Jan van Eyck:
Flämischer Maler Automatische übersetzen

Einführung

Ein flämischer Maler und einer der führenden Flämische Maler der niederländischen Renaissance beherrschte Van Eyck die Kunst der Ölgemälde, das war eine neue Erfindung. Er gilt als einer der talentiertesten Maler des 15. Jahrhunderts in Europa und ist bekannt für seine sehr realistischen figur malerei in der Regel zu religiösen Themen, und Porträtkunst. Seine charakteristische Dreiviertel-Gesichtshaltung und seine Beherrschung der Ölfarben brachten einen überraschend neuen Realismus in die Porträtmalerei und machten ihn zu einem der führenden Maler der Renaissance des Nordens, sehr gefragt von der aufstrebenden Bourgeoisie- und Handelsklasse. Zu seinen bemerkenswertesten Werken gehören die Gent Altarbild , (1425-32, St. Bavo Kathedrale, Gent), die Arnolfini Portrait (1434, National Gallery, London) und die Verkündigung, 1434 (National Gallery of Art, Washington).

Kurze Biographie

Der um 1395 im belgischen Maaseik geborene Künstler ist über sein frühes Leben wenig bekannt. Es wird vermutet, dass der Maler Hubert van Eyck sein Bruder war. Ein weiterer jüngerer Bruder, Lambert van Eyck, wird in Gerichtsakten erwähnt, und es wird vermutet, dass er auch Maler gewesen ist.

Van Eyck machte zwischen 1422 und 1424 Karriere am Hof, zunächst bei Johannes von Bayern und dann zwischen 1425 und 1441 bei Philipp dem Guten, Herzog von Burgund. Diese Positionen waren hoch angesehen, und das reguläre Gehalt ermöglichte es ihm, einer bestimmten künstlerischen Tätigkeit nachzugehen Unabhängigkeit. Tatsächlich entwickelte Eyck eine sehr enge Beziehung zu dem Herzog, der einem seiner Kinder als Pate diente, seine Witwe bei seinem Tod unterstützte und später einer seiner Töchter mit Geldern half, ein Kloster zu betreten. Van Eycks Familie trug ein Wappen, das zeigte, dass sie dem Adel gehörten. Und es ist klar, dass er lesen und schreiben konnte, weil er seine Bilder signierte, eine zu dieser Zeit ungewöhnliche Praxis.

Das Genter Altarbild gilt als sein erstes Meisterwerk (und eines der schönsten Beispiele des Nordens) religiöse Kunst), dicht gefolgt vom Arnolfini-Porträt. Van Eycks Fähigkeit, Ölfarben zu manipulieren, um realistische Darstellungen der natürlichen Welt zu erhalten, ist der Grund, warum er so populär wurde und bis heute so bleibt.

Er versuchte häufig, das Auge zu täuschen, indem er Spiegel benutzte, um Handlungen zu reflektieren, die außerhalb der Leinwand stattfanden. Dies ist im Arnolfini-Porträt zu sehen, in dem der Spiegel an der Rückwand zwei Figuren widerspiegelt, die den Raum betreten. Eine davon ist wahrscheinlich Van Eyck. Die obige Unterschrift lautet: „Jan van Eyck war hier. 1434 ’. Es war fast eine Version der frühen Graffitikunst. Diese Arbeit ist ein Porträt von Giovanni di Nicolao Arnolfini und seiner Frau, aber nicht als Aufzeichnung ihrer Hochzeit gedacht. Frau Arnolfini ist nicht schwanger, wie man so oft denkt, sondern hält ihr Rockkleid hoch, wie es damals Mode war. Ein anderer dachte nach Selbstporträt kann im Schild des Heiligen Georg in der Jungfrau von Canon van der Paele, 1434-36 gesehen werden. Eyck war in der Lage, Farbe zu manipulieren, um flüchtige Wolken und Lichtreflexionen auf verschiedenen Oberflächen zu erzeugen, von Metall über Glas, matt bis leuchtend. Diese Effekte sind auch in seiner Arbeit Jungfrau von Canon van der Paele, im glitzernden Goldfaden des Kaps des Heiligen Donatian und im Leuchten von Perlen und schillerndem Schmuck der heiligen Figuren zu sehen.

Andere wichtige Werke sind die Stygmata des Hl. Franziskus, um 1428-30 (Galleria Sabauda, ​​Turin); Kreuzigungs- und Jüngstes Gericht- Diptychon, 1420-25 (Metropolitan Museum of Art, New York); Madonna in der Kirche, um 1425 (Staatliche Museen, Berlin); Porträt eines Mannes in einem Turban, 1433 (vermutlich Selbstporträt) (National Gallery, London); St. Barbara, 1437 (Königliches Museum der Schönen Künste, Antwerpen); Madonna und Kind am Brunnen, 1439 (Königliches Museum der Schönen Künste, Antwerpen); Porträt Christi, 1440 (Groeningemuseum, Bruge) und St. Jerome, 1440 (Detroit Institute of Art, Detroit).

