Kunstgeschichte: Ursprünge, Evolution der bildenden Künste Automatische übersetzen

Ein chronologischer Überblick über die wichtigsten Bewegungen, Stile, Epochen und Künstler, die zur Entstehung und Entwicklung der bildenden Kunst beigetragen haben.

Prähistorische Kunst stammt aus drei prähistorischen Epochen: dem Paläolithikum, Mesolithikum und Neolithikum. Die frühesten aufgezeichneten Kunstwerke sind die Petroglyphen von Bhimbetka (ein Satz von 10 Kupeln mit Gravuren oder Rillen), die in der als Auditorium-Höhle bekannten Quarzitsteinhöhle in Bhimbetka in Zentralindien gefunden wurden und auf mindestens 290 000 v. Chr. datiert werden. Es könnte jedoch sein, dass sie viel älter sind (etwa 700 000 v. Chr.). Auf diese primitive Felskunst folgten einfache Figuren - wie die Venus von Berehat Ram (Golanhöhen) und die Venus von Tan-Tan (Marokko) - und ab 80 000 v. Chr. – Gravuren in den Steinhöhlen von Blombos und in den cupulae (Löcher) in der Dordogne-Felsenunterkunft von La Ferrassi. Prähistorische Kultur und Kreativität stehen in engem Zusammenhang mit der Größe und Leistungsfähigkeit des Gehirns, die sich direkt auf „höhere“ Funktionen wie Sprache, kreativen Ausdruck und schließlich Ästhetik auswirken. Mit dem Auftauchen von „modernen“ Malern und Bildhauern der Spezies Homo sapiens (ab 50 000 v. Chr.), wie dem Cro-Magnon und dem Grimaldi-Menschen, erleben wir in Frankreich und auf der Iberischen Halbinsel einen beträchtlichen Aufschwung von prächtigen spätpaläolithischen Skulpturen und Gemälden. Dazu gehören eine Reihe von Miniaturfiguren der „Venus „beleibt“ (z. B. Venus Willendorf, Kostenka, Montpazier, Dolni Vestonice, Moravana, Brassempuis, Gagarino, um nur einige zu nennen), und die geschnitzten Elfenbeinfiguren des Mammuts, die in den Höhlen Vogelherd und Hole Fels auf der Schwäbischen Alb gefunden wurden. Die größte Kunst des prähistorischen Zeitalters jedoch – ist die Felsmalerei in Chauvet, Lascaux und Altamira.

Im Folgenden finden Sie einen kurzen chronologischen Überblick über die wichtigsten Epochen, Perioden und Bewegungen der Kunstgeschichte.

KUNST DES STEINZEITALTERS
Afrika, Europa, Asien
Ozeanisches Unterpaläolithikum: 2,5 Mio. - 200 000
Mittelpaläolithikum: 200 000 - 40 000 Jahre
Oberpaläolithikum: 40&dünnsp;000 - 10&dünnsp;000.
Mesolithikum, Europa: ca. 10 000 - 4000
Neolithikum, Europa – ca. 4000-2000

Bronzezeit
Sumerische Kultur und Kunst: ~3500 v.Chr.
Persische Zivilisation: ~3500.
Newgrange-Gräber: ~3300.
Ägyptische Kultur und Kunst: ~3100.
Ägyptische Pyramiden: ~2700-1800 v. Chr.
Minoische Kultur und Kunst: ~2100.
Babylonisches Reich: ~1800.

Eisenzeit KUNST
Mykenische Kultur : ~1500-1100
Griechische Zivilisation : ~600-27
- Archaische Zeit : ~600-500
- Klassische Zeit : ~500-323.
- Hellenistische Periode: ca. 323-27
Etruskische Kunst: ca. 700-90
Keltische Hallstatt: ca. 600-450
Keltische La Tène: ca. 450-150
Römische Kunst: ca. 200 BC. - 400 N. CHR.

Dunkles Mittelalter, mittelalterliche Kunst
Byzantinische Kunst: ca. 330-1450 n. Chr.
Irisch-christliche Kunst: ca. 600-1100
Karolinger und Osmanen: ca. 775-1050
Romanische Kultur: ca. 800-1200
Gotische Kultur: ca. 1150-1400

RENAISSANCE
Proto-Renaissance: ca. 1300-1400
Frührenaissance: ca. 1400-1490
Hochrenaissance: ca. 1490-1530
Nördliche Renaissance: ca. 1400-1530
Manierismus: ca. 1530-1600

POST-RENAISSANCE
Barock: ~1600-1700
Niederländischer Realismus: ~1600-1700
Rokoko: ~1700-1789
Neoklassizismus: ab ~1790
Romantik: ab ~1790
Realismus: ab ~1830.

MODERNE KUNST
Präraffaeliten 1848
Impressionismus 1870er Jahre
Neoimpressionismus 1870er Jahre
Newlyn School 1880er Jahre
Moderne Ende des 19. Jahrhunderts
Symbolismus Ende des 19. Jahrhunderts
Postimpressionismus 1880er Jahre
Neoimpressionismus 1880er Jahre
Neoimpressionismus 1880er Jahre
Neoimpressionismus 1880er Jahre
Newlyn School 1880er Jahre
Moderne Ende des 19.
Le Fauve 1898-1908
Expressionistische Kunst 1900er
Die Brucke 1905-11
Der Blaue Reiter 1911-14
Ashcan School 1892-1919
Kubismus 1908-1920
Orphismus 1912-16
Purismus 1920er
Präzisionismus 1920er
Collage 1912.
Futurismus 1909-1914
Lukismus 1910-20
Suprematismus 1913-1920er Jahre
Konstruktivismus 1917-21
Vortizismus 1913-15
Dada-Bewegung 1916-1924
De Stijl 1917-31
Bauhaus-Schule 1919-1933
Neoplastizismus 1920-40
Art Deco 1920er, 30er Jahre
Schule von Paris 1900.
Neue Sachlichkeit 1920er Jahre
Surrealismus 1924.
Magischer Realismus 1920er Jahre
Entartete Kunst 1930er Jahre
Sozialer Realismus 1920er, 30er Jahre
Sozialer Realismus 1929
Sozialistischer Realismus 1929
St. Ives Schule 1930er Jahre
Neoromantik: ab 1930er Jahre
Organische Abstraktion 1940-65
Existenzielle Kunst 1940er, 50er Jahre
Abstrakter Expressionismus ca. 1944-64
Informelle Kunst ca. 1946-60
Tachismus1940er, 50er Jahre
Arte Nucleare 1951-60
Kitchen Sink Art Mitte der 1950er Jahre
Assemblage 1953
Neo-Dada 1950er Jahre
Op Art, optische Kunst 1960er Jahre
Pop Art 1958-72
Neuer Realismus 1960er Jahre
Post-painterly abstraction 1960er Jahre
Feministische Kunst 1960er Jahre

MODERNE KUNST
Konzeptualismus 1960er
Performance-Kunst 1960er
Installation 1960er
Videokunst 1960er
Minimalismus 1960er
Fotorealismus 1960er, 1970er
Environmental Land Art 1960er
Flexible Surfaces ca. 1966-72
Postmoderne 1970er Jahre
Post-Minimalismus 1971
Neue Subjektivität 1970er Jahre
London School 1970er Jahre
Graffiti 1970er Jahre
Transavanguardia 1979
Neo-Expressionismus 1980
Britart YBA 1980er Jahre
Neo-Pop Ende 1980er Jahre
Stuckismus 1999

Kommen wir zurück zur Felskunst. Diese Wandmalereien entstanden in Höhlen, die als eine Art Galerie für prähistorische Kunst reserviert waren, wo die Künstler begannen, Tiere und Jagdszenen sowie verschiedene abstrakte oder symbolische Motive zu malen. In Frankreich sind dies die monochromen Tierdarstellungen und abstrakten Zeichnungen in der Chauvet-Höhle, die Handschablonen in der Cosquer-Höhle und die polychromen Bilder in Kohle und Ocker in Peche-Merle und Lascaux . In Spanien sind dies polychrome Darstellungen von Bisons und Hirschen in der Höhle von Altamira . Außerhalb Europas gehören zu den wichtigsten Beispielen der Felskunst die Kunstwerke der Ubirra (30 000 v. Chr.), die Kohle- und Ockerzeichnungen von Tierfiguren in Apollos Höhle (ab 25.500 v. Chr.) in Namibia . E.) in Namibia, Bradshaw Malereien (ab 17 000 v. Chr.) in Westaustralien, und Darstellungen von „Handschablonen“ in Cuevas de las Manos (Handhöhle) (ab 9.500 v. Chr.) in Argentinien, und viele andere.

