Moderne Kunstrichtungen (1870-1970) Automatische übersetzen

„Moderne Kunst“ ist ein weit gefasster Begriff, der sich auf die zwischen 1870 und 1970 entstandene Kunst bezieht. Einige Historiker ziehen es vor, die „moderne Kunst“ auf das 20. Jahrhundert zu beschränken, aber es ist üblicher, den Impressionismus als Ausgangspunkt zu nehmen, und die 1960er Jahre werden gewöhnlich als Übergang zwischen der „modernen Kunst“ und ihrer Nachfolgerin „postmodernen Kunst“ angesehen.

„Moderne Kunst“ hat viele große internationale künstlerische Bewegungen erlebt und auch völlig neue Formen des kreativen Ausdrucks hervorgebracht, darunter: Wolkenkratzerarchitektur (1880er Jahre); chromolithografische Plakatkunst (1880er und 90er Jahre); Animationskunst (beginnend mit dem ersten Animationsfilm 1906); Collage (ab 1912); Performancekunst (beginnend mit Dada); Assemblagen (ab 1953); Land Art (1960er Jahre). Er hat auch einige Formen zu neuen Höhen geführt, zum Beispiel: Karikatur und Fotografie. In der letzten Phase „der Moderne“ entstanden verschiedene Formen der Avantgardekunst, darunter die Konzeptkunst (Pionierarbeit von Robert Rauschenberg in den 1950er Jahren) und die Videokunst (Pionierarbeit von Wolf Wostell und Andy Warhol in den späten 50er und 60er Jahren), Da diese Formen jedoch enger mit aktueller Kunst verbunden sind, betrachten wir sie in unserem Artikel über zeitgenössische Kunstbewegungen (ab 1970).

Für einen kurzen Überblick über die wichtigsten Stile und Schulen siehe: Kunstbewegungen, Epochen, Schulen .

Impressionistische Bewegung (1870er-1880er Jahre)

Benannt von dem französischen Kunsthistoriker Louis Leroy nach Monets Gemälde Impression: Sonnenaufgang (1873), war der Impressionismus ein spontaner Pleinair-Stil der Landschaftsmalerei, dessen Ziel die genaue Darstellung des Lichts war. Die Pleinair- Malerei von Monet, Sisley, Renoir und Camille Pissarro ist ein Beispiel für diesen Stil, obwohl auch andere Künstler zur Gruppe der Impressionisten gehörten, darunter Edgar Degas, Paul Cézanne, Frédéric Bazille, Gustave Caillebotte und Mary Cassatt, eine der führenden Persönlichkeiten der amerikanischen impressionistischen Bewegung (um 1880-1900). Die Bewegung wurde von Whistler und seinen Schülern Sickert und Steer nach Großbritannien gebracht und vom New England Art Club gefördert. Nachdem er einige der größten modernen Gemälde des 19. Jahrhunderts hervorgebracht hatte, wurde der Impressionismus durch den Neoimpressionismus von Seurat und den Postimpressionismus von Cézanne abgelöst.

Neoimpressionismus (1880er Jahre)

Bezeichnung des französischen Kunstkritikers Félix Fénéon (1861-1944) für die Werke von Georges Seurat, Paul Signac und ihren Nachfolgern wie Camille und Lucien Pissarro. Der Stil basiert auf einer optischen Maltechnik, die Pointillismus genannt wird (ein Ableger des Divisionalismus). Anstatt die Farben vor dem Auftragen auf die Leinwand zu mischen, wurden die Primärfarben direkt auf das Gemälde aufgetragen - in Gruppen von winzigen Strichen oder Punkten -, so dass das Auge des Betrachters selbst mischen „konnte“. Dieser Stil beeinflusste später den Fauvismus. Für weitere Informationen siehe: Neoimpressionismus . Für die Entwicklung des Stils in Italien unter Vittore Grubici siehe: Italienischer Divisionismus (1890-1907).

Newlyn-Schule (fl.1884-1914)

Die von Stanhope Forbes, Frank Brumley und Norman Garstin geleitete Newlyn School ließ sich von der Tradition der naturalistischen Pleinair-Malerei der französischen Schule von Barbizon inspirieren und versuchte, die Realitäten des ländlichen Lebens wiederzugeben.

Modern (1890-1914)

Abgeleitet von einem Pariser Geschäft namens „Maison de l’Art Nouveau“, das dem avantgardistischen Sammler Siegfried Bing (1838-1905) gehörte, hat der Jugendstil seinen Ursprung in der Arts and Crafts-Bewegung in Großbritannien (vor allem, William Morris’ Entwürfe) - er wurde auch von keltischen und japanischen Mustern beeinflusst - und wurde auf der Weltausstellung 1900 in Paris populär, bevor er sich in ganz Europa und den USA verbreitete. Der hochdekorative Stil der Designkunst (in Deutschland als Jugendstil, in Österreich als Sezessionstil, in Italien als Stile Liberty und in Spanien als Modernista bezeichnet) zeichnete sich durch komplexe, fließende Muster aus gewundenen, asymmetrischen Linien aus, die an Pflanzenformen angelehnt waren.

Blatt- und Rankenmotive sind im Jugendstil sehr beliebt, ebenso wie feminine Silhouetten und Formen. Der Stil manifestiert sich in der Innenarchitektur, in Metallarbeiten, Glaswaren, Schmuck, Plakat- und Illustrationsdesign sowie in der Malerei, Skulptur und Plakatkunst. Beispiele dafür sind die Gemälde und Illustrationen von Gustav Klimt, dem ersten Präsidenten der Wiener Sezession, sowie die Plakate von Alphonse Mucha (1860-1939), Arthur Rackham und Aubrey Beardsley und die serpentinenartigen Architekturmotive von Victor Horta von der Brüsseler Künstlergruppe Les Vingt . Er hatte auch einen starken Einfluss auf die Münchner Sezession (1892) und Berliner Sezession (1898) in Deutschland. Ihr folgte das Art Deco .

Symbolistische Kunst (spätes 19. Jahrhundert)

Inspiriert von der Mythologie und gekennzeichnet durch eine mystische und erhabene Sensibilität mit manchmal erotischem Inhalt, war der Symbolismus eine Weiterentwicklung der romantischen Tradition. Seine Pioniere waren Caspar David Friedrich und Heinrich Füssli, und seine zeitgenössischen Vertreter waren Gustave Moreau, der Wandmaler Puvis de Chavannes und Odilon Redon. Er beeinflusste die modernistische Bewegung und „Nabi“ sowie die Expressionisten Edvard Munch und Franz von Stuck.

Postimpressionismus (1880er, 1890er Jahre)

Postimpressionismus ist ein Oberbegriff, der die zahlreichen Gruppen und Stile der postimpressionistischen Malerei umfasst, die durch Künstler wie Paul Gauguin, Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec und Henri Rousseau verkörpert werden. Cézanne verfolgte einen streng klassischen Ansatz in der Pleinairmalerei; Gauguin verwendete gesättigte Farben, bevorzugte aber die Ateliermalerei in Innenräumen; Van Gogh malte im Freien, aber eher um seine inneren Gefühle auszudrücken als die Natur einzufangen; und Toulouse-Lautrec spezialisierte sich auf Genreszenen in Innenräumen.

