Georges de La Tour:
Französischer Barockmaler, Caravaggist Automatische übersetzen

Georges de Latour, einer der großen französischen Künstler des Barock, ja einer der schönsten Alten Meister der Barockkunst in Europa, hatte eine sehr erfolgreiche Karriere in Luneville im Herzogtum Lothringen. Zu seinen Auftraggebern gehörten Ludwig XIII., Kardinal Richelieu und der Herzog von Lothringen, und er selbst wurde der offizielle Hofmaler Ludwigs XIV. Latour gilt als einer der führenden französischen Vertreter des Caravaggismus, eines Stils des Realismus und Tenebrismus, der mit Caravaggio (1571-1610), dem wilden Kind des frühen italienischen Barocks, verbunden ist, - die Latour entweder bei einem Besuch in Italien oder von Gerrit Honthorst (1590-1656), dem Führer der Utrechter Caravaggisten, übernommen haben soll.

Latours Spätwerk weist auch Züge des französischen Klassizismus auf, die von seinen jüngeren Zeitgenossen Nicolas Poussin (1594-1665) und Claude Lorrain (1600-1682) festgelegt wurden. Seltsamerweise sind nur wenige Details über Latours Leben erhalten geblieben. Infolgedessen gab es viele wissenschaftliche Debatten über die Chronologie seines Lebens und die genaue Zuschreibung seiner Gemälde, von denen viele in mehreren Versionen existieren, von denen jedoch nur drei datiert sind - „Steuern zahlen“ (1643, Lemberger Gemäldegalerie, Ukraine); Der büßende Petrus (1645, Museum of Art, Cleveland); und Die Entsagung des Heiligen Petrus (1650, Musée des Beaux-Arts, Nantes) - beruhen hauptsächlich auf stilistischen Vergleichen.

Gemälde von Georges De Latour

Was die Gattungen usw. betrifft, so konzentrierte sich Latour fast ausschließlich auf religiöse Kunst und auf Genremalerei . Другие примеры работ Латура: „Святой Иероним“ (1630, Национальный музей, Стокгольм); „Острие карты“ (1635, Лувр); „Святая Ирина с раненым св. Sebastian (1640, Louvre); Der junge Christus mit dem heiligen Joseph in der Werkstatt des Zimmermanns (1642, Louvre); Hiob, der von seiner Frau verspottet wird (1643, Musée d’Epinal); „Magdalena mit einer Kerze“ (1644, Louvre); „Der Betrüger mit dem Karo-Ass“ (1647, Louvre); und „Der Traum des Heiligen Joseph“ (Musée des Beaux-Arts, Nantes).

Obwohl Latour zu seiner Zeit berühmt war, geriet er später für mehr als 250 Jahre in Vergessenheit, bevor er 1915 von Hermann Voss wiederentdeckt wurde. Seitdem hat sein Ruf weiter zugenommen, insbesondere durch den viel beachteten Ankauf des Gemäldes La Diseuse de Bonne Aventure durch das Metropolitan Museum of Art im Jahr 1960 ) The Fortune Teller) - eines seiner besten Barockgemälde - und eine Ausstellung, die ihm 1972 in der Orangerie in Paris gewidmet wurde.

Frühe Jahre

Latour war der zweite Sohn eines Bäckers - ein Beruf, den auch die Familie seiner Mutter ausübte. Er scheint jedoch eine gute Ausbildung erhalten zu haben und profitierte beim Erlernen der Grundlagen seines Handwerks von dem brillanten künstlerischen Milieu, das in Lothringen entstand und in dessen Zentrum Bélanger stand. Es ist möglich, dass er zwischen 1610 und 1616 Italien besuchte und dort den Einfluss Caravaggios spürte, der die Prinzipien des Manierismus, in dem er aufgewachsen war, ablöste. Sicherlich scheint sich Latours Stil in seiner Heimatstadt nach 1616 voll ausgebildet zu haben.