Mesolithische Kunst (ca. 10 000 - 4000 v. Chr.)

Vor dem Hintergrund eines neuen Klimas, verbesserter Lebensbedingungen und entsprechender Verhaltensmuster räumt die mesolithische Kunst den menschlichen Figuren mehr Raum ein, zeigt eine genauere Beobachtung und eine ausführlichere Erzählung in ihren Bildern. Außerdem verlagert sie sich aufgrund des wärmeren Klimas an vielen Orten in Europa, Asien, Afrika, Australien und Amerika von Höhlen in offene Räume. Zu den mesolithischen Werken gehören Felsmalereien von Buschmännern in der Waterberg-Region in Südafrika, Malereien in den Felsen von Bhimbetka in Indien und Kunst der australischen Aborigines aus Arnhemland . Es gibt auch mehr dreidimensionale Kunst, darunter Flachreliefs und freistehende Skulpturen. Beispiele hierfür sind anthropomorphe Figuren, die in Nevali Kori und Göbekli Töpe in der Nähe von Urfa im östlichen Kleinasien gefunden wurden, sowie Statuen des Lepenski Vir (z. B. des Gottes der Fische) in Serbien. Weitere Beispiele für mesolithische tragbare Kunst sind Armbänder, bemalte Kieselsteine und dekorative Designs auf funktionalen Gegenständen sowie antike Keramik der japanischen Jomon-Kultur . Eines der größten Werke der mesolithischen Kunst – die Skulptur „ Der Denker von Cernavoda“ aus Rumänien.

Neolithische Kunst (ca. 4000-2000 v. Chr.)

In der stärker „besiedelten“ und dicht bevölkerten Jungsteinzeit entwickelte sich das Kunsthandwerk wie Töpferei und Weberei . Sie entstand in der Mittelsteinzeit ab etwa 9000 v. Chr. in den Dörfern Südasiens und blühte danach in den Tälern der Flüsse Huang He und Jangtse in China (etwa 7500 v. Chr.) – vgl. Neolithikum Neolithische Kunst in China – dann im fruchtbaren Halbmond des Tigris und des Euphrat-Tals im Nahen Osten (ca. 7000) – „die Wiege der Zivilisation“ – bevor sie sich nach Indien (ca. 5000), Europa (ca. 4000), China (3500) und Amerika (ca. 2500) ausbreitete. Obwohl ein Großteil der Kunst funktional blieb, wurde mehr Wert auf Ornamente und Dekoration gelegt. Die Kalligraphie – eines der bedeutendsten Beispiele chinesischer Kunst – erscheint zum ersten Mal in dieser Zeit. Siehe: Chronologie der chinesischen Kunst .

Die neolithische Kunst umfasst auch freistehende Skulpturen, Bronzestatuetten (insbesondere Indus-Tal-Zivilisation), primitiven Schmuck und dekorative Muster auf verschiedenen Artefakten. Die beeindruckendste Kunstform des späten Neolithikums war die Architektur : Mit großen Steinstrukturen, die als Megalithen bekannt sind und von den ägyptischen Pyramiden bis zu den Ganggräbern in Nordeuropa wie Newgrange und Knowth in Irland reichen, und Ansammlungen von großen aufrecht stehenden Steinen (Menhire) wie in Stonehenge Stone Circle und Avebury Circle in England. (Für weitere Informationen siehe: Megalithische Kunst). Das Hauptmaterial der neolithischen Kunst war jedoch Keramik, deren beste Beispiele im mesopotamischen Raum (siehe Mesopotamische Kunst) und im östlichen Mittelmeerraum hergestellt wurden. Für eine weitere Chronologie siehe: Chronologie der Töpferei . Gegen Ende dieser Epoche erscheinen in Sumer hieroglyphische Schriftsysteme, die das Ende der Vorgeschichte markieren.

Mehr über die prähistorische Malerei, Bildhauerei, Architektur und das Kunsthandwerk dieser Epoche finden Sie unter: Kunst der Steinzeit .

Die berühmtesten Beispiele bronzezeitlicher Kunst entstanden in „der Wiege der Zivilisation“ des Mittelmeers im Nahen Osten, während des Aufstiegs von Mesopotamien (moderner Irak), Griechenland, Kreta (minoische Zivilisation) und Ägypten. Das Entstehen von Städten, die Verwendung von Schriftsprachen und die Entwicklung raffinierterer Werkzeuge führten zur Schaffung einer viel größeren Bandbreite an monumentalen und tragbaren Kunstwerken.

Ägyptische Kunst (ab 3100 v. Chr.)

Ägypten, die wohl größte Zivilisation in der Geschichte der antiken Kunst, war die erste Kultur, die einen erkennbaren Kunststil entwickelte. Die ägyptischen Künstler stellten die Köpfe, Beine und Füße ihres Volkes im Profil dar, während sie die Augen, Schultern, Arme und den Rumpf von vorne zeigten. Andere künstlerische Konventionen legten fest, wie Götter, Pharaonen und gewöhnliche Menschen dargestellt werden sollten, und regelten Elemente wie Größe, Farbe und die Position der Figuren. Eine Reihe bemerkenswerter ägyptischer Wachszeichnungen, die als Fayum-Porträts bekannt sind, bieten einen faszinierenden Einblick in die hellenistische Kultur des alten Ägypten. Darüber hinaus wurde der einzigartige Stil der ägyptischen Architektur durch eine Reihe von massiven steinernen Grabkammern innerhalb der Pyramiden repräsentiert. Das ägyptische Fachwissen in Sachen Stein hatte einen enormen Einfluss auf die spätere griechische Architektur. Zu den berühmten ägyptischen Pyramiden gehören: die Stufenpyramide des Djoser (ca. 2630 v. Chr.) und die Große Pyramide von Gizeh (ca. 2550 v. Chr.), auch Cheops-Pyramide oder „Cheops-Pyramide“ genannt.

Sumerische Kunst (ab 3500 v. Chr.)

In Mesopotamien und im alten Persien entwickelten die Sumerer ihr eigenes einzigartiges Bauwerk – eine alternative Form der Stufenpyramide, genannt die Zikkurat . Dabei handelte es sich nicht um Grabkammern, sondern um künstliche Berge, die Herrscher und Menschen ihren Göttern näher bringen sollten, die der Legende nach hoch oben in den Bergen im Osten lebten. Zikkurate wurden aus Lehmziegeln gebaut, die in der Regel mit farbiger Glasur verziert waren. Siehe Sumerische Kunst (ca. 4500-2270 v. Chr.).

Persische Kunst (ab 3500 v. Chr.)

Während des größten Teils des Altertums war die Kunst des alten Persiens eng mit der seiner Nachbarn, insbesondere Mesopotamiens (des heutigen Irak), verflochten und wurde von der griechischen Kunst beeinflusst. Zu den frühen persischen Werken der tragbaren Kunst gehören komplizierte Töpferwaren aus Susa und Persepolis (ca. 3000 v. Chr.), aber zwei wichtige Perioden der persischen Kunst waren die Achämenidenzeit (ca. 550-330 v. Chr.), die durch die monumentalen Paläste in Persepolis und Susa veranschaulicht wird, die mit Skulpturen, Steinreliefs und dem berühmten „Fries der Bogenschützen“ (Louvre, Paris) aus emaillierten Ziegeln verziert sind – und die Sassanidenzeit (226-650 v. Chr.) – und die Sassanidenzeit (226-650 v. Chr.). A.D.) – bekannt für seine hochdekorativen Mosaike aus Stein, Gold und Silber, Tafelgeschirr, Fresken und illuminierte Manuskripte, sowie Kunsthandwerk wie Teppichherstellung und Seidenweberei . Aber die größten Relikte sasanischer Kunst – sind die Felsskulpturen, die in die steilen Kalksteinfelsen von Tak-i-Bustan, Shahpur, Naqsh-i-Rostam und Naqsh-i-Rajab gehauen wurden.

