Jan Vermeer:
​​Niederländischer Genremaler, Porträtkünstler, Delfter Schule Automatische übersetzen

Niemals gab es eine feinere Beobachtung des Grads der Lichtabsorption oder -reflexion, eine gewissenhaftere Gründlichkeit in den dekorativen und modellierenden Facetten, eine sorgfältigere Aufmerksamkeit für Substanz und Textur, eine einfachere und anmutigere Methode der Konstruktion.

Er war auch der größte Verfechter der niederländischen Kompositionsformel. Niemand hat der Arabeske der Figur, die von einem Muster architektonischer Vierecke umgeben ist, mehr Bedeutung beigemessen. Er besaß seine eigenen farblichen Raffinessen - unaussprechliche Harmonien von Blassblau und Strohgelb. Kurzum, als Schöpfer des Lichts übt Vermeer eine ganz eigene „weiße Magie“ aus.

Nach seinen anfänglichen Experimenten mit Bordellszenen, religiösen Motiven und Mythologie hat er sich auf ein einziges Thema festgelegt: Frauen, die in einem prächtig dekorierten Haus dienen oder herrschen.

Seine besten Gemälde zeigen nur eine Frau - Das Milchmädchen, Perlenkette, Mädchen beim Tee, Frau beim Lesen eines Briefes, Porträt eines Mädchens, Frau mit einem Krug sind Vermeers beste Gemälde. Wenn er eine zweite Figur hinzufügt, verliert das Bild; wenn er eine dritte hinzufügt, hört das Bild auf, ein schöner Vermeer zu sein. Menschen in Beziehung zueinander - die Grundlage der niederländischen Genremalerei - interessierten ihn nicht sonderlich. Ihn beschäftigte etwas anderes - die Beziehung einer Frau zu ihrem Haus. Diese Beziehung gestaltete er geradezu sakral, und dies ist die Wurzel seiner besonderen Poesie. Man könnte auch sagen, dass diese einsamen Frauenbilder in Vermeers Händen zu einer einzigartigen Form der Vanitasmalerei werden, so moralistisch, wie die Werke von Harmen van Steenwyk (1612-1656), Jan Davids de Heem (1606-1683), Willem Kalf (1622-1693), Willem Claes Heda (1594-1681) oder Pieter Claes (1597-1660).

Einer der Künstler, die von Jan Vermeers Gemälde „Frau, die einen Brief schreibt“ beeinflusst wurden, war übrigens der dänische Genremaler Wilhelm Hammershøj (1864-1916)

Die Haltung gegenüber Vermeer ist als ritterlich bezeichnet worden, und ohne diesen Begriff vollständig zu akzeptieren, sollte man ihn nicht bestreiten. Es erscheint auch nicht sentimental, dass dieser Kult der Häuslichkeit, diese zarte Anbetung des Feminismus, sich um seine schöne und zweifellos tüchtige Frau, Catherine Bolenes, zu drehen scheint, die er mit einundzwanzig Jahren heiratete und die ihre bescheidene Schönheit behielt, als er mit dreiundvierzig Jahren starb.

Jan Vermeer wurde am Allerheiligentag 1632 in Delft geboren, dem Jahr, in dem der junge Rembrandt die „Anatomiestunde des Dr. Tulp“ signierte. Im April 1653 heiratete Wenner, und Ende des Jahres wurde er als Meister in die Malergilde aufgenommen. In den Jahren 1662, 1670 und 1671 war er Vorarbeiter. Er starb im Dezember 1675 und hinterließ eine Witwe, acht Kinder und erhebliche Schulden bei seinem Bäcker. Biographisch wissen wir nichts mehr über ihn.

Nur eines seiner frühesten Gemälde, „Das Gewölbemädchen“ (1656), ist datiert. Jede Chronologie hängt daher von stilistischen Rückschlüssen ab und muss als unsicher angesehen werden. Das Gemälde „Der schlafende Diener“ ist eher rembrandtianisch und erscheint früher als der Rest von Vermeers Werk. Es ist sensibel in braunen Farben gehalten, die an Rembrandt und noch mehr an Nicolas Maes erinnern, der damals ein junger Schüler Rembrandts war. Es fehlen die leuchtenden blaugrauen Töne, die für den sich entwickelnden Stil Vermeers so charakteristisch sind. Die Komposition ist frei, ohne spätere kunstvolle Schnörkel.