Heirat, künstlerische Anerkennung

Im Juli 1617 heiratet Latour Diane Le Nerf, die Tochter des Finanzministers des Herzogs von Lothringen, die aus einer Adelsfamilie stammt. Nach dem Tod ihres Vaters zog das Paar in die Stadt Luneville, wo Latour 1620 das Bürgerrecht erhielt und von der Zahlung einiger Steuern befreit wurde, was normalerweise vom Adel honoriert wurde. Er wurde bald reich und führte das Leben eines Landedelmannes, der sich hartnäckig an Reichtum und Privilegien in einem Land festhielt, das seit 1635 von Kriegen, Hungersnöten und Epidemien brutal heimgesucht wurde.

Schon früh in seiner Karriere, im Jahr 1623, erhielt Latour die Gunst des Herzogs von Lothringen, und der Ruhm, den ihm dies einbrachte, hielt an, selbst als das Herzogtum von französischen Truppen besetzt wurde. Latour wurde Maler von Ludwig XIII. und genoss auch die persönliche Achtung des Gouverneurs von Lothringen, des Maréchal de la Ferté, für den er „Die Geburt“ (1644), „Der Heilige Alexius“ (1648), „Der Heilige Sebastian“ und „Die Ablehnung des Heiligen Petrus“ (1650) malte; das Gemälde befindet sich wahrscheinlich im Museum von Nantes). Seine Werke waren teuer (600-700 Francs oder mehr).

Tod

Latour war offenbar auf dem Höhepunkt seines Ruhmes, als er am 30. Januar 1652, wenige Tage nach dem Tod seiner Frau und seines Dieners, einer Epidemie zum Opfer fiel. Sein Sohn Etienne Latour (1621-1692), der seit 1646 mit ihm in der Malerei zusammengearbeitet hatte, trat 1654 seine Nachfolge als Gewöhnlicher Königlicher Maler an, gab aber als wohlhabender Mann diesen bürgerlichen Beruf bald auf und stieg in weltlichen Kreisen rasch auf (1670 wurde er in den Adelsstand aufgenommen), was wahrscheinlich erklärt, warum das Werk seines Vaters so schnell in Vergessenheit geriet.

Kreativität

Nimmt man alle signierten Leinwände zusammen, so lassen sich etwa 75 Kompositionen identifizieren, von denen 35 als Original anerkannt sind. Es handelt sich ausschließlich um religiöse oder Genreszenen ; es gibt keine Porträts, keine mythologischen oder historischen Gemälde und keine Beispiele für Zeichnungen . Zahlreiche frühe Kopien ) Der heilige Sebastian, der von der heiligen Irene beklagt wird, 11 bekannte Kopien, das Original ist verloren) zeigen, wie berühmt einige seiner Werke waren.

Die meisten der in Öl gemalten Werke von Latour lassen sich in Tag- und Nachtszenen unterteilen. Erstere zeichnen sich durch ein kaltes, klares Licht und einen präzisen, raschen Stil aus ) Der büßende Heilige Hieronymus, Stockholm; Der Gurrenspieler, Nantes). Die Nachtszenen hingegen verwenden künstliche Beleuchtung, um die Farbe zu eliminieren - normalerweise beleben nur Ausbrüche von leuchtendem Rot die braune Palette - und reduzieren die Volumina auf einige einfache Flächen, weshalb diese Gemälde oft als „kubistisch“ bezeichnet werden ) Der Heilige Sebastian, Originalversionen, Kapelle Bois Anzerey, Evre, und Gemäldegalerie, Berlin).

Vergleiche die realistischen Genrebilder und Bauernszenen, die die Brüder Le Nain im frühen siebzehnten Jahrhundert in Frankreich malten.

Nur wenige Gemälde haben ein definitives Datum ) Der büßende Petrus, 1645, Museum von Cleveland; Die Entsagung des heiligen Petrus, 1650, Museum von Nantes), und dies hat zu Unstimmigkeiten unter den Experten über die genaue Chronologie anderer, nicht datierter Werke geführt. Es gibt jedoch eine erste Periode (1620-30), die eindeutig vom karawagischen Realismus geprägt ist und in ihrem Stil etwa Dirk van Baburen (1590-1624) oder Hendrik Terbruggen (1588-1629) sehr nahe steht (Serie Christus und die zwölf Apostel, zwei erhaltene Originale und neun Kopien, Musée de l’Albi; Die Tränen des Heiligen Petrus, verloren, aber im achtzehnten Jahrhundert gestochen). Erst in den 1630er Jahren wendet sich Latour einem persönlicheren Realismus zu („Der Gurdyspieler“, Museum von Nantes).

