Das Atelier des Künstlers, Gustave Courbet:
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Einer der größte moderne Gemälde des neunzehnten Jahrhunderts.

Beschreibung

Name: Das Atelier des Künstlers (1855)
Künstler: Gustave Courbet (1819-77)
Mittel: Ölgemälde auf Leinwand
Genre: Geschichtsmalerei (Allegorie)
Bewegung: Realistische Malerei
Lage: Musee d’Orsay, Paris

Für eine Interpretation anderer Bilder aus dem 19. und 20. Jahrhundert siehe: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).

Hintergrund

Zusammen mit Honore Daumier und Jean-François Millet Gustave Courbet war der Gründer von Französisch Realismus, eine Art von sozialer Kunst, die den arbeitenden Menschen und seine Umwelt ehrt. Als eine der fortschrittlichsten Figuren des 19. Jahrhunderts Französische Malerei Er stand den traditionellen akademischen Lehrmethoden des Ecole des Beaux-Arts in Paris und lernte stattdessen an privaten Akademien und – gerne Entgasen und Manet – durch Kopieren der alten Meister im Louvre. Dabei entwickelte er eine besondere Bewunderung für die Gemälde von Caravaggio und Velazquez. Courbet stellte auf der Paris aus Salon zum ersten Mal im Jahr 1844 und im Jahr 1850 zeigte drei seiner großen Genrebilder : Bauern in Flagey (1850, Museum der Schönen Künste, Besancon), The Stone Breakers (1849, Galerie der Neuen Meister, Dresden: im Zweiten Weltkrieg verbrannt) und Eine Beerdigung in Ornans (1849, Musee d’Orsay). Diese Werke machten ihn zu einem der führenden Realistische Künstler in Frankreich. 1855 reichte er dreizehn Bilder bei der Weltausstellung in Paris ein. Elf wurden angenommen, zwei jedoch abgelehnt, darunter The Artist’s Studio. Als Reaktion darauf richtete Courbet in der Nähe der offiziellen Ausstellung einen eigenen "Pavillon des Realismus" ein – eine Art Prototyp der Salon des Refusés (1863) – wo er sowohl The Artist’s Studio als auch A Burial at Ornans zeigte.

HINWEIS: Der Begriff "Realismus" wurde erstmals um 1846 von Courbet oder einem Mitglied seines Kreises bei einem ihrer Treffen in der Brasserie Andler geprägt, die nur zwei Türen von Courbets Atelier in der Rue Hautefeuille 28 in Paris entfernt war. Der Realismus beschäftigt sich mit der Darstellung des Lebens gewöhnlicher Werktätiger – beispielsweise von sozialen Szenen auf den Straßen von Paris oder den Arbeitsbedingungen von Bauern. Es ist nicht zu verwechseln mit Naturalismus ’, das nicht das abgebildete Objekt beschreibt, sondern wie es abgebildet ist. Der Naturalismus beschreibt gewöhnlich eine naturgetreue Art, die sichtbare Welt zu malen. Realismus wurde auch durch die grobkörnigen Romane von Emile Zola, Gustave Flaubert und anderen populär. Weitere Informationen finden Sie unter: Realismus zum Impressionismus (c.1830-1900).

Diese massive, 6 Meter breite Leinwand, die in einem Maßstab geschaffen wurde, der bislang der klassizistischen Historienmalerei vorbehalten war, ist ein nicht reumütiges didaktisches Werk. Der Untertitel lautete: "Eine echte Allegorie, die sieben Jahre meines künstlerischen und moralischen Lebens zusammenfasst". (Hinweis: Erstens gibt es per Definition keine "echte" Allegorie. Es handelt sich um einen Widerspruch. Zweitens ist eine Allegorie einfach eine Geschichte oder ein Bild mit versteckten Bedeutungen.) Der Titel des Bildes ist eigentlich ein subtiles Wortspiel, da es sowohl eine Allegorie des Lebens ist, wie Courbet es sah, als auch eine Allegorie seiner persönlichen Philosophie des Realismus. Und indem er seinem persönlichen Manifest den Maßstab und Status des angesehensten historischen Gemäldes gab, forderte er auch das Hierarchie der Genres und seine Konventionen.

Das Atelier des Künstlers zeigt Courbet an seiner Staffelei bei der Arbeit an einem Landschaftsmalerei, umgeben von einem Künstlermodell, einem Kind und einer weißen Katze, die alle die Mitte des Tableaus einnehmen. Die Landschaft ist ein Blick auf das Loue-Tal in der Nähe von Ornans – trotzig ausgewählt als Symbol seiner „provinziellen“ Herkunft. Das weiblicher Akt stammt von einem Foto des französischen Fotografen Julien Vallou de Villeneuve (1795-1866) und soll den Traditionalismus der Französische Akademie oder alternativ die Inspiration der Künstlerin (nackt, weil sie die Wahrheit symbolisiert). Die weiße Katze – die entgegengesetzte Farbe zur herkömmlichen glücklichen schwarzen Katze – kann Courbets anti-traditionalistische Position symbolisieren. Die zentrale Position des Künstlers könnte eine zeitgenössische Aktualisierung von The Apotheosis of Homer (1827, Louvre) sein, einem Gemälde von JAD Ingres – der Apostel von neoklassizistische Malerei – in dem Homer die Hommage an die großen Persönlichkeiten seiner Zeit annimmt.