Zwei ziemlich große Gemälde von Jan Vermeer - „Christus im Haus von Martha und Maria“ (1654-55, National Gallery of Scotland) und „Diana und ihre Nymphen“ - werfen ein seltsames Problem auf. Beide Gemälde haben einen ausgeprägt italienischen Charakter. Bereits in einem von ihnen wird die leuchtende blau-graue Tonalität bewundernswert eingesetzt. „Christus mit Maria und Martha“ ist vielleicht Vermeers größte Erfindung, wenn auch nicht sein bestes Gemälde. Die meisten Künstler, die sich mit diesem Thema beschäftigten, stellten sich auf die Seite der idealistischen Maria gegen ihre praktische Schwester. Vermeer, der dem Neuen Testament folgt, verleiht Maria eine Überlegenheit an geistiger und körperlicher Schönheit, aber er macht Martha, die auf der Würde ihrer häuslichen Sache beharrt, ebenso edel und beeindruckend.

Da die Würde der häuslichen Arbeit Vermeers bestes Thema sein sollte, ist diese Unparteilichkeit sehr wichtig. Abgesehen von diesen literarischen und moralischen Überlegungen ist das Bild sehr stark konstruiert und komponiert. Die Verkürzung, das Hin- und Herschwingen der kraftvoll realisierten Körper schaffen ein außergewöhnliches Gefühl von Raum und Realität. Die Linienzeichnung scheint von geringer Bedeutung zu sein, was wiederum ein Kuriosum für den Künstler ist, der bald die Linienzeichnung sehr sorgfältig einsetzen sollte.

Ein weiteres Gemälde anderer Art ist „Diana mit Nymphen“. Eine barocke Komposition, die sich in asymmetrischem Gleichgewicht von links nach rechts bewegt. Der bläulich-graue Ton, jetzt mit gelben Kontrasten, entspricht ungefähr dem von Maria und Martha. Der Blick ist wieder italienisch, aber mit einem Unterschied: Ein Italiener hätte Diana und ihre Nymphen sicherlich nackt dargestellt. Vermeer hingegen erweckt den allgemeinen Eindruck einer Gruppe wohlhabender holländischer Mädchen, die bescheiden gekleidet, aber barfuß eine Furt überqueren wollen. Doch dieser charmant-rustikale erste Eindruck trügt.

Die holländischen Mädchen sind sicherlich attraktiv und wohlgenährt, aber sie tragen nichts, was ihre Bewunderer als moderne Tracht erkennen würden. Diese Kleidungsstücke sind eine Art Kompromiss mit dem Ideal der klassischen Draperie. In diesem Bild, wie auch in „Maria und Martha“, hängen bestimmte Lösungen des bildnerischen Problems, die auf den ersten Blick offensichtlich erscheinen, in Wirklichkeit von einem sehr differenzierten Geschmack ab. Zu jeder Zeit können wir sicher sein, dass Vermeer Bilder nur nach langem Nachdenken über das Thema malte. Diese beiden Gemälde können vernünftigerweise auf 1654 oder 1655 datiert werden.

Sie zeigen, dass Vermeer sehr ernsthaft damit beschäftigt war, sich den Stil der italienischen Renaissance anzueignen, wie er von den besten Meistern des Eklektizismus oder Barock interpretiert wurde. Es stellt sich die Frage, wie weit er hätte gehen können, wenn er diesen Trend fortgesetzt hätte. Offensichtlich hätte er sich an die besten Barockkünstler Venedigs und Neapels wenden können.

In „Abendessen in Emmaus“ ist Vermeers bevorzugte Ausgewogenheit von blassen Blau- und Gelbtönen bereits in Ansätzen erkennbar. Das Bild ist mit einer so gründlichen und sorgfältigen Aufmerksamkeit für alle Strukturen gemalt, dass man auf den ersten Blick meinen könnte, es handele sich um ein spanisches Gemälde. Die Gruppe ist gelungen komponiert: Die scharf umrissene helle Langgestrecktheit des Tischtuchs und die Andeutung eines Fensters auf der linken Seite kontrastieren wirkungsvoll mit den übrigen massiven runden Formen. Die Platzierung der vier Figuren in vier Entfernungen ist hervorragend gelungen; alle Massen stehen fest, aber weit außerhalb der Bildebene und vermitteln ein größeres Raumgefühl als in Vermeers späteren Gemälden üblich.