Auf den Spuren des Synthetismus (entwickelt von Gauguin) und Cloisonnismus (erfunden von Emile Bernard und Louis Anquetin) entstand um die Jahrhundertwende eine Künstlergruppe namens Les Nabis, die sich aus jungen Künstlern zusammensetzte, die vom dekorativen und spirituellen Inhalt der Malerei angezogen wurden. Zu dem Anführer Paul Sérusier (1864-1927) und dem führenden Theoretiker der Gruppe, Maurice Denis (1870-1943), gesellen sich Pierre Bonnard (1867-1947), Paul Ranson (1862-1909), Ker-Xavier Roussel (1867-1944), Henri Ibels (1867-1936) und Edouard Vuillard (1868-1940). Aus „nabi“ entwickelte sich ein weiterer Stil der nachimpressionistischen Malerei, der als Intimismus bekannt ist und durch die ruhigen häuslichen Genreszenen von Édouard Vuillard, seinem engen Freund Pierre Bonnard und Gwen John veranschaulicht wird. Auch skandinavische Künstler wie Hammershøj und P. S. Kroyer griffen ihn auf. In Großbritannien wurde der Postimpressionismus von der Camden Town-Gruppe vertreten, die 1911 von Walter Richard Sickert gegründet wurde, der für seine Akte und Interieurs bekannt wurde.

Les Fauves (1905-1908)

Der von Paul Gauguin beeinflusste Fauvismus war eine wichtige Bewegung in der Geschichte der expressionistischen Malerei, die für leuchtende Farben und wilde Pinselführung eintrat - daher der Spitzname Les Fauves („Wilde Tiere“), den ihnen der Kritiker Louis Vossel nach ihrer ersten Ausstellung auf dem Salon d’Auto in Paris 1905 gab. Zu den fauvistischen Malern gehörten Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck, Albert Marquet und Georges Braque. In Großbritannien wurde der Fauvismus von einer Gruppe von Künstlern aus Schottland praktiziert, die als Scottish Colourists bekannt wurden. Zu ihnen gehörten J. D. Fergusson, Samuel John Peplow, Francis Cadell und Leslie Hunter. Für weitere Einzelheiten siehe Fauvismus .

Expressionistische Bewegung (ab 1905)

Verkörpert durch Vincent van Gogh, dessen hektische Pinselführung und intensive Farben eher seine innere Verfassung als die von ihm gemalten Szenen widerspiegelten, ist der Expressionismus ein Stil, dessen Ziel es ist, eine Interpretation einer Szene darzustellen, anstatt einfach ihre tatsächlichen Merkmale zu reproduzieren. Eines der frühesten Beispiele dieses Stils ist der Deutsche Expressionismus, der in und um München mit dem Gemälde Der Blaue Reiter („Der Blaue Reiter“) und in Dresden mit Die Brucke („Die Brücke“) entwickelt wurde.

Die Bewegung verbreitete sich dann in der ganzen Welt und brachte in den 1940er und 1950er Jahren in Amerika ihre eigenen Spielarten hervor - einschließlich des Abstrakten Expressionismus. Beeinflusst von der Romantik, dem Symbolismus, dem Postimpressionismus, dem Fauvismus und dem Kubismus, umfasste die expressionistische Bewegung alle Genres, einschließlich Landschaft, Porträt, Genremalerei und Stillleben. Zu den bedeutenden Malern des Expressionismus gehören Wassily Kandinsky, Franz Marc, Edward Munch, Modigliani, Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Otto Dix sowie Pablo Picasso und Francis Bacon, siehe: Expressionistische Malerei (1880-1950).

Die Brücke (Die Brucke) (1905-13)

„Die Brücke“ war eine deutsche expressionistische Gruppe, die 1905 in Dresden gegründet wurde. Sie verband Elemente der traditionellen deutschen Kunst mit afrikanischen, postimpressionistischen und fauvistischen Stilen. Ihre führenden Mitglieder waren Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Fritz Bleul, Erich Geckel und Emil Nolde. Sie hielt sich nicht lange, war aber einflussreich.

Der Blaue Reiter (1911-14)

Zu der in München gegründeten Gruppe „Blauer Reiter“ gehörten Wassily Kandinsky, Franz Marc, Alexei von Jawlensky, August Mack, Gabriele Münter und Paul Klee. Es handelte sich eher um einen losen Zusammenschluss als um eine feste Gruppe, die nach dem Gemälde benannt wurde, das Kandinsky auf dem Titelblatt des Almanachs oder Manifests von 1912 verwendete. Die Aktivitäten der Gruppe wurden durch den Ersten Weltkrieg unterbrochen, in dem sowohl Macke als auch Marc starben.

Ashcan School, New York (aktiv 1900-15)

Die so genannte Ashcan School bestand aus einer progressiven Gruppe amerikanischer Künstler und Illustratoren des frühen 20. Jahrhunderts (manchmal auch als New Yorker Realisten bezeichnet), die die urbane Realität des New Yorker Lebens in einem düsteren, spontanen und ungeschliffenen Stil darstellten. Zur Ashan-Bewegung gehörten Arthur B. Davis, William Glackens, Robert Henri, George Loucks, Everett Shinn und John Sloan. Zu den weiteren Künstlern, deren Werke als Ausdruck der Ashan-Schule gelten, gehören: George Wesley Bellows, Guy Pan Du Bois, der berühmte Edward Hopper und Alfred Maurer.

Die Kunst des Kubismus (Europa, 1908-1914)

Der Kubismus wurde irgendwann zwischen 1908 und 1912 in Zusammenarbeit zwischen Georges Braque und Pablo Picasso erfunden und formuliert, die stark von den rasterartigen Landschaften Paul Cézannes und (in Picassos Fall) von afrikanischen Bildern beeinflusst waren: siehe seine atemberaubenden „Avignon Demoiselles“).

Der Kubismus, der zum Teil eine Reaktion auf die schönen Bilder des Impressionismus war - ein Stil, der Picasso intellektuell nicht interessierte -, lenkte die Aufmerksamkeit auf die wesentliche zweidimensionale Natur der flachen Leinwand und stellte dabei die traditionellen Systeme der Perspektive und der Formwahrnehmung auf den Kopf.

Die Bewegung entwickelte sich in drei Phasen: Proto-Kubismus (Picassos und Braques frühes Stadium mit einzelnen „Würfeln“, die man sehen kann); analytischer Kubismus, ein strenger Stil, der dreidimensionale Bilder in eine Reihe von sich schneidenden Ebenen zerlegt; schließlich der synthetische Kubismus, ein leichterer und farbenfroher Stil, der „Bilder“ aufbaut, manchmal unter Verwendung verschiedener „gefundener“ Materialien.

Picassos Spätkubismus, ein repräsentativeres Idiom als seine früheren kubistischen Stile, zeigt sich in Werken wie Weinende Frau (1937, Sammlung Tate) und Guernica (1937, Reina Sofia, Madrid). Andere wichtige kubistische Künstler waren Juan Gris und Fernand Léger.

Obwohl die Bewegung relativ kurzlebig war, revolutionierte sie die Malerei des 20. Jahrhunderts und begründete eine neue Tradition der abstrakten Kunst. Jahrhunderts und begründete eine neue Tradition der abstrakten Kunst. Der Kubismus wurde von seinem Wortführer, dem in Deutschland geborenen Kunsthändler Daniel-Heinrich Kahnweiler (1884-1979), maßgeblich gefördert. Für eine wichtige kubistische Splittergruppe siehe: Secteur d’Or, ein Ableger der Pariser Pouteau-Gruppe.

Orphischer Kubismus (Orphismus) (1914-15)

Pariser abstrakte Kunstrichtung, allgemeiner als Orphismus bezeichnet, deren Stil durch freie Malerei mit Flecken von Regenbogenfarben gekennzeichnet war. Der Name (Orpheus war ein mythologischer Dichter und Musiker der griechischen Antike) wurde von dem französischen Kunsthistoriker Guillaume Apollinaire geprägt, als er die „musikalische“ Wirkung der abstrakten Gemälde des Kubisten Robert Delaunay beschrieb (die aus sich überlagernden Flächen mit kontrastierenden oder komplementären Farben bestanden), um sie vom Kubismus als Ganzem zu unterscheiden. Delaunay selbst verwendet den Begriff Simultanismus, um seine Werke zu charakterisieren.

