Wie man Gemälde schätzt Automatische übersetzen

Die Malerei ist eine schöne Kunst, was bedeutet, dass die großartigsten Gemälde in der Regel die größte visuelle Wirkung haben, und die beliebtesten Bereiche der Malerei sind in der Regel diejenigen, die für das Auge am einfachsten sind. Dies bedeutet jedoch nicht, dass Malerei trivial oder oberflächlich ist; im Gegenteil, viele Gemälde können äußerst komplex sein. Diese Komplexität ist auf die künstlerischen Techniken zurückzuführen, die in der Malerei verwendet werden ) colourito) und/oder auf ihren erzählerischen Inhalt und ihre Botschaft ) disegno).

Die verwendeten malerischen Techniken können sehr unterschiedlich sein. Jan van Eyck war berühmt für seine virtuose Technik der Ölmalerei, mit der er einen charakteristischen Glanz erzielte; Mantegna und Tiepolo - Verkürzung ; Leonardo - sfumato ; Michelangelo - Freskotechnik, anatomisches Können und männliche Akte; Tizian, Veronese, Matisse und Jawlensky für den Kolorismus; Caravaggio für den Tenebrismus; Rembrandt für chiaroscuro ; Mazaccio, Raffael und Canaletto für die lineare Perspektive; Degas für Pastellzeichnungen; Georges Seurat und Paul Signac für den Pointillismus; Frank Auerbach für impasto . Alle diese Techniken und viele andere sind wichtige Elemente, die zur Steigerung der Komplexität und Tiefe eines Gemäldes eingesetzt werden können. Um ein Gemälde zu würdigen, ist es daher notwendig, das Vorhandensein dieser Elemente und ihren Einfluss zu analysieren.

Die Farbe ist seit jeher ein wichtiges Element, dessen Verwendung oft bestimmten Regeln gehorchte. So verwendeten die ägyptischen Künstler beispielsweise nur sechs Farben: Rot, Grün, Blau, Gelb, Weiß und Schwarz. Rot war die Farbe der Kraft und der Macht. Grün symbolisierte neues Leben und Fruchtbarkeit. Blau symbolisierte die Wiedergeburt und Gelb stand für das Ewige, wie die Eigenschaften der Sonne und des Goldes. Weiß stand für Reinheit und Schwarz für den Tod.

Die Körper von Männern wurden immer in dunkleren Farben bemalt als die Körper von Frauen. Das Verständnis dieser Farbregeln ist für das Verständnis der ägyptischen Malerei sehr wichtig. Die byzantinischen Ikonenmaler folgten bei der Verwendung von Farben ähnlichen Regeln. Blau war für das menschliche Leben reserviert, Weiß für die Auferstehung und Verwandlung Christi. Betrachtet man die Ikonen von Christus und der Jungfrau Maria, so stellt man fest, dass Jesus in der Regel ein rotes Untergewand mit einem blauen Obergewand trägt (Gott wird Mensch) und Maria ein blaues Untergewand mit einem roten Obergewand (sie beginnt als Mensch, nähert sich aber Gott an).

Nach der Renaissance stellten die entstehenden europäischen Kunstakademien Regeln auf, die die Verwendung leuchtender Farben einschränkten, es sei denn, sie waren kontextuell angemessen. Darüber kam es zu mehreren Streitigkeiten zwischen Koloristen wie Rubens (und später Delacroix) und Poussin (und später Engrah). Erst mit dem Aufkommen der französischen Impressionisten und Fauvisten begann man, die Farbe als eigenständiges Element frei zu verwenden. Natürlich hatte die Entwicklung neuer Farbpigmente von Zeit zu Zeit einen erheblichen Einfluss auf die den Künstlern zur Verfügung stehende Tonpalette. So sahen die Farben auf einer Renaissance-Palette ganz anders aus als auf einer Palette des neunzehnten Jahrhunderts.

Der erzählerische Inhalt eines Gemäldes umfasst mindestens vier grundlegende Arten von Inhalten:
❶ Die Hauptaussage.
❷ Unterstützende Botschaften.
❸ Symbolik.
❹ Verweise und Analogien. Alle diese Elemente müssen interpretiert und analysiert werden, bevor wir das Bild wirklich schätzen können.

