, sie verwandelten Seurat in eine führende Figur der Avantgarde und einen der einflussreichsten Vertreter von Postimpressionistische Malerei in Frankreich. Man kann sich nur fragen, was er wohl erreicht hätte, wenn er nicht mit 31 Jahren so tragisch gestorben wäre.

Die Badegäste in Asnières waren Seurats erste große Leinwand. Es ist 2 Meter hoch und 3 Meter breit und zeigt eine Gruppe von Arbeitern an ihrem freien Tag. Als er es der Bundesregierung vorlegte Salon von 1884 ist es unwahrscheinlich, dass seine Ablehnung ihn überraschte. Die einzigen Themen, die zu dieser Zeit für ein so großes Gemälde als angemessen erachtet wurden, waren religiöse, historische oder klassische Themen. Mit Sicherheit keine Angehörigen der unteren Ordnungen, die an den Ufern der Seine herumlungern. So machte Seurat einen absichtlichen politischen Punkt. Die Impressionisten glaubten, dass es für ein Bild nicht wesentlich sei, eine Geschichte zu erzählen. Monet, Renoir, Pissarro und Sisley wollten alle den flüchtigen "Moment" festhalten, bevor sich das Licht änderte. Deshalb fingen sie an, im Freien zu malen, was damals lächerlich gemacht wurde. Indem Seurat den Moment in so großem Maßstab festhielt und Arbeiter darstellte, forderte er das Recht des Establishments heraus, zu diktieren, was ein geeignetes Thema für die Kunst sei oder nicht. Es ist auch möglich, dass das Gemälde eine subversive politische Aussage enthält.

Im Hintergrund die Brücke in Clichy, einem Vorort von Paris, und die dortigen Fabriken. Über den Gebäuden befinden sich sechs hohe Schornsteine. Der in der Mitte stößt Rauch aus, der dunkelblau wird, wenn er nach rechts abweicht. Auf dieser Seite der Brücke stehen Bäume mit einer Steinmauer, die direkt in den Fluss fallen.

Links von der Brücke stehen höhere Bäume und halb versteckt ein paar Häuser mit weißen Wänden und rotem Dach. Das Flussufer, das die Hälfte des Gemäldes einnimmt, fällt fast rechts von der Leinwand ab. Direkt unter der Brücke links des Flusses liegen ein paar Segelboote, während rechts, weiter in Richtung uns, ein drittes Segelboot in Küstennähe und nur die Hälfte seines Bootes als einsamer Skuller sichtbar sind.

Noch wichtiger ist, dass es eine Fähre gibt, an deren Fahnenmast eine Trikolore hängt. Die Farben Rot, Weiß und Blau sind jedoch deutlich zu erkennen, sodass wir nicht verwechseln können, was sie ist. Auf der Fähre sitzt ein Bootsmann mit weißem Hemd und Strohhass, der sein Paddel drückt, um seine Passagiere zum anderen Ufer zu bringen. Dies ist eine Dame, die uns und den Männern am Ufer den Rücken zugekehrt ist, die größtenteils von einem weißen Sonnenschirm verdeckt werden, und einem dunkel gekleideten Mann mit Zylinder. Der Sonnenschirm und der Zylinder sagen mir, dass sie eine Dame und ein Gentleman sind. Bedeutet die Flagge, die für ein so kleines Boot absurd groß ist, ironischerweise, dass ihre Passagiere Repräsentanten Frankreichs sind, die wertvoller sind als die müßigen Arbeiter, die sie zurücklassen?

Stromabwärts der Fähre und näher am nahen Ufer schwimmt ein Unkrautstreifen über die Länge des Bootes und von ungefähr demselben Grün wie das Gras auf dem Wasser. Am Hauptufer, das bis zum Rand des Wassers abfällt, sind einige Arbeiter an ihrem freien Tag – oder das ist zumindest eine vernünftige Annahme, denn wie könnten sie sonst dort sein? Es gibt vier ältere Männer am Ufer, drei jüngere im oder am Wasser. Die Sonne kommt, wie wir an den Schatten der Männer erkennen können, die auf dem Gras sitzen, von rechts auf dem Bild.

Am weitesten von uns entfernt liegt ein Mann in einem pink-braunen Hemd, einer dunklen Hose und einem Strohhut auf dem Bauch. Neben ihm sitzt ein ganz in Weiß gekleideter Mann mit einer Melone und schaut auf die Fähre. Dann gibt es einen Einschnitt in der Bank – vielleicht, damit Boote landen können. Die Erde muss hier kalkhaltig sein, weil der Boden, der bei der Ausgrabung freigelegt wurde, cremefarben ist. Auf unserer Seite des Schnitts sitzt ein Mann auf einem braunen Kissen, barfuß, mit bis zu den Knien hochgekrempelten Hosen, einer ärmellosen Weste und einem Strohhut, dessen Band zu seinem Kissen passt. Auch er schaut aufs Wasser.