Ein weiterer Vertreter des Orphismus war der französisch-tschechische Künstler und Anarchist Frank Kupka, der als einer der ersten wirklich abstrakte Kunstwerke schuf, die durch solide geometrische Farbblöcke gekennzeichnet waren. Dieser Stil ähnelte stark dem Synchromismus, einer 1913 in Paris von zwei amerikanischen Künstlern, Morgan Russell (1886-1953) und Stanton MacDonald-Wright (1890-1973), vorgeschlagenen Malmethode.

Fotografie

Die Fotografie wurde im Laufe der Zeit immer wichtiger. In Amerika war dies vor allem auf die einflussreiche Arbeit von Alfred Stieglitz zurückzuführen, der in seiner Galerie „291“ in New York die Photographic Secession gründete. Edward Steichen war ein weiterer Pionier. Beide waren für ihren Piktorialismus (1885-1915) bekannt. Andere fotografische Genres, die während der Ära der modernen Kunst entwickelt wurden, sind unter anderem: Straßenfotografie (von 1900 bis heute), beispielhaft für die Arbeit von Henri Cartier-Bresson; Dokumentarfotografie, wie in Hans Namuths Serie von Action-Painting-Fotos von Jackson Pollock; Modefotografie (ab 1880), beispielhaft für die Bilder von Man Ray, Richard Avedon, Cecil Beaton, Norman Parkinson und Irving Penn.

Collage (ab 1912)

Auch bekannt als papier collés oder découpage, wurde die Kunst der Collage erstmals von Georges Braque im Jahr 1912 eingeführt, als er drei Tapetenstücke an seine synthetische kubistische Zeichnung „Obstschale und Glas“ anbrachte. Bei der Collage werden Gegenstände wie Papierstücke, Fotografien, Zeitungsausschnitte, Stoff und andere „gefundene“ Gegenstände, sogar dreidimensionale Objekte, auf der Leinwand angebracht, um einen Mixed-Media-Effekt zu erzielen. Andere Künstler, die für ihre Arbeiten in der Collagetechnik bekannt sind, sind Picasso, Alexander Rodtschenko und der außergewöhnliche Einzelgänger Kurt Schwitters, bekannt für seine kleinformatigen Collagen Merzbilder . Die Technik der Collage hatte einen starken Einfluss auf spätere Formen der Assemblage.

Futurismus (1909-1914)

Der Futurismus

wurde 1909 von dem italienischen Dichter Filippo Tommaso Marinetti in einem Manifest begründet, das auf der Titelseite der Pariser Zeitung Le Figaro erschien. Der Futurismus lehnte jede traditionelle Kunst ab und feierte stattdessen die moderne Welt der Industrie mit Werken, die Elemente des Neoimpressionismus und des Kubismus kombinierten. Zu den führenden Mitgliedern gehörten auch Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Carlo Carra und Gino Severini.

Luzismus (ca. 1912-14)

Der Luchismus war eine russische Avantgarde-Kunstbewegung im Stil des Quasi-Kubismus, angeführt von Michail Larionow und seiner Partnerin Natalia Gontscharowa, die sich später in Paris niederließen. Das Thema des Luchismus war die abstrakte Landschaft, bestehend aus Licht oder Lichtstrahlen, die in Mustern aus linearen Formen dargestellt wurden.

Suprematismus (ca. 1913-1918)

Basierend auf den utopischen Idealen des Nihilisten Kasimir Malewitsch (1878-1935), drückte der Suprematismus grenzenloses Vertrauen in die Fähigkeit der Ingenieure aus, eine neue sowjetische Welt zu schaffen. Die erste Suprematisten-Ausstellung fand im Dezember 1915 in St. Petersburg statt und zeigte fünfunddreißig abstrakte Werke von Malewitsch, darunter sein berühmtes „Schwarzes Quadrat“, das wie eine Ikone hoch an einer Ecke hing, sowie zahlreiche andere Rechtecke, Dreiecke und Kreise, viele in leuchtenden Farben.

Die Ausstellung wird später in Moskau und Witebsk gezeigt. 1918 wurde Malewitsch zum Mitglied des Bildungskommissariats ernannt und lehrte an der von Mark Chagall gegründeten Witebsker Kunstakademie. Der Suprematismus war eine wichtige künstlerische Bewegung in Russland, die eng mit der Revolution verbunden war. Weitere berühmte Künstler des Suprematismus waren Lazar Lissitzky, Iwan Wassiliewitsch Klun und László Moholy-Nagy. Vom späteren Leben desillusioniert, malte er ab 1935 realistische Bilder.

Konstruktivismus (ca. 1919-32)

Der Konstruktivismus war eine strenge, aber wichtige russische Bewegung der abstrakten Kunst und des Designs, die von Wladimir Tatlin (1885-1953) gegründet wurde und der sich später Alexander Rodtschenko (1891-1956) und die Brüder Antoine Pevzner (1886-1962) und Naum Gabo (1890-1977) anschlossen. Mit ihrem Interesse an Abstraktion, Raum, neuen Materialien und dreidimensionalen Formen entwickelten die konstruktivistischen Künstler eine architektonische Kunst, die direkt die moderne industrielle Welt widerspiegeln sollte.

Die britische Entsprechung des italienischen Futurismus, Vortizismus war eine vom Kubismus und Futurismus beeinflusste Avantgarde-Kunstbewegung, die in London von dem Maler, Illustrator und Kriegskünstler Percy Wyndham Lewis (1882-1957) gegründet wurde. Die einzige vortizistische Ausstellung fand 1915 in London statt. Mit dem Anspruch, eine neue lebendige Abstraktion „zu schaffen“, verbinden die Vortizisten in ihren Werken die kubistische Fragmentierung mit einer starren Ikonographie, die die Technologie und die städtische Umwelt widerspiegelt.

Zu der Gruppe gehörten auch Cuthbert Hamilton, William Roberts, Lawrence Atkinson, Jessica Dismorr, Helen Saunders, Edward Wadsworth sowie die Bildhauer Jacob Epstein und Henri Gaudier-Brzeska. Nach der Ausstellung löste sich die Gruppe auf, obwohl Wyndham Lewis 1920 mit der Gründung der Gruppe X „“ kurzzeitig versuchte, ihre Ideen wiederzubeleben.

Dada (Europa, 1916-1924)

Die während des Ersten Weltkriegs in Zürich gegründete Dada-Bewegung war die erste der modernen Anti-Kunst-Bewegungen, deren Mitglieder über das Gemetzel des Weltkriegs von 1914 empört waren und sich einem künstlerischen Stil verschrieben, der darauf abzielte, alle traditionellen Werte einer Gesellschaft, die eine solche Barbarei zuließ, bewusst in Frage zu stellen.

Die Dadaisten bedienten sich der Schocktaktik und der Absurdität, um völlig irrationale oder unsinnige Kunstwerke und „Performances“ zu schaffen, darunter Skulpturen und frühe Installationen, die sie oft mit verschiedenen objets trouvés ) gefundenen Gegenständen) schufen, zu denen auch die „Readymades „von Marcel Duchamp gehören.