„Der Garten der Lüste“ (1500-05) von Hieronymus Bosch, eines der größten Gemälde der Renaissance, kann zur Veranschaulichung dieser Elemente der Erzählung dienen.
❶ Der Grundgedanke des Triptychons ist, dass die Menschheit von Natur aus sündig ist und dem Wort Gottes folgen muss, um Höllenfeuer und Verdammnis zu vermeiden.
❷ Zu den unterstützenden Ideen gehören:
* Sich selbst überlassen, erliegen Männer und Frauen den Versuchungen des Fleisches (illustriert durch die gesamte Mitteltafel des Triptychons).
* Das Vergnügen ist so zerbrechlich wie Glas (Illustration - ein Liebespaar in einer Glasblase).
* Vielfraße, eitle Menschen und andere Todsünder werden in der Zukunft bestraft werden (Abbildung auf der rechten Tafel).
❸ Bosch verwendet im gesamten Werk Symbolik. In „Garten Eden“ (linke Tafel) symbolisiert eine langnasige Figur, die ein Buch liest, das Böse. In „Der Garten der Lüste“ (mittlere Tafel) ist die Frucht ein Symbol für die körperliche Versuchung, so dass das Pflücken der Frucht eine Metapher für die Versuchung ist, und die Schale, die die Liebenden so sehr erfreut, symbolisiert die Wertlosigkeit.
❹ Verweise gibt es viele. In „Hölle“ stellt er beispielsweise einen Mann dar, in dessen hohlem Rumpf sich eine Art höllische Taverne befindet, die von ruhenden „Teufeln“ besucht wird. Zwei riesige Ohren werden von einem Pfeil durchbohrt und von einer Messerklinge abgeschnitten. Dieser Gegenstand symbolisiert die Taubheit des Menschen gegenüber der Ermahnung aus dem Neuen Testament: "Wer Ohren hat, der höre."

Für weitere Überlegungen und Empfehlungen zur Lektüre der Gemälde siehe: Kunstverständnis: Wie man Kunst versteht .

Hieratische Malstile wie die byzantinische Kunst (ca. 500-1430) - insbesondere ihre Ikonen -, die westliche Gotik (ca. 1150-1375) und ihre höchste Ausprägung, die internationale Gotik (ca. 1375-1450), waren im Allgemeinen mit erzählerischer Symbolik gefüllt. Da die meisten dieser Stile jedoch mit der christlichen Kunst verbunden waren, unterlag die verwendete Symbolik strengen Konventionen, was ihre Entschlüsselung wesentlich erleichterte.

Die Altargemälde der Renaissance (1400-1600) waren ebenso wie die phantastischen Bilder von niederländischen Künstlern wie Hieronymus Bosch und Pieter Bruegel dem Älteren oft schwieriger zu interpretieren. Die Hochrenaissance mit ihren öffentlichen Werken von Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo (1475-1564) und Raffael (1483-1520) war vielleicht der Höhepunkt einer solchen Ästhetik.

Im Vergleich dazu war die barocke Malerei (im Großen und Ganzen) weniger anspruchsvoll, da sie weitgehend darauf ausgerichtet war, die Ideen der katholischen Gegenreformation zu vermitteln, um den Reiz des Protestantismus zu überwinden. Die besten Barockwerke waren Deckenfresken mit Trompe-l’oeil und großformatige religiöse Werke. Die große Ausnahme bildete der niederländische Barock, insbesondere die realistische Schule, deren Stillleben mit rätselhaften Bildern gefüllt war.

Für Biografien von professionellen Kritikern wie John Ruskin und anderen, siehe: Kunstkritik: Kritik der schönen Künste (1750-heute).

