Helldunkel in der Malerei Automatische übersetzen

Was ist die Definition und Bedeutung von Chiaroscuro?

Obwohl es keine genaue Definition dafür gibt, beschreibt der Begriff bildende Kunst „chiaroscuro“ (von italienisch „hell-dunkel“ oder französisch „clair-obscur“) den ausgeprägten Kontrast von Licht und Schatten in der Malerei, Zeichnung oder Druckgrafik und das Geschick des Künstlers bei der Kontrolle der Schatten, um die Illusion dreidimensionaler Formen zu erzeugen.

Es geht darum, dass die Dichte der Form nur in Gegenwart von Licht sichtbar wird. (Zum Beispiel werden Objekte oder Figuren erst bei der Dämmerung – die bis dahin nur als etwas dunklere Flecken als ihre Umgebung wahrgenommen wurden – voluminös und dreidimensional.) Und wenn das Licht aus einer einzigen Quelle kommt, beleuchtet es die Objekte nach bestimmten Regeln. Chiaroscuro beschreibt, wie der Künstler die dreidimensionale Beleuchtung von Objekten darstellt und die Illusion fester Formen erzeugt.

Ursprung

Es wird angenommen, dass der Maler Mazaccio (1401-1428) aus der Frührenaissance stammt (vgl. Werke wie „Die Heilige Dreifaltigkeit“ (1428) und „Das Wunder mit dem Statyrer“ (1426)) sowie die Hochrenaissance-Maler Leonardo da Vinci (1452-1519) und Raffael (1483-1520) – verwendeten erstmals Helldunkel, um die Illusion eines Reliefs zu erzeugen – insbesondere bei der Modellierung des menschlichen Körpers. Am häufigsten wird der Begriff jedoch auf Werke des Manierismus und des Barock angewendet, insbesondere auf die Pinselführung von Caravaggio (1571-1610). (und seinen Nachfolgern Caravaggisti) und Rembrandt (1606-1669).

Es gibt einen separaten Begriff „Hell-Dunkel-Druck“, der sich auf farbige Holzschnitte bezieht, die in verschiedenen Blöcken gedruckt werden, wobei jeweils verschiedenfarbige Tinte verwendet wird – ein Verfahren, das von dem Deutschen Hans Burgkmayr im Jahr 1508 erfunden wurde; während „Hell-Dunkel-Zeichnung“ eine Zeichnung auf farbigem Papier ist, bei der normalerweise das Helle mit weißer Gouache und das Dunkle – mit Tinte dargestellt wird.

Was ist der Unterschied zwischen Helldunkel und Tenebrismus?

Und Chiaroscuro und der manieristische Malstil, der als Tenebrismus bekannt ist (vom italienischen Wort „tenebroso“, was „trüb“ bedeutet), befassen sich beide mit der Behandlung von Licht und Schatten in zweidimensionaler Malerei oder Zeichnung. Und auf den ersten Blick können Gemälde von Tenebristen sehr ähnlich aussehen wie solche, die starke Effekte von Helldunkel enthalten.

Es gibt jedoch einen klaren theoretischen Unterschied zwischen diesen beiden Begriffen. Wie oben beschrieben, ist chiaroscuro – eine malerische Schattierungstechnik, die speziell verwendet wird, um dreidimensionalen Objekten ein Gefühl von Volumen zu geben, das heißt, sie als dreidimensionale Körper erscheinen zu lassen. Und Tenebrismus – ist eine kompositorische Dunkel-Licht-Technik, bei der bestimmte Bereiche einer Zeichnung dunkel (d. h. vollständig schwarz) gelassen werden, so dass ein oder zwei Bereiche bei Beleuchtung stark beleuchtet erscheinen.

Shadowbrism wird für einen rein dramatischen Effekt verwendet (manchmal wird es auch „dramatische Beleuchtung“ genannt). Es ist keine Modellierung erforderlich: Es wird nicht versucht, den Figuren ein Gefühl von Dreidimensionalität zu geben. In der Tat ist die Dunkelheit des Tenebris rein negativ, während der Schatten des Helldunkels positive Obertöne einbringt.

Einige Gemälde Caravaggios kombinieren den dreidimensionalen Stil des chiaroscuro und die dramatische Beleuchtung des tenebrismo. Die besten Beispiele für diese Kombination sind Die Berufung des heiligen Matthäus (1600), Das Martyrium des heiligen Matthäus (1600), Das Abendessen in Emmaus (1601.), Die Kreuzigung des heiligen Petrus (1601), Die Bekehrung auf der Straße nach Damaskus (1601), und Das Begräbnis Christi (1601-03).

Was ist der Unterschied zwischen sfumato und chiaroscuro?

Wie bereits erwähnt, beinhaltet das Helldunkel den kombinierten Einsatz von Licht und Schatten. Das Zusammentreffen dieser beiden Werte kann jedoch zu scharfen Linien oder Konturen führen. Leonardo da Vinci war der Pionier der Technik des sfumato, um den Übergang von Hell zu Dunkel zu mildern. In seinen Notizen zur Malerei sagt er, dass sich Licht und Schatten „ohne Linien oder Grenzen verbinden sollten, wie Rauch“ (auf Italienisch „sfumato“ bedeutet „allmählich verschwinden wie Rauch“). Sfumato verwendet in der Regel mehrere transparente Glasuren, um ein allmähliches Tonspektrum von dunkel nach hell zu schaffen und so unerwünschte scharfe Konturen zu vermeiden. Sfumato wird durch die Gesichter der Madonna in den Felsen und die weichen Schattierungen auf dem Gesicht der Mona Lisa (um 1503, Louvre) veranschaulicht. Die Technik des Sfumato wurde auch von Giorgione (1477-1510) und von Correggio (1490-1534) beherrscht.

