Rembrandt: Niederländischer Porträtkünstler, Maler der biblischen Geschichte Automatische übersetzen

Rembrandt Harmenszoon van Rijn wird von Kunsthistorikern als einer der größten Alten Meister Europas und als der bedeutendste aller niederländischen Maler des Realismus angesehen. Er war ein hervorragender Porträtist und ein bemerkenswerter Vertreter des niederländischen Realismus, der von den breiteren Strömungen der Barockmalerei beeinflusst wurde. Er ist vor allem für seine biblische Kunst und für seine Stiche (insbesondere Radierungen) bekannt. Seine Gemälde sind ein Beispiel für die düstere Art und Weise des holländischen Barocks, ein Stil, der von Caravaggio inspiriert wurde, und zeichnen sich in der Regel durch eine üppige Pinselführung, reiche Farben und die Beherrschung des Chiaroscuro (die Behandlung von Licht und Schatten) aus.

Seine Porträts - insbesondere die Selbstporträts spiegeln eine einzigartige Fähigkeit wider, den menschlichen Charakter zu durchdringen, und sein Werk als Ganzes ist eine lebendige Aufzeichnung des zeitgenössischen Lebens in Amsterdam. Weniger oberflächlich dramatisch als sein Zeitgenosse Rubens, spiegeln Rembrandts Gemälde die verhaltenen Emotionen und den frommen Geist des calvinistischen Hollands und die neue protestantische Kunst der Reformation wider. Er war ein Meister aller Gattungen der Malerei, einschließlich der Landschafts-, Historien- und Genremalerei sowie der Porträtmalerei.

Gemälde von Rembrandt

Methoden der Malerei

Rembrandts Gemälde zeichnen sich durch breite, dicke Pinselstriche, die Verwendung von Lasurschichten, die den Szenen zusätzliche Tiefe und Schwere verleihen, und insbesondere durch eine meisterhafte Behandlung von Licht und Schatten ) chiaroscuro) aus. Er war stark von dem italienischen Maler Caravaggio (1573-1610) und der Bewegung des Caravaggismus beeinflusst, aber Rembrandt ging noch weiter, indem er die Stimmung und das innere seelische Empfinden seiner Figuren darstellte, indem er die körperlichen Merkmale und den Gesichtsausdruck betonte, wie in seinen zahlreichen Porträts und Selbstporträts zu sehen ist.

Rembrandt unterrichtete viele Jahre lang in einem Kunstatelier und bildete fast alle berühmten niederländischen Künstler seiner Zeit aus. Zu seinen Schülern gehörten Bol, Flinck, Eeckhout, Koninck und Aert de Goelder, aber sein Einfluss erstreckt sich auf die gesamte Geschichte der modernen Kunst. Neben vielen anderen berühmten Künstlern war auch der große amerikanische Genremaler Edward Hopper ein besonderer Bewunderer des Niederländers.

Die Einzigartigkeit und das künstlerische Ansehen Rembrandts beruhen auf seiner tiefen Menschlichkeit. Die Wahrnehmung seiner Porträts bleibt unübertroffen, und seine vollendete Beherrschung des chiaroscuro (der Behandlung von Licht und Schatten) wurde von allen Kunstkritikern anerkannt, selbst wenn sie seine Themen für unpassend hielten.

Die größten Gemälde

Die Kunstexperten des frühen zwanzigsten Jahrhunderts schätzten Rembrandts Werk auf über 600 Gemälde, etwa 400 Radierungen und 2.000 Zeichnungen. Neuere Forschungen des Rembrandt Research Project „Rembrandt“ haben diese Zahl jedoch auf etwa 300 Gemälde, 300 Radierungen und knapp 2.000 Zeichnungen reduziert. Biblische christliche Kunst ist vertreten, es gibt einige Beispiele für Landschaftsmalerei sowie seine bekanntere Porträtkunst.

Unsere Galerie enthält über 350 Gemälde von Rembrandt, und im Folgenden finden Sie eine kurze Auswahl seiner größten Gemälde, seiner wichtigsten Werke.

Der Künstler in seinem Atelier (um 1629) Museum of Fine Arts, Boston, Massachusetts.
Samson, der von Delilah verraten wird (um 1630) Gemäldegalerie, Berlin.
Kaufmann Nicholas Roots (1631) Frick Collection, New York.
Anatomieunterricht von Dr. Nicolaes Tulp (1632) Mauritshuis, Den Haag.
Porträt einer jungen Frau mit einem Fächer (1632) Nationalmuseum Stockholm.
Schiffsbauer Jan Rijksen und seine Frau Grit Jans (1633) Königliche Sammlung.
Belshazzar’s Feast (um 1635) National Gallery, London, UK.
Opferung Isaaks (1635) Eremitage Museum, St. Petersburg.
Blendung des Samson (1636) Stadelsches Kunstinstitut Frankfurt am Main.
Danai (1636) Eremitage-Museum, St. Petersburg, Russland.
Mennonitenprediger Cornelis Claess Ansloo und seine Frau (1641) Berlin.
Porträt von Agatha Bass (1641) Königliche Sammlung, Großbritannien.
Alter Rabbi (1642) Szepmuveseti Muzeum, Budapest.
Nachtwache (1642) Rijksmuseum, Amsterdam.
Susanna von den Ältesten überrascht (1647) Gemäldegalerie, Berlin.
Das Abendmahl in Emmaus (1648) Louvre, Paris.
Porträt von Hendrickje Stoffels (ca. 1650) Louvre, Paris.
Aristoteles bei der Betrachtung einer Büste von Homer (1653) Metropolitan Museum of Art, New York.
Bathseba, die den Brief von König David hält (1654) Louvre, Paris.
Porträt von Jan Sicks (1654) Sammlung Sicks, Amsterdam.
Frau beim Baden in einem Bach (1655) National Gallery, London.
Jakob segnet die Söhne Josephs (1656) Kassel.
Dame mit Fächer aus Straußenfedern (1660) National Gallery, Washington.
Die Claudius/Julius Civilis-Verschwörung (1661) Nationalmuseum, Stockholm.
Syndikat der Tuchmacherzunft (Staalmeesters) (1662) Rijksmuseum.
Die Judenbraut (ca. 1665-8) Rijksmuseum, Amsterdam.
Lucretia (1666) Minneapolis Institute of Art, Minneapolis, Massachusetts.
Rückkehr des verlorenen Sohnes (1669) Eremitage Museum, St. Petersburg.