Wie es damals üblich war, hatte Van Eyck in Brügge einen Workshop mit Assistenten, die exakte Kopien, Pastiches und Variationen seiner fertigen Bilder anfertigten Tafelbilder für den Markt. Er starb im Juni 1441 und wurde in der Kirche St. Donatian beigesetzt (die später während der Französischen Revolution zerstört wurde). In einer Biografie von 1454 wurde Jan Van Eyck neben Antonio di Puccio Pisano ) Pisanello) und Rogier van der Weyden. Er beeinflusste eine Generation flämischer Künstler und nach seinem Tod beeinflusste sein großes Werkvolumen Künstler in ganz Europa.

Die Kunst von Jan Van Eyck (1395-1441)

Einer der Besten Alte Meister von früh Flämische Malerei Jan van Eycks künstlerische Interessen und Aktivitäten scheinen im Vergleich zu denen seines Bruders Hubert einzigartig eng zu sein. Er war hauptsächlich Porträtist. Die letzten 16 Jahre seines Lebens verbrachte er als Vertrauensperson des Herzogs von Burgund auf Reisen. In diesen Jahren haben wir zwölf Bilder, zumeist winzige Porträts und kleine Altarbilder, mit allem, was er auf das Genter Altarbild gemalt hat. Es ist eine sehr spärliche Produktion, auch wenn die Bilder jetzt verloren gehen, und es deutet darauf hin, dass Jan wenig kreativen Drang hatte, aber gelegentlich davon abhing.

Wir beginnen mit vier Miniaturen religiöse Gemälde die oft Jan zugeschrieben werden – Gott der Thronende Vater, die Klage, die Qual im Garten und die Kreuzigung. Der Grund für die Zuschreibung ist ein drastischer und sogar vulgärer Realismus, und ein Umgang mit Vorhängen in eckigen Falten beruht auf Holzskulptur. Solche Eigenschaften unterscheiden diese Miniaturen von den neun, die Hubert zugeschrieben werden. Es ist natürlich möglich, dass er einen anderen Assistenten als Jan hatte, der diese Arbeit geleistet hat, aber da die Miniaturen von einer technischen Qualität sind, die Jan absolut würdig ist, scheint es der vernünftige Weg, sie ihm zuzuschreiben. Er war wahrscheinlich etwa fünfundzwanzig Jahre alt, als sie gemalt wurden.

Im Jahr 1422 findet man Jan in der Burg von Den Haag für Johannes von Bayern, Graf von Holland. Da es sich bei dieser Wanddekoration um ein säkulares Thema handelt, ist ihre Zerstörung sehr zu bedauern. Wir können nur vermuten, dass gotische Wandteppiche den allgemeinen Eindruck eines solchen Werkes vermitteln. Graf Johannes starb früh im Jahr 1425, und die Dekoration des Schlosses war bereits abgeschlossen, denn als Jan im Mai desselben Jahres Philipp dem Guten von Burgund sparsam eine Stellung als "varlet de chambre" annahm, schloss das Geschäft eine Zulage oder einen Umzug ein Jans Effekte von Lille nach Brügge. Von nun an war Jan häufig in geheimen Missionen für den Herzog beschäftigt, oft in entfernte Teile. Er scheint ein vertraulicher Agent geworden zu sein, der (in Whistlers Worten) "auch malte".

Es ist anzunehmen, dass die sehr kunstvolle Verkündigung in der National Gallery of Art, Washington, vor 1425 in Lille gemalt wurde. Die Veranstaltung findet in einer gotischen Kirche statt, die trotz ihres fantastischen Designs an die hohen Kirchenschiffe der französischen Kirchen erinnert um 1300. Auf dieses Innere legte Jan viel Wert auf Arbeit und Aufmerksamkeit. Alles wird erklärt – Glasmalerei, Wandmalerei, abgebildete Kacheln, komplizierte Steinschnitte. Die Details sind wunderbar, aber das Gefühl des Innenlichts wird nur schwach vermittelt, die Figuren sind schlecht maßstabsgetreu zur Architektur und in flüchtigen Beziehungen zueinander. Das schwache Grinsen im Gesicht des Erzengels Gabriel sagt das nervöse Grinsen des Heiligen Georg in der Van der Paele-Madonna voraus. Es ist eine Eigenschaft, die darauf hindeutet, dass ein Künstler versucht, ein Gefühl auszudrücken, das er nicht wirklich erlebt.