Niederländischer Realismus (ca. 1630-90): Schwierig zu sehende Gemälde

Während des Zeitraums (1600-90) entstanden in den protestantischen niederländischen Provinzen, darunter Amsterdam, Haarlem, Dordrecht, Leiden, Delft und Utrecht, mehrere außergewöhnliche Schulen des niederländischen Realismus. Dieser Aufschwung der niederländischen Malerei im siebzehnten Jahrhundert war zum Teil auf den wachsenden wirtschaftlichen Wohlstand der flämischen und niederländischen Häfen und das Aufkommen eines neuen Typs von Käufern niederländischer Kunst zurückzuführen: des Handelskaufmanns. Wie dem auch sei, die niederländische realistische Bewegung brachte einige der großartigsten Genrebilder sowie einige der sorgfältigsten und komplexesten Stillleben hervor, von denen viele äußerst schwierig zu analysieren und zu interpretieren sind.

Zu den Beispielen gehören die folgenden Werke der niederländischen realistischen Maler: Das Mädchen mit dem roten Hut (1665-6), Die Werkstatt des Künstlers (1665-6) und Der Brief (1668) von Jan Vermeer; Die Nachtwache (1642), Bathsheba (1654) und Das Syndikat der Tuchmacherzunft (De Staalmeesters) (1662) von Rembrandt; Stilleben mit einer chinesischen Porzellankanne (1662) und Stilleben mit einer Nautilus-Tasse (1662) von Willem Kalf; Tisch mit Desserts (1640) und Festoon of Fruit and Flowers (ca. 1660) von Jan Davidson. 1660) von Jan Davids de Heem; Blick in einen Korridor (1662) von Samuel van Hoogstraten und viele andere.

Der Niedergang der religiösen Malerei (ab 1700)

In den letzten Jahren des Barock erlebte die religiöse Kunst erstmals einen bedeutenden Niedergang, der auf den Rückgang der Zahl der kirchlichen Mäzene zurückzuführen war. An ihre Stelle trat eine neue Klasse von individuellen, oft weltlichen Mäzenen. Außerdem suchten diese neuen Käufer, die im Allgemeinen den aufstrebenden Berufs- und Mittelschichten angehörten, eine neue Art von Kunst.

Anstelle von großformatigen Werken, die für große öffentliche Gebäude (Kirchen, Institute usw.) bestimmt waren, wollten sie kleine, tragbare Staffeleibilder, die sie in ihren Wohnungen aufhängen konnten. Darüber hinaus waren diese bürgerlichen Käufer, von wenigen Ausnahmen abgesehen, nicht an komplexen religiösen Gemälden wie beispielsweise „Das letzte Abendmahl“ von Leonardo (1495-1498) oder allegorischen Werken wie „Primavera“ von Botticelli (1478) interessiert. Stattdessen wollten sie Porträts, Landschaften oder Genrebilder, die ihren Reichtum, ihren Status und ihre weltliche Macht demonstrierten.

Mit anderen Worten: Von diesem Zeitpunkt an (um 1700) war ein zunehmender Anteil der bildenden Kunst relativ materialistisch (mit weniger arkanen Bezügen) und daher leichter zu analysieren und zu interpretieren.

Interpretation der verschiedenen Arten von Malerei (ab 1700)

Unter dem Gesichtspunkt der Analyse und Interpretation lässt sich die Malerei ab 1700 am besten in Typen (Gattungen) einteilen. Die wichtigsten Typen sind:
❶ Historienmalerei .
❷ Porträtkunst - Einzel-, Gruppen- oder Selbstporträts.
❸ Genremalerei (Darstellungen beliebiger Alltagsszenen, Szenen aus dem Leben der Menschen).
❹ Landschaftsmalerei .
❺ Stilleben .

Historienmalerei: Am schwierigsten zu erkennen und zu interpretieren

Diese Kategorie umfasst alle „erzählenden Werke“, wie mythologische Gemälde, sowie historische und religiöse Gemälde. Diese Gemälde sind im Allgemeinen am schwierigsten zu interpretieren, da sie eine inspirierende oder philosophische Botschaft vermitteln sollen. Seit 1700 sind jedoch sowohl ihre Beliebtheit als auch ihre Anzahl erheblich zurückgegangen.