Von der Technik her betrachtet, ist Rembrandt lediglich ein Bearbeiter und Verfeinerer der sogenannten „dunklen Malweise“, die Caravaggio und seine Schüler in ganz Westeuropa verbreiteten. Bei näherer Betrachtung ist Rembrandt der Vertreter einer ihm eigenen romantischen Sympathie und Anmut - einer persönlichen Poesie, die der niederländischen Schule völlig überlegen ist. Rembrandt ist somit der erste große Maler, der gewohnheitsmäßig auf seine Umgebung reagiert und es vorzieht, in stolzer Isolation zu leben, das erste rebellische Genie der Malerei, der erste Künstler des modernen Typs.

Er erreichte diese Position des Dissenses allmählich, nach fünfzehn Jahren des Konformismus.

Obwohl Rembrandt nun fest als die größte Figur der niederländischen Malerei des siebzehnten Jahrhunderts etabliert war, verlief seine Karriere sowohl äußerlich als auch innerlich turbulent. Er teilte die materiellen Schwierigkeiten mit vielen seiner Zeitgenossen; seine moralische Minderwertigkeit war selbstverschuldet. Er überwand sie auf dem Weg vieler schmerzhafter Schritte.

Seine Persönlichkeit scheint eine doppelte zu sein. Einerseits ist er einfach der wahrhaftigste unter den niederländischen Porträtmalern und der wörtlichste unter den niederländischen Erzählern. Auf der anderen Seite ist er ein Sucher von Merkwürdigkeiten und Geheimnissen - ein unverbesserlich romantisches Temperament, das gleichermaßen zu romantischen Erhabenheiten und Irrtümern fähig ist. Er kann sich bis zur kitschigen Maskerade hinabbegeben, er kann sich zu den Höhen der phantasievollen Vision erheben. Diese Dualität zieht sich durch sein gesamtes, fast vierzigjähriges Schaffen.

Neben den phantastischsten Schöpfungen malt er auch die wahrheitsgetreuesten objektiven Porträts. Er kann in jeder Stimmung sehr groß sein - groß in Die Dame mit dem Fächer ; in dem Porträt von Saskia, in Kassel; in Porträt von Jan dem Sechsten ; noch größer und größer als er selbst in Der barmherzige Samariter und Das Abendmahl in Emmaus . Er scheitert, wenn er diese beiden Ziele nicht in Einklang bringen kann, wie in Die Anatomiestunde, die bei großer Realität keinen Glanz hat, oder in Die Nachtwache, die bei extremem Glanz keine Realität hat. Es erreicht sein Maximum, wenn es die greifbare Realität mit Glamour versieht, wie in Selbstporträt aus der Frick Collection und der unsterblichen Gruppe von Syndikus der Tuchmacherzunft .

Die frühen Jahre

Rembrandt Harmens van Rijn wurde am 15. Juli, wahrscheinlich 1606, in Leiden geboren. Sein Vater war Müller, recht wohlhabend und ehrgeizig für die Familie, denn er schickte den Jungen auf eine Lateinschule, um ihn auf die Rechtswissenschaften vorzubereiten. Dieser Plan wich der offensichtlichen Berufung des jungen Rembrandt für die schönen Künste .

Er studierte drei Jahre lang bei Jacob van Swanenburgh, einem Italiener, einem Maler von bescheidenem, aber erfreulichem Talent für idyllische Landschaften, einem geschickten Nachahmer der italianisierten Nordländer in Rom wie Adam Elsheimer und Paul Brill, und, was für Rembrandts Ausbildung vielleicht noch wichtiger war, einem geschickten Kupferstecher. Später arbeitete der junge Rembrandt sechs Monate lang mit einem energischeren, aber immer noch italienischen Meister, dem Karawaggisten Pieter Lastman, in Amsterdam. Ab 1626, als Rembrandt Anfang zwanzig war, erhalten wir kleine signierte Gemälde, meist hässlicher Art, die zeigen, dass der junge Meister ernsthaft mit dem Problem der Darstellung kämpfte. Dieses Unterfangen wurde etwa sechs Jahre später, 1632, erfolgreich abgeschlossen. Dies ist die Zeit von Rembrandts technischer Selbsterziehung.

Er will in der neuen und modischen „dunklen Manier“ bauen, die von dem kürzlich verstorbenen Caravaggio über seinen Nachahmer, Gerard Honthorst, nach Südholland gelangte. Die dunkle Manier“ erforderte den Verzicht auf alte dekorative Farbschemata zugunsten eines soliden Aufbaus aus hellen und dunklen Tönen, wobei die dunklen vorherrschend waren, und bedeutete eine Bekräftigung des Interesses an den einfachen Menschen und ihren Lebensweisen im Gegensatz zur aristokratischen und etwas konventionellen Würde des Renaissancestils.