Minoische Kunst (2100-1425 v. Chr.)

Der erste wichtige Strang der ägäischen Kunst, der von den Minoern auf Kreta geschaffen wurde, hatte seine Wurzeln in der Palastarchitektur in Knossos, Festa, Akrotiri, Kato Zakros und Mallia, Die Paläste wurden aus einer Kombination von Stein, rohen Ziegeln und Gips gebaut und mit farbenfrohen Fresken und Malereien verziert, die mythologische Tiersymbole (z. B. den Stier) sowie eine Reihe von mythologischen Erzählungen darstellen. Auch die Steinschnitzerei (insbesondere Steinsiegel) und die Edelmetallverarbeitung erlebten in der Epoche der minoischen Kunst eine Blütezeit. Auf die proto-räumliche Periode der Minoer (ca. 1700 v. Chr.), die mit einem großen Erdbeben endete, folgte eine noch kunstvollere neo-räumliche Periode (ca. 1700-1425 v. Chr.), die eine blühende Kultur erlebte, bevor sie 1425 durch eine Reihe von Erdbeben beendet wurde. Die minoischen Handwerker sind auch für ihre Töpferwaren und bemalten Vasen mit vielen Meeresmotiven bekannt. Diese Betonung von Natur und Ereignissen – anstatt von Herrschern und Göttern – ist auch in den Fresken und Skulpturen der minoischen Paläste offensichtlich.

Metallarbeiten aus der Bronzezeit

Die Bronzezeit, die nach dem Metall benannt ist, das ihre Blütezeit ermöglichte, brachte zahlreiche bemerkenswerte Metallobjekte hervor, die aus den unterschiedlichsten Materialien hergestellt wurden. Zwei herausragende Meisterwerke veranschaulichen diese Form der Metallurgie: „Der Widder im Dickicht“ (ca. 2500 v. Chr., British Museum, London) – eine kleine irakische Skulptur aus Blattgold, Kupfer, Lapislazuli und rotem Kalkstein; und „Maikop-Goldstier“ (ca. 2500 v. Chr., Eremitage-Museum, St. Petersburg) – eine Miniatur-Goldskulptur aus Maikop, Nordkaukasus, Russland. Siehe auch Assyrische Kunst (ca. 1500-612 v. Chr.) und Hethitische Kunst (ca. 1600-1180 v. Chr.). Aus dieser Zeit stammen auch chinesische Waren aus Bronze (ab 1750 v. Chr.) in Form von Bronzetafeln und -skulpturen, oft mit Jade verziert, aus dem Becken des Gelben Flusses (Huang He) in der Provinz Henan in Zentralchina.

Informationen über die Zivilisationen der Bronzezeit in Nord- und Südamerika finden Sie unter „Präkolumbische Kunst“, die sich mit der Kunst und dem Kunsthandwerk der mesoamerikanischen und südamerikanischen Kulturen befasst.

Um mehr über die Geschichte der Malerei, der Bildhauerei, der Architektur und des Kunsthandwerks dieser Zeit zu erfahren, siehe: Kunst der Bronzezeit .

Geschichte der Kunst der Eisenzeit und des Klassischen Altertums (ca. 1500-200 v. Chr.)

Die Kunst des klassischen Altertums erlebte in dieser Zeit ein enormes Wachstum, insbesondere in Griechenland und im gesamten östlichen Mittelmeerraum. Sie fiel mit dem Aufstieg der hellenischen (griechisch geprägten) Kultur zusammen.

Mykenische Kunst (ca. 1500-1100 v. Chr.)

Obwohl Mykene eine unabhängige Stadt auf dem griechischen Peloponnes war, wird der Begriff „mykenische“ Kultur manchmal verwendet, um die frühe griechische Kunst im Allgemeinen während der späten Bronzezeit zu beschreiben. Anfänglich sehr stark von der minoischen Kultur beeinflusst, erreichte die mykenische Kunst allmählich ihr eigenes Gleichgewicht zwischen dem lebendigen Naturalismus Kretas und der eher formalen Kunstsprache des Festlandes, wie zahlreiche Temperafresken, Skulpturen, Keramiken, geschnitzte Edelsteine, Schmuck, Glas und Edelmetallarbeiten belegen. Außerdem waren die Mykener im Gegensatz zur minoischen Kultur „und zum Seehandel“ Krieger, so dass ihre Kunst in erster Linie der Verherrlichung ihrer weltlichen Herrscher diente. Dazu gehören mehrere Tholos-Gräber, die mit Goldgegenständen, Zierwaffen und Schmuck gefüllt sind.

Antike griechische Kunst (ca. 1100-100 v. Chr.)

Die altgriechische Kunst wird traditionell in die folgenden Perioden unterteilt:
❶ Das Mittelalter (ca. 1100-900 v. Chr.).
❷ Die Geometrische Periode (ca. 900-700 v. Chr.).
❸ Die Periode des orientalischen Stils (ca. 700-625 v. Chr.).
❹ Die archaische Periode (ca. 625-500 v. Chr.).
❺ Die klassische Periode (ca. 500-323 v. Chr.).
❻ Die hellenistische Periode (323-100 v. Chr.). Leider sind fast alle griechischen Gemälde und die meisten griechischen Skulpturen verloren gegangen, so dass uns nur eine Sammlung von Ruinen oder römischen Kopien bleibt. Die griechische Architektur ist uns ebenfalls weitgehend durch ihre Ruinen bekannt. Trotz dieser winzigen Hinterlassenschaft werden die griechischen Künstler immer noch hoch geschätzt, ein Beweis dafür, wie innovativ sie wirklich waren.

Wie alle Meister des Mittelmeerraums übernahmen die alten Griechen eine Reihe wichtiger künstlerischer Techniken von ihren Nachbarn und Handelspartnern. Trotzdem galt die griechische Kunst nach dem Tod des makedonischen Kaisers Alexander des Großen im Jahr 323 v. Chr. allgemein als die beste, die je geschaffen wurde. Selbst die Römer konnten trotz ihrer hervorragenden technischen und militärischen Fähigkeiten ihr Gefühl der Unterlegenheit gegenüber der griechischen Handwerkskunst nie ganz überwinden und kopierten (zum Glück für uns) fleißig griechische Kunstwerke. Siebzehn Jahrhunderte später wurden griechische Architektur, plastische Reliefs, Statuen und Keramiken in der italienischen Renaissance wiederentdeckt und bildeten über 400 Jahre lang den Grundstein der westlichen Kunst.

Das dunkle Zeitalter

Nach dem Untergang der mykenischen Zivilisation (12. Jahrhundert v. Chr.) trat Griechenland in eine Periode des Niedergangs ein, die als das dunkle Zeitalter bekannt ist und so genannt wird, weil wir sehr wenig über sie wissen. Bildhauerei, Malerei und Monumentalarchitektur kamen praktisch zum Erliegen.

Die Geometrische Periode

Ab etwa 900 v. Chr. tauchen diese Künste (die hauptsächlich für die im Mittelalter mächtig gewordenen Adelsfamilien geschaffen wurden) in der Geometrischen Periode wieder auf, die nach den dekorativen Mustern ihrer Töpferwaren benannt ist.

Orientalische Periode

Die nächste Periode der Orientalisierung ist durch den Einfluss des nahöstlichen Designs gekennzeichnet, insbesondere durch kurvenförmige, zoomorphe und florale Muster.

Archaische Periode

Die archaische Periode war eine Zeit des allmählichen Experimentierens; die am meisten geschätzte bildhauerische Form war der kouros (Plural kouroi), der stehende männliche Akt. Es folgte die klassische Periode, die den Höhepunkt der griechischen Kunst darstellt.

Klassische Periode.