Dada entwickelte sich zu einer internationalen Bewegung, und ihre Themen wurden schließlich zu einem wichtigen Bestandteil des Surrealismus in Paris nach dem Krieg. Zu den führenden Mitgliedern von Dada gehörten Jean Arp, Marcel Duchamp, Francis Picabia, Man Ray, John Hartfield und Schwitters. Dada inspirierte viele spätere Stile und Gruppen wie Fluxus, Neo-Dada, Nouveau Realisme und Pop Art.

De Stijl (1917-31)

De Stijl (niederländisches Wort „Stil“) - der Name einer Gruppe von Künstlern (und der von ihnen herausgegebenen Zeitschrift für Kunst, Design und Ästhetik, die eine der einflussreichsten Avantgarde-Zeitschriften der 1920er Jahre war). Sie wurde während des Ersten Weltkriegs in den Niederlanden von Theo van Doesburg, dem älteren Piet Mondrian, dem Architekten Gerrit Rietveld und Bart van der Lek gegründet und vertrat eine geometrische Form der abstrakten Kunst (Van Doesburg nannte sie später Konkrete Kunst), die auf universellen Gesetzen der Harmonie beruhte, die gleichermaßen auf das Leben und die Kunst anwendbar sein sollten. Den größten Einfluss hatte diese Bewegung auf die Architektur.

Obwohl Piet Mondrian sich 1923 von der Gruppe trennte, blieb er ihren Themen für den Rest seines Lebens treu und wurde zu einem der berühmtesten Maler der Abstraktion. Im Vergleich dazu gab der unruhigere Van Doesburg 1924 einen der Grundgedanken von De Stijl auf, indem er die Diagonalen durch Vertikalen und Horizontalen ersetzte, um eine größere Dynamik zu erreichen.

Neoplastik (1918-26)

Ein Begriff, der verwendet wird, um einen von Piet Mondrian erfundenen Malstil zu beschreiben. Abgeleitet von den niederländischen Worten „Nieuwe Beelding“, die Mondrian in seinen Artikeln in der Zeitschrift De Stijl (1917-19) und in seinem Buch „Neo-Plasticisme“ von 1921 verwendete, um seine eigene Art von abstrakter Kunst zu beschreiben. Dies bedeutet im Wesentlichen „Neo-Plasticisme“, da die Bildhauerei und einige Arten der Malerei als „plastische Kunst“ gelten. Die deutsche Version „Neue Gestaltung“ gibt jedoch die Bedeutung von Mondrians Worten am besten wieder. Er benutzte diesen Titel, um „die neue Formgebung“ im weitesten Sinne sowie seine eigenen Ideen und Bilder zu fördern.

In seinem langen Aufsatz „Neoplastik in der bildenden Kunst“ schrieb Mondrian: "Die neue plastische Idee… muss ihren Ausdruck in der Abstraktion von Form und Farbe finden, das heißt in einer geraden Linie und einer klar definierten Grundfarbe." In gewisser Weise war der Neoplastizismus also eine ideale Form der Malerei, die nur reine Farbe, Linie und Form verwendete. Er bestand nicht nur auf den Primärfarben (oder Nichtfarben), sondern befürwortete auch ausschließlich Quadrate, Rechtecke und gerade horizontale oder vertikale Linien. Trotz seiner Meinungsverschiedenheiten mit Van Doesburg über dessen Elementarismus im Jahr 1924 hatten Mondrians Theorien einen enormen Einfluss auf die nachfolgende Malerei, und er gilt heute als einer der größten modernen Künstler.

Bauhausschule (Deutschland, 1919-1933)

Die 1919 von dem bahnbrechenden modernen Architekten Walter Gropius in Weimar, Deutschland, gegründete Bauhaus-Schule war eine revolutionäre Kunstschule, von der viele andere Schulen abgeleitet wurden. Ihr Name, der sich von den beiden deutschen Wörtern „bau“ - bauen und „haus“ - Haus ableitet, deutet zusammen mit dem System der Künstlergemeinschaften auf die Idee einer Bruderschaft hin, die an der Schaffung einer neuen Gesellschaft arbeitet. Zu seinen Lehrern gehörten Josef Albers, Lionel Feininger, Paul Klee, Wassily Kandinsky, Oskar Schlemmer, László Moholy-Nagy, Anni Albers und Johannes Itten, die einen großen Einfluss auf Architektur und Design hatten.

Erklärtes Ziel der Schule war es, die Kunst mit dem Alltagsleben in Kontakt zu bringen, weshalb dem Design die gleiche Bedeutung wie der bildenden Kunst beigemessen wurde. Zu den Grundprinzipien, die am Bauhaus gelehrt wurden, gehörten die Tugenden des einfachen, reinen Designs, der Abstraktion, der Massenproduktion, der ethischen und praktischen Vorteile einer gut gestalteten Umwelt sowie der Demokratie und der Beteiligung der Arbeitnehmer.

1925 zog das Bauhaus in ein neues Gebäude in Dessau (1925-6) und 1932 nach Berlin, wo es 1933 von den Nazis geschlossen wurde. Die Lehrer zerstreuten sich, und einige gingen nach Amerika: Moholy-Nagy ging nach Chicago, wo er 1937 das Neue Bauhaus gründete, und Albers nahm seine Bauhaus-Methoden mit an das Black Mountain College in North Carolina und anschließend an die Yale University.

Purismus (Anfang, Mitte der 1920er Jahre)

Die modische Pariser Bewegung der 1920er Jahre, die von Edouard Jeanneret (besser bekannt als Le Corbusier) und Amedy Ozenfant gegründet wurde und auf den Theorien ihres 1918 erschienenen Buches Après le Cubisme (Nach dem Kubismus) beruhte. Sie lehnten die Fragmentierung des Kubismus ab und schufen figurative Kunst (vor allem Stillleben), deren Grundformen frei von Details und scheinbar rein in Farbe, Form und Design waren. Weitere Künstler, die lose mit dieser Bewegung verbunden sind, die ihren Höhepunkt auf der Internationalen Ausstellung für dekorative und industrielle Kunst 1925 in Paris hatte, sind Fernand Léger, Juan Gris und der russisch-litauische Bildhauer Jacques Lipchitz.

Präzisionismus (Kubismus-Realismus) (Anfang der 1920er Jahre)

Ein wichtiger Einfluss auf die moderne Malerei in den Vereinigten Staaten war der Precisionism, eine amerikanische Bewegung (auch kubistischer Realismus genannt), die sich auf die moderne Industrie und Stadtlandschaften konzentrierte und sich durch realistische Darstellungen von Objekten auszeichnete, die jedoch auch deren geometrische Form betonten.

Dieser idealisierte, fast romantische Stil wurde durch die Werke von Charles Demuth und Charles Sheeler veranschaulicht, während die Stadtbilder von Georgia O’Keeffe ebenfalls zum Genre des Präzisionsrealismus gehören. Siehe auch Charles Sheelers Fotografien der Ford Motor Works „River Rouge“.

Bewegung des Surrealismus (ab 1924)

Verwurzelt in der Metaphysischen Malerei von Giorgio de Chirico (1888-1978), den revolutionären Bildideen des Kubismus, der subversiven Kunst des Dada und den Ideen der Psychoanalyse von Sigmund Freud und Carl Jung, war der Surrealismus die einflussreichste Avantgarde-Kunstbewegung der Zwischenkriegsjahre. Ihr Ziel war es laut ihrem Gründervater, dem französischen Schriftsteller André Breton - in seinem Manifest des Surrealismus von 1924 -, das Unbewusste (der Teil des menschlichen Geistes, in dem Erinnerungen und Instinkte gespeichert sind) mit dem Bewusstsein zu verschmelzen, um eine neue „Superrealität“ zu schaffen - Surrealismus .