Der junge Rembrandt strebt in der Form nach der maximalen Betonung des Designs, im Ausdruck nach der maximalen Betonung des Gefühls, und mit diesen Idealen malt er drei oder vier Jahre lang die abstoßendsten frühen Bilder, die je von einem großen Künstler ausgeführt wurden. Ein Blick auf sie ist genug, und oft zu viel - Tobiah und seine Frau, 1626; Bileam und der Engel, 1626; Jesus, der die Wechsler vertreibt, 1626; Die Goldwaage, 1627; Sofern die Signaturen nicht unbestreitbar sind, wäre es sehr schwierig, in einer so erzwungenen und sorgfältigen Arbeit die Rudimente des Schöpfers von Die Nachtwache, Das Abendmahl in Emmaus und Das Syndikat der Tuchmacherzunft zu sehen.

Es gibt ein Schwanken zwischen Linie und Kante - beide sind steif, drahtig und hässlich, vielleicht weil sie nicht steif genug sind. Der Wunsch nach sensationellen Lichteffekten ist durchgängig vorhanden, wie z.B. das Kerzenlicht in „Goldene Waage“, aber diese Effekte werden weder als natürliche Erscheinungen noch als Faktoren der figürlichen Gestaltung realisiert. Es ist ein technisches Zögern zu erkennen. Der junge Rembrandt mag die breiten, ungestörten, eher undurchsichtigen Schatten der Schattenpinsel, aber er will auch, dass sie transparent sind, und er lädt die Schatten auf, um ein Zwielicht zu erzeugen, das die Einfachheit der Methode verkompliziert und stört.

Bald werden die kleinen Geschichten besser, verlieren an Sensationslust in Handhabung und Ausdruck und erreichen eine ausreichende Harmonie des Tons. Ein Bild wie die winzige „Andromeda“, so unscheinbar und doch so malerisch konzipiert, ist bereits eine Werkstatt. Die winzige Bathseba ; das theatralisch spektakuläre Abendmahl in Emmaus ; der romantisch inszenierte „Simeon im Tempel“, mit seiner Absicht, seiner angestrahlten Gruppe, seinem vagen Orientalismus, seinen hohen Räumen, in denen sich Licht und Dunkelheit geheimnisvoll verflechten - all das zeugt von einem großen Talent der dramatischen Art, das schnell grobe melodramatische Fehler verwirft, seine Darstellungsmethoden ständig verbessert und klar zu seinem Ziel kommt.

Aber noch deutlicher zeigt sich das Zeichen der jungen Löwenkralle in den zahlreichen kleinen Porträts aus diesen Jugendjahren. Wir haben etwa hundert von ihnen, meist von ihm selbst oder von seinem Vater, seiner Mutter und seiner Schwester. Das vielleicht früheste und zweifellos aufschlussreichste von ihnen ist das kleine Selbstbildnis in Kassel, das wir gut kennen. Es zeigt eine eher grobschlächtige und sinnliche Maske; in den unbewusst aufgesperrten Lippen und den tiefen, fast vom Schatten verdeckten Augen deutet sich die Unzufriedenheit und der Wankelmut des Träumers an. Die Methode, mit einer ziemlich gleichmäßigen Verteilung von scharf kontrastierenden hellen und dunklen Farben, ist weitgehend die gleiche wie bei Caravaggio.

Aber das gekräuselte Haar, das in einer Masse von wenigen einzelnen Strichen so gut wiedergegeben ist, kann kaum auf diese Weise gemalt worden sein, ohne dass man vorher etwas von dem Werk von Tintoretto gesehen hat. Es war in der Tat eine Verwirrung, aus der Rembrandt nur sehr langsam herauswuchs. Auf seinem Selbstbildnis von 1629 in Den Haag sieht Rembrandt aus, als hätte er sich selbst gefunden. Er blickt selbstbewusst in die Welt und ist sich seiner Meisterschaft bereits voll bewusst. Die Behandlung ist eher städtisch; der verstellte Stahlkragen ist eine Maskerade, die Rembrandt in Porträts von sich selbst und anderen oft missbrauchen würde.

Rembrandts Fortschritte auf dem Weg zu einer solchen Meisterschaft waren schnell, aber auch unterbrochen. Es gibt viele Ungleichheiten in diesen kleinen Köpfen, die mit solcher Leidenschaft gezeichnet wurden. In vielen von ihnen gibt es nichts von Wert außer dem Monogramm R. H. L., das uns sagt, dass sie von Rembrandt, dem Sohn von Harmen von Leyden, gemalt wurden. Ein schönes Zeugnis seiner Fortschritte als Schüler ist ein Porträt von 1629, das ihn mit einem Federhut zeigt und sich im Isabella Stewart Gardner Museum in Boston befindet. Seinem früheren Elan fügt er Urbanität und Vornehmheit hinzu. Ihm fehlt noch der Reichtum der Tonalität, den er bald besitzen wird, aber man kann bereits einen großen Meister in ihm sehen.

1632, in seinen frühen Zwanzigern, war Rembrandt in der realistischen Porträtmalerei so weit fortgeschritten, wie es seine frühe Technik erlaubte. Nehmen wir zum Beispiel die ovale Büste seiner Schwester. Sie weist fast alles auf, was für ein ausgezeichnetes Porträt notwendig ist: eine starke Wiedergabe der Form mit sehr feinen Mitteln, ein getreues und einfühlsames Verständnis eines feinen und kräftigen Charakters, eine bewundernswerte Komposition in der Figur und in der Tiefe der Atmosphäre. Und diese kompetente und edle Holländerin scheint im Begriff zu sein, etwas Vernünftiges und Freundliches zu sagen. Die große Überlegenheit dieses Porträts gegenüber sieben oder acht anderen Porträts derselben jungen Frau zu erkennen, bedeutet, eine Lektion in Sachen Geschmack zu erhalten. Abgesehen von einer gewissen Wärme und einem gewissen Charme des Tons hat es nichts von dem perfekten Rembrandt an sich.