In den fast sechs Jahren zwischen Hubert van Eycks Tod und der Fertigstellung von Gent Altarbild bis Januar unternahm letzterer drei lange Reisen für den Herzog, darunter einen mehr als einjährigen Aufenthalt in Spanien und Portugal, wo der Herzog eine Braut suchte. Mit Ausnahme des Porträts von Kardinal Albergati aus dem Jahr 1432 gibt es für diese Jahre keine signierten Bilder von Jan, und es sieht so aus, als wäre er zu beschäftigt, um sie zu machen. In diesen Jahren befasste er sich auch viel zu intensiv mit anderen Dingen, um einen wesentlichen Teil der Anbetung des Lammes gemalt oder gar beendet zu haben, und was auch immer er getan hatte, geschah wahrscheinlich im Jahr vor der Enthüllung am 6. Mai 1432 Er malte die gesamte Rückseite der Fensterläden, mit Ausnahme des Porträts von Jodoc Vyd, das wahrscheinlich von Hubert angefertigt wurde, und des offenen Altarbildes, das den Adam und die singenden Engel und wahrscheinlich die meisten Figuren sicher zur Vollendung brachte die linken Felder. Diese Arbeit konnte kaum innerhalb eines Jahres beendet werden, und wir können uns vorstellen, dass Jan einen Großteil der zwei Jahre nach seiner Rückkehr aus Spanien Ende 1429 der frommen Aufgabe widmete, das Meisterwerk seines älteren Bruders fertigzustellen.

Das Porträt von Elizabeth Vyd im Gebet ist eines von Jan’s feineren Porträts, das, wie wir bereits bemerkt haben, für sein großes Ausmaß bemerkenswert ist. Es vermittelt ein beeindruckendes Gefühl von Präsenz und ist in seiner starken Energie des Charakters unvergesslich. im übrigen wird es, wie die meisten Porträts von Jan, als so viel Stillleben ohne Sympathieausgabe von Jan angesehen. Jetzt wundert man sich bei großartigen Porträts, was der Dargestellte denkt und tut, wenn er kein Dargestellter ist. In Jans Porträt ist von diesem Überlauf hinter und hinter dem Rahmen wenig genug zu sehen. Seine Männer und Frauen sind für immer in dem Aspekt gefroren, den er in seinem Studio festgehalten hat. Gerade weil das Begleiter- Porträt von Jodoc Vyd auf subtile und fast humorvolle Weise die episodische Demut eines Devotees mit der gewohnten List eines Mannes großer Angelegenheiten verbindet, glaubt man, dass es geschaffen wurde, es wurde nicht von Jan, sondern von Hubert geschaffen – einem Psychologen Unterschied, der durch Unterschiede der physischen Konstruktion bestätigt wird. Man fühlt, dass die Haltung von Jodoc betend ist, während Elizabeth nur eine Haltung des Gebetes ist. Die meisten, nicht alle Porträts von Jan haben diesen distanzierten Stilllebenscharakter. Bevor wir uns mit ihnen befassen, ist es vielleicht gut, seine wenigen religiösen Bilder zu betrachten (außer seiner frühen Verkündigung, 1425-30).

Die bezaubernde kleine Madonna (1433) entwaffnet völlig in einem Reichtum, der paradoxerweise eine heimelige Häuslichkeit ausdrückt. Die göttliche Mutter einfach zu einer reichen und jugendlichen flämischen Matrone zu machen, sie reich und konventionell unter einem Brokatdach in ihrem eigenen Haus zu thronen und sie gleichermaßen gleichgültig gegenüber ihrer gut eingerichteten Sauberkeit und dem Kind zu lassen, das mit ihrem Gebetbuch spielt Knie – das war sicherlich eine sehr neue und malerische Erfindung. Die Gewissheit, mit der Jan darauf besteht, dass kein besseres Symbol der Heiligen Jungfrau gefunden werden kann als eine wohlhabende flämische Hausfrau, die ohne viel Aufhebens und ungebührliche Sorge sowohl ihr Zuhause als auch ihr Baby in Ordnung hält, ist beruhigend und erfreulich. Es ist übrigens eine Junggesellenvision. Es ist zwar wahrscheinlich, dass Robert Campin Vielleicht haben Madonnen früher diesen bürgerlichen Typus angenommen, aber keine ist schöner als dieses kleine Bild von Jan. Es ist wirklich eine Miniatur, ungefähr neun mal sechs Zoll groß, und die sorgfältig ausgearbeitete Wiedergabe des Zubehörs ist vollkommen maßstabsgetreu. Wenig später vergrößerte und veränderte Jan die Komposition in der Madonna in Frankfurt am Main, und obwohl es ein prächtiges Bild ist, ist es auch ein ziemlich steifes und leeres.

Das Altarbild Unserer Lieben Frau und des Kindes mit dem heiligen Donatian, dem heiligen Georg und dem heiligen Canon van der Paele in Brügge wird allgemein als das Meisterstück von Jan angesehen, und vielleicht zu Recht. Von den größeren Tafeln des Augenblicks ist keine andere so reichhaltig angereichert. Gegenstände, bestickte und mit Juwelen verzierte Bordüren, polierte und kurios geschnitzte Steinarbeiten, kunstvoll gearbeitetes Metall, durchscheinendes Glas stehen einander gegenüber, kaum ein Spalt, der das Auge ruht oder die Fantasie beflügelt. Als Gemälde ist es auf raue und metallische Weise großartig. Die Van der Paele Madonna wurde 1436, kurz nach Jans Heirat, unterzeichnet. Er war Mitte 40 und auf dem Höhepunkt seiner Kräfte.