Ursprung und Geschichte des Chiaroscuro

Die erste Verwendung dreidimensionaler Schattierungen im Hell-Dunkel-Stil (im antiken Griechenland als „Skiagraphie“ oder „Schattenmalerei“ bekannt) wird traditionell Apollodorus zugeschrieben, einem berühmten Athener Maler aus dem 5. Jahrhundert zugeschrieben. Die Technik, die in der byzantinischen Kunstperiode (ca. 400-1400) in einer etwas primitiven Form weitergeführt wurde, wurde im Westen im späten Mittelalter verfeinert und war um 1400 zu einem Standardmerkmal sowohl der Evangelienillumination als auch der Malerei geworden.

Siehe auch unseren Aufsatz über den Wert der schönen Künste: Wie man Gemälde bewertet .

Chiaroscuro in der Renaissance

Das Helldunkel wurde im Nordeuropa des 15. Jahrhunderts zu einer wichtigen Technik für alle religiösen Künstler nach der Vision der heiligen Bridget in Schweden, die behauptete, das Licht des Jesuskindes gesehen zu haben. In ihren späteren Darstellungen der Geburt Christi und anderer Szenen, in denen das Jesuskind vorkommt, machten Renaissancekünstler wie Hugo van der Goos (1440-1482) dieses heilige Licht oft zur Hauptquelle der Beleuchtung und setzten dabei stark auf Hell-Dunkel. Leonardo ) Madonna in den Felsen) war ein weiterer einflussreicher Pionier dieser Technik. Der kompositorische Ansatz wurde von mehreren Künstlern, darunter Tintoretto (1518-1594), auf den erwachsenen Jesus in den Abendmahlsszenen übertragen. Während die meisten religiösen Gemälde in der Technik des Helldunkels während der Renaissance dazu dienten, Szenen der Gelassenheit und Ruhe zu schaffen, tendierten manieristische Maler wie Caravaggio, Paolo Veronese (1528-1588), Giovanni Baglione (1566-1643), Georges de Latour (1593-1652) und andere – tendierten dazu, sie mit größerer dramatischer Wirkung einzusetzen, insbesondere angesichts der früheren Erfahrungen von Künstlern wie Hugo da Carpi (1455-1523).

Für eine andere illusionistische Technik in der Malerei, siehe: Verkürzung .

Chiaroscuro im Barock

Die barocke Malerei stützte sich für ihre dramatische Wirkung stark auf den Einsatz von Schatten. Es war Caravaggio, der mit seiner Methode des Schattenbrismus &ndash dramatische Beleuchtung einsetzte, um die größte Wirkung zu erzielen; eine Technik, die sich unter dem Namen Caravaggismus in ganz Europa verbreitete. Aufgrund des Einflusses von Caravaggio in Neapel wurde die Technik des Chiaroscuro in der Stadt, die nach Paris die zweitgrößte Stadt Europas war, besonders beliebt. Für einen kurzen Leitfaden siehe: Die Malerei von Neapel (1600-1700). Für weitere Informationen zur Kunst des frühen 17. Jahrhunderts siehe: Die neapolitanische Schule der Malerei (ca. 1600-56); für spätere Entwicklungen siehe: Neapolitanischer Barock (ca. 1650-1700).

Das Helldunkel wurde zu einem Merkmal der Kunst des spanischen Barocks in den Händen von Künstlern wie Francisco de Zurbarán (1598-1664) und dem in Neapel lebenden Josepe de Ribera (1591-1652), während es auch von dem deutschen Maler aus Rom Adam Elsheimer (1578-1610) verwendet wurde, dessen Nachtszenen eine Zwischenstellung zwischen dem reinen Helldunkel und dem reinen Tenebrismus einnahmen. Zwei der größten Künstler Nordeuropas, Peter Paul Rubens und Rembrandt, führten das Helldunkel zu neuen Höhen dramatischer Dreidimensionalität: Rubens in Werken wie „Kreuzabnahme“ (1608-12, „Onze-Lieve-Vrouwe-Kerk“, Antwerpen) und Folgen des Krieges (1638, Palazzo Pitti); Rembrandt in Gemälden wie „Vorlesung über Anatomie von Dr. Nicolas Tulip“ (1632, Mauritshuis), „Opferung Isaaks“ (1635, Eremitage) und „Bathsheba“ (1654, Louvre). Weitere bedeutende Vertreter des Barockstils des 17. Jahrhunderts sind Gerrit van Honthorst (1592-1656) und Gerrit Dawe (1613-1675), die zur niederländischen Schule des Barocks gehören, Jacob Jordans (1593-1678) flämischer Barock und der Bologneser Maler Gwerchino (Giovanni) Francesco Barbieri) (1591-1666).

Chiaroscuro im 18. und frühen 19. Jahrhundert

Diese Tradition wurde während des Rokoko von Künstlern wie Fragonard (1732-1806) in solchen Werken fortgesetzt, wie „Swing“ (1767, Wallace Collection) und „Bolt“ (1777, Louvre), und von Antoine Watteau (1684-1721) in seinen Urlaubsszenen. In England wurde das Helldunkel von dem romantischen Expressionisten Fuseli (1741-1825) in „The Lunacy of Lady Macbeth“ (1784, Louvre) und Joseph Wright of Derby (1734-97) in „Experiment with a Bird in an Air Pump“ (1768, National Gallery, London) verwendet. In Spanien verwendete Goya verschiedene leichte und schwere Helldunkel in Werken wie „Christus am Kreuz“ (1780, Museo del Prado), „Maya Akt“ (1800, Prado), „Saturn verschlingt Sohn“ (1821, Prado).