Fast untergetaucht im Fluss steht ein blonder Jugendlicher, der sich von uns abgewandt hat. Wie alle Männer ist er hellhäutig – das sind Fabrikarbeiter, die nur selten der Sonne ausgesetzt sind. Die größte Figur auf dem Bild – wenn auch nicht die prominenteste – ist ein Teenager, der am Rand des Ufers sitzt und mit den Füßen im Wasser baumelt. Er trägt eine rote Badehose und seine Kleidung – ein Strohhut mit einem dazu passenden Band, dunkle Stiefel und Hosen mit einem großen weißen Handtuch, das das Auge auf ihn lenkt – ist neben ihm. Er hat schlecht kastanienbraune Luft geschnitten und sein Gesicht und sein Hals sind dunkler als die blasse Haut seines Körpers. Er sitzt zusammengesunken und mit runden Schultern, eine unattraktive Gestalt mit einer großen Nase und einem zurückweichenden Kinn. Sie fühlen sich einsam, sein Verstand ist leer. Oder vielleicht hat das Mädchen, das er mag, nichts mit ihm zu tun und er erträgt das Elend der jungen Liebe.

Hinter ihm liegt ein schwarzhaariger Mann mit dem Rücken zu uns und lehnt sein Gesicht an seine Hand. Er trägt eine Melone und sein Hemd wurde aus seiner dunklen Hose gezogen, die ein langes Stück Weiß bietet und die Creme des Schnitts hinter sich widerspiegelt. Hinter ihm, mit Blick auf den Fluss, sitzt ein orangefarbener Spaniel. Seurat kann immer gut mit Tieren umgehen.

Weiter oben am Ufer sehen wir hinter ihm einen Haufen Kleider – vielleicht von der letzten Figur, einem Jungen, der im Fluss steht. Er ist die Figur, die uns am nächsten steht, und steht aufgrund von Seurats kompositorischem Können, obwohl er sich am äußersten rechten Rand der Leinwand befindet, im Mittelpunkt des Gemäldes. Er trägt eine rote Badehose und einen roten Hut, ein Hauch von Farbe gegen das Weiß seiner Haut, was uns hilft, auf ihn aufmerksam zu machen. Mit verschlungenen Fingern hält er seine hohlen Hände an die Lippen und sein Kopf ist leicht angehoben. Er macht eine Art Pfeifgeräusch – ruft er Leute am anderen Ufer an?

Der Gesamteindruck ist grün (das Gras), blau (der Himmel, das Wasser), creme und weiß (die Brücke und die Gebäude im Hintergrund, die Segel der Boote, die Kreide des Schneidens, das Weiß der Herrenhemden). Das Gefühl ist statisch, unbelebt, da die einzigen Aktivitäten der Fährmann sind, der in der Ferne mit seinem Ruder spielt und der Junge, der im Vordergrund pfeift. Das sind Arbeiter – vielleicht Arbeiter in den Fabriken im Hintergrund, es raucht nur ein Schornstein – und dies ist ihr Ruhetag.

Aber wo sind die Frauen? In einem anderen Bild von Menschen an einem freien Tag umfasste der Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte viele Frauen und deckte ein breites soziales Spektrum ab. Dies sind nur sieben Männer am Ufer der Seine, von denen Angehörige der Bourgeoisie weggerudert werden. Man muss davon ausgehen, dass dies eine bewusste Entscheidung ist, denn natürlich kümmern sich die Frauen nicht wie die bessergestellten Mädchen der Mittelklasse um ihr Zuhause. Wie ihre Männer müssen sie arbeiten, wo sie heute sein müssen.

Die Komposition des Gemäldes, wie Seurat uns führt, wohin wir schauen sollen, ist aufregend. Es gibt eine Reihe von Diagonalen, die sich von links nach rechts über das Bild erstrecken, und Seurats Verwendung von Braun zu Rot führt uns unvermeidlich zum Fokus – der Junge mit dem roten Hut, der im Wasser steht. Parallel und hinter ihm sind die roten Stämme des Jugendlichen und dahinter das braune Kissen, das gleiche Rot wie das Haar des jungen Mannes. Die Unterbrechung des Grüns des Grases durch das Schneiden zieht auch unsere Augen vom hellblauen Himmel, von der weiß-cremefarbenen Brücke und den Fabriken herunter. Unterhalb des Ausschnitts bewegen uns auch die beiden Kleiderstapel und das lange weiße Hemd des Mannes mit der Melone und dem Spaniel diagonal nach unten und rechts. Und natürlich haben die drei jungen Männer im und am Wasser alle eine blasse Haut.