Rembrandts reife Periode: Amsterdam (1632-41)

Wir können das Jahr 1632 als das Jahr des Endes von Rembrandts studentischer Tätigkeit betrachten. Ein Jahr zuvor hatte er Leiden verlassen und war in die Handelsmetropole Amsterdam gereist, um dort sein weiteres Schicksal zu suchen. Neben der Malerei schuf er auch zahlreiche Radierungen. Diese frühen Ritzungen sind in ihrer Gesamtheit wenig beeindruckend, aber gestochene Porträts wie das seiner Mutter, datiert auf 1628 und 1631, zeigen, dass er sich der Meisterschaft nähert. Zum Abschluss seines Studiums musste er eine Dissertation verfassen, und das tat er in „Dr. Tulps Anatomieunterricht“, Den Haag, 1632. Es ist vielleicht das am meisten gehypte Bild der Welt, denn obwohl es an genauen Beobachtungen und hartnäckiger Handhabung strotzt, fehlt es ihm an Einheit und Würde.

In der Farbe ist es eher neutral und roh. Das übermäßige Streben nach der plastischen Wirkung der Köpfe stört jedes Muster und macht die Oberfläche unangenehm klumpig. Auch die Platzierung der Gruppe ist unklar - wie weit soll sie von der Bildebene entfernt sein? Die Anordnung der Köpfe mit zu vielen parallelen Posen ist monoton, und der Versuch, das Bild aufzuhellen, indem man die drei Männer aus dem Bild herausschauen lässt, ist unmotiviert und künstlich. Dr. Tulp selbst ist auffallend unbedeutend. Der Leichnam ist schlaff und lässt die subtile Strenge des Todes vermissen. Man muss sich vorstellen, dass er nach einem lebenden Modell gemalt wurde. Es genügt, diese Gruppe mit Frans Hals’ erstem „Ziel“ aus der St.-Georgs-Kathedrale zu vergleichen, das sechzehn Jahre zuvor gemalt wurde, um zu erkennen, dass sie in einem so wichtigen Bereich wie der Feinkomposition unterlegen ist.

Natürlich muss die jahrhundertelange Neubewertung ihre Gründe haben. Das solide Verdienst des Gemäldes - immerhin eine erstaunliche Schöpfung für einen Künstler, der erst etwa fünfundzwanzig Jahre alt war - liegt in der professionellen Durchdachtheit und Konzentration der Köpfe. Für sich allein genommen haben sie großen Charakter.

Jeder wohlhabende Amsterdamer würde sich beim Anblick dieses Gemäldes zu Recht wünschen, dass Rembrandt seine Familienporträts gemalt hätte. Dies ist auch tatsächlich geschehen. Neun Jahre lang, bis 1641 und Nachtwache, zeichnete sich Rembrandt als professioneller Porträtmaler aus, indem er seine „dunkle Manier“ perfektionierte, die Dunkelheit noch durchdringender machte und dem harmonischen Ton den Reichtum und den Wert der Farbe verlieh.

Diese Phase seines Fortschritts lässt sich am besten anhand eines Bildes verstehen, das zu vertraut ist, um es wiederzugeben: Der kleine Gelehrte an der Wendeltreppe, 1632. Obwohl ein Großteil der Oberfläche sehr dunkel ist, gibt es keine blinden Flecken. Die Konstruktion ist klar und deutlich, selbst dort, wo sie fast verloren ist. Alles ist sehr sanft gemalt, ohne an Kraft, Betonung oder Charakter zu verlieren. Schließlich dominiert die kleine Figur des Denkers auf seltsame Weise die große Szene, die einerseits einfach sein Arbeitszimmer ist und andererseits eine Art Emanation seiner kontemplativen Stimmung zu sein scheint.Das Gemälde ist ganz in braunen Farben gemalt, aber es gibt keinen Sinn für Monochromie. Alles wird als eine reiche und vielfältige Farbe wahrgenommen.

Seine Raffinesse als Porträtist zeigt sich in zwei Doppelporträts - Schiffbauer und seine Frau, 1633, und Mennonitenprediger Cornelis Claes Ansloo und seine Frau, 1641. Beide Paare sind auf geschickte Weise in momentanen, fast offensichtlichen Beziehungen gefangen, die jedoch von Bedeutung sind. Die Frau des Schiffbauers verschwindet in dem Moment, in dem der Brief zugestellt wird. Ihre Hand verlässt nie den Türknauf - kein Grund, den Bau des Schiffes mehr als unbedingt nötig zu unterbrechen. Die Frau des Predigers hört mit Aufmerksamkeit und Respekt einer scheinbar gut begonnenen Predigt zu. Das ist ihre weibliche Rolle, und sie erfüllt sie bereitwillig. Beide Innenräume sind hervorragend wiedergegeben, aber das spätere Gemälde zeichnet sich durch eine feinere und reichere Modulation von Licht und Dunkelheit und einen lebendigeren Sinn für Räumlichkeit aus.