Auf den Ausdruck der Gesichter hat Vermeer sein ganzes Können verwendet. Christus, der sich beim Brechen des Brotes offenbart, ist unendlich mitleidig und gütig. Die Nähe des Leidensweges auf dem Kalvarienberg ist tief empfunden. Die Aufmerksamkeit der beiden Pilger und der Dienerin wird mit besonderer Schärfe zum Ausdruck gebracht und variiert gedankenvoll je nach Charakter. Der Gesichtsausdruck des Pilgers, der sich abwendet und seine Züge verbirgt, wird sehr gekonnt wiedergegeben. Ein exquisiter kompositorischer Schachzug ist die Anordnung der drei sichtbaren Hände in Form einer umgekehrten Mondsichel.

Einige Kunsthistoriker sind der Meinung, dass die Verteilung des Lichts und die Art und Weise, wie dieses Gemälde aufgebaut ist, auf eine Studie der Utrechter Caravaggisten und insbesondere auf das Werk von Hendrik Terbruggen schließen lassen. Es scheint, dass der junge Vermeer von dem feinen italienischen und italienisch geprägten Zeitgeist ungewöhnlich beeindruckt war und unter günstigen Umständen einer der besten Maler religiöser und mythologischer Themen seiner Zeit hätte werden können. Aber für einen jungen Künstler, der in der protestantischen Stadt Delft seine Familie mit seiner Kunst ernähren musste, war eine solche Karriere unmöglich. Wie wir sehen werden, kann die Enttäuschung von Vermeers größten Ambitionen letztendlich ein Segen gewesen sein.

Zu einem anderen berühmten Delfter Maler siehe Emanuel de Witte (1615-1692), ein Architekturmaler, der für seine getünchten Kircheninterieurs bekannt ist.

Die Frage, woher Vermeer die Italiener kannte und welche Gemälde er gesehen haben könnte, ist interessant, aber nicht wirklich wichtig. Es ist durchaus möglich, dass Leonard Bramer italienische Gemälde oder Drucke mitbrachte, die den sehr sensiblen und suchenden Geist Vermeers tief berührten. Gute Reproduktionsdrucke früherer und späterer italienischer Gemälde gab es jedenfalls in Hülle und Fülle, und es ist nicht notwendig, dieses Material heranzuziehen, um Vermeers italienische Anfänge zu erklären. Aber diese Bemühungen waren nicht verschwendet, obwohl sie nicht fortgesetzt wurden. Die Ausbildung, die Vermeer bei der Schaffung von „Maria und Martha“, „Diana mit den Nymphen“ und „Abendessen in Emmaus“ genoss, kam einer liberalen Ausbildung in Komposition und Geschmack im Allgemeinen gleich, und diese Ausbildung sollte er bald nach dem gesunden niederländischen Sinn anwenden.

Wahrscheinlich, weil es in Delft keinen Lebensunterhalt für solche Arbeiten gab, wagte er ein neues Experiment, das „Vaulting“ , von 1656. Diese brillant kolorierte Studie einer Figur im Halbprofil und in einem kompliziert gegliederten Quadrat erinnert kompositorisch an Caravaggio und seine Schule und noch deutlicher, wenn auch in einer ganz anderen Stimmung, an die Komik des in Italien geborenen Niederländers Van Laere, der den Spitznamen „Il Bambocchio“ trägt.

Das Bild ist wunderschön gemalt, die kräftigen Farben sind so ausgewogen und harmonisch wie bei den Werken des berühmten Porträtisten Frans Hals, die zwanzig Jahre zuvor entstanden. Mit Ausnahme der jungen Kurtisane, deren Gesicht so rein ist wie das der Maria von Bethanien, ist die Charakterisierung der Figuren eindeutig und meisterhaft. Der sinnliche junge Zänker und die verschlagene alte Zuhälterin sind sehr lebendig. Aber die Verbindung zwischen den Figuren ist kaum spürbar, und die gesellschaftlichen Vergnügungen des Bordells werden nicht einmal angedeutet. Betrachten Sie es als ein herrliches Potpourri, das zum Glück keine Kundschaft angezogen hat.

Wahrscheinlich malte er während dieser Experimente das erste Bild, das der moderne Kunstliebhaber als sein eigenes erkennen wird - „Die Milchmagd“ . In ihm spürt man den kalten Glanz seiner graublauen Ausstrahlung, die große Figur ist erhaben und edel in ihrem Aufbau, die alltägliche Handlung des bedächtigen Einschenkens von Milch ist mit einer fast sakralen Feierlichkeit ausgestattet.

