Synthetischer Kubismus Automatische übersetzen

Nach den Phasen der frühkubistischen Malerei und des analytischen Kubismus fand der dritte und letzte Akt der kubistischen Zusammenarbeit zwischen Georges Braque (1882-1963) und Pablo Picasso (1881-1973) in den Jahren 1912-14 statt. Dieser als synthetischer Kubismus bekannte symbolische Kunststil ist farbenfroher als die frühere analytische Form des Kubismus, bezieht eine breite Palette von Fremdmaterialien ein und wird insbesondere mit Picassos neuer Technik der Collage und Braques Papierkolles in Verbindung gebracht.

Der Spanier Juan Gris (1887-1927) trug wesentlich zur Entwicklung des neuen Stils bei. Der analytische Kubismus war eine revolutionäre Alternative zur linearen Einpunktperspektive , der synthetische Kubismus war ebenso innovativ in seiner Verwendung von Collagen und Papierkollé , die die Kluft zwischen Leben und Kunst überbrückten, indem sie Teile der realen Welt auf die Leinwand brachten. Sie betonten auch die Tatsache, dass ein Gemälde ein zweidimensionales, flaches Objekt ist und verwischten die Grenze zwischen Malerei und Skulptur.

Er hatte einen deutlichen Einfluss auf spätere Bewegungen wie Dada (ca. 1916-24) Surrealismus (ab 1924) und Pop Art (ca. 1960-75). Picassos synthetischer Kubismus fällt mit seinem Umzug vom böhmischen Montmartre nach Montparnasse zusammen und endet mit dem Ausbruch des Krieges im Herbst 1914, kurz nachdem Braque in den Krieg gezogen und Daniel-Henric Kahnweiler (der wichtigste Kunsthändler des Duos) in die Schweiz geflohen war. Als spanischer Neutraler konnte Picasso seine künstlerische Karriere in Paris fortsetzen. Er wurde schließlich von Paul Rosenberg (1881-1959), dem jüngeren Bruder des kubistischen Händlers Léonce Rosenberg (1879-1947), vertreten.

Vom analytischen zum synthetischen Kubismus

Diese neue synthetische Form der kubistischen Kunst hebt das Kompositionsprinzip des analytischen Kubismus auf. Anstatt ein Objekt in Fragmente zu zerlegen und diese dann wieder zusammenzusetzen (analytischer Kubismus), wurde das Bild aus neuen Elementen und Formen konstruiert (synthetisiert). Die beiden wichtigsten Techniken, die sie dabei einsetzten, waren die Collage (von französisch „coller“, d.h. kleben) und papier colles (von französisch, d.h. geklebtes Papier).

Ein neuer Typus der modernen Kunst entstand in zwei spezifischen Werken. In „Portugiesisch“ (1911, Kunstmuseum, Basel) führte Braque die Verwendung von Schablonenschrift ein, und im folgenden Jahr begann er mit dem Mischen von Materialien wie Sand und Sägemehl mit Farbe zu experimentieren, um interessante Strukturen zu schaffen.

Picasso schuf seine erste Collage ) Stillleben mit Stühlen, 1911-12, Picasso-Museum, Paris), in die er ein Stück Serviette und ein Seil einfügte, worauf Braque reagierte, indem er Stücke von bedrucktem oder dekorativem farbigem Papier auf seine Gemälde klebte, und zwar auf genau dieselbe Weise wie in der Collage, mit dem Unterschied, dass die Form der eingeklebten Papiere ein eigenständiges Objekt war. Zum ersten Mal verwendete er papier colles in „Obstschale und Glas“ (1912, Privatsammlung).

Synthese zur Schaffung moderner Kunst

Dieser Prozess der Integration von Fetzen alltäglicher Materialien (Zeitungsausschnitte, Fahrkarten, Tabakverpackungen usw.) in Gemälde markiert eine Abkehr vom strengen Intellektualismus des analytischen Kubismus hin zu einer entspannteren und skurrileren Ästhetik.