Rembrandts Heirat mit Saskia van Uylenborch

Es ist üblich, die dramatische und aufsehenerregende Phase in Rembrandts Werk auf seine Ehe als Verherrlichung der körperlichen Liebe zu datieren, und das ist auch möglich. Auf jeden Fall finden wir neben der objektiven Porträtmalerei ein neues Interesse an sensationellen Themen. Es ist die Zeit von „Die Entführung der Proserpina“ und „Samson bedroht seinen Schwiegervater“, „Die Blendung Samsons“, „Danaë“, große Gemälde, oft stürmisch und überemotional. Ähnliche Stiche: Christus, der die Wechselbälger vertreibt, Steinigung des heiligen Stephanus, Tod der Jungfrau, Engel, der die Familie des Tobija verlässt, Auferstehung des Lazarus, Abstieg vom Kreuz, zwei Löwenjagden,
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Nun ist es eine schöne Hypothese, dass Rembrandt in Saskias Umarmung eine Inspiration fand, Energie, hauptsächlich körperliche, auszudrücken; aber schließlich hatte er diese Themen in seiner späten Jugend genossen, und es ist vernünftiger, wenn auch prosaischer, sich vorzustellen, dass er zu solchen Themen zurückkehrte, als sein eigenes Mäzenatentum und Saskias Mitgift seine Malerei zu rechtfertigen schienen, um sich selbst zu gefallen.

Es gibt natürlich eine gewisse Ungleichheit in den professionellen Porträts dieser zweiten Periode. Die Gewohnheit, phantastische und unpassende Accessoires - Rüstungen, vorgetäuschte orientalische Kopfbedeckungen - aufzudrängen, ist manchmal fast geschmacklos. Sie entspricht der geschmacklosen Seite seiner Phantasie. Aber es offenbart auch einen großen Techniker, der es liebt, Schwierigkeiten zu multiplizieren. Und im Großen und Ganzen sind die Porträts seiner frühen Reife bewundernswert für ihre unbeirrbare Direktheit. Unvergessliche Porträts sind das Oval mit kahlem Kopf, 1633; das unendlich schöne und zarte Porträt von Saskia im Profil; die ruhige und bescheidene Vollkommenheit von Hermann Dummer, „Der Vergolder“ ; die aristokratische Gelassenheit des Porträts „Dame mit Fächer“, 1641. Später malte er tiefere Porträts mit mehr Sympathie und Geheimnis, aber als Künstler wird er diese besten Porträts seiner Jugend wohl kaum übertreffen. Nur die besten Werke von Frans Hals und Diego Velasquez aus denselben Jahren können mit diesen recht frühen Porträts von Rembrandt verglichen werden. Hals wird ein wenig selbstbewusst und zerbrechlich wirken; Velazquez, obwohl ebenso zurückhaltend wie die Gemälde, mag vom menschlichen Standpunkt aus weniger bedeutend erscheinen.

Auch hier scheint der Hinweis auf die multiple Persönlichkeit Rembrandts durch die beträchtliche Ungleichheit selbst seiner Porträts gerechtfertigt zu sein - seine Tendenz, eine übermäßige Vorliebe für grobe Maskerade zu haben, und noch mehr durch die Tatsache, dass er zur gleichen Zeit, in der er neben seinen ausgezeichneten objektiven Porträts unerhört sensationelle oder billig-melodramatische Bilder malte, auch begann, biblische Themen mit einer einzigartigen Ernsthaftigkeit und Eindringlichkeit zu malen, mit neuen, ganz eigenen Interpretationen. Die meisten Werke dieser Art entstehen in seiner letzten Schaffensperiode, aber die Tendenz war in diesen sechs oder sieben Jahren eines wahrscheinlich extravaganten Glücks und sicherlich extravaganten Lebens fest etabliert.

Rembrandt stimmte mit Caravaggio, dem Erfinder „der dunklen Manier“, darin überein, dass das biblische Volk keine klassische Würde besaß, sondern arm war wie die Bewohner von Rom und Amsterdam. Beide standen damit in krassem Gegensatz zur Tradition des hellenistischen Anstands, die von den italienischen Meistern überliefert wurde. Rembrandts Reaktion ist umso bemerkenswerter, als er im Gegensatz zu Caravaggio, der die adligen Konventionen verachtete, selbst diese Qualitäten schätzte und ständig italienische Gemälde studierte und sogar sammelte. Als guter Protestant, der an die buchstäbliche Wahrheit der Heiligen Schrift glaubte, ging Rembrandt über Caravaggios verallgemeinernde Formel hinaus - dass die biblischen Menschen bescheidene Leute waren - und bestand ausdrücklich darauf, dass es sich um Juden handelte, die Art von Juden, die sich in den Armenvierteln von Amsterdam tummelten. Erst zehn Jahre später erkannte er in seiner Kunst den vollen Wert seines eigenen Standpunkts.

Das vielleicht vollkommenste Meisterwerk der Malerei der zweiten Periode ist die sogenannte „Danai“ von 1636. In der zarten Lebendigkeit, mit der die nackte Frau dargestellt ist, macht Rembrandt allen großen Chiaroscuristen - Correggio, dessen Malerei er gut kannte; Velasquez, der seine Venus noch nicht gemalt hatte - erfolgreich Konkurrenz. Unter den Accessoires der Möbel, die an sich schwer und knallig sind, aber beleuchtet Teil einer Märchenwelt bilden, steht ein nacktes und glühendes Mädchen bereit, den Liebhaber zu begrüßen, dessen Gesicht gerade hinter dem Vorhang erschienen ist.

Die Reflexe des warmen Elfenbeins ihres Körpers und des weißen Leinens ihres Bettzeugs scheinen die phantastische Szene zu beleuchten und glitzern hier und da auf dem geschnitzten Holz, den Rändern der Samtvorhänge und auf dem an sich absurden, aber malerisch wertvollen Amor, der über ihrem Kopf schwebt. Von allen relativ frühen Rembrandts ist dies wahrscheinlich dasjenige, das der Künstler am meisten geschätzt hätte. Einfach als legitime Verherrlichung der körperlichen Leidenschaft konzipiert, ist es ein wahres Schatzhaus der schönen Kunst. Es vereint in außergewöhnlicher Harmonie die Unmittelbarkeit, die Sensationslust und die Exotik der blühenden Jahre Rembrandts.