Die kleine unvollendete St. Barbara (1437) ist die einzige Kreation von Jan’s, die anmutig und charmant ist. Hätte er es beendet, hätte er zweifellos viel von dem Charme gemalt. Die außergewöhnliche Attraktivität dieses kleinen Bildes hing von einer sehr einfachen Entscheidung ab: der Hl. Barbara statt des üblichen kleinen emblematischen Turms einen Turm zu geben, der gerade gebaut wird. Sie sitzt nachdenklich über ihrem Stundenbuch und merkt nichts von der Arbeit, die zu ihren Ehren hinter ihr geleistet wird. Die kunstvoll schöne gotische Struktur erhebt sich leicht. Arbeiter sind auf Felsvorsprüngen, auf Gerüsten und um die Basis beschäftigt. Jan hatte entweder großes Talent für architektonisches Design oder, wie es wahrscheinlicher ist, die Skizze eines Architektenfreundes sparsam und geschmackvoll verwendet. Hinter dem Turm ziehen sich sanft fallende und ansteigende Hügellinien zurück, unterbrochen von einzelnen Bäumen und Gehölzen. Vieles an diesem Bild lässt den Wunsch aufkommen, Jan wäre ein Kupferstecher gewesen. Der Punkt und nicht der Pinsel scheint ihm das Werkzeug wirklich sympathisch zu sein. Diese kleine Tafel zeigt, wie ein frühes flämisches Bild angefertigt wurde, und ist in der Tat wertvoll. Wenn wir an Teile der Anbetung des Lammes denken, die Hubert unvollendet gelassen hat, müssen wir uns diese wie die hl. Barbara vorstellen, die kunstvoll auf die Tafeln gezeichnet ist und nur gefärbt werden muss.

Die winzige Tafel Unserer Lieben Frau und Kind bei einem Brunnen aus dem Jahr 1439 in Antwerpen weist einen offensichtlichen Bezug zu den Gartenbildern der Rheinischen Schule auf. Der geschlossene Garten, Hortus Conclusus, und der versiegelte Brunnen, Fons Sigillata, sind bekannte Symbole der Jungfräulichkeit Marias. Jan hat mit größter Sorgfalt die Details der Reben, Blumen und des Brunnens ausgearbeitet, und der sehr kleine Maßstab des Bildes hat ihm wie immer gut getan. Für die Madonna hat er einen zugleich außergewöhnlichen und ganz eigenen Typus gewählt, eine bescheidene und zarte Maria ohne aristokratischen Anspruch, während er in der natürlich geworfenen Haltung des aktiven Christkindes eine ungewöhnliche Lebendigkeit der Beobachtung zeigt.

Natürlich muss Jan van Eyck Porträts gemalt haben, bevor er in den Dienst des Herzogs von Burgund getreten ist, aber diejenigen, die uns begegnet sind, fallen in die letzten zehn Lebensjahre des Malers. Am burgundischen Hof fand er großartige Dargestellte mit oft grotesken Gesichtern. Nur solche Masken als Stillleben zu behandeln, bedeutete, sehr interessante Bilder zu machen, und das tat Jan hauptsächlich, indem er das Gesicht durch einen Trick animierte, der aggressive Absichten in den Augen suggerierte. Im Allgemeinen können die Gesichter, die er gemalt hat, nicht als bewegend, als anders als sie gedacht werden. Sie halten das Auge, aber sie regen nicht die Fantasie an.

Das früheste ist das von Nicholas Albergati, dem heiligen Kardinal des Heiligen Kreuzes, der vom 8. bis 11. Dezember 1431 in Brügge auf Friedensmission war. Dieser gelehrte und fromme Kartäuser hätte die Ruhe seiner römischen Zelle vorgezogen, aber sein freundlicher Takt und seine diplomatischen Fähigkeiten machten ihn zu einem Wanderer in Europa. In Brügge blieb er bei seinen Landsleuten, und Jan van Eyck in der Kartause musste ihn überredet haben, ein paar Stunden zu sitzen. Das Ergebnis war eines der wertvollsten Relikte der frühen flämischen Kunst, der Silberstift Zeichnung des Kardinals mit Anmerkungen zu den Farben, im Drucksaal in Dresden. Es ist von kleinem Umfang, sehr feinfühlig mit dem silbernen Stift gestreichelt, und es deutet auf die Demut, Güte und Schlauheit des Prälaten hin, den der Papst Karl VII. Als "frei von jeglicher Leidenschaft" beschrieb.

Im Ölgemälde in Wien, das wenig später nach dieser Zeichnung angefertigt wurde, ist ein erheblicher Ausdrucksverlust zu verzeichnen. Die Formen sind ausgehärtet und gefroren. Man spürt einen Mann von moralischer Würde und Macht, aber nicht die verschiedenen Gaben des Diplomaten Kardinal. Und das wirft die Frage auf, die sich die unvollendete Hl. Barbara bereits gestellt hat: Stellen alle Porträts von Jan nicht den Verlust einer Zeichnung dar, die viel feiner ist als das Gemälde, das wir heute sehen? zu seiner Gabe als Maler.