Die Theorie war, dass die Gemälde durch die Einführung physischer Elemente des wirklichen Lebens realer „wurden“. Darüber hinaus war die Verwendung von alltäglichem Müll ein bewusster Angriff auf die überlegene Bildsprache und die hohen Gedanken der bildenden Kunst . Die Einbeziehung dieser Gegenstände suggerierte, dass Kunst mit Schere und Kleber ebenso leicht geschaffen werden konnte wie mit Pinsel und Farbe - ein für die damalige Zeit befreiender und höchst unkonventioneller Ansatz.

Das gewählte Genre war hauptsächlich das Stillleben, und eine offensichtliche Folge ihres Bemühens um eine größere Oberflächensättigung war, dass Braque und Picasso (und insbesondere Juan Gris) die Farbe wieder in ihre Malerei einführten.

Realität oder Illusion

Beide Künstler waren von ihren unechten Texturen und Oberflächen fasziniert. Vor allem Picasso nutzte die Collage, um die Betrachter mit witzigen Verwandlungen von Alltagsgegenständen zu unterhalten, und machte sich den skurrilen Charakter dieses Mediums zunutze. Obwohl er zu den Erfindern des Kubismus gehörte, ist man der Meinung, dass sein Sinn für Humor ihn daran hinderte, die Bewegung so ernst zu nehmen wie etwa Apollinaire oder Albert Gleizes und Jean Metzinger, deren Buch Du Cubisme (1912) dazu beitrug, den Kubismus als ultra-intellektuelle Kunstform zu etablieren.

Schließlich machte das einfache Aufkleben von Müll auf ein Gemälde dieses nicht unbedingt realer. In der Tat wurden viele Materialien verwendet, um die Illusion der Realität zu erzeugen - genau das, was Picasso und Braque an der traditionellen bildenden Kunst kritisierten, die sich auf die Einpunktperspektive stützte.

Im Allgemeinen jedoch nehmen die meisten Kunstkritiker den synthetischen Kubismus sehr ernst und messen der Verwendung von kunstfremden Materialien große Bedeutung bei. Sie betrachten diesen Stil als Ausgangspunkt für eine Reihe von Junk-Art-Bewegungen und Anti-Kunst-Schulen wie Dada.

Juan Gris: Dichter des synthetischen Kubismus

Der analytische Kubismus neigt dazu, die expressiven Werte aus den Augen zu verlieren, mit Ausnahme von Normen, die zu esoterisch sind, um denjenigen viel zu bedeuten, die nicht in der Bewegung aufgehen. Darüber hinaus war die stilistische Individualität der Künstler etwas eingeschränkt. Aber der synthetische Kubismus gab jedem Künstler die Möglichkeit, seinen eigenen Weg in dem weiten allgemeinen Feld der freien Erfindung nach kubistischem Vorbild zu finden, das nun durch eine neue Art der Formdarstellung eröffnet wurde.

Die Farbe ist nun wieder in Kraft, manchmal bezogen auf die natürlichen Farben der formalen Motive, manchmal willkürlich. Die Formen der Gegenstände werden als Grundlage für Improvisationen, Erfindungen, ehrgeizige oder spielerische Kompositionen in beliebigen Kombinationen und Zusammenstellungen abstrakter Formen verwendet, die von der Phantasie erfunden werden und keinen Regeln oder Theorien gehorchen.

Während der analytische Kubismus darauf abzielte, „die Objekte zu demontieren“ oder zu dekonstruieren, zielte der synthetische Kubismus darauf ab, sie zu rekonstruieren oder „zu synthetisieren“. In dieser Phase der Entwicklung des Kubismus wurde Juan Gris zum Dichter der Bewegung. Juan Gris (1887-1927), geboren als José Victoriano González, war wie Picasso ein Spanier, der die akademische Routine seines Landes hinter sich ließ und im Alter von 19 Jahren nach Paris kam.

Für eine Interpretation einiger der großen kubistischen Gemälde von Picasso und anderen siehe: Analysen moderner Gemälde (1800-2000).

In der typischen „Gris Fruit Dish“ (1916, Philadelphia Museum of Art) ist es leicht, die allgemeine Form des Kompotts mit Boden, Hals und Schale zu erkennen und das farbige Figurenpaar als Fruchtstücke zu identifizieren. Auch die Tischplatte und sogar so etwas wie der Schatten der Schale rechts vom Sockel sind zu erkennen.