Inzwischen lebte er ein Leben in rücksichtsloser Extravaganz. Das schöne Haus in der Bree Street wurde in ein Museum umgewandelt. Mit dem unverbesserlichen Optimismus eines Sammlers betrachtete er seltene Gemälde und Kunstgegenstände als sichere Investitionen von Saskias kleinem Vermögen und dem Geld, das er mit dem Malen von Porträts und dem Unterrichten so leicht verdiente. Neben der scheinbar verzeihlichen Bösgläubigkeit scheint es auch eine gewisse Verweichlichung des Charakters gegeben zu haben. Er hatte Dutzende von Schülern und verkaufte ihre Werke gewinnbringend, zweifellos als seine eigenen. Diese Tatsache mag die Anwesenheit von über dreihundert Gemälden schlechter Qualität in den Standardlisten von etwa siebenhundert Rembrandts erklären.

Was Rembrandts Arbeitsweise betrifft, so fertigte er wie Frans Hals ständig kleine Skizzen von Köpfen in Öl an - viele davon natürlich zum Üben, denn nur sehr wenige entsprechen fertigen Porträts. Größere Studien von Figuren, Kompositionen und Landschaften fertigte er ständig mit den gröbsten Werkzeugen an - großen Pinseln, Rohrfeder, weichem Holzstab, Fingern -, wobei die schwere Linie sowohl als Kontur als auch als modellierender Schatten dient und für beides eine Abstraktion ist. Diese Zeichnungen haben eine außergewöhnliche Kraft, Form zu geben und Raum zu schaffen.

Es gibt auch Figurenzeichnungen, die reich an emotionalen Untertönen sind, wie Saskias Studie der kranken Saskia im Bett oder sein verwitwetes „Ich“, das versucht, den Säugling Titus mit einem Löffel zu füttern. Die Methode, mit der ein einziges Verfahren, die modulierte grobe Linie, sowohl die Zeichnung auf der Ebene als auch die Existenz von Tiefe und Masse der Zeichnung vermittelt, ist derjenigen der großen chinesischen und japanischen Feder- und Tuschemaler ähnlich . Bei Hokusai findet man sie in Vollendung. Es ist daher nicht verwunderlich, dass fernöstliche Amateure, die im Allgemeinen eine Abneigung gegen das haben, was sie als den Buchstäblichkeitsanspruch der abendländischen Zeichnung betrachten, die Zeichnungen, Drucke und Figurenbilder von Rembrandt akzeptieren und bewundern.

Aber Rembrandt gab den gesunden Grundsatz auf, dass es sich um ein einfaches Porträt handelte, und ersetzte ihn durch eine geheimnisvolle und glamouröse Darstellung, die unter den gegebenen Umständen völlig ungerechtfertigt war. Damit verletzte er nicht nur unbewusst den Geschmack und die Sparsamkeit seiner Gönner, sondern verleugnete auch, was dem nationalen Geschmack lieb und teuer war. (Was macht es schon, wenn er durch eine solche eigenwillige Selbstdarstellung ein großes Meisterwerk geschaffen hat? hören wir den Protest des individualistischen Kunstliebhabers). Aber hat Rembrandt ein großes Meisterwerk geschaffen oder etwas, das, obwohl es mit einer solchen Absicht geschaffen wurde, seinen Zweck verfehlt hat?

Es ist leicht zu verstehen, warum die Offiziere von Captain Coke das Gefühl hatten, dass ihre Hoffnungen nicht erfüllt wurden. Nur vier oder fünf der fünfzehn Personen waren leicht zu erkennen. Im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit stand nicht der Kapitän, sondern der Adjutant in seiner silbergelben Uniform. Es gab einige bizarre Erscheinungen, wie zum Beispiel eine Zwergin in Weiß, die mit einem Hahn in der Hand zwischen den Beinen der Soldaten hindurchglitt. Der Ort und die Tageszeit der Versammlung waren ziemlich ungewiss. Schließlich wurde die gut ausgebildete Kompanie in einem sinnlosen Durcheinander präsentiert. Es überrascht nicht, dass sich die Offiziere über den Preis stritten und einen Ausweg fanden, zumindest indem ihre Namen deutlich auf der Tafel vermerkt wurden. Man kann mit Fug und Recht behaupten, dass ihre Erwartungen ernsthaft untergraben wurden.

Viel interessanter und nicht so leicht zu enträtseln ist Rembrandts Einstellung zu diesem Werk: Wahrscheinlich veranlasste ihn der große Maßstab des Gemäldes, über zwölf mal zwanzig Fuß, zu dem Versuch, die farbenfrohe „und dunkle Manier“, die er im kleinen Maßstab der Erzählung und des Porträts erfolgreich entwickelt hatte, zu erweitern. Diese Lösung bestand darin, die große Leinwand nicht als Porträt einer militärischen Kompanie zu gestalten, sondern als ein Schlachtfeld aus Licht und Dunkelheit, wobei die Offiziere und die militärische Ausrüstung nur als Absorber oder Reflektoren des Lichts dienen. Auf diese Weise sollte eine völlig vertraute Szene gespenstisch wirken.