Eines der interessantesten Merkmale dieses Abschnitts ist der kleine Junge, der den Künstler beim Malen ansieht. Courbet scheint seine Meinung mehr zu schätzen als jeder der Kunstsammler, Intellektuellen oder Künstler auf dem Bild.

Bis auf ein oder zwei Ausnahmen sind alle anderen Figuren des Gemäldes, aufgeteilt in zwei Gruppen (links und rechts), allegorische Darstellungen verschiedener Einflüsse auf Courbets Leben und / oder Kunst.

Auf der linken Seite, die das Alltagsleben repräsentiert, ist eine Gruppe gewöhnlicher Menschen aus allen Schichten der französischen Gesellschaft zu sehen: ein Jude, ein Priester, ein Kaufmann, ein republikanischer Veteran von 1793, ein Wildhüter, ein Textilhändler, ein Bestatter, eine Frau ein Kind, einen arbeitslosen Arbeiter und ein Bettlermädchen säugen und so weiter. Courbet zeigt auch seine Vertrautheit mit der traditionellen Malerei. Beispielsweise wird angenommen, dass der verzerrte männliche Akt, der in einer kreuzigungsähnlichen Haltung dargestellt ist, den Tod von symbolisiert akademische Kunst, der altmodische Malstil, der von der Französischen Akademie und der Ecole des Beaux Arts gefördert wird. Sein Tod wird auch durch den Schädel angedeutet, der auf einer Kopie des "Journal des Debats" ruht. Der Schädel ist auch ein Hinweis auf Vanitas Malerei. Der Gentleman mit dem Zylinder, der mit den Händen auf den Knien sitzt, verweist auf Ingres berühmtes neoklassizistisches Werk Porträt von Monsieur Bertin (1832, Louvre). Links sind auch ein Dolch, ein Federhut und ein Schnallenschuh zu sehen. Diese symbolisieren entweder den Tod des Franzosen Romantik (verursacht durch die zunehmende Popularität des Realismus) oder das Ende der Romantik in Courbets Gemälden.

Rechts, im Halbdunkel, stehen hinter dem Künstler eine Reihe von Courbets Freunden, von denen einige einen wichtigen Einfluss auf sein Denken und Werk hatten. Der Dichter und Kunstkritiker Charles Baudelaire (1821-67) sitzt ganz rechts auf einem Tisch. Der "realistische" Schriftsteller Jules Champfleury (1820-89) sitzt unmittelbar hinter Courbet auf einem Hocker. Im Hintergrund ist auch das bärtige Profil von Courbets Hauptpatron Alfred Bruyas (1821-76) zu sehen. Bruyas kaufte auch Bilder von realistischen Künstlern wie Millet, Theodore Rousseau, und Corot sowie Werke des romantischen Malers Eugene Delacroix Vor allem aber bewunderte er die Arbeit von Courbet. Hinter ihm steht der radikale politische Philosoph Pierre-Joseph Proudhon (1809-65) – der Vorläufer von Karl Marx. Das Paar im Vordergrund links von Baudelaire vertreten Kunstsammler, während das Liebespaar am Fenster die freie Liebe darstellt.

Hinweis: Da das Bild vollständig bei Ornans gemalt wurde, wurden die meisten Porträts von Courbets Freunden – die alle in Paris lebten – von Fotografien oder früheren Porträts kopiert. Das Porträt von Charles Baudelaire zum Beispiel stammt aus Courbets Porträt des Schriftstellers von 1847. Während das Bild von Proudon auf einem Foto von Champfleury bason war. Sehen: Fotografen des 19. Jahrhunderts.

Aus Zeitgründen musste Courbet einige seiner Pläne für das Gemälde ändern. So plante er zum Beispiel, an der Rückwand des Studios Repliken seiner früheren Bilder zu malen. Da ihm jedoch auf halbem Weg die Zeit ausgegangen war, deckte er sie einfach mit einer rotbraunen Grundfarbe ab, sodass die unvollständigen Bilder noch sichtbar blieben.

HINWEIS: Wenn Courbet der führende Vertreter des urbanen Realismus war, war Jean-François Millet der bekannteste Maler der französischen Bauernschaft. Siehe zum Beispiel Die Gleaners (1857), Der Angelus (1859) und Mann mit einer Hacke (1862).

Courbets Das Atelier des Künstlers wird zu Recht als eine Arbeit beschrieben, die an der Schwelle von steht moderne Kunst Nicht zuletzt, weil es so viele progressive Maler tiefgreifend beeinflusst hat. Obwohl in Form eines klassischen Tableaus erstellt, behandelt es ganz aktuelle Themen wie: das sich verändernde Verhältnis zwischen Stadt und Land; die Notwendigkeit eines neuen Verständnisses zwischen dem Künstler und dem Arbeitsumfeld gewöhnlicher Männer und Frauen; die Rolle und der Wert der Kunst im weiten Feld der zeitgenössischen politischen, sozialen und kulturellen Ideen. Es ist auch eine zutiefst persönliche Arbeit und drückt eine soziale Philosophie aus, der Courbet sein ganzes Leben treu geblieben ist.