Als breite intellektuelle Bewegung umfasste der Surrealismus eine Vielzahl von Stilen, die von der Abstraktion über den Expressionismus bis hin zum vollständigen Realismus reichten und durch seltsame, halluzinatorische oder grundsätzlich „unwirkliche“ Bilder gekennzeichnet waren. Zu den führenden Künstlern des Surrealismus gehörten Salvador Dalí (1904-1989), Max Ernst (1891-1976), René Magritte (1898-1967), André Masson (1896-1987), Yves Tanguy (1900-1955), Joan Miró (1893-1983), Jean Arp (1886-1966) und Man Ray (1890-1976). Ihr direkter Einfluss zeigte sich in Deutschland im magischen Realismus von Franz Roh und dann in Großbritannien, wo der britische Surrealismus 1936 von dem Schriftsteller Herbert Read zusammen mit den Künstlern David Gascoyne, Paul Nash und Roland Penrose gegründet wurde.

Die erste internationale Surrealisten-Ausstellung wurde 1936 in London eröffnet und stieß auf großes Interesse, nicht zuletzt wegen des Auftritts des epathischen Selbstdarstellers Salvador Dalí in einem Tiefseetauchanzug. Der Surrealismus hatte einen enormen Einfluss auf Europa, und nur wenige europäische Künstler der 1930er Jahre blieben von dieser Bewegung unberührt. Sie hat bis heute einen bedeutenden Einfluss auf Kunst, Literatur und Film.

Art Deco (ca. 1925-40)

Ein beliebter und modischer Stil des dekorativen Designs und der Architektur in der Zwischenkriegszeit (sehr beliebt bei Kino- und Hotelarchitekten), Art Deco erstreckte sich auch auf Möbel, Keramik, Textilstoffe, Schmuck und Glas. Das 1925 auf der Internationalen Ausstellung für moderne dekorative und industrielle Kunst in Paris vorgestellte Art Déco war im Wesentlichen eine Reaktion auf den Jugendstil, dessen fließende, geschwungene Formen durch geometrische Formen ersetzt wurden, die vom Kubismus und Präzisionsstil inspiriert waren.

Klassische Beispiele für das Design des Art déco sind das New Yorker Chrysler Building und das Empire State Building. Das Art Déco ließ sich auch von der zeitgenössischen Bauhaus-Architektur inspirieren. Zu den bedeutenden Künstlern, die mit dem Art Déco in Verbindung gebracht werden, gehören die polnisch-russische weltliche Porträtistin Tamara de Lempicka, der Glaskünstler René Lalique und der Grafikdesigner Adolphe Mouron.

Pariser Schule (Pariser Schule)

Ein halbes Jahrhundert lang (1890-1940) blieb Paris das Zentrum der Weltkunst, das in den schillernden Werken des Impressionismus, Postimpressionismus, Fauvismus, Kubismus, Dada und Surrealismus gipfelte. Pariser Schule - ein Begriff, der von Kunsthistorikern verwendet wird, um sich auf die Gemeinschaft französischer und ausländischer Künstler zu beziehen, die in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts in der Stadt arbeiteten, und nicht auf einen streng definierten Stil, eine Schule oder Bewegung.

Aus vielen Gründen war Paris für Künstler außerordentlich attraktiv. Es war frei von politischer Repression, es war die Heimat einer Reihe einflussreicher Künstler des 20. Jahrhunderts (z.B.. Jahrhunderts (z. B. Pablo Picasso, Georges Braque, Georges Rouault, Henri Matisse, Fernand Léger, Amedeo Modigliani, Piet Mondrian, Marc Chagall, Chaim Sutin, Mikhail Larionov, Wassily Kandinsky, Constantin Brancusi und viele andere) sowie eine blühende Kunstwelt mit Galerien, Sammlern und Kritikern, die talentierte Künstler unterstützten. Die beiden führenden Künstler ) chefs d’école) waren Picasso und Matisse.

Neue Sachlichkeit (Deutschland, ca. 1925-35)

Die Neue Sachlichkeit, ein deutscher Begriff, der „Neue Sachlichkeit“ bedeutet, ist die Bezeichnung für eine Gruppe expressionistischer Maler in Deutschland in den 1920er Jahren, die aus ihrer Ausstellung Neue Sachlichkeit 1925 in Mannheim hervorging. Sie war die dritte Phase der expressionistischen Bewegung in Deutschland, nach Die Brucke („Die Brücke“) und Der Blaue Reiter („Der Blaue Reiter“). Zu den Hauptakteuren gehörten Otto Dix, Georg Grosz, Christian Schad und in geringerem Maße Georg Schrimpf und Max Beckmann. Obwohl der Kurator der Ausstellung, G.F. Hartlaub, die Gemälde der Gruppe „als neuen Realismus mit sozialistischem Einschlag“ bezeichnete, war der Stil in seiner satirischen Darstellung von Korruption und Dekadenz im Weimarer Nachkriegsdeutschland eindeutig expressionistisch.

Magischer Realismus (1925-40)

Trotz des Einflusses des Surrealismus war der magische Realismus eigentlich Teil des Trends „der Rückkehr zur Ordnung“, der in Europa nach dem Ersten Weltkrieg in den 1920er Jahren aufkam. Der Name stammt aus einem Buch des deutschen Kunsthistorikers und Kritikers Franz Roch aus dem Jahr 1925 mit dem Titel „Nach Expressionismus: Magischer Realismus „(After Expressionism: Magical Realism). Zu dieser Gruppe gehörten Giorgio de Chirico, Alberto Savinio, Alexander Kanoldt und Adolf Ziegler.

Sozialistischer Realismus (1928-1980)

Der Sozialistische Realismus war eine Form der heroischen politischen Propaganda, die der Diktator Joseph Stalin ab 1929 in Russland einsetzte, um sein Programm der beschleunigten industriellen Entwicklung zu unterstützen. Der von seiner künstlerischen Ikone Maxim Gorki auf dem sowjetischen Schriftstellerkongress 1934 offiziell proklamierte Stil oder Trend bestand darin, kühn optimistische Bilder zu schaffen, um die Errungenschaften des Sowjetstaates zu verkünden und die Arbeiter zu stachanowschen Arbeitsleistungen anzuspornen.

Das von den Künstlern des sozialistischen Realismus am häufigsten verwendete Medium war das Plakat, obwohl auch Gemälde und Skulpturen hergestellt wurden, meist in monumentalem Maßstab, die furchtlose Einzelpersonen und Menschengruppen in idealistischen und heroischen Posen darstellten.

Sozialistischer Realismus (Amerika) (1930-45)

Eine allgemeine Kategorie, die Kunstwerke beschreibt, die sich auf relativ unauffällige, auf das Alltagsleben bezogene Themen konzentrieren, im Gegensatz zu den „idealistischen“ oder romantischen Gemälden, die von Künstlern vor dem 19. Er umfasst die amerikanische Landschaftsmalerei und den Regionalismus.

Der soziale Realismus bezieht sich auf sozial orientierte Künstler der Depressionszeit wie Ben Shahn, Reginald Marsh, Moses Sawyer, Raphael Sawyer, William Gropper, Jack Levine, Jacob Lawrence und Isabel Bishop. Sie ließen sich von den Traditionen der früheren Ashcan School of New York inspirieren. Fotografen wie Dorothea Lange (1895-1965) und Walker Evans (1903-1975) trugen mit ihren Porträts von Wanderarbeitern aus der Zeit der Depression ebenfalls zu dieser Bewegung bei.