Um das Verfahren zu rechtfertigen, wählte er den Moment der offensichtlichen Unordnung, bevor die militärische Gruppe die Formation schließt. Das mag für ihn selbst eine Erleichterung gewesen sein, aber nicht für seine Auftraggeber. Der relative Erfolg, mit dem Rembrandt ein im Grunde unkluges Unterfangen durchführte - denn das Gemälde hat einen hypnotisierenden Reiz -, sollte uns nicht von der Tatsache ablenken, dass seine Methode nur in einem eher kleinen Maßstab anwendbar war und ist.

Ein großes erzählendes oder historisches Gemälde erfordert eine größere Klarheit, eine größere Konvention, und die erfolgreichen Maler solcher Gemälde - Tintoretto, Verona, Halsa, Rubens und Velazquez - blieben bescheiden innerhalb dieser Konvention. Und hier ist es bezeichnend, dass, mit Ausnahme „der Nachtwache“, Rembrandts Handvoll großer historischer Gemälde so unbedeutend sind, dass die Kritiker sie kaum erwähnen. Sie scheitern alle aus dem gleichen Grund, dass die Leuchtmethode, die für kleine und intime Gemälde geeignet ist, leer und bedeutungslos wird, wenn sie auf große Gemälde von öffentlicher Bedeutung angewendet wird. Hinzu kommt, dass das Auge in einem so großen Maßstab vernünftigerweise eine größere Sättigung und Vielfalt der Farben verlangt, als es Rembrandts Methode erlaubt.

Obwohl also „Die Nachtwache“ schon allein wegen der einzelnen Fragmente einer magisch leichten und phantasievollen Malerei ein faszinierendes Betrachtungsfeld ist, handelt es sich im Ganzen um ein Meisterwerk, von dem man etwas anderes erwartet hat.

Rembrandt blieb in einem großen, überfüllten Haus mit einem kränklichen Sohn zurück, Titus, neun Monate alt, der einzige Überlebende von vier Kindern, die in ebenso vielen Jahren geboren worden waren und im frühen Kindesalter starben.

Die Kritiker sprechen gewöhnlich von der Periode in Rembrandts Schaffen, die durch Saskias Tod im Jahr 1642 und seinen Bankrott im Jahr 1656 begrenzt wird. Da in diesem Zeitraum die Synthese von Phantastischem und Realistischem, die Schaffung seiner besten Drucke und der nahezu vollständige Abschluss dieser Tätigkeit stattfanden, scheint eine solche Einteilung gerechtfertigt. Es ist jedoch anzumerken, dass zwischen einer solchen dritten Periode und den Werken seiner letzten Jahre kein deutlicher Unterschied in den Idealen besteht, sondern eher ein Unterschied in den Fähigkeiten und Leistungen. Er begann diese Periode als starker und stolzer Mann von etwa fünfunddreißig Jahren; er beendete sie mit neunundvierzig, geschwächt und vorzeitig gealtert.

In diesen Tagen, als sich sein Glück verringerte, fand er ein neues und bescheidenes Glück. Die treue Amme und Haushälterin, Hendrickje Stoeffels, eine junge Frau von außergewöhnlicher Zärtlichkeit und Güte, wie seine zahlreichen Porträts zeigen, wurde seine Geliebte und Ehefrau. In diesen Tagen las er ständig in der Bibel, vielleicht nicht so sehr, um religiösen Trost zu finden, sondern wegen des wunderbaren Repertoires an pikanten menschlichen Beziehungen - den Geschichten seiner Leidensgenossen von früher.

Die größten religiösen Bilder fallen in diese Jahre - Der barmherzige Samariter und Das letzte Abendmahl in Emmaus ; Die Vision von Daniel . Obwohl sich die Methode nicht wesentlich geändert hat, hat die durchdringende Düsternis, mit der Rembrandt seine Figuren gerne verschleierte und erhellte, einen neuen spirituellen Wert erhalten.

Es gibt viele Porträts von Hendrickje Stoeffels, keines davon ist vollkommener als das Porträt im Louvre, das so instinktiv selbstgefällige Demut und bescheidene Tapferkeit vermittelt. Sie trägt unbewusst und ohne Stolz reichen Schmuck, der wahrscheinlich mit Saskias Geld gekauft wurde. Die wenigen professionellen Porträts aus diesen Jahren sind von höchster Qualität.

Das Porträt seines Freundes und Gönners, Johann des Sechsten von 1654, steht keinem Porträt der Welt nach, weder an Schnelligkeit und Massivität des Aufbaus, noch an Reichtum der dekorativen Effekte, noch an einfühlsamer Charakterdarstellung. Für ein so vollkommenes Bild ist jedes verbale Lob eine Unverschämtheit. Die einzige wirkliche Huldigung besteht darin, sich beim Betrachten des Bildes zu vergessen. Velasquez oder Hals haben nie etwas Geschickteres und Korrekteres gemalt, und das Porträt hat eine solche Betonung des Charakters und der Verdienste, die selbst diese großen Rivalen kaum leisten konnten.

In diesen dunklen und mageren Jahren entstanden die meisten seiner besten figurativen Schöpfungen. In „Der polnische Reiter“ sehen wir die Verkörperung der jugendlichen Hoffnung und des Abenteurertums . Wie selbstbewusst der junge Mann der Gefahr und dem möglichen Tod begegnet. Pferd und Reiter sind eins: beide sind Vollblüter. Selbst die montierte, zerklüftete Landschaft vermittelt ein Gefühl der lauernden Gefahr. Dies ist die Zeit, in der die meisten seiner Landschaften angesiedelt sind. Er sieht die Natur als bedrohlich und unfreundlich an - ein Ort mit drohenden Stürmen, die sowohl Bäume als auch menschliche Gebäude bedrohen. Diese Landschaften betonen eher eine tragische Stimmung als Wahrhaftigkeit. Die Methode mit ihren extremen Hell-Dunkel-Kontrasten und der Reduktion der Farbe auf den Ton ist im Wesentlichen eher dramatisch als beschreibend.