Das Verfahren, ein Porträt nicht vom Dargestellten, sondern von einer sorgfältig ausgearbeiteten Zeichnung zu malen, blieb für Westeuropa über zwei Jahrhunderte lang Standard. Es war die Methode von Hans Holbein, der Clouets und ihrer Nachfolger. Es hatte viele Vorteile gegenüber der Malpraxis des Dargestellten, die in der Ära von aufgewachsen war Renaissance-Kunst (1400-1530). Der endgültige Charakter des Porträts wurde in einem einzigen absichtlichen Beobachtungsakt festgelegt. Um diesen Charakter zu erlangen, mussten die bedeutenden Formen mühsam gesucht und Eliminierungen und Synkopierungen schonungslos vorgenommen werden. Bei so intensiven ersten Beobachtungen stand der Künstler fest. Das Gemälde wurde hinsichtlich geführt Farbe durch Notizen auf der Zeichnung und durch Erinnerung. Folglich wurden Farbe und Beleuchtung etwas verallgemeinert. Das Bild ist souverän weitergegangen und man kann es sich fast maschinell vorstellen. Es gab keine Besorgnis über kleine Besonderheiten der Färbung, keine Verwirrung durch Stimmungsschwankungen oder Lichtverschiebungen. Eine solche Porträtmalerei entsprach nicht genau einer momentanen Erscheinung, hatte jedoch eine eigene zeitlose Art von Wahrheit und entführte den Dargestellten aus einer sich verändernden Welt in ein Reich, das unveränderlich ist.

Die auf diese Weise gemalten Porträts scheinen mir einfach als Aufzeichnungen die besten und wahrsten zu sein, die wir haben, schon allein, weil es keine Aufteilung des Interesses gibt, sie zu machen. Das große Porträt der späteren Renaissance – vom Venezianer Tizian der Holländer Rembrandt und der Spanier Velasquez Ich bezweifle, dass das Erscheinungsbild, die tatsächliche Beleuchtung, die dekorative Eignung, die intimen Interpretationen und die Harmonisierung dieser vielen Bestrebungen wesentlich größere Kunstwerke hervorbrachten als die spätgotischen Porträts Sinn, bessere Porträts.

Das Porträt eines Gelehrten mit der Bezeichnung Tymotheos in London ist auf den 10. Oktober 1432 datiert. Seine allgemeine Steifheit wird durch die ungeschickte, aber natürliche Handbewegung, die eine Schriftrolle hält, sofort verstärkt und erleichtert. Der Ausdruck sucht, wenn auch etwas besorgt und erbärmlich. Jan bemüht sich um eine intime Interpretation, was darauf hindeutet, dass es sich um jemanden handelt, der ihm am Herzen liegt. Als Erscheinung ist es erstaunlich real, und die Kunstfertigkeit ist vom feinsten. Die Spannung des Modellierens und die unangenehme Ziegelrötung des Farbtons sind für mich ein ausreichender Beweis dafür, dass Jan innerhalb eines Jahres nach dieser Arbeit nicht viel auf das Genter Altarbild hätte malen können. Seine einfache Modellierung und die Leichtigkeit seiner Nelken sind von ganz anderer Art.

Etwa ein Jahr später datiert das Porträt eines Mann in einem roten Turban unterscheidet sich in der National Gallery in London nur dadurch, dass es linearer und transparenter ist als die Schatten. Es drückt ein Alter aus, das zugleich klug, wehmütig und trotzig ist. Viele Kritiker betrachten dies ohne Grund als Selbstporträt. Trotz oder vielleicht wegen eines provinziellen und hausgemachten Aussehens ist es eines der erfreulichsten Männerporträts von Jan.

Sir Baldwin de Lannoy war einer von Jans Begleitern auf der portugiesischen Mission von 1428. Jan hat alle Konkavitäten und Konvexitäten des verschwendeten Gesichts durchsucht und dabei keine Falten vermieden, so dass das Porträt vollständig aus Holz und ausdruckslos ist. Es ist eine harte Maske, hinter der es nichts zu geben scheint. Der Kragen von Lannoys Goldenem Vlies sitzt ziemlich schlecht, was darauf hindeuten könnte, dass das Porträt früh vor der Vergabe des Auftrags gemalt wurde und dass die Insignien später hinzugefügt wurden. In diesem Fall könnte es sich um das früheste Porträt von Jan handeln, das uns vorliegt. In jedem Fall ist es eines der ästhetisch vernachlässigbareren.