Die griechische Architektur blühte auf der Grundlage eines Systems „klassischer Ordnungen“ (dorisch, ionisch und korinthisch) oder Regeln für die Gestaltung von Gebäuden, die auf den Proportionen der einzelnen Teile und den Beziehungen zwischen ihnen beruhen. Der komplexe Parthenon auf der Akropolis in Athen ist das herausragende Beispiel der klassischen griechischen Architektur: andere berühmte Beispiele sind der Zeustempel in Olympia, der Hephaistos-Tempel, der Tempel der Athena Nike, das Theater in Delphi und der Tempel der Tholos Athena Pronaea. In der bildenden Kunst bewiesen die großen klassischen griechischen Bildhauer wie Polykletus, Myron und Phidias eine Meisterschaft des Realismus, die bis zur italienischen Renaissance unerreicht bleiben sollte. Aber die Malerei blieb die am meisten respektierte Kunstform – insbesondere die Tafelmalerei in Tempera oder Enkaustikfarbe – berühmte griechische Künstler wie Zeuxis, Apelles und Parrhasius fügten neue Techniken der Hervorhebung, Schattierung und Farbgebung hinzu.

Hellenismus

Der Beginn der letzten Phase des Hellenismus fällt mit dem Tod Alexanders und der Eingliederung des persischen Reiches in die griechische Welt zusammen. Stilistisch wich der klassische Realismus einer größeren Feierlichkeit und einem Heroismus (beispielhaft dafür ist die gewaltige Statue „Koloss von Rhodos“, die genauso groß ist wie die Freiheitsstatue) sowie einem wachsenden Expressionismus. Diese Periode ist gekennzeichnet durch die Verbreitung der griechischen Kultur (Hellenisierung) in der gesamten zivilisierten Welt, einschließlich der Bildhauertechniken und der Mosaikkunst . Zu den berühmten hellenistischen Skulpturen gehören: die berühmte „Venus von Milos“, „der sterbende Gallier“ von Epigonus; der Zeusaltar von Pergamon (ca. 166-156 B.C.); „Der geflügelte Sieg von Samothrake“ ; und „Laokoon und seine Söhne“ Hagesandra, Polydorus, und Athenodorus.

Griechische Töpferei

Die griechische Töpferei entstand viel früher als andere Kunstformen: um 3000 v. Chr. war der Peloponnes bereits ein führendes Töpferzentrum. Später, nach der Eroberung des griechischen Festlandes durch indoeuropäische Stämme um 2100 v. Chr., wurde eine neue Form der Töpferei eingeführt, die Minya-Töpferei. Es war die erste griechische Art, die auf der Töpferscheibe hergestellt wurde. Trotzdem setzte sich im 2. Jahrtausend v. Chr. auf Kreta die minoische Töpferkunst mit ihrem neuen Stil „dunkel auf hell“ durch. Danach ergriffen die griechischen Töpfer jedoch wieder die Initiative und führten eine Reihe von bemerkenswerten Neuerungen ein, darunter: schön proportionierte geometrische Töpferwaren (900-725) sowie orientalische (725-600), schwarzfigurige (600-480) und rotfigurige (530-480) Stile. Berühmte griechische Keramiker sind Exekius, Kleitius, Ergotimus, Nearchos, Lydos, der Maler Amasis, Andokides, Euthymides und Sophilus (alle schwarzfigurig), und Duris, Brigos und Onysimus (rotfigurig).

Etruskische Kunst (ca. 700-90 v. Chr.)

In Etrurien, Italien, ging die alte Villanovakultur um 700 v. Chr. in die etruskische Zivilisation über. Diese erreichte ihren Höhepunkt im sechsten Jahrhundert v. Chr., als ihre Stadtstaaten die Kontrolle über Mittelitalien erlangten. Wie die Ägypter, aber im Gegensatz zu den Griechen, glaubten die Etrusker an ein Leben nach dem Tod, so dass Gräber oder Grabkunst ein Merkmal der etruskischen Kultur waren. Die etruskischen Künstler waren auch für ihre figürlichen Skulpturen aus Stein, Terrakotta und Bronze bekannt. Berühmt ist die etruskische Kunst vor allem für ihre „Joie de vivre“ (Lebensfreude), wie die lebendigen Fresken der Wandmalereien, vor allem in den Villen der Reichen. Darüber hinaus wurde die Handwerkskunst der etruskischen Juweliere in ganz Italien und darüber hinaus hoch geschätzt. Die etruskische Kultur, die selbst stark von griechischen Stilen beeinflusst war, hatte einen deutlichen Einfluss auf andere Kulturen, insbesondere auf die keltischen Kunststile von Hallstatt und La Tène. Die etruskische Kultur ging ab 396 v. Chr. unter, als die etruskischen Stadtstaaten im Römischen Reich aufgingen.

Mehr über die Geschichte der etruskischen Malerei, Bildhauerei, Architektur und des Kunsthandwerks finden Sie unter: Die Kunst der Etrusker .

Keltische Kunst (ca. 600-100 v. Chr.)

Ab etwa 600 v. Chr. Wandernde heidnische Stämme aus den russischen Steppen, bekannt als Kelten, lassen sich an der oberen Donau in Mitteleuropa nieder. Die keltische Kultur, die auf außergewöhnlichen Handelsfähigkeiten und der frühen Beherrschung des Eisens beruhte, erleichterte ihre allmähliche Ausbreitung über ganz Europa und führte zu zwei Stilen der keltischen Kunst, deren Artefakte uns von mehreren wichtigen archäologischen Stätten in der Schweiz und Österreich bekannt sind. Die beiden Stile – Hallstatt (600-450) und La Tène (450-100). Beide zeichneten sich durch schöne Metallarbeiten und komplexe lineare Muster aus. Jahrtausends n. Chr. die meisten der heidnischen keltischen Künstler vollständig im Römischen Reich aufgegangen waren, wurden ihre Traditionen spiralförmiger, zoomorpher, geknoteter und verflochtener Designs später wiederbelebt und erlebten ihre Blütezeit (600-1100 n. Chr.) in vielen Formen der hiberno-sächsischen Kunst (siehe unten), z. B. in illustrierten Manuskripten und Evangelien, religiösen Metallarbeiten und der Hochkreuz-Skulptur. Bekannte Beispiele der keltischen Metallkunst sind der Gundestrup-Kessel, die Petrie-Krone und der Goldschatz von Breughter.

Römische Kunst (ca. 200 v. Chr. – 400 n. Chr.)

Architektur

Im Gegensatz zu ihren intellektuellen griechischen Nachbarn waren die Römer in erster Linie praktische Menschen mit einer natürlichen Vorliebe für Technik, militärische Angelegenheiten und den Aufbau von Imperien. Die römische Architektur sollte eine wachsende Bevölkerung sowohl in Italien als auch in ihrem gesamten Reich erfreuen, unterhalten und bedienen. Neue Entwässerungssysteme, Aquädukte, Brücken, öffentliche Bäder, Sporteinrichtungen und Amphitheater (z. B. das Kolosseum 72-80 n. Chr.), die durch bedeutende Fortschritte bei der Verwendung von Materialien (z. B. die Erfindung des Betons) und der Konstruktion von Bögen und Kuppeln gekennzeichnet waren, stellen daher die Errungenschaften der römischen Architektur dar. Die Kuppeln ermöglichten nicht nur die Überdachung größerer Gebäude, sondern verliehen ihnen auch ein größeres Erscheinungsbild und mehr Erhabenheit. All dies revolutionierte die von den Griechen beherrschte Architektur zumindest in Form und Größe, wenn nicht gar in der Kreativität, und eröffnete unendliche Möglichkeiten für die Verzierung von Gebäuden mit plastischen Reliefs, Statuen, Fresken und Mosaiken. Zu den berühmtesten Beispielen der römischen Architektur gehören: Das Kolosseum, der Titusbogen und die Trajanssäule.