Beispiele hierfür sind: Der Tod von Marat (1793) von Jacques-Louis David, Der dritte Mai 1808 von Francisco Goya, Orpheus (1865) von Gustave Moreau, Der Morgen der Hinrichtung des Strelzys (1881) von Wassili Surikow, „Prozession des Kreuzes in der Provinz Kursk“ (1883) von Ilya Repin, „Lady of Shalott“ (1888) von John William Waterhouse, „Yellow Christ“ (1889) von Paul Gauguin, „Guernica“ (1937) von Pablo Picasso.

Porträtmalerei: Leicht zu bewerten und zu analysieren

Diese Kategorie ist weniger komplex und relativ leicht zu analysieren. Für Adlige, Herren und wohlhabende Leute in der Zeit von etwa 1700 bis 1900 hatte das Porträt die gleiche Funktion wie die moderne Fotografie, nur dass der Künstler das Bild manipulieren konnte, um Aussehen, Status und Macht zu optimieren.

Spätere Porträts sind in der Regel ausdrucksstärker und daher interessanter zu interpretieren. Zeitgenössische Beispiele sind: „Anordnung in Grau und Schwarz: Porträt der Mutter des Künstlers“ (1871) von James Whistler, Porträt von Madame X (1883-4) von John Singer Sargent, Porträt von Isaac Levitan (1893) von Valentin Serov, Porträt der Journalistin Sylvia von Harden (1926) von Otto Dix, Porträt von Dora Maar (1942) von Pablo Picasso, Marilyn (1967) von Andy Warhol, Mr und Mrs Clark (1970) von David Hockney. [Примечание: мощный портрет Уинстона Черчилля, написанный Грэмом Сазерлендом, был признан семьёй Черчилля неприемлемым и уничтожен].

Genremalerei: Manchmal schwierig zu lesen und zu schätzen

Diese Kategorie der Malerei ist in der Regel am einfachsten zu analysieren, wenn sich der Künstler auf die Sozialgeschichte des Themas konzentriert. Werke wie Derby Day (1856-8) von William Powell Frith, Man with a Hoe (1862) von Jean-François Millet, Third Class Carriage (1864.) von Honoré Daumier, Kähne auf der Wolga (1870-3) von Ilja Repin, Pariser Straße an einem Regentag (1877) von Gustave Caillebotte, Mittagessen in einem Boot (1881) von Pierre Auguste Renoir, Caféterrasse bei Nacht (1888) Van Gogh, „Im Moulin Rouge“ (1890) Toulouse-Lautrec, „Landgasthof, Brannenburg, Bayern“ (1894) Max Liebermann, „Von der Mühle kommend“ (1930) L. S. Lowry.

Wenn ein Künstler jedoch ein Genrebild als Mittel zum Ausdruck einer philosophischen Idee verwendet, kann seine Interpretation problematischer sein. Viele der urbanen Genrebilder von Edward Hopper fallen in diese Kategorie, insbesondere „Night Hawks“ (1942); ein weiterer Genremaler, dessen Bilder schwer zu lesen sind, ist der polnische Maler Balthus (Balthazar Klossowski de Rola). Zu den schwer lesbaren Genrebildern gehören: „Jungfrauen von Avignon“ (1907) von Picasso, „Szene in einer Berliner Straße“ (1913) von Ernst Ludwig Kirchner, „Ennui“ (1914) von Walter Siekert, Zuhälter mit Prostituierten (1922) von Otto Dix, American Gothic (1930) von Grant Wood, Christina’s World (1948) von Andrew Wyeth, The Bigger Splash (1967) von David Hockney. Für einige großartige moderne Genrebilder siehe Analyse der modernen Malerei (1800-2000).

Landschaftsmalerei: Gewöhnlich leicht zu erkennen und zu interpretieren

Zwischen 1700 und 1800 waren die meisten in Auftrag gegebenen Landschaftsgemälde topografisch und wurden von Grundbesitzern finanziert, die eine bildliche Beschreibung ihres Besitzes wünschten: eine Art Porträt des Landes, z. B. „Mr. und Mrs. Andrews“ (1750) von Thomas Gainsborough. Diese Art von Landschaft ist oft völlig langweilig und bedarf keiner Interpretation.