Wie oben erwähnt, hatte Seurat seine Pointillismus-Technik nicht perfektioniert, als er dieses Bild 1883-84 malte. Aber das große Abenteuer ist im Gange: Er verwendet eine Reihe von Farben, um einen Gesamtton zu erzeugen. Das Grün des Grases setzt sich aus Grün, Gelb und Grau zusammen. Die Badehose des Teenagers enthält Orange, Pink, Blau, den einen oder anderen schwarzen Streifen – aber die Farbe ist abgetupft. Die winzigen Punkte, für die er einen feinen Pinsel benutzt haben muss, erscheinen erst zwei Jahre später pointillistisch und er würde diese Technik für den Rest seines kurzen Lebens anwenden.

Dies ist ein sehr freundliches Bild. Es ist auch ein sehr schönes Bild. Nichts ist verzaubert, die Natur ist nicht idealisiert. Die Figuren sind gewöhnliche Männer, nicht besonders hübsch, nur Männer. Aber es gibt eine leuchtende Eigenschaft und eine Spannung zwischen dem industriellen Hintergrund und diesen bewegungslosen Männern, die am Flussufer sitzen. Es ist das Leben, unidealisiert, unromantisiert. Es ist auch ein Meisterwerk und eines der imposantesten Werke der Moderne Französische Malerei in der National Gallery, London.

Die Bedeutung von Bathers at Asnieres wird klarer, wenn man sie neben ’ La Jatte ’ betrachtet. Es ist sicherlich kein Zufall, dass die erste die Arbeiterklasse zeigt, die sich am linken Ufer der Seine sonnt, während sich die zweite auf die wohlhabenderen Mittelschichten konzentriert, die einen Tag am gegenüberliegenden Ufer des Flusses verbringen. Mit anderen Worten, es handelt sich um eine Geschichte zweier Klassen – beide in der Zeit erstarrt und beide von einer zeitlosen Monumentalität durchdrungen. Abgesehen davon, dass Seurat die " La Jatte " -Menschen als materialistisch und unmoralisch darstellt, während die Arbeiter auf der linken Seite (sozusagen) ein überlegenes Gefühl von unkomplizierter Einfachheit zu bewahren scheinen. In der Tat scheint der Junge aus der Arbeiterklasse mit dem roten Hut zu den Leuten am gegenüberliegenden Ufer zu rufen, als wollte er sagen: "Komm und mach mit! Wir sind die Zukunft!"

Seurats Einfluss war enorm, als er sich mit Pointillismus befasste. Viele moderne Künstler außerhalb der Pointillist Gruppe übernahm den Stil, einschließlich Van Gogh ) Selbstporträt, 1887, Art Institute of Chicago); Henri Matisse ) Luxe, Calme et Volupte, 1904, Musee d’Orsay); Andre Derain ) Boote in Collioure, 1905, Kunstmuseum, Düsseldorf); und Jean Metzinger ) Frau mit Hut, 1906, Korban Art Foundation). Inzwischen, Pissarro Er malte einige seiner besten Bilder nach Seurats Vorbild und schrieb an seinen Sohn: "Ich denke, Seurat hat etwas Neues beizutragen. Ich bin persönlich überzeugt vom progressiven Charakter seiner Kunst und davon, dass sie in kürzester Zeit außergewöhnliche Ergebnisse bringen wird."

Tragischerweise bekam der Junge 1891, ein Jahr nachdem Seurat Young Woman Powdering Herself fertiggestellt hatte, ein Porträt von Madeleine Knobloch, seiner Geliebten und der Mutter seines einjährigen Sohnes, eine ansteckende Angina. Seurat fing es von ihm auf und sowohl er als auch sein Kind starben. So endete tragischerweise und vorzeitig das Leben eines der innovativsten und einflussreichsten Maler des neunzehnten Jahrhunderts. Drei Monate später wurde eine Bestandsaufnahme seines Nachlasses unter anderem von Künstlerkollegen durchgeführt Paul Signac (1863-1935) wer – mit Henri-Edmond Cross (1856-1910) – sollte die Innovationen von Seurat weiterführen. Madeleine Knobloch erhielt eine Reihe von Gemälden als Anteil, und dann verschwand sie, möglicherweise um Seurats Familie, mit der sie sich gestritten hatte, zu meiden oder gar zu umgehen, und wurde nicht mehr gehört. Aber all dies wurde in der Zukunft verborgen, als Seurat dieses fröhliche und liebevolle Bild malte.

Erklärung anderer moderner französischer Gemälde

QUELLEN:
Wir danken Ihnen für die Verwendung bestimmter Materialien aus der höchst originellen Publikation Looking at Paintings: A Private View (2009) von Richard Cottrell: eine wichtige Arbeit für alle Studenten, die sich mit der Bedeutung von Gemälden im Laufe der Geschichte befassen möchten.