Malerei, Bildhauerei

Während die römische Architektur einzigartig grandios war, ahmten ihre Gemälde und Skulpturen weiterhin den griechischen Stil nach, mit dem Unterschied, dass ihr Hauptzweck darin bestand, die Macht und Größe Roms zu verherrlichen. Die frühe römische Kunst (ca. 200-27 v. Chr.) war detailliert, unidealisiert und realistisch, während die späteren kaiserlichen Stile (ca. 27 v. Chr. – 200 n. Chr.) eher heroisch erscheinen. Die mittelmäßige Malerei blühte in Form von Standard-Innenraumfresken, während die qualitativ bessere Tafelmalerei mit Tempera oder Enkaustikpigmenten ausgeführt wurde. Auch die römische Bildhauerei war von unterschiedlicher Qualität: Neben Zehntausenden von Porträtbüsten von Kaisern und anderen Würdenträgern von durchschnittlicher Qualität schufen römische Bildhauer auch einige wunderbare historische Reliefs, wie die spiralförmige Flachreliefskulptur auf Trajans Säule, die den Sieg des Kaisers im Krieg gegen die Daker feiert.

Mehr über die Geschichte der Malerei, der Bildhauerei, der Architektur und des Kunsthandwerks im alten Rom finden Sie unter: Römische Kunst .

Frühe Kunst aus aller Welt

Obwohl man im Allgemeinen davon ausgeht, dass die Kunstgeschichte hauptsächlich mit Zivilisationen verbunden ist, die aus den europäischen und chinesischen Kulturen hervorgegangen sind, ist eine beträchtliche Anzahl von Kunst und Kunsthandwerk seit den frühesten Zeiten an der Peripherie der bekannten Welt entstanden. Weitere Informationen über die Geschichte und die Artefakte dieser Kulturen finden Sie unter: Ozeanische Kunst (aus dem Südpazifik und Australien), Afrikanische Kunst (aus allen Teilen des Kontinents) und Stammeskunst (aus Afrika, den pazifischen Inseln, Indonesien, Burma, Australasien, Nordamerika und Alaska).

Konstantinopel, das Christentum und die byzantinische Kunst

Mit dem Tod von Kaiser Theodosius im Jahr 395 n. Chr. wurde das Römische Reich in zwei Hälften geteilt: die westliche Hälfte, die sich ursprünglich in Rom befand, bis sie im fünften Jahrhundert n. Chr. geplündert wurde, dann Ravenna ; und die östliche Hälfte, die sich in der sichereren Stadt Konstantinopel befand. Gleichzeitig wurde das Christentum die einzige offizielle Religion des Reiches. Diese beiden politischen Ereignisse hatten einen enormen Einfluss auf die Geschichte der westlichen Kunst. Zum einen trug der Umzug nach Konstantinopel dazu bei, die griechisch-römische Zivilisation und Kultur zu verlängern, zum anderen brachte der Aufstieg des Christentums eine völlig neue Kategorie der christlichen Kunst hervor, die Architekten, Malern, Bildhauern und anderen Kunsthandwerkern das lieferte, was für die nächsten 1200 Jahre das beherrschende Thema in der bildenden Kunst wurde. Zusammen mit den prototypischen Formen der frühchristlichen Kunst, die größtenteils aus den Katakomben stammten, führte sie auch direkt zur Entstehung der byzantinischen Kunst. Siehe auch: Christliche Kunst der byzantinischen Zeit .

Byzantinische (Konstantinopel) Kunst (330-1450 n. Chr.)

Die byzantinische Kunst war fast ausschließlich religiös und konzentrierte sich auf die christliche Architektur. Zu den Meisterwerken gehören die prächtige Hagia-Sophia-Kathedrale (532-37) in Istanbul, die Hagia-Sophia-Kirche in Sofia, Bulgarien (527-65), und die Hagia-Sophia-Kirche in Thessaloniki. Die byzantinische Kunst beeinflusste auch die Mosaiken von Ravenna in den Basiliken von Sant’Apollinare Nuovo, San Vitale und Sant’Apollinare in Classe. Weltliche Beispiele sind: der Große Palast von Konstantinopel und die Cisterna-Basilika. Neben neuen architektonischen Techniken wie der Verwendung von Hängern zur Verteilung des Gewichts der Kuppeldecke, die größere Innenräume ermöglichten, wurden auch neue Dekorationsmethoden eingeführt, wie Mosaike aus Glas statt aus Stein. Die östlich-orthodoxe Auffassung des Christentums (im Gegensatz zu ihrem Gegenstück in Rom) ließ jedoch keine dreidimensionalen Kunstwerke wie Statuen oder Hochreliefs zu, da sie der Meinung waren, dass diese eher den menschlichen Aspekt des Fleisches als die göttliche Natur des Geistes verherrlichten. Daher entwickelte die byzantinische Kunst (z. B. Malerei und Mosaiken) einen besonderen Stil aussagekräftiger Bilder (Ikonographie), die komplexe theologische Sachverhalte auf sehr einfache Weise darstellen sollten. So wurden beispielsweise Farben verwendet, um verschiedene Ideen auszudrücken: Gold symbolisierte den Himmel, Blau die Farbe des menschlichen Lebens und so weiter.

Nach 600 n. Chr. durchlief die byzantinische Architektur mehrere Perioden, wie z. B. die mittlere Periode (ca. 600-1100), die komninische und die paläologische Periode (ca. 1100-1450), und wurde dabei immer stärker von östlichen Bau- und Dekorationstraditionen beeinflusst. In Westeuropa wich die byzantinische Architektur den romanischen und gotischen Stilen, während sie im Nahen Osten weiterhin einen bedeutenden Einfluss auf die frühe islamische Architektur ausübte, wie die Große Umayyaden-Moschee in Damaskus und der Felsendom in Jerusalem zeigen.

Byzantinische Malerei

Da es keine Bildhauerei gab, spezialisierten sich die byzantinischen Künstler auf die zweidimensionale Malerei und wurden Meister der Tafeln und Miniaturen, insbesondere Ikonen und Manuskriptillumination . Ihr Werk hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf Künstler in ganz West- und Mitteleuropa sowie in den islamischen Ländern des Nahen Ostens.

Irische christliche Kunst (ca. 600-1100 n. Chr.)

An der abgelegenen Peripherie Westeuropas gelegen, blieb Irland frei von Einmischungen Roms oder der nachfolgenden Barbaren. Infolgedessen wurde die irisch-keltische Kunst nicht durch griechische oder römische Idiome verdrängt oder im heidnischen finsteren Mittelalter begraben. Darüber hinaus war die Kirche in der Lage, ein relativ sicheres Netz irischer Klöster zu errichten, die sich schnell zu wichtigen Zentren religiöser Gelehrsamkeit entwickelten und sich allmählich auf die Inseln vor Großbritannien und Teile Nordenglands ausbreiteten. Dieses klösterliche Netzwerk wurde bald zu einem bedeutenden Förderer der Künste und beschäftigte in seinen Skriptorien zahlreiche Schreiber und Künstler, die eine Reihe von immer kunstvolleren illustrierten Evangelienhandschriften herstellten: Beispiele hierfür sind: Colmcille’s Cathach (um 560), das Book of Dimma (um 625), die Durham Gospels (um 650), das Book of Durrow (um 670) und das höhere Book of Kells (auch Book of Columba genannt), das als Höhepunkt der westlichen Kalligraphie gilt. Diese Evangelienilluminationen verwendeten historische Buchstaben, Rauten, Kreuze, Trompetenornamente, Vogel- und Tierdarstellungen, die manchmal ganze Seiten (Teppichseiten) mit geometrischen oder verschlungenen Mustern einnahmen. Der kreative Erfolg dieser verzierten Handschriften wurde durch die Verfügbarkeit von keltischem Schmuck und Metallarbeiten, die für die weltliche irische Elite hergestellt wurden, sowie durch den zunehmenden kulturellen Kontakt mit angelsächsischen Handwerkern in England erheblich gefördert.