Mexikanische Wandmalereien (Muralismus) beschreibt eine nationale Kampagne zur Wandmalerei, die vom Bildungsminister José Vasconcelos Calderón (1882-1959) konzipiert wurde. Zu den an dieser Kampagne beteiligten mexikanischen Künstlern gehörten Diego Rivera, José Clemente Orozco und David Alfaro Siqueiros sowie Alfredo Martínez (1871-1946), Roberto Nervo (1885-1968) und Amado de la Cueva (1891-1926), Ramón Alva de la Canal (1892-1985), Pedro Nel Gómez (1899-1984), Rufino Tamayo (1899-1991), Fermín Revueltas Sánchez (1901-1935), Federico Heraclio Cantu Garza (1907-1989), Jorge González Camarena (1908-1980), Alfredo Zalce Torres (1908-2003) und viele andere.

Die amerikanische Landschaftsmalerei war eine Art patriotische Reaktion auf die abstrakte Avantgardekunst Europas. Die Künstler wandten sich vom europäischen Hypermodernismus ab und suchten die Wahrheit in einer spezifisch amerikanischen Bildsprache. Der Regionalismus war eine Variante der amerikanischen Landschaftsmalerei im Mittleren Westen, die sich auf die realistische, nostalgische Kulisse des ländlichen und kleinstädtischen Amerikas stützte.

Entartete Kunst (Entartete Kunst) (1933-45, Deutschland)

Der Begriff „Entartete Kunst“, der von Adolf Hitler eingeführt wurde, um entartete Kunst zu bezeichnen, drückt die Vorstellung der Nazis aus, dass jede Kunst, die nicht dem Ideal gut ausgeführter figurativer Bilder entspricht, die Heldentaten oder das bequeme tägliche Leben darstellen, das Produkt entarteter Menschen ist. Es überrascht nicht, dass die meisten modernen Kunstwerke als entartet bezeichnet wurden, was bedeutete, dass die meisten modernen Künstler in Deutschland (ab 1933) ihre Werke weder ausstellen noch verkaufen konnten.

1937 zogen die Nazis alle modernen Werke aus den deutschen Kunstmuseen aus. Einige wenige Werke wurden daraufhin in München ausgestellt, um zu zeigen, wie abstoßend sie waren, aber der Plan scheiterte, und die Ausstellung fand großen Anklang. Siehe auch Nazi-Kunst (1933-45).

Neoromantik (1935-55)

Ein Begriff, der die intensiven, poetischen, figurativen und halbabstrakten britischen Landschaftsgemälde von Paul Nash, Graham Sutherland und anderen in den späten 1930er, 1940er und 1950er Jahren bezeichnet, die eine moderne Interpretation der romantischen, visionären Werke von William Blake aus dem 18. und Samuel Palmer aus dem 19. Die frühen Werke waren im Allgemeinen düster und spiegelten die Ängste vor dem nahenden Krieg wider. Andere britische Neoromantiker waren Michael Ayrton, John Craxton, Ivon Hitchens, John Minton, John Piper, Keith Vaughan und die Kriegszeichnungen von Henry Moore. Eine weniger bekannte Gruppe, die manchmal auch als Neoromantiker bezeichnet wird, waren die Pariser Künstler Eugène Berman, Leonid Berman und Pavel Chelitchev: Sie alle waren für ihre nachdenklichen, nostalgischen Werke bekannt.

Art Brut

Art Brut ist ein von Jean Dubuffet (1901-1985) geprägter Begriff, der sich auf Kunstwerke bezieht, die von Menschen außerhalb der etablierten Kunstwelt geschaffen wurden, z. B. von Einzelkünstlern, psychisch Gestörten, Geisteskranken und allen möglichen Vorstadtbewohnern - in der Regel nicht zu Ausstellungszwecken oder zur Gewinnerzielung. Im Englischen wird manchmal der Begriff „Outsider Art“ („Outsider Art“, ein 1972 von Roger Cardinal geprägter Ausdruck) verwendet, um diese Art von Werken zu beschreiben. Nach Dubuffet hat diese Art von kulturell losgelöster Kunst eine einzigartige Originalität, die nicht durch die Erziehung unterdrückt wird. Dubuffets Art-Brut-Sammlung mit über 5.000 Objekten wurde 1972 der Stadt Lausanne geschenkt und 1976 der Öffentlichkeit zugänglich gemacht.

Biomorphe und organische Abstraktion (1930er und 1940er Jahre)

Biomorphe/Organische Abstraktion beschreibt einen Kunststil, der abgerundete abstrakte Formen aus der Natur verwendet. Es handelt sich nicht um eine Bewegung an sich, sondern um einen Kunststil, der sich in den Werken vieler verschiedener Künstler wie Wassily Kandinsky, Constantin Brancusi, Jean Arp, Joan Miró und Yves Tanguy sowie der britischen Bildhauer Barbara Hepworth und Henry Moore manifestiert hat. Siehe auch: Moderne britische Bildhauerei 1930-70

Die Anziehungskraft der organischen Abstraktion übertrug sich auf die Abstrakten Expressionisten und Legionen von amerikanischen und europäischen Möbeldesignern, darunter Charles Eames (1907-1978), seine Frau Ray Eames (1912-1988), Isama Noguchi (1904-1988) und der Finne Eero Saarinen (1910-1961). Dieser Stil hat über die 1950er Jahre hinaus überlebt und findet sich in den Werken zeitgenössischer 3-D-Künstler wie den Designern Ron Arad, Werner Panton und Oscar Tuskets sowie den Bildhauern Linda Benglis, Richard Deacon, Anish Kapoor, Ursula von Rydingsvard und Bill Woodrow wieder.

St. Ives School (1939-1975)

Die St Ives School war eine britische Künstlerkolonie mit Sitz in der kornischen Fischerstadt St Ives. Sie wurde mit dem abstrakten Maler Ben Nicholson und seiner Frau, der großen Bildhauerin Barbara Hepworth, in Verbindung gebracht, die sich 1939 in der Nähe der Stadt niederließen und kurz darauf (bis 1946) von dem russischen konstruktivistischen Bildhauer Naum Gabo unterstützt wurden.

Ein weiterer bedeutender Künstler, der ab 1923 in St. Ives lebte, als er zusammen mit dem Keramiker Shoji Hamada ein Töpferatelier einrichtete, war der britische Keramikkünstler Bernard Howell Leach. Nach 1945, als weitere Künstler nach St. Ives kamen, wurde die Stadt zu einem Zentrum für moderne und abstrakte Kunst, die sich zu einem großen Teil auf die lokale Landschaft bezog.

Zu den wichtigsten Vertretern der Schule gehörten Wilhelmina Barnes-Graham, Paul Feiler, Terry Frost, Patrick Heron, Roger Hilton, Peter Lanyon, Carl Weschke und Brian Winter. 1993 wurde am Strand von Porthmeor die eigens dafür errichtete Tate St Ives Art Gallery eröffnet, in der die Kunstsammlung der St Ives School ausgestellt wird. In der Nähe befindet sich auch das Barbara Hepworth Museum and Sculpture Garden, das 1980 gegründet wurde.

Existenzielle Kunst (späte 1940er, 1950er Jahre)

Der Existentialismus ist eine populäre Philosophie, die sich in den 1940er und 1950er Jahren um die Schriften der Franzosen Jean-Paul Sartre und Albert Camus entwickelte. Sie hatte einen bedeutenden Einfluss auf die bildende Kunst, wo ihre Themen der Entfremdung und der Irritation angesichts der menschlichen Situation auch in den Werken des amerikanischen Abstrakten Expressionismus und des Informel sowie in den Werken der COBRA-Gruppe, der französischen Homme-Temoin-Gruppe, der britischen Kitchen Sink Art Group und der amerikanischen Beatles zu finden sind, die alle gelegentlich als existenziell bezeichnet wurden.