Die Position der Frau scheint sofort gesehen, sogar überrascht, aber in strenger Kontemplation ausgearbeitet. Ein solches Gefühl wird sich in der Malerei wohl erst zwei Jahrhunderte später wiederholen, als Jean François Millet Barbizon malte, wobei er den Vermeer’schen „weißen Zauber“, der sich in diesem reizvollen Bild zum ersten Mal durchsetzte, weder fand noch einfing. Vielleicht weil es in der Küche keine Möbel, Gemälde usw. gibt, Elemente der späteren kompositorischen Komplexität Vermeers, mag das Muster dieses Gemäldes im Vergleich zu späteren Werken uninteressant erscheinen. Aber es scheint, dass das Gemälde wegen seiner Einfachheit, die im Vordergrund steht, besser ist, und es ist unwahrscheinlich, dass Vermeer seine „Milchmädchen“ jemals wirklich übertroffen hat.

Die Gemälde, die wir als nächstes betrachten werden, entstanden wahrscheinlich zwischen 1656 und 1666, also zwischen dem vierundzwanzigsten und vierunddreißigsten Lebensjahr Vermeers. In ihnen hat er die schwere, aber reiche Last eines teuren Hauses und einer schnell wachsenden Familie verarbeitet. Diese kleinen Gemälde drehen sich in der Regel um die Figur einer Frau, die in einem der Zimmer eines anspruchsvoll eingerichteten und schön dekorierten Hauses arbeitet oder sich ausruht. Das Licht fällt in der Regel sanft durch den linken Fensterflügel, gleitet an den kühlen grauen Wänden entlang, streichelt die Zinn- oder Gittergefäße, hebt die tiefen Schattierungen des Orientteppichs hervor, der als Tischdecke dient, scheint auf die Schnitzereien der massiven Stühle oder Bilderrahmen, deutet das geografische Muster auf der aufgehängten Landkarte an und hebt schließlich, und das ist das Wichtigste, kraftvoll und sanft die runde Form der Frau hervor. Diese Behandlung des Lichts, ohne starke Kontraste als Konstruktionsfaktor, ist ein besonderes technisches Verdienst von Vermeers Malerei und steht in einer Reihe mit den größten Figurenmalern aller Zeiten.

Von allen Gemälden mit einer Frau im Mittelpunkt „Perlenkette“ („Frau mit Perlenkette“) - Die Perfektion des Emails und der Schimmer von blassem Gelb und Blau sind besonders exquisit. Die Pose - die Hände heben die Schnur der Halskette - ist zwar scheinbar beiläufig, aber in Wirklichkeit sehr studiert, als ob sie einen bescheidenen Stolz auf den Besitz ausdrücken würde. Alles scheint von den Perlen und der perligen Zartheit des Gesichts der Trägerin auszugehen. Das ganze Gemälde ist auf die exquisiteste Weise ausgeführt.

Nachdenklicher und vielleicht reicher an Oberflächenvielfalt, wenn auch weniger wertvoll in der Farbe, sind zwei Gemälde (in Amsterdam und Dresden) zum Thema einer Frau, die ruhig einen Brief liest. Das Amsterdamer Gemälde ist vielleicht subtiler, was an der großzügigen Konstruktion der Figur und dem dichten, säulenartigen Muster der Karte, den von ihr und den Stuhllehnen gebildeten Rechtecken liegt. Es hat auch eine ansprechende Häuslichkeit, die der eher aristokratischen Version in Dresden fehlt.

Ein weiteres Juwel unter diesen Interieurs mit einer Hausfrau ist das herrliche kleine Vermeer-Gemälde, das auch als „Frau am Fenster“ oder „Mit einem Krug“ bezeichnet wird. Die Frau atmet einfach nur die Morgenluft ein und bringt Ordnung in die Dinge, aber mit der gleichen Majestät wie Michelangelos Sibylla. Die Erhabenheit ist wesentlich, nicht stilistisch vermittelt.

Vermeer sah und erinnerte sich an eine solche Haltung, als das tägliche Ritual, das sein Haus reizvoll machte, durchgeführt wurde. Er hält es mit Dankbarkeit und Liebe fest und unterstreicht es mit allen kompositorischen Mitteln, die in der Lage sind, seine Würde auszudrücken und den Charakter des Ortes zu vermitteln. All seine Perfektion in der Ausgewogenheit und in der Manipulation der Farben, in der Gestaltung des Lichts und der Form sind in diesem Gemälde so unmerklich vorhanden, dass sie leicht übersehen werden.