Eine weitere frühchristliche Kunstform, die sich in Irland entwickelte, war die religiöse Metallarbeit, die durch Meisterwerke wie die Tara-Brosche, die Arda-Schale, die Derrynaflan-Schale und den Moylough-Belt-Tempel sowie Prozessionskreuze wie das Tully-Loch-Kreuz aus dem achten bis neunten Jahrhundert und das große Conga-Kreuz aus dem zwölften Jahrhundert, das von Thurloe O’Connor in Auftrag gegeben wurde, veranschaulicht wird. Ab dem späten achten Jahrhundert schließlich gab die Kirche eine Reihe großer religiöser Kreuze in Auftrag, die sowohl mit Szenen aus der Bibel als auch mit abstrakten Flecht-, Knoten- und anderen keltischen Mustern verziert waren. Beispiele hierfür sind das Muredach-Kreuz in Monasterboys, Grafschaft Louth, und das Ahenny High Cross in Tipperary. Diese Hochkreuze erlebten ihre Blütezeit zwischen 900 und 1100, obwohl der Bau bis ins 15. Jahrhundert andauerte.

Leider begann mit der Ankunft der Wikinger (ca. 800-1000) Irlands einzigartiger Beitrag zur westlichen Zivilisation im Allgemeinen und zum Christentum im Besonderen zu verschwinden, trotz einiger Beiträge der Wikingerkunst . Danach begann sich die römische Kultur, angetrieben von der römischen Kirche, in ganz Europa wieder durchzusetzen.

Ein paar Worte zur asiatischen Kunst

Im Gegensatz zum Christentum, das figürliche Darstellungen von Propheten, Heiligen und der Heiligen Familie zulässt, verbietet der Islam alle Formen menschlicher Ikonographie. Daher konzentrierte sich die islamische Kunst stattdessen auf die Entwicklung komplexer geometrischer Muster, illuminierter Texte und Kalligraphie .

In Ostasien wurden in der bildenden Kunst Indiens und Tibets aufgrund der großen Auswahl an Pigmenten und der klaren Konturen leuchtend farbige Figuren verwendet. Die Malerei in Indien war äußerst vielfältig, ebenso wie die Materialien (stärkere Textilien ersetzten oft Papier) und die Größe (indische Miniaturen waren sehr spezifisch). Die chinesische Kunst spezialisierte sich auf zeremonielle Bronzeskulpturen, Kalligraphie, Pinselmalerei und Jadeschnitzerei, sowie auf Lackwaren und chinesische Keramik . In Japan waren die buddhistische Tempelkunst, die Zen-Tuschemalerei, der Yamato-e- und der Ukiyo-e-Holzschnitt die vier Hauptarten der japanischen Kunst .

Romanische Kunst (karolingisch, osmanisch) (ca. 775-1050)

Auf dem Kontinent begann die Wiederbelebung der mittelalterlichen christlichen Kunst mit Karl dem Großen, König der Franken, der im Jahr 800 von Papst Leo III. zum römischen Kaiser gekrönt wurde. In Karls Hofskriptorium in Aachen entstanden eine Reihe prächtiger illustrierter christlicher Texte wie das Godescalcus-Evangelium, das Lorscher Evangeliar und das Evangeliar des Heiligen Medard von Soissons. Ironischerweise wurde sein architektonisches Hauptwerk , die Pfalzkapelle in Aachen (um 800), nicht vom Petersdom oder anderen Kirchen in Rom beeinflusst, sondern von der Basilika San Vitale in Ravenna im byzantinischen Stil. Das Karolingerreich brach schnell zusammen, aber die karolingische Kunst war ein wichtiger erster Schritt zur Verbreitung der mittelalterlichen Kunst und zur Wiederbelebung der kontinentalen Kultur. Darüber hinaus wurden viele der romanischen und gotischen Kirchen auf der Grundlage der karolingischen Architektur gebaut. Die frühromanischen architektonischen Errungenschaften Karls des Großen wurden von den Heiligen Römischen Kaisern Ottons I-III in einem Stil fortgeführt, der als Ottonische Kunst bekannt ist und sich zu einem vollwertigen „romanischen“ Stil entwickelte (in England und Irland wird der romanische Stil gewöhnlich als normannische Architektur bezeichnet).

Die Kirche investiert in die Künste, um ihre Botschaft zu verbreiten

Die Verbreitung der romanischen Kunst im 11. Jahrhundert fiel mit der Wiederherstellung des römischen Christentums zusammen, und dessen Einfluss auf die weltlichen Behörden führte zur Rückeroberung Spaniens durch das Christentum (um 1031) und zu einem Kreuzzug zur Befreiung des Heiligen Landes von der islamischen Herrschaft. Der Erfolg der Kreuzfahrer und ihr Erwerb der heiligen Reliquien löste eine Welle neuer Konzilien in ganz Europa aus. Zusätzlich zu seinem Einfluss auf die internationale Politik übte Rom durch sein Netzwerk von Bischöfen und seine Verbindungen zu Mönchsorden wie den Benediktinern, Zisterziensern, Kartäusern und Augustiner-Chorherren immer mehr Macht aus. Von diesen Klöstern aus übten seine Beamten eine zunehmende administrative Macht über die örtliche Bevölkerung aus, insbesondere das Recht, Steuereinnahmen zu erheben, die sie in religiöse Werke, insbesondere den Bau von Kathedralen (einschließlich Bildhauerei und Metallarbeiten sowie Architektur), illustrierte Evangelienhandschriften und kulturelle Studien – ein Prozess, für den das mächtige Benediktinerkloster in Cluny in Burgund ein Beispiel ist.

Romanische Architektur (ca. 1000-1200)

Obwohl sie auf der griechischen und römischen Antike basiert, spiegelt die romanische Architektur weder die Kreativität der Griechen noch die technischen Fähigkeiten der Römer wider. Sie verwendete dicke Mauern, Rundbögen, Pfeiler, Säulen, Kreuzgratgewölbe, schmale Schlitzfenster, große Türme und dekorative Arkaden. Nicht die Bögen oder Säulen, sondern die massiven Mauern trugen die Hauptlast des Gebäudes. Und die Dächer, Gewölbe und Strebepfeiler waren im Vergleich zu späteren Stilen relativ primitiv. Vor allem die Innenräume waren düster und vergleichsweise von schweren Steinmauern eingefasst. Dennoch führte die romanische Architektur zwei wichtige Formen der bildenden Kunst wieder ein: die Bildhauerei (die nach dem Fall Roms ausgesetzt wurde) und die Glasmalerei, wenn auch in kleinerem Maßstab.

Gotische Kunst (ca. 1150-1400)

Die größtenteils von Mönchsorden und örtlichen Bischöfen finanzierte gotische Architektur nutzte eine Reihe von technischen Fortschritten in Form von Spitzbögen und anderen Designfaktoren, um die Massen zu beeindrucken, zu inspirieren und zu motivieren. So verschwanden dicke Mauern, kleine Fenster und düstere Innenräume, und es entstanden hohe Decken („, die bis zum Himmel reichen“), dünne Wände und Glasfenster. Diese verwandelten die Innenräume vieler Kathedralen in inspirierende Heiligtümer, in denen Analphabeten die Geschichte der Bibel durch die wunderschönen Glasmalereien der riesigen Fenster veranschaulicht bekamen. Die gotische Kathedrale wurde von ihren Architekten als eine Darstellung des Universums in Miniaturform betrachtet. Nahezu jedes Element sollte eine theologische Botschaft vermitteln, nämlich die einschüchternde Herrlichkeit Gottes und die geordnete Natur seines Universums. Die religiöse gotische Kunst – d.h. Architektur, Reliefs und freistehende Skulpturen – wird am besten durch die Kathedralen in Nordfrankreich veranschaulicht, insbesondere Notre Dame de Paris; Reims und Chartres sowie der Kölner Dom, der Stephansdom in Wien und, in England, Westminster Abbey und York Cathedral .

Die Wiederbelebung der europäischen bildenden Kunst zwischen 1300 und 1600 unter dem starken Einfluss der internationalen Gotik, allgemein bekannt als „Renaissance“, war ein einzigartiges und (in vielerlei Hinsicht) unerklärliches Phänomen, nicht zuletzt wegen
❶ der Pest (1346), die ein Drittel der europäischen Bevölkerung auslöschte;
❷ des 100-jährigen Krieges zwischen England und Frankreich (1339-1439); und
❸ der Reformation (um 1520.) – keines dieser Ereignisse begünstigte die Entwicklung der schönen Künste. Glücklicherweise gelang es bestimmten Faktoren im Zentrum der Renaissance in Florenz und Rom, insbesondere der Energie und dem unermesslichen Reichtum der Florentiner Medici-Familie und den päpstlichen Ambitionen von Papst Sixtus IV (1471-84), Papst Julius II (1503-13), Papst Leo X (1513-21) und Papst Paul III (1534-45) – gelang es, alle natürlichen Hindernisse zu überwinden, auch wenn die Kirche dabei fast bankrott ging.