Das gilt auch für viele einzelne Maler und Bildhauer: die französischen Maler Jean Fautrier, Germain Richier und Francis Gruber, der Schweizer Bildhauer Alberto Giacometti sowie Francis Bacon und Lucian Freud. Für eine spätere Künstlerin, deren Werk untrennbar mit der existentiellen „Absurdität“ des Lebens verbunden ist, siehe die zeitgenössische Bildhauerin Eva Hesse (1936-1970).

Bewegung des Abstrakten Expressionismus (ca. 1947-65)

Der Abstrakte Expressionismus war eine wichtige Bewegung in der amerikanischen Kunst der späten 1940er und 1950er Jahre, die eine Reihe verschiedener Stile umfasste. Da sie hauptsächlich von New Yorker Künstlern ausging, wird sie manchmal auch als New York School bezeichnet. Wie der Name schon andeutet, war der allgemeine Stil abstrakt, aber anstatt der geometrischen Sprache des Kubismus zu folgen, folgte er einer expressiven oder emotionalen Richtung. Zu den wichtigsten zusammengesetzten Stilen gehören: Animated Total Painting (entwickelt von Jackson Pollock, Lee Krasner); Gesture Painting (entwickelt von Willem de Kooning); Colour Field Painting (praktiziert von Mark Rothko, Barnett Newman, Clyfford Still), und „Hard Edge Painting „(erfunden von Frank Stella), von denen die meisten in monumentalem Maßstab ausgeführt wurden. Einen weiteren wichtigen Beitrag leistete der ehemalige Bauhaus-Künstler Josef Albers mit seiner Serie „Honouring the Square“.

Art Informel (1950er Jahre)

Der französische Begriff Art Informel, der Kunst ohne Form bedeutet, war das europäische Äquivalent der Malerei des Abstrakten Expressionismus, der die Kunstwelt von etwa 1946 bis in die späten 1950er Jahre dominierte. Der Begriff wurde von dem französischen Bildhauer und Schriftsteller Michel Tapie in seinem 1952 erschienenen Buch „Un Art Autre“ geprägt und war eines von mehreren „Schlagwörtern“, die von Kritikern verwendet wurden (ein weiteres war „Lyrische Abstraktion“), um den formlosen abstrakten expressionistischen Stil zu definieren, der in dieser Zeit sowohl in Amerika als auch in Europa aufkam.

Die thematischen Werke unterschieden sich bis zu einem gewissen Grad im Stil, zeichneten sich jedoch in der Regel durch das Fehlen einer kompositorischen Struktur aus und stellten (zumindest nach Ansicht von Tapie) einen grundlegenden Bruch mit der künstlerischen Tradition dar. Zu den führenden Künstlern des Art Informel gehören Maria Elena Vieira da Silva, Jean Fautrier, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze), Nicolas de Staël und andere.

Tachismus (1950er Jahre)

Der Begriff Tachismus, abgeleitet von dem französischen Wort „tache“, das „Fleck“ bedeutet, beschreibt eine Art der abstrakten Malerei, die in den späten 1940er und 1950er Jahren populär war und durch die Verwendung von unregelmäßigen Strichen oder Farbflecken gekennzeichnet ist. Populär gemacht durch Michel Tapie „Andere Kunst“, Tachisme entwickelte sich zunächst unabhängig von der amerikanischen Bewegung des Abstrakten Expressionismus und blieb ein weitgehend französisches Phänomen, obwohl es gewöhnlich als Oberbegriff für den europäischen Abstrakten Expressionismus verwendet wird.

Zu den Vertretern gehörten Karel Appel (1921-2006), Jean Fautrier, Georges Mathieu und der in Deutschland geborene, aber in Paris lebende Künstler Alfred Otto Wolfgang Schulze, bekannt als WOLS. In Australien wurde der Tachismus von der Sydney School übernommen. Für weitere Informationen siehe: Australische moderne Malerei (1900-1960).

Es ist etwas verwirrend, dass der Begriff Tachismus in den 1880er Jahren von dem Kritiker Felix Feneon verwendet wurde, um die Maltechniken der Impressionisten zu beschreiben, und in den 1900er Jahren von dem Maler Maurice Denis, um auf die italienischen Maler Macchiaioli und die Pariser Maler Fauvet zu verweisen.

Arte Nucleare (1951-60)

Die italienische Nuklearkunstbewegung, die 1951 vom italienischen Künstler Enrico Bagge ins Leben gerufen wurde, war eine politisch bewusste Kunstbewegung, die Gemälde und Collagen „für das Atomzeitalter“ schuf. Bajaj vermied geometrisch abstrakte Werke zugunsten der für das Informel charakteristischen fließenden Formen. Das Werk von Budge enthielt Bilder, die an Atompilze und zerstörte Stadtlandschaften erinnerten. Weitere Mitglieder der Bewegung waren die Künstler Sergio Dangelo, Gianni Bertini und Gianni Dova. Es gab mehrere Arte Nucleare-Ausstellungen in ganz Italien, aber gegen Ende des Jahrzehnts war die Bewegung wieder erloschen.

Assemblage (ab 1953)

Der Begriff Die Kunst der Assemblage wurde erstmals 1953 von Jean Dubuffet eingeführt, um eine Art von Werken zu bezeichnen, die aus Fragmenten natürlicher, vorgeformter oder „gefundener“ Gegenstände wie Hausmüll, städtischem Abfall, ausgestopften Tieren - in der Tat aus jedem (gewöhnlich erkennbaren) Material, groß oder klein, geschaffen werden. In der Regel werden die Objekte aufgrund ihrer visuellen (skulpturalen) Qualitäten und ihrer expressiven Eigenschaften ausgewählt und kombiniert. Obwohl die Assemblage gemeinhin als das dreidimensionale Gegenstück zur Collage angesehen wird, umfasst sie in Wirklichkeit sowohl zweidimensionale Collagen und Fotomontagen als auch dreidimensionale Skulpturen und ganze Räume.

Weit verbreitet wurde diese Kunstform nach der Ausstellung „The Art of the Assemblage“ im Museum of Modern Art in New York (1961), wo eines der ungewöhnlichsten Werke von Cesar Baldaccini (1921-1998) aus zusammengepressten Autos bestand. Ein Meister des Genres war der New Yorker Künstler Robert Rauschenberg, der mit seinen bahnbrechenden Assemblagen in den 1950er und 1960er Jahren wesentlich zur Entwicklung des Genres beitrug.

Neo-Dada (1953-65)

Neo-Dada-Kunst war ein Begriff, der fast gleichbedeutend mit der frühen amerikanischen Pop Art war, insbesondere mit den Collagen und Assemblagen von Robert Rauschenberg und Jasper Johns im New York der späten 1950er Jahre. Auch die Pop Art teilte den subversiven Ansatz von Dada, indem sie die ästhetische Bedeutung von unbedeutenden Objekten und Bildern absichtlich aufblähte, was viele „ernsthafte“ Kritiker und Kuratoren verwirrte. Andy Warhols „Factory“ Produktionsmethoden sowie seine ikonoklastische Demonstrativität und Berühmtheit erinnerten an die Eskapaden und Schocktaktiken des Dadaisten Marcel Duchamp 40 Jahre zuvor. Eine weitere Bewegung, die eng mit dem Dadaismus verbunden ist, ist Fluxus, die von George Maciunas gegründet wurde und in den frühen 1960er Jahren in Deutschland und New York entstand.