Die Unruhen in Lothringen (1635-42) und insbesondere die Zerstörung der frühen Werke Latours durch einen Brand im Jahr 1638 zwangen den Künstler wahrscheinlich dazu, irgendwann zwischen 1638 und 1642 nach Paris zu ziehen. Hier malte er mehrere eindrucksvolle Tagesszenen ) Der Wahrsager, Metropolitan Museum of Art; Der Kartenschal, Louvre) und vor allem mehrere Nachtszenen (das Gemälde St. Sebastian wurde Ludwig XIII. angeboten).

Nach seiner Rückkehr nach Luneville im Jahr 1643 schuf er seine große Serie von Nachtbildern, in denen er die dramatischen Effekte des Tenebrismus und des Helldunkels optimal nutzte (z. B., Das neugeborene Kind (Musée de Rennes), Der heilige Sebastian (Bois Anzerei und Gemäldegalerie, Berlin, wahrscheinlich 1649), Hiob, der von seiner Frau verspottet wird (Musée Epinal). Seine letzten Jahre waren wahrscheinlich durch eine wachsende Zusammenarbeit mit seinem Sohn Etienne und eine Rückkehr zu bereits ausgearbeiteten Kompositionen gekennzeichnet ) Würfelspiel, Teesside Museums, UK).

Thematik

Latours Themenspektrum war begrenzt, und er wiederholte stets die Themen seiner Caravaggio-Periode 1610-1620: dies sind Der Wahrsager ; Der verlorene Sohn ; Die reuige Magdalena ; und Die Verleugnung des heiligen Petrus . Die in Lothringen verbrachten Jahre scheinen nur wenige zusätzliche Themen hervorgebracht zu haben ) Die Entdeckung des Leichnams des heiligen Alexis, Der Gürtelträger). Doch anstatt diesen Stil in Richtung Malerei zu treiben, wie es die meisten seiner nördlichen Zeitgenossen getan hatten, erneuerte Latour seine Verbindungen zu den frühen Anhängern Caravaggios und fand wie diese in der Malerei das beste Mittel zur Erforschung der menschlichen Seele.

Latour beschränkt sich in seinen Gemälden auf das Wesentliche, und seine Welt ist bei weitem die am wenigsten überladene unter den großen Malern. Er lässt alles Anekdotische weg, die Nebenfiguren, die Gebäude, die Beschreibungen der Innenräume, die Landschaften (die Natur hat keinen Platz; keine Pflanzen und nur zwei oder drei Tiere); auch die Accessoires sind auf ein Minimum beschränkt (keine Heiligenscheine bei Heiligen, keine Flügel bei Engeln), bis hin zu den rätselhaften Figuren ) Der Traum des Heiligen Joseph, Museum von Nantes). Selbst die heftigsten Gesten werden in einer Art geometrischer Stasis eingefroren ) Kämpfen, Los Angeles, P. Getty Museum), während ein Gefühl der Stille und des Schweigens seine Werke beherrscht ) Frau mit einem Floh, Nancy Museum).

Mit scheinbar einfachen Mitteln, in Wirklichkeit aber oft durch unerwartete Kühnheit, erreicht er eine Intensität, die selbst unter den Nachfolgern Caravaggios überrascht. Ob er nun die menschliche Zerbrechlichkeit darstellt: die physische Zerstörung oder, im Gegenteil, die geheime und zerbrechliche Würde des menschlichen Innenlebens, seine Werke spiegeln den Stoizismus der Epoche und den lothringischen Mystizismus wider und müssen zu den höchsten geistigen Ausdrucksformen der Zeit gezählt werden.

Die Gemälde von Georges de Latour sind in vielen der besten Kunstmuseen der Welt zu sehen, darunter der Louvre in Paris und das Metropolitan Museum of Art, New York.