Im späten achtzehnten Jahrhundert führte die Romantik zu einem Aufschwung des Naturalismus, da die Künstler in die Natur hinausfuhren, um sie zu erfassen. In den 1840er Jahren wurde diese Art der Pleinairmalerei durch die Erfindung der zusammenklappbaren Metalltube vereinfacht. Zu dieser Kategorie gehören Vertreter des Impressionismus wie Claude Monet, Alfred Sisley, Camille Pissarro und andere sowie die großen russischen Landschaftsmaler des 19. Jahrhunderts, Iwan Schischkin und Isaak Lewitan. Jahrhunderts, Iwan Schischkin und Isaak Lewitan. Ihre Gemälde haben viele zu analysierende bildliche Merkmale, aber wenig eigenständige „Bedeutung“, so dass sie in der Regel leicht zu lesen sind.

Die Gemälde mit philosophischer Bedeutung schließlich gehören zur Landschaft. Sie erfordern eine tiefere Interpretation. Beispiele sind: „Hannibal und seine Armee bei der Überquerung der Alpen“ (1812) J. M. M. Griffiths und seine Armee bei der Überquerung der Alpen. М. Turner, „The Last of the Mohicans“ (Serie) (1826) von Thomas Cole, „A Man and a Woman Look at the Moon“ (1830-5) von Caspar David Friedrich, „The Great Day of His Wrath“ (1853) von John Martin, Insel der Toten (1880) von Arnold Bocklin, Der Weg nach Wladimir (1892) von Isaac Lewitan, Weizenfeld mit Krähen (1890) von Van Gogh und Nigredo (1984) von Anselm Kiefer.

Stillleben: Schwierig zu interpretieren und zu schätzen

Diese Gemälde mögen zu statisch erscheinen, aber viele von ihnen sind voller Symbolik, die an Traditionen anknüpft, die bereits im siebzehnten Jahrhundert entstanden sind. Jahrhundert entstanden sind. Daher können Stillleben außerordentlich schwierig zu interpretieren sein. Prominente zeitgenössische Stilllebenmaler sind Paul Cézanne ) Stillleben mit plastischem Amor, 1895), Georges Braque ) Stillleben auf einem Tisch, 1914) und der italienische Künstler Giorgio Morandi ) Stillleben, 1960).

Wie man abstrakte Malerei versteht

Die Grundannahme der abstrakten Kunst ist, dass die formalen Qualitäten eines Gemäldes ebenso wichtig sind wie seine gegenständlichen Qualitäten. Ein Beispiel: Ein Gemälde kann eine sehr schlechte Zeichnung des Kopfes einer Frau enthalten, aber wenn (sagen wir) ihre Farben schön sind, können wir sie trotzdem als schön betrachten. Dies verdeutlicht, wie die formale Qualität (Farbe) die gegenständliche Qualität (Zeichnung) überlagern kann. Umgekehrt kann ein fotorealistisches Porträt der gleichen Frau zwar ihr Gesicht genau wiedergeben, aber eine hyperrealistische Farbgebung und Gesamtkomposition können das Bild leblos und langweilig machen. Vergleichen Sie z. B. die unterschiedlichen Porträtansätze von Lucian Freud und Alexej von Jawlensky.

Die abstrakte Malerei ist also eine Form, und um sie zu interpretieren, muss man ihre formalen Qualitäten untersuchen: Formen, Farben, Texturen und ihre Beziehungen. Sind die verwendeten Formen naturalistisch (Jean Arp, Joan Miró), geometrisch (Piet Mondrian) oder monumental (Sean Scully)? Welche Wirkung haben die verwendeten Farben? (Rothko, Barnett Newman) Hat der Künstler besonders auf die Beschaffenheit der Oberfläche des Bildes geachtet? Wie fügen sich all diese Elemente zusammen? Etc.

Hinweis: Weitere Tipps und Ratschläge zum Lesen eines Gemäldes finden Sie in: Art Appreciation: How to Understand Art .