An konzentrierter Eleganz von Gefühl und Ton ist Der Spitzenschneider „unübertroffen“ . Auch hier handelt es sich nicht um eine Eleganz, die der leitenden Angestellten in ihrem weiblichen Beruf willkürlich aufgezwungen wird - die Eleganz liegt in der Handlung selbst, in den geschäftsmäßigen, geschickten Händen, die die Arbeit akribisch ausführen. Vermeer idealisiert oder sentimentalisiert diese häuslichen Arbeiten nicht, sondern enthüllt und zeigt ihre Schönheit, die normalerweise durch Gewohnheit und Routine verdunkelt wird.

In seinen wenigen formalen Porträts folgt Vermeer diskret dem Beispiel Rembrandts in seiner ersten objektiven Manier und meidet sinnvollerweise die studierte, dekorative Überschwänglichkeit seiner Genrebilder. Solche Werke waren nicht sehr fantasievoll, und in diesem Stadium gehört er nur zu den zehn besten niederländischen Porträtisten seiner Zeit. Eine Ausnahme muss für „Kopf eines Mädchens“ gemacht werden. Mit seiner außergewöhnlichen Realität ist es eher eine Charakterstudie als ein Porträt im formalen Sinne. Allein als Konstruktion der Form in den Schattierungen, die das Licht ausmacht, ist es vielleicht eines der zehn besten Gemälde der Welt. Und hier sind die Formen des feinen Malers nie konvex, nie in die Ferne weisend, haben nichts mit den Formen der Skulptur zu tun. Sie existieren einfach in einer Bildwelt, in die das Auge eingeladen wird, einzutreten und sie zu erkunden. Es erforscht und überzeugt sich von der Präsenz der Formen und ihrer Gültigkeit.

Das ist der Weg von Rembrandt, Hals, Velasquez, und in technischer Hinsicht gehört Vermeer zu ihrer großen Gesellschaft. Abgesehen von der technischen Exzellenz des Bildes „Kopf eines Mädchens“, ist es bemerkenswert für seinen Reichtum an Charakterisierung - es gibt ein Gefühl von körperlicher und moralischer Vitalität, von menschlicher Würde und Anmut. Das Studium dieses kleinen Bildes, in dem sich Vermeers Genie verkörpert, sollte zeigen, dass die menschlichen Gefühle der Bewunderung und des Mitgefühls darin ebenso wichtig sind wie die Genauigkeit der Beobachtung und die Perfektion des technischen Könnens.

Mehrere schöne Kompositionen mit zwei Figuren gehören wahrscheinlich in dieses wunderbare Jahrzehnt. Am bemerkenswertesten ist die Komposition m eines Musikmeisters und seines Schülers - „Die Musikstunde“. Die beiden Figuren - das Mädchen am Spinett, von hinten dargestellt - sind im hinteren Teil des Gemäldes platziert und ordnen sich als Wiederholung solcher Kreisformen wie dem Cello auf dem Boden und der Steinzeugvase auf dem Tisch unter.

Obwohl die Figuren sehr notwendig sind und die Beziehung zwischen Meister und Schüler gut wiedergegeben wird, ist das Gemälde in Wirklichkeit ein Porträt des Raumes geworden. Das insgesamt strenge Muster aus bunten Vierecken wird durch den schweren Orientteppich aufgelockert, der schwer und ungleichmäßig vom Tisch fällt und sich auf dem Boden ausbreitet.

Der kleine graue Krug auf dem Tisch ist absolut unverzichtbar, als ob er die wenigen runden Elemente in der insgesamt rechteckigen Komposition in den Mittelpunkt stellen würde. Entfernt man den Krug oder deckt ihn in der Wiedergabe mit dem Finger ab, wird das ganze Bild unscharf. Abgesehen von „Liebesbrief“, wo die kompositorischen Komplikationen vielleicht zu krass und raffiniert sind, ist dies das komplexeste aller Gemälde Vermeers, ohne dass dabei die Natürlichkeit der Wirkung verloren geht.

Sein Außengemälde „Ansicht von Delft“ basiert auf dem Kontrast zwischen dem matten Rot der Ziegeldächer und dem vorherrschenden Grau, das stellenweise in ein tiefes Blau übergeht. Die Textur der Ziegelhäuser und der schweren Lastkähne wird durch ein System schwerer Punkte erzeugt, die ein positives Glühen erzeugen. Der neutrale Farbton des nahen Fadens ist Terrakotta mit einem Übergang zu Lachsrosa. Insgesamt ist das Gemälde kostbar, aber die Wirkung ist einfach unprätentiös natürlich und genau richtig. Die Hommage des Künstlers an seine Lieblingsheimatstadt könnte nicht zärtlicher sein.