Das Porträt des Goldschmieds Jan de Leeuw in Wien ist stilvoller als die meisten Porträts von Jan. Es ist gut in den Rahmen eingesetzt, auch wenn die Hand, die einen Ring hält, unbeholfen platziert ist. Der plastische Effekt wird sichergestellt, ohne die Modellierung zu stark zu betonen. Es ist eine attraktive Präsentation einer fähigen und robusten Persönlichkeit. Es hat nichts von dem streng hausgemachten Aussehen vieler Porträts von Jan, eher eine italienische Einfachheit, Konzentration und Eleganz. All dies könnte darauf hindeuten, dass Jan beim Malen eines Handwerkskollegen mit außergewöhnlicher Sympathie arbeitete, oder ebenso wahrscheinlich, dass er sich seiner Mängel bewusst geworden war und einen breiteren Stil suchte. Zu diesem Zeitpunkt muss er die bewundernswerten Porträts von Rogier van der Weyden gesehen haben – einfühlsam, weit gefasst, ausgezeichnet für taktvolle Eliminierung – sowie sein wunderbares Meisterwerk Abstieg vom Kreuz (1435). Er konnte sie nicht imitieren, seine Natur verbot das, aber er konnte sie bewegen. Dies war im Jahre 1436.

Das vielleicht schönste von Jans Porträts ist das seiner Frau Margaret in Brügge, das am 17. Juni 1439 gemalt wurde. Ob als einfühlsame Charakterisierung oder einfach als so viel feines Material, Jan malte nichts Schöneres. Das Muster und das getönte Weiß des Kopfschmucks sind perfekt; die rosaroten Nelken des Fleisches haben nichts von Janes früherem unangenehmen Ziegelstein; Die Volumenmodellierung erfolgt durch unendlich viele Lichtschatten. Der Ausdruck ist von geduldiger und eher trauriger Güte und Weisheit. Nichts ist verkehrt als die schlecht platzierte Hand, die der Beitrag eines Restaurators ist. Es ist schwer zu erkennen, dass dies eine Frau in den frühen dreißiger Jahren ist. Mit einem respektvollen Auge betrachtet, hofft man, liebevoll, aber auch unerbittlich aufmerksam zu sein. Nach fünf Jahrhunderten ist sie in ihrer verblassenden Gemütlichkeit enorm lebendig.

Für eine ähnliche Richtigkeit und Schönheit der Verarbeitung muss das undatierte Porträt in Berlin, das allgemein als John Arnolfini bezeichnet wird, ungefähr zur selben Zeit gemalt worden sein. Es scheint mir, dass es nur eine beiläufige Ähnlichkeit mit dem berühmten John Arnolfini und seiner Frau in der National Gallery, London, hat und dass der Identifizierung eine solide Basis fehlt. Von allen Jan-Porträts ist es eines der am besten komponierten. Die lange pferdeartige Maske hat eine seltsame Tödlichkeit, eine Entspannung, die vielleicht nur ein Zeichen der Selbstbeherrschung ist. Die fleischlosen Augenhöhlen und müden Augen scheinen mir die eines kranken Menschen zu sein. Traditionell ist dies ein Selbstporträt, und dies kann durchaus der Fall sein. Es deutet auf die hart erkämpfte Unerschütterlichkeit eines Mannes hin, der die Funktion eines Malers mit der eines Geheimagenten und eines Höflings verdoppeln musste. Trotz des stark beschädigten Zustands scheint mir dies eines der neuesten Porträts von Jan zu sein und eines seiner besten. Es hat die Eleganz, die eine Errungenschaft seiner letzten Jahre zu sein scheint.

Wenn das berühmte Porträt von John Arnolfini und seiner Frau in London aus seiner chronologischen Reihenfolge heraus behandelt wird, liegt es daran, dass es in Jans Tätigkeit und seinem Meisterwerk außergewöhnlich ist. Im Grunde ist es ein Porträt eines reich ausgestatteten Raumes. Alles ist enthalten und definiert – Fenster mit Volltreffern, die kühles Licht durchlassen, ein kunstvoller Kronleuchter aus gelbem Metall, ein abnehmender Spiegel mit dem Spiegelbild zweier Figuren, die von vorne in den Raum eintreten, sowie winzige Medaillons aus Glas oder Emaille mit Passionsszenen der Spiegelrahmen. Aber es gibt keine Verwirrung oder Überbetonung, nur eine Harmonie von großem Reichtum; alles hält seinen platz in einer szene, die von opulenter ruhe durchdrungen ist. In vielerlei Hinsicht antizipiert dieses Bild spätere Triumphe der Porträtmalerei von Räumen durch Jan Vermeer von Delft, aber wenn wir zu den Zahlen kommen, schlägt die Analogie fehl. Vermeers Figuren gehören dazu. Man kann sie als eine notwendige Emanation aus dem Raum betrachten oder den Raum als eine Art Erweiterung der Figuren. Jan van Eycks Ehemann und Ehefrau haben keine Lust, zu Hause zu sein. Sie stehen steif und unbeholfen da wie Besucher, die das unangenehme Gefühl haben, porträtiert zu werden.