Die rechteckige Form, die durch den dreifachen Umriss im Hintergrund umrissen wird, könnte eine Wiederholung der Form des Tisches sein oder durch die Serviette oder das Deckchen angedeutet werden. Oder es könnte sich um den Rahmen für ein Gemälde an der Wand handeln. Keine der Formen muss in einem bestimmten Detail erkennbar sein, aber jede wird mit Einfallsreichtum gespielt, und die Formen werden auf die ornamentalste Weise gemalt, um eine Kombination von Formen und Farben zu schaffen, die nicht erreicht worden wäre, ohne zuerst das Rätsel des analytischen Kubismus zu lösen, aber nun von ihm abzweigt.

In „Offenes Fenster“ (1917, Philadelphia Museum of Art) können wir sehen, dass das Fenster oder das, was wir als Fenstertür bezeichnen würden, auf einen Balkon mit einem Baum dahinter führt. Man könnte sogar sagen, dass die langen Doppeltüren Dreifachtüren sind. Auf der linken Seite des Gemäldes ist die linke Tür mit vergleichbarem Realismus dargestellt.

Auf der rechten Seite sind die Formen zerklüfteter, aber das Stück Stoff, das mit großen Punkten gesprenkelt und über den unteren Flügel gerafft ist, ist sofort zu erkennen. Das Gemälde ist von einer sanften, ruhigen Stimmung erfüllt, die die Assoziation eines angenehmen Zimmers mit einem Fenster, das auf die Bäume blickt, aufrecht erhält. Es besteht aus einfachen Formen, deren Farben von sanften Blautönen, Grautönen und verändertem Weiß dominiert werden.

Im synthetischen Kubismus konnten Formen und Farben nur durch das Empfinden des Künstlers bestimmt werden; die Malerei kehrte somit zu ihrer alten Grundlage zurück - der Reaktion des Künstlers auf die Welt und deren Interpretation in farbigen Formen. Aber sie kehrte mit einem neuen Vokabular zurück, einem Vokabular, das flexibler war, als es der analytische Kubismus versprochen hatte.

Der synthetische Kubismus beschränkt den Künstler auf nichts anderes als auf die Zwänge seines eigenen Erfindungsgeistes. Obwohl für einen Laien alle kubistischen Gemälde gleich aussehen und die Vorstellung, dass eine Form des Kubismus poetischer ist als eine andere, absurd erscheinen mag, wird die poetische Qualität von Grieses Gemälden deutlich, wenn man die oberflächlichen Ähnlichkeiten aller kubistischen Gemälde ausblendet. Selbst als er analytischer arbeitete, bestand Griese stets darauf, dass ein hohes Maß an Wiedererkennbarkeit in einem Gemälde beibehalten werden müsse, auch wenn der Künstler sich mit der kubistischen Zerstörung und dem Wiederzusammensetzen von Formen beschäftigte, um neue Strukturen zu schaffen.

In den Händen von Picasso und Braque gab der analytische Kubismus die Anziehungskraft des Sujets auf, die Antwort auf die Welt, die die Grundlage des Impressionismus war und sich in den Werken von Cézanne, Gauguin, Van Gogh und Serat in Variationen fortsetzte. Stattdessen wurde das Sujet auf eine kleine Liste von Motiven reduziert, die eng mit dem Atelier oder dem Café als Erweiterung des Ateliers verbunden sind, wie Tische mit Obstschalen und Weingläsern, einige Musikinstrumente und posierende Modelle. Aber Gries stattet diese Motive oft mit persönlicheren Assoziationen aus.

Offenes Fenster ist eine von mehreren Erinnerungen an sein Viertel in der Rue Ravignan, wo eine Gruppe von Schriftstellern und Künstlern ein unansehnliches altes Gebäude namens Bateau-Lavoir bewohnte. Picasso lebte dort eine Zeit lang. Für die Pariser Vertreter der Avantgarde wurde das Bateau-Lavoir zu einer Art Club, der in der Tradition der Brasserie des Martyrs Courbet und des Café Guerbois der Impressionisten stand und in dem Ideen formuliert und diskutiert wurden.