Zu den späteren Gemälden Vermeers gehört „Die Dame mit der Magd“, sehr schön gemalt, aber das leichte Motiv rechtfertigt kaum den großen Maßstab. Das Gemälde schwankt unsicher zwischen Porträt- und Genremalerei und ist in beiden Bereichen nicht überzeugend. In Bezug auf die Komplexität der Komposition „ist Der Brief“ eines der interessantesten Gemälde Vermeers. Es ist auf dem scharfen Kontrast zwischen hohen Rechtecken, länglichen Figuren und dem rautenförmigen Muster des Pflasters aufgebaut.

Durch das Vestibül, durch die offene Tür, sieht man eine reich gekleidete Frau, sitzend und die Klaviatur einer Laute haltend, die aufmerksam über ihre Schulter zu einem ehrerbietigen Dienstmädchen blickt, das soeben einen Brief überreicht, der in der freien Hand der Dame noch nicht geöffnet ist. Eine kleine Dramatisierung ist angedeutet. Es entsteht ein seltsamer Effekt der Besessenheit, als ob sich das Geschehen in einem anderen Licht abspielen würde, fast in einer anderen Welt als der, die der Betrachter sieht. Genialität.

Vermeer hatte ein unverwechselbares Auge; er war ein anspruchsvoller und selbstbewusster Künstler, ein hingebungsvoller Verehrer von Frauen, sei es aus Höflichkeit oder Gunst, ein Liebhaber seines Hauses. Er scheint geglaubt zu haben, dass uns ein solch umfassendes moralisches Urteil genügen sollte, denn das einzige Porträt von ihm zeigt uns den Rücken zugewandt. Das berühmte und ziemlich große Bild „Atelier“ (auch bekannt als „Künstlerwerkstatt“), hervorragend gemalt, wiederholt auf unaufdringliche Weise jene kompositorischen Schnörkel, die wir soeben im Fall von „Brief“ erwähnt haben.

Der Künstler an seiner Staffelei, in seinem fantastischen gestreiften Morgenmantel und zerknitterten Seidenstrümpfen, ist in unserer Welt. Ein schwerer Brokatvorhang, ein Tisch, Dachsparren, eine große Landkarte schneiden einen anderen Raum, eine andere Welt ab, durch die das seltsamste aller Phänomene hindurchgeht - eine Frau von eher javanischem Typus, die Augen geschlossen, das Haar kunstvoll mit großen Blättern verziert, in der linken Hand fest einen großen Folianten haltend, die rechte Hand anmutig mit einer langen geraden Trompete horizontal balancierend.

Was bedeutet das alles? Vielleicht sollen wir es nicht wissen; vielleicht wusste es auch Vermeer selbst nicht. Es ist leicht zu erkennen, dass der konvexe und gebrochene Umriss des Gewandes der Frau - genau das Gewand, nicht die Soutane - genau das war, was zwischen der Ecke des Tisches und der Ecke der Karte gebraucht wurde, dass die Verkürzung des großen Buches das Leichentuch des Pflasters an den oberen Rand des Bildes bringt, dass der fantastische Kopfschmuck das Oval des Kopfes von dem entlastet, was sonst eine bedeutungslose Darstellung sein könnte. Kurzum, alles, was an dem Gemälde phantasievoll und geheimnisvoll erscheinen mag, hat gute stilistische Gründe.

Viele niederländische Genremaler übertrafen Vermeer an Energie und Umfang. Aber keiner von ihnen, nicht einmal Rembrandt, schuf einen Stil der schönen Kunst, der gleichzeitig so lyrisch und so absolut wahrhaftig war. Sein Thema, die Heiligkeit der Frau, die ein glückliches und geordnetes Heim schafft, schien ihm wenig Variationen zuzulassen und weder Betonung noch Verschönerung zu benötigen. In diesem Sinne mag seine Kunst objektiv und etwas streng erscheinen. Aber diese Strenge wird durch ein unterschwelliges Gefühl erwärmt und in einem Stil ausgedrückt, der immer opulent, aber zurückhaltend ist.

Jan Vermeers Werke sind in den besten Kunstmuseen der Welt zu sehen, darunter das Rijksmuseum und das Mauritshuis in den Niederlanden.