Die Porträts sind bewundernswert. Man hasst die Scheinheiligkeit des geldgierigen italienischen Kaufmanns Arnolfini ziemlich; man mag die puppenhafte Gemütlichkeit seiner jugendlichen Braut, die sich als eine der hl. Katharina oder hl. Barbara von Hubert van Eyck nicht sehr erfolgreich zu tarnen scheint. Ehemann und Ehefrau sind nicht miteinander verwandt und in keiner Weise in einem angemessenen Verhältnis zu dem Raum, den sie einnehmen, aber sie halten das Auge gebieterisch fest. Alles außer dem zotteligen weißen Terrier wird als so viel prächtiges Stillleben aufgefasst. Kein anderes Bild zeigt so eindrucksvoll Jan van Eycks erstaunlichen technischen Einfallsreichtum und seine spirituellen Grenzen.

Die Tafel trägt die merkwürdige Inschrift "Jan van Eyck war hier, 1434." Einige Kritiker, die die anscheinend zutreffende Identifizierung der Figuren als John Arnolfini und seine Frau ignorieren, interpretieren die Inschrift so, dass Jan van Eyck hier gelebt hat, und halten die Personen für Jan und seine Frau Margaret. Es ist unnötig, einer weit hergeholten Theorie zu widersprechen, die weder durch die Form der Inschrift gerechtfertigt ist – jeder, der sein Zuhause erwähnt, hätte nicht die perfekte, sondern die unvollkommene Zeitform verwendet -, noch durch das Alter der Sitzenden oder durch eine Ähnlichkeit mit den sehr jungen Frau zum Porträt von Margaret van Eyck erst fünf Jahre später gemalt. Als bloße Andeutung kann die Inschrift bedeuten, dass Jan das Bild an Ort und Stelle malte, was sich von seiner allgemeinen Gewohnheit, in der Werkstatt zu malen, von einer Zeichnung unterscheidet. In der Tat ist es schwer zu sehen, wie das Bild zu seiner materiellen Perfektion hätte gelangen können, wenn es nicht vor den Objekten selbst gemalt worden wäre. Als Malerei ist es zweifellos Jan’s größtes Werk, und aus technischer Sicht gibt es kein schöneres spätgotisches Bild.

Am 9. Juli 1441 erhielt die St.-Donatian-Kirche in Brügge eine Zahlung für die Beerdigung von Jans Leiche. Ungefähr einen Monat später machte der Herzog der Witwe die beachtliche Gratifikation von 360 Livres. Weniger als ein Jahr später sorgte Jans Bruder Lambert dafür, dass der Leichnam vom Kirchhof zu einer ehrenvolleren Grabstätte in der Kirche selbst gebracht wurde, und das Anwesen spendete eine jährliche Messe für die Ruhe seiner Seele. Sie bemühten sich nach seinem Tod um eine Person, die im Leben bemerkenswert gewesen war. Wo immer wir Jan in Aufzeichnungen treffen, ist er der Angestellte eines Potentaten. Er hatte die Großen der Erde getroffen, war weit gereist. Der Herzog hatte seinen Kindern Pate gestanden und ihn für schwierige und heikle Missionen eingesetzt. In die höfische, offizielle Welt, in der er sich bewegte, brachte Jan Akzeptanz und ein äußerst genaues Auge. Ohne Kritik gab er den Blick seiner Welt. Die Vorstellungskraft reicht zwei Jahrhunderte weiter bis zu einem anderen Maler und Hofkämmerer, Velasquez. Mit dem Unterschied der Zeit sollte er in Madrid das tun, was Jan in Brügge getan hatte – eine leidenschaftslose, aber erstaunlich wahrheitsgemäße Darstellung dessen, was er über ihn sah. Von Malern, die auch Kammerherren sind, offizielle oder inoffizielle, ist keine Poesie zu erwarten. Genug, wenn sie uns die ungeschminkte Wahrheit geben. Jans Alter im Todesfall wissen wir nicht, aber es ist unwahrscheinlich, dass er seine 60er Jahre erreicht hatte. Auch Velasquez erreichte diesen Begriff kaum. Ein Künstler und Höfling zugleich zu sein, bedeutet anscheinend keine Langlebigkeit.

Damit dieser Artikel nicht den Eindruck erweckt, das Talent und den Ruhm von Jan van Eyck zu entlarven, stellen Sie sich folgende Fragen:

Nehmen wir an, Hubert van Eyck wäre nicht früh vergessen worden und alle seine liebenswürdigsten Kreationen wären nicht Jan zugeschrieben worden. Nehmen wir an, wir eliminieren alle umstrittenen Zuschreibungen und machen unsere Einschätzung von Jan aus den Bildern, die sicherlich seine sind – wäre diese Einschätzung sehr verschieden von der was wird vorgeschlagen?