In zwei großen Gemälden, Landschaft mit Ruinen und Die Mühle ein Meisterwerk, das einige Kritiker hinter ihm vermuten - hat Rembrandt die diffuse Ruhe des Sonnenuntergangs eingefangen. Wahrscheinlich war Rembrandt im Wesentlichen ein Stadtmensch, der die Natur nur selten direkt beobachtete und seinen romantischen Exzess nur in Atelierimprovisationen auslebte, die weniger Landschaften als vielmehr ein Ventil für seine eigenen stürmischen Stimmungen waren. Seine feinen Landschaftsbeobachtungen sind nicht in Gemälden, sondern in Radierungen vertreten.

Seine besten Aktbilder sind episodische Wiedergaben dieser mittleren Jahre. Wir haben bereits „Danaë“ betrachtet, und unter anderen Werken sind „Die Badende“ und die große „Bathseba“, deren Formen, wie Renoir später sagen würde, „das Licht schön aufnehmen“. Dies waren einige der reichlichen Tröstungen für die schwindende Gesundheit und das schwindende Glück.

Die Gravur, die in wohlhabenden Jahren ein wichtiger Zeitvertreib gewesen sein mag, wird bald zu einer entscheidenden Einnahmequelle. In den frühen 1650er Jahren entstehen Meisterwerke wie Christus predigt, Christus heilt den Kranken, Christus vor dem Volk, Doktor Faustus . Die alte romantische Emotionalität taucht in abgekühlter und disziplinierter Form wieder auf in Die drei Kreuze, in Das Opfer Isaaks, in der pathetischsten aller Illustrationen, Der blinde Tovit . Der Preis eines dieser Drucke würde es einer kleinen Familie heute ermöglichen, viele Jahre lang ohne Armut zu leben. Im Laufe der Zeit wurde die Situation der Familie immer schlimmer. Rembrandts Sammelleidenschaft war unersättlich. Saskias Mitgift und das wenige Geld, das er selbst verdiente, entglitten seinen klammernden Fingern.

Schließlich griffen Saskias Verwandte juristisch ein und sparten ein wenig, um eine Stiftung für den jungen Titus einzurichten. Im Jahr 1656 wurde ein großes Haus in der Bree Street zum Konkursverkauf ausgeschrieben. In den beiden Zimmern befanden sich über fünfzig Gemälde, viele von angesehenen italienischen Meistern, ganz zu schweigen von Waffen und Rüstungen, persischen Miniaturen und Hunderten von Stichen. Im Mai 1656 versuchte Rembrandt, sich vor den Gläubigern zu retten, indem er seinen Besitz auf Titus übertrug. Die Versteigerung, von der sich Rembrandt einen Gewinn erhoffte, verlief erfolglos. Erst neun Jahre später und nach vielen Rechtsstreitigkeiten erhielt Titus die geringe Summe, die er ihm schuldete.

Das große Haus wurde verkauft und die kleine Familie zog in das Gasthaus Crown. Rembrandt verdiente wahrscheinlich ein wenig mit seinen Radierungen, aber als Hendrickje und Titus 1660 eine Druckerei gründeten, wurde in ihrem Gesellschaftsvertrag festgehalten, dass Rembrandt nicht in der Lage war, etwas zu verdienen.

Aber er war nicht unfähig, große Bilder zu malen! Das Selbstporträt in der Frick Collection, New York, wurde im Jahr von Rembrandts Bankrott gemalt. Vor uns steht ein Mann, der traurig und ausgezehrt ist, aber selbstbewusst die Würde einer großen Persönlichkeit bewahrt. Ein ruinierter Rembrandt bleibt ein Rembrandt. Dieses Porträt hat etwas, das bei aller Sympathie auch eine gewisse Ehrfurcht hervorruft. Vor uns steht ein König, natürlich in schäbigem Ornat, aber immer noch ein König. Das Bild hat eine gewisse Monumentalität, die in vielen späteren Porträts eine neue Note ist. Sie kommt in „Jan der Sechste“ von 1654 lebhaft zum Ausdruck, ebenso wie in „Die alte Frau, die sich die Nägel schneidet“, und in dem äußerst eleganten „Die Dame mit der Straußenfeder“, einem der letzten Porträts von seiner Hand. Diese monumentale Qualität muss auch in „Die Anatomiestunde von Dr. Joan Deijman“, dessen zentraler Teil in Amsterdam erhalten ist, hervorragend gewesen sein. Der scharf abgeschnittene Kadaver hat einen majestätischen Akzent, ebenso wie die festen und geschickten Hände des Demonstrators. Der Brand, der den größten Teil dieses großartigen Gemäldes von 1656 zerstörte, hat uns schließlich reichlich Beweise für sein Können hinterlassen, und die Kompositionsskizze zeigt, dass das Thema monumental gedacht war. Ein Vergleich des Fragments mit „Die Anatomiestunde“ von 1632 zeigt, wie weit Rembrandt in vierundzwanzig Jahren fortgeschritten war.

Das größte Bild dieser sich verjüngenden Jahre ist natürlich Die Syndikus der Tuchmacherzunft, gemalt 1662. Als eines der schönsten Barockgemälde ist es sicherlich die größte Porträtgruppe, die es gibt. Aus einer einfachen Ausschusssitzung von fünf Geschäftsleuten hat Rembrandt ein universelles Symbol für Korrektheit und Klugheit geschaffen.

Rembrandts Werke sind in den besten Kunstmuseen der Welt zu sehen, vor allem im Rijksmuseum in Amsterdam .