Aber das assoziative Interesse von „Offenes Fenster“ reicht nicht aus, um das poetische Gefühl zu erklären, das es durchdringt. Dieses Gefühl ist in Gris’ Werk auch dann vorhanden, wenn die Bilder aus der üblichen kubistischen Motivliste bestehen, wie in Violine (1916, Kunstmuseum, Basel). Typischerweise sind die Farben weicher, die Formen ruhiger, ihre Kombinationen heiterer als bei Gris’ Kubistenkollegen, und in diesen abstrakten Elementen und nicht in den konkreten evokativen Elementen liegt die Poesie von Gris. Er ist der Coro des Kubismus.

Die größten Gemälde des synthetischen Kubismus

Es folgt eine kurze Auflistung einiger der besten Werke des synthetischen Kubismus von Pablo Picasso, Georges Braque und Juan Gris.

Pablo Picasso :
Stillleben mit einem Erbsenstuhl (1911-12) Picasso-Museum, Paris.
Musikinstrumente (1912) Eremitage-Museum, St. Petersburg.
Klarinette und Geige (1913) Eremitage-Museum, St. Petersburg.
Komposition mit geschnittener Birne (1914) Eremitage, St. Petersburg.
Komposition mit Weintraube und aufgeschnittener Birne (1914) Eremitage, St. Petersburg.
Frau im Hemd, sitzend in einem Sessel (1913-14) Privatsammlung.
Ein Gasthaus (1914) Eremitage Museum, St. Petersburg.
Glaswürfel und Zeitung (1914) Picasso-Museum, Paris.
Trompete, Glas, Kreuz-Ass, Bassflasche, Gitarre, „Ma Joly“, Würfel (1914) Berlin.
Geige (1915) Picasso-Museum, Paris.
Harlekin (1915) Museum of Modern Art, New York.
Mann mit Pfeife (1915) Art Institute of Chicago.
Frau mit Gitarre (1915) Norton Simon Foundation, Los Angeles.
Drei Musiker (1921) Museum of Modern Art, New York.

Georges Braque :
Der Portugiese (1911) Kunstmuseum, Basel.
Obstschale und Glas (1912) Privatsammlung.
Frau mit Gitarre (1913) Musee National d’Art Moderne.
Flasche, Zeitung, Pfeife und Glas (1913), Privatsammlung, New York.
Klarinette (1913) Sammlung Peggy Guggenheim.
Geige und Trompete (1913), Nationalmuseum für moderne Kunst, Paris.
Junge Frau mit Gitarre (1913), Nationales Museum für Moderne Kunst, Paris.
Glas, Karaffe und Zeitungen (1914), Privatsammlung, Basel.
Stilleben auf einem Tisch (1914), Nationalmuseum für moderne Kunst, Paris.
Stilleben (1914), Art Institute of Chicago.
Geige (1914), Cleveland Museum of Art.
Café Bar (1919), Kunstmuseum, Basel.

Juan Gris
Obstteller (1916) Philadelphia Museum of Art.
Geige (1916) Kunstmuseum, Basel.
Obstteller, Buch und Zeitung (1916) Privatsammlung.
Offenes Fenster (1917) Philadelphia Museum of Art.

Für Werke anderer Kubisten wie Fernand Léger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941), siehe Kubistische Künstler .

Künstler des zwanzigsten Jahrhunderts
Für eine Kurzübersicht, siehe: Künstler des zwanzigsten Jahrhunderts .

ABSTRACT
Für eine Liste der Stile und Epochen siehe: Strömungen in der abstrakten Kunst .

ENTWICKLUNG DER VISUELLEN KUNST
Für mehr über Bewegungen und Stile in der Kunst, siehe: Geschichte der Kunst . Für Chronologie und Daten, siehe: Chronologie der Kunstgeschichte .

DIE GRÖSSTE KUNST DER WELT
Liste der 10 größten Maler und Bildhauer: Die größten Maler aller Zeiten .

WIE MAN KUNST SCHÄTZEN KANN
Um zu lernen, wie man Gemälde schätzt, sowohl für Lehrer als auch für Kunststudenten, siehe Artikel: Art Appreciation: how to appreciate art .