Angenommen, Jan hätte als Erfinder des Ölgemäldes vier Jahrhunderte lang keine große und günstige Publizität genossen. Nehmen wir an, wir hätten nur seine signierten und angemessen zugeschriebenen Werke – würde ihn ein vernünftiger Kritiker in dem Sinne für einen großen Künstler halten, wie Rogier van der Weyden und Hugo van der Goes waren große Künstler? Wahrscheinlich nicht; Man spürt, dass das Urteil lauten würde, dass Jan aufgrund seiner mangelnden Reichweite und seiner geistigen Vision ausdrücklich von der Klasse der großen Künstler ausgeschlossen war, obwohl er mit Sicherheit ein sehr großer Maler war.

Schüler: Petrus Christus

Obwohl die brillanten Innovationen der Van Eycks weitgehend imitiert wurden, scheinen sie nur wenige direkte Schüler zu haben. Tatsächlich Petrus Christus scheint der einzige zu sein, dessen Jüngerschaft vollkommen sicher ist. Er wurde wahrscheinlich vor 1420 in Ostholland geboren. Wir treffen ihn zum ersten Mal im Hochsommer 1444 als Malermeister in Brügge. Es ist anzunehmen, dass er ein Assistent von Jan van Eyck war. Im Großen und Ganzen scheint er jedoch eher von dem Gemälde von Hubert beeinflusst zu sein, von dem er zwei Kompositionen frei kopiert hat – das Jüngste Gericht und die Rothschild- Madonna mit einem Kanon. Beide Bilder sind in Berlin. Huberts leichtere Linienführung und Modellierung tauchen in Petrus Christus wieder auf, ebenso wie seine Beschäftigung mit Lichteffekten.

In seinen verschiedenen religiösen Bildern, die in Madrid, Berlin, Antwerpen, Washington und New York vertreten sind, ist Petrus eher ein guter als ein markanter Künstler. Er zeigt eine Tendenz, den relativen Maßstab der Figuren zu vergrößern, ist immer nachdenklich; als Kolorist eher angemessen als ausgezeichnet. Ein entzückend romantisches Gemälde in New York, eine Verkündigung vor einem mit Efeu bedeckten gotischen Portal, wird ihm im Allgemeinen zugeschrieben. In diesem Fall ist es eine bemerkenswerte und wahrscheinlich recht frühe Angleichung an die Idealisierungsweise von Hubert. Dieses hinreißende kleine Bild wurde Hubert van Eyck zugeschrieben, obwohl es sich eher um eine Kopie oder Version eines verlorenen Bildes von Hubert handelt. Die erschlaffte Qualität des Figurengemäldes rechtfertigt kaum eine Zuschreibung an einen großen Maler.

Petrus Christus war ein ausgezeichneter Porträtist. Seine Porträts sind auf den Betrachter bezogen, haben eine zu dieser Zeit seltene Lebendigkeit. Keiner von ihnen scheint hoch angesehen zu sein, mit Ausnahme der grimmigen und erstaunlich lebendigen Darstellung eines Kartäusers in der Sammlung von Herrn Jules Bache. In der Ausführung und im relativ großen Maßstab ist es ein Fortschritt. In der Tat könnte man auf lange Sicht den momentanen Fehler begnadigen, einen sehr harten und frühen Rubens zu sehen. Es stammt aus dem Jahr 1466 und weist einen weitaus moderneren Akzent auf als die zeitgenössischen Porträts von Rogier van der Weyden und Dirck Bouts.

Petrus Christus ’einfallsreichstes Bild ist der hl. Eligius mit einem Brautpaar (1449). Es ist ganz als gedacht Genre-Malerei Denn der heilige Eligius ist nur ein Goldschmied in seiner Werkstatt, der mit einem vorsichtigen jungen Ehemann und einer vorsichtigen Ehefrau klug umgeht. Das Bild ist sehr schön gemalt und die Beleuchtung eines überdachten, aber offenen Raumes sehr sorgfältig studiert. Es ist vielleicht besser, wenn das Kaufmotiv nicht betont wird, die Anziehungskraft auf der Assemblage und der raffinierten Darstellung der Materialien beruht. Es steht an der Spitze einer langen Reihe von Genrefächern in halber Länge, insbesondere von Quentin Massys und seine Nachahmer.

Unsere letzte Nachricht von Petrus Christus ist im Jahr 1473 und wir wissen, dass er im Jahr 1477 tot war. Er hatte die besten Modelle mit Demut und Intelligenz verfolgt und seinen eigenen bescheidenen Beitrag zum Fortschritt seiner Kunst geleistet. Von eher wenigen kleineren Malern kann man so viel sagen.

Die Kunst der Van Eycks ist eine Episode und nicht in der direkten Linie des gotischen Realismus. So wie es die burgundischen Abhängigkeiten, in denen sie lebten, schafften, sich aus den tragischen Ereignissen des Hundertjährigen Krieges herauszuhalten, so entzog sich die Kunst von Jan und Hubert van Eyck den härteren religiösen Gefühlen der Zeit. Ihre Kunst hat immer einen höfischen und gemäßigten Charakter, und diesen haben sie an die spätere Schule von Brügge weitergegeben, und solche Meister wie Hans Memling (c.1433-94).

Werke von Jan Van Eyck sind im zu sehen beste Kunstmuseen weltweit.