Spülküchenkunst (1954-57)

Ein von dem Kritiker David Sylvester geprägter Begriff, der zum ersten Mal in der Dezemberausgabe von Encounter auftauchte, um das Werk von vier britischen Künstlern (John Bratby, Derrick Greaves, Edward Middleditch und Jack Smith) zu beschreiben, die als Beaux Arts Quartett bekannt sind. Er verwies auf die alltäglichen Gegenstände (Möbel, Babywindeln, Küchenutensilien, Toiletten) dieses Quartetts, das mit seiner Feier des Banalen im Leben der einfachen Leute versuchte, die Kunst relevanter und zugänglicher zu machen und gleichzeitig einen klaren sozialen Kommentar abzugeben. Die „Kitchen Sink“ Bewegung erreichte 1956 ihren Höhepunkt, als die Mitglieder des Beaux Arts Quartetts als britische Vertreter auf der Biennale von Venedig ausgewählt wurden.

Pop Art (1958-70)

Der Begriff Pop Art beschreibt einen Kunststil - der gleichzeitig in Amerika und Großbritannien entstand -, der seine Inspiration, seine kreativen Techniken und seine Philosophie aus der Populär- und Kommerzkultur bezog. Diese populistischen oder konsumorientierten Quellen umfassten Kino, Werbung, Produktverpackungen, Popmusik und Comics.

Die britische Bewegung unterschied sich von ihrem amerikanischen Pendant dadurch, dass sie weniger schrill, mehr romantisch und nostalgisch war. Eine kontinentale Version der Pop Art, der Nouveau Réalisme („New Realisme“), tauchte ebenfalls auf, obwohl sie enger mit der Anti-Kunst-Bewegung des Dadaismus verbunden war. Die Pop Art entstand Mitte der 1950er Jahre und erreichte Mitte der 1960er Jahre unter dem Einfluss von Andy Warhol und anderen ihren Höhepunkt.

Inspiriert von den bahnbrechenden Arbeiten von Robert Rauschenberg und Jasper Johns in Amerika, war die Pop Art auch mit Bewegungen des frühen 20. Jahrhunderts wie dem Surrealismus verbunden. Jahrhunderts wie dem Surrealismus. Sie war teilweise eine Revolte gegen den geschlossenen künstlerischen Purismus des Abstrakten Expressionismus, von dem sich die Pop-Art-Künstler durch die Verwendung einfacher, leicht erkennbarer Bilder und moderner Drucktechniken wie dem Siebdruck zu distanzieren versuchten.

Zu den bedeutenden Künstlern der Pop Art in den Vereinigten Staaten gehören: Jim Dine (*1935), Robert Indiana (alias John Clark) (*1928), Jasper Johns (*1930), Alex Katz (*1927), Roy Lichtenstein (1923-1997), Claes Oldenburg (*1929), Edward Ruscha (*1937), Robert Rauschenberg (1925-2008), James Rosenquist (*1933), Andy Warhol (1928-1987) und Tom Wesselman (*1931). Zu den bemerkenswerten britischen Pop-Künstlern gehören Peter Blake (geb. 1932), Patrick Caulfield (1936-2006), Richard Hamilton (geb. 1922), David Hockney (geb. 1937), Allen Jones (geb. 1937), R.B. Kitaj (geb. 1932) und Sir Eduardo Paolozzi (1924-2005). Siehe auch unseren Führer zu Andy Warhols Pop Art der sechziger und siebziger Jahre.

Op Art (Optische Kunst) (1965-70)

Die Op Art , eine Weiterentwicklung der Hard-Edge-Malerei, war eine Art objektlose Kunst, die schwarz-weiße geometrische Muster verwendete, um verschiedene optische Effekte auf die physiologische und psychologische Wahrnehmung des Betrachters zu erzeugen. Da sie die Illusion von Bewegung erzeugte, ist dieser Stil am besten als Teil der umfassenderen Bewegung Kinetische Kunst zu sehen.

Indem sie die Augen auf diese Weise bombardieren, lassen die Gemälde sie zum Beispiel „Farben oder Formen sehen, die nicht wirklich vorhanden sind, oder sie verwechseln den Hintergrund mit dem Vordergrund und so weiter. Trotz ihrer seltsamen und manchmal verstörenden Wirkungen steht die optische Kunst in vollem Einklang mit dem traditionellen Kanon der bildenden Kunst. Es sei daran erinnert, dass die gesamte traditionelle Malerei auf der „Illusion“ von Tiefe und Perspektive beruht. Die Op-Art erweitert lediglich den illusorischen Charakter der Kunst, indem sie in die Regeln der optischen Wahrnehmung eingreift.

Zu den bedeutenden Künstlern der abstrakten Op-Art gehören Bridget Riley, Victor Vasarely, Richard Anuszkiewicz, François Morellet und Jesús-Rafael Soto. Die Werkreihe „Hommage an das Quadrat“ von Josef Albers ist ebenfalls eine Form der Op-Art, ebenso wie die illusionistischen Zeichnungen von M.C. Escher. Siehe auch Moderne Malerei in Großbritannien (1960-2000).

Neuer Realismus (1960er Jahre)

Fluxus trifft Dada trifft Konzeptualismus, Nouveau Realisme war eine französische Avantgarde-Bewegung, die 1960 von Yves Klein gegründet wurde und deren Manifest, „die Gründungserklärung des Neuen Realismus“, als Ziel „die Schaffung neuer Wahrnehmungsweisen des Realen“ nannte. Zu den Begründern der Bewegung gehören Pierre Restany, Yves Klein, Martial Reiss, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, François Dufresne, Raymond Heyns und Jacques de la Villegle.

Später schlossen sich Mimmo Rotella, Niki de Saint Phalle und Gérard Deschamps der Gruppe an. Nach dem Tod von Yves Klein 1962, der persönlich den Namen „realisme d’aujourd’hui“ ) realisme d’aujourd’hui) bevorzugte, verlor die Gruppe an Stärke. Mehr zum Nouveau Realisme und seinem Begründer siehe auch: Die postmoderne Kunst von Yves Klein (1956-62).

Die Werke des Neuen Realismus sind häufig durch Collage, Decollage und Assemblage unter Verwendung realer Gegenstände gekennzeichnet. Der Neue Realismus zeigt somit seine Verbindungen zu Dada im Allgemeinen und zu den Readymades von Marcel Duchamp im Besonderen. Ein weiterer wichtiger Einfluss war die amerikanische Pop Art, die sich durch die Verwendung von kommerziellen Massenprodukten und Ikonographie auszeichnete. Insgesamt lässt sich sagen, dass sich die Nouveau Riche von der Abstraktion und dem Emotionalismus abwandten und sich für einen kühleren Ansatz und die Rückkehr der Figur entschieden.

Post-malerische Abstraktion (Anfang, Mitte der 1960er Jahre)

Post-Painterly Abstraction ist ein vom Kunstkritiker Clement Greenberg geprägter Begriff (der Titel einer Ausstellung, die er 1964 für das Los Angeles County Museum of Art kuratierte), um eine ruhigere, zurückhaltendere Art des abstrakten Expressionismus der 1960er Jahre zu beschreiben. Im Wesentlichen beschreibt der Begriff die Ablösung der Pinselgestik durch eine neue, auf breiten, unmodulierten Farbflächen basierende Ausdrucksweise. Zu den namhaften Vertretern des postmalerischen Abstraktionismus der 1960er Jahre gehören: Helen Frankenthaler, Al Held, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Kenneth Noland, Jules Olitski und Frank Stella. Der Begriff (und der Stil) wurde allmählich durch die neue Schule des Minimalismus ersetzt und abgelöst.