Die Kunst der Renaissance basierte auf dem Klassizismus – einer Wertschätzung der Kunst des klassischen Altertums, dem Glauben an den Adel des Menschen und künstlerischen Errungenschaften sowohl in der linearen Perspektive als auch im Realismus. Sie entwickelte sich in drei großen italienischen Städten: zuerst Florenz, dann Rom und schließlich Venedig . Die Chronologie der Renaissance wird gewöhnlich wie folgt bezeichnet:

- Proto-Renaissance (ca. 1300-1400).
Diese einleitende Periode wurde weitgehend durch den revolutionären Malereistil von Giotto (1270-1337) verursacht, dessen Freskenzyklus in der Capella Scrovegni (Arenakapelle) in Padua einen neuen Realismus in die Malerei einführte und viele der damals üblichen ikonografischen Konventionen in Frage stellte.

- Frührenaissance (ca. 1400-1490)
Teilweise ausgelöst durch die Entdeckung eines Exemplars von „De Architectura“ („Zehn Bücher über Architektur“) des römischen Architekten aus dem ersten Jahrhundert Vitruv (ca. 78-10 BC) und Filippo Brunelleschis großartigem Entwurf der Kuppel der gotischen Kathedrale von Florenz (1420-36) aus dem Jahr 1418 war diese Periode der Aktivität in Florenz angesiedelt. Zu den wichtigsten Künstlern der Frührenaissance gehörten der Architekt Filippo Brunelleschi (1377-1446), der Bildhauer Donatello (1386-1466) und der Maler Tommaso Mazaccio (ca. 1401-28). Spätere wichtige Teilnehmer waren Piero della Francesca (1420-1492), Antonio del Pollaiuolo (1432-1498) und Botticelli (1445-1510), sowie der Nordländer Andrea Mantegna (1431-1506).

- Hochrenaissance (ca. 1490-1530)
Die Hochrenaissance, die als Höhepunkt der italienischen Renaissance und ihrer ästhetischen Ideale von Schönheit und Harmonie gilt, hatte ihr Zentrum in Rom und wurde von dem Gemälde Leonardo da Vinci (1452-1519) (z. B. „Das letzte Abendmahl“ dominiert, „Mona Lisa“) und Raffael (1483-1520) (z. B. „Schule von Athen“), sowie die unsterblichen Werke von Michelangelo (1475-1564) (einschließlich der Meisterwerke der italienischen Renaissance-Skulptur, wie die „Pietà“ und „David“ sowie das Fresko der Sixtinischen Kapelle „Genesis“). Weitere führende Künstler der Hochrenaissance waren Mitglieder der venezianischen Malerschule, wie Giovanni Bellini, Giorgione, Tizian, Paolo Veronese und Tintoretto .

Die Architektur der Renaissance orientierte sich an der griechischen und römischen Antike, behielt aber viele moderne Merkmale byzantinischer und gotischer Erfindungen bei, wie z. B. Kuppeln und Türme. Prominente Architekten waren unter anderem: Donato Bramante (1444-1514), der größte Vertreter der Hochrenaissance-Architektur; Baldassare Peruzzi (1481-1536), ein herausragender Architekt und Innenarchitekt; Michele Sanmicheli (1484-1559), Bramantes wichtigster Schüler; Jacopo Sansovino (1486-1570), Venedigs berühmtester Architekt; Giulio Romano (1499-1546), die führende Autorität auf dem Gebiet der Gestaltung von Gebäuden der italienischen Spätrenaissance; Andrea Palladio (1508-1580), ein einflussreicher Theoretiker; und natürlich Michelangelo selbst, der an der Gestaltung der Kuppel des Petersdoms in Rom beteiligt war.

- Nördliche Renaissance (ca. 1400-1530)
In Nordeuropa (Flandern, Holland, England und Deutschland) entwickelte sich die Renaissance anders. Ein feuchtes, für die Freskenmalerei ungeeignetes Klima begünstigte die frühe Verwendung von Ölfarben, während unterschiedliche Fähigkeiten und Temperamente zur frühen Entwicklung des Kupferstichs und zur Erfindung der Druckerpresse durch Johannes Gutenberg in den 1450er Jahren führten. In den meisten nordeuropäischen Ländern führte die Reformation zu einem gravierenden Verlust des Mäzenatentums und in der Folge zu einem Rückgang der religiösen Werke in großem Maßstab. An ihre Stelle trat eine neue Tradition der Porträtmalerei und anderer Staffeleien, die schließlich zu den schönen Stillleben und Genrebildern des niederländischen Realismus führte.

Die größten Künstler der nördlichen Renaissance waren: Der Niederländer Jan Van Eyck (1390-1441), bekannt für seine lebendigen Farben und seinen detaillierten Realismus; der vielseitige Deutsche Albrecht Dürer (1471-1528), bekannt für seine Zeichnungen, Selbstporträts, Ölgemälde, Aquarelle, Holzschnitte und Stiche; Robert Kampen (1375-1444), Meister von Flemalle, ein schwer fassbarer, aber herausragender Künstler, der Van der Weyden ausbildete und einer der Begründer der niederländischen Schule war; der Belgier Rogier van der Weyden (1400-1464), bekannt für seine lebendigen religiösen Gemälde; der niederländische Maler Hieronymus Bosch (1450-1516), bekannt für seine moralisierenden Phantasien, die die Sünden des Menschen illustrieren; der strenge religiöse Fanatiker Matthias Grünewald (1470-1528), dessen dramatischer Kunststil die späteren Schulen des Expressionismus beeinflusste; die Porträtisten Lucas Cranach (1472-1553) und Hans Holbein (1497-1543).

Zu den bedeutendsten Bildhauern der nördlichen Renaissance gehörten: der deutsche (mit Kalk arbeitende) Bildhauer Tilman Riemenschneider (1460-1531), der für seine Reliefs und freistehenden Holzskulpturen bekannt war; und der Holzschnitzer Veit Stoss (1450-1533), der für seine feinen Liegenddarstellungen bekannt war.

Für weitere Einzelheiten siehe: Niederländische Renaissancekunst (1430-1580); Deutsche Renaissancekunst (1430-1580) und Flämische Malerei .

- Manierismus (1530-1600).
Dieser Stil entstand zum Teil als Reaktion auf die idealistischen Formen der Hochrenaissance und zum Teil als Ausdruck unruhiger Zeiten – Martin Luther hatte die Reformation eingeleitet, und Rom selbst war gerade von Söldnern geplündert worden. Die Künstler des Manierismus verliehen ihren Werken eine neue Ausdruckskraft, wie die wunderbare Skulptur „Die Entführung der Sabinerinnen“ von Giambologna und Michelangelos Fresko „Das Jüngste Gericht“ in der Sixtinischen Kapelle zeigen. Weitere wichtige Vertreter des Manierismus sind El Greco (1541-1614) und Caravaggio (1571-1610), dessen dramatischer Einsatz von Licht und Schatten eine Generation von Caravaggisten beeinflusste.

Barocke Kunst (ca. 1600-1700)

In dieser Zeit begann die katholische Gegenreformation, die versuchte, die Massen vom Protestantismus abzulenken. Die erneute Förderung der bildenden Künste und der Architektur war ein wesentliches Merkmal dieser Propagandakampagne und führte in beiden Bereichen zu einem pompösen und theatralischen Stil. Dieser neue Stil, der als Barock bezeichnet wurde, war im Wesentlichen die Krönung des dramatischen Manierismus.

Die barocke Architektur nutzte das theatralische Potenzial der städtischen Landschaft voll aus. Ein Beispiel dafür ist der Petersplatz (1656-67) in Rom vor der Kuppel des Petersdoms. Sein Architekt, Gianlorenzo Bernini (1598-1680), hat den Zugang zum Dom mit einer Reihe von sich ausdehnenden Kolonnaden versehen, die dem Besucher den Eindruck vermitteln, von den Armen der katholischen Kirche umarmt zu werden. Der gesamte Zugang ist in einem gigantischen Maßstab gebaut, um ein Gefühl der Ehrfurcht zu erwecken.

In der Malerei war der größte Vertreter der katholischen Kunst der Gegenreformation Peter Paul Rubens (1577-1640) – „Prinz der Künstler und Maler der Prinzen“. Andere führende katholische Künstler waren Diego Velázquez (1599-1660), Francisco Zurbarán (1598-1664) und Nicolas Poussin (1594-1665).

Im protestantischen Nordeuropa war das Barockzeitalter durch die Blüte der Genremalerei des niederländischen Realismus gekennzeichnet, eines Stils, der den neuen bürgerlichen Auftraggebern von kleinen Interieurs, Genrebildern, Porträts, Landschaften und Stillleben besonders entgegenkam. Es entstanden mehrere Schulen der niederländischen Malerei des 17. Jahrhunderts, darunter die Schulen von Haarlem, Delft, Utrecht und Leiden. Zu den führenden Teilnehmern gehörten zwei unsterbliche Maler, Rembrandt (1606-1669) und Jan Vermeer (1632-1675), sowie Frans Snyders (1579-1657), Frans Hals (1581-1666), Adrian Brouwer (1605-1638), Jan Davids de Heem (1606-1684), Adrian van Ostade (1610-1685), David Teniers der Jüngere (1610-1690), Gerard Terborch (1617-1681), Jan Sten (1626-1679), Pieter de Hooch (1629-1683), und die Landschaftsmaler Elbert Koeip (1620-1691), Jacob van Reisdal (1628-1682), Meindert Hobbema (1638-1709) und andere.

Die Kunst des Rokoko (1700-1789)

Dieser neue Stil der dekorativen Kunst, bekannt als Rokoko, beeinflusste vor allem die Innenarchitektur, aber auch die Architektur, die Malerei und die Bildhauerei waren davon betroffen. Das Rokoko, das im Wesentlichen eine Reaktion auf die Ernsthaftigkeit des Barocks war, war ein unbeschwerter, fast skurriler Stil, der am französischen Hof des Schlosses von Versailles entstand und sich dann in ganz Europa verbreitete. Die Designer des Rokoko nutzten die ganze Bandbreite von Putz, Fresken, Wandteppichen, Möbeln, Spiegeln, Porzellan, Seide und anderen Verzierungen, um den Hausbesitzern ein umfassendes ästhetisches Erlebnis zu bieten. In der Malerei wurde der Rokoko-Stil von den französischen Künstlern Watteau (1684-1721), Fragonard (1732-1806) und Boucher (1703-1770) vertreten. Die bemerkenswertesten Werke schuf jedoch der Venezianer Giambattista Tiepolo (1696-1770), der mit seinen fantastischen Wand- und Deckenfresken das Rokoko auf eine neue Stufe stellte. Schauen Sie sich insbesondere die Renaissance des französischen Kunstgewerbes (1640-1792) an, das von französischen Designern geschaffen wurde, vor allem in Form von französischen Möbeln, in Versailles und anderen königlichen Schlössern im Stil von Louis Quatorre (XIV), Louis Quinze (XV) und Louis Ciz (XVI). Wie dem auch sei, das Rokoko symbolisierte den dekadenten Müßiggang und den Niedergang der französischen Aristokratie. Aus diesem Grund wurde es von der Französischen Revolution hinweggefegt, die einen neuen, strengeren Neoklassizismus einführte, der mehr dem Zeitalter der Aufklärung und der Vernunft entsprach.

Neoklassische Kunst (Blütezeit um 1790-1830)

In der Architektur leitet sich der Neoklassizismus von den zurückhaltenderen „klassischen“ barocken Formen ab, die in England von Sir Christopher Wren (1632-1723) praktiziert wurden, der die St. Paul’s Cathedral entwarf. Dieser Stil, der ebenfalls auf die klassischen Ordnungen der griechisch-römischen Antike zurückgeht, zeichnet sich durch monumentale, von Säulen getragene Bauwerke aus, die von klassischen Renaissance-Kuppeln gekrönt werden. Durch Neuerungen wie geschichtete Kuppeln verliehen sie Palästen, Kirchen und anderen öffentlichen Gebäuden zusätzliche Pracht. Zu den bemerkenswerten neoklassizistischen Gebäuden gehören: Panthéon (Kirche St. Genevieve) (Paris) entworfen von Jacques Germain Soufflot (1756-1797), Arc de Triomphe (Paris) entworfen von Jean Chalgren, Brandenburger Tor (Berlin), entworfen von Carl Gottard Langhans (1732-1808), und das Gebäude des Kapitols der Vereinigten Staaten, entworfen von dem Engländer Benjamin Henry Latrobe (1764-1820) und später von Stephen Hallett und Charles Bulfinch. Siehe auch die Epoche der amerikanischen Kolonialkunst (1670-1800).

Auch die Künstler des Neoklassizismus ließen sich von der klassischen Antike inspirieren und betonten die Tugenden des Heldentums, der Pflicht und der Ernsthaftigkeit. Der französische politische Maler Jacques-Louis David (1748-1825), der deutsche Porträt- und Historienmaler Anton Raphael Mengs (1728-1779) und der französische Meister des akademischen Kunststils, Jean Auguste Dominique Engrès (1780-1867), sind die bekanntesten Beispiele. Neoklassizistische Bildhauer: Antonio Canova (1757-1822), Bertel Thorvaldsen (1770-1844) und Jean-Antoine Houdon (1741-1828).

Mehr über die Geschichte der Malerei, Bildhauerei und Architektur dieser Periode siehe: Neoklassizistische Kunst .

Die Bewegung der Romantik (Blütezeit um 1790-1830)

Im Gegensatz zu den universellen Werten, für die der Neoklassizismus eintrat, drückten die Künstler der Romantik eine persönlichere Reaktion auf das Leben aus und verließen sich mehr auf ihre Gefühle und Emotionen als auf Vernunft und Intellekt. Dieser Idealismus wurde ebenso wie der Neoklassizismus durch die Französische Revolution gefördert, so dass einige Künstler von beiden Stilen beeinflusst wurden. Die Natur war ein wichtiges Thema für die Romantiker, und der Stil wird durch die englische Schule der Landschaftsmalerei, die Pleinair-Malerei von John Constable (1776-1837), Corot (1796-1875) zusammen mit Mitgliedern der französischen Schule von Barbizon und der amerikanischen Hudson-Schule der Landschaftsmalerei, sowie dem eher expressionistischen J. M. W. Hudson (1776-1837) verkörpert. M. W. Turner (1775-1851). Der größte romantische Landschaftsmaler ist jedoch wohl Caspar David Friedrich (1774-1840). Die erzählende oder historische Malerei war ein weiteres wichtiges Genre in der Romantik: führende Vertreter sind: Francisco Goya (1746-1828), Henry Fuseli (1741-1825), James Barry (1741-1806), Théodore Géricault (1791-1824) und Eugène Delacroix (1798-1763), sowie spätere Vertreter der orientalistischen Malerei, der launischen Präraffaeliten und der Symbolisten.

Weitere Informationen über die Geschichte der romantischen Malerei und Bildhauerei finden Sie unter: Romantik in der Kunst .

Realismus (um 1845)

Mit dem Fortschreiten des neunzehnten Jahrhunderts führten das wachsende Bewusstsein für die Menschenrechte und die sozialen Auswirkungen der industriellen Revolution dazu, dass sich einige Künstler von idealistischen oder romantischen Themen abwandten, um bodenständigere Themen im realistischen Stil des Naturalismus darzustellen. Dieser neue Schwerpunkt (der von William Hogarth im 18. Jahrhundert vorweggenommen wurde, siehe Englische figurative Malerei) wurde durch den Stil des Realismus veranschaulicht, der in den 1840er Jahren in Frankreich aufkam und sich dann in ganz Europa verbreitete. Dieser neue Stil zog Künstler aller Genres an, insbesondere Gu