Surrealismus Kunstbewegung Automatische übersetzen

Der Surrealismus war eine modische künstlerische Bewegung in der Zwischenkriegszeit und die letzte große künstlerische Bewegung, die mit der Ecole de Paris (Pariser Schule) in Verbindung gebracht wurde, von wo aus sie sich in ganz Europa ausbreitete und zu einer der einflussreichsten Schulen oder Stile der Avantgardekunst wurde. Sein Name leitet sich von dem Ausdruck Drame surrealiste ab, dem Untertitel eines Theaterstücks des Schriftstellers und Kunstkritikers Guillaume Apollinaire (1880-1918) aus dem Jahr 1917. Der Surrealismus entwickelte sich aus der nihilistischen „kunstfeindlichen“ Bewegung des Dadaismus, dessen Teilnehmer größtenteils zu Surrealisten wurden. Obwohl der Surrealismus ebenso „revolutionär“ wie der Dadaismus war, war der Surrealismus weniger offen politisch und vertrat eine positivere Philosophie, die André Breton wie folgt zusammenfasste: "Das Denken drückt sich in Abwesenheit jeglicher Kontrolle durch die Vernunft und jenseits aller moralischen und ästhetischen Überlegungen aus" .

Anfänglich konzentrierte sich die Bewegung auf die Literatur, aber sie breitete sich schnell auf die Malerei, die Bildhauerei und andere Formen der modernen bildenden Kunst aus. Die surrealistischen Künstler versuchten, eine völlig neue Art von Bildern zu schaffen, indem sie die schöpferische Kraft des Unbewussten freisetzten.

Was ist Surrealismus? – Merkmale

Alle möglichen Techniken und Phänomene wurden eingesetzt, um diese unbewusste Kreativität zu erreichen, darunter Träume, Halluzinationen, automatische oder zufällige Bilderzeugung – im Grunde etwas, das die üblichen „rationalen“ Denkprozesse umging, die bei der Schaffung von Kunstwerken zum Tragen kommen. (Siehe Automatismus in der Kunst) für weitere Einzelheiten. Der rationale Ansatz (der überholte bürgerliche Werte widerspiegelt) wurde von den surrealistischen Theoretikern als grundlegend reaktionär, unwahr und extrem einschränkend abgelehnt.

Es überrascht nicht, dass der Surrealismus in seinem Bestreben, Kunstwerke zu schaffen, die nicht vom bürgerlichen Rationalismus befleckt sind, viele unglaublich innovative, aber oft bizarre und manchmal unverständliche Kompositionen hervorbrachte. Doch trotz seiner Absurdität war (und ist) der Surrealismus für Künstler und Publikum gleichermaßen sehr attraktiv. Mit seinen ikonischen Gemälden und seinem Einfluss auf die moderne Kunst hat sich der Surrealismus in der Tat als eine der beständigsten Bewegungen des 20.

Wer hat den Surrealismus begründet?

Der Schriftsteller André Breton (1896-1966), der den Spitznamen „Papst des Surrealismus“ trägt, war der Gründer und Haupttheoretiker der Bewegung. Er führte den neuen Stil in seinem ersten Manifest von 1924 ) Manifeste du Surrealisme) und später in seinem Bulletin für Malerei ) Surrealisme et la Peinture) ein und definierte ihn. Als ehemaliger Dadaist bedauerte Breton den nihilistischen und destruktiven Charakter des Dadaismus, griff jedoch auf viele Ideen des Dadaismus zurück, um eine Bewegung mit einer konsequenten, wenn auch doktrinären Philosophie zu schaffen, von der er keine Abweichung zuließ und rebellische Mitglieder nach eigenem Ermessen ausschloss. Bretons Gesamtziel war in der Tat höchst revolutionär. Er strebte nichts Geringeres als eine völlige Veränderung der Denkweise der Menschen an. Indem er die Barrieren zwischen ihrer inneren und äußeren Welt niederreißt und ihre Wahrnehmung der Realität verändert, will er das Unbewusste befreien, es mit dem Bewusstsein versöhnen und die Menschheit von den bürgerlichen Fesseln der Logik und der Vernunft befreien, die bisher nur zu Krieg und Herrschaft geführt haben.

ENTWICKLUNG DER VISUELLEN KUNST
Mehr über Trends und Stile in der Kunst siehe: Geschichte der Kunst . Eine Chronologie der wichtigsten Ereignisse in der Entwicklung der bildenden Künste auf der ganzen Welt und deren Daten finden Sie unter: Chronologie der Kunst .

SCULPTURE
Für Informationen über dreidimensionale Kunst und berühmte Bildhauer siehe: Die Kunst der Bildhauerei .

Andere führende Aussteller

Mehrere führende Pariser Surrealisten waren ehemalige Dadaisten, wie Max Ernst (1891-1976), Man Ray (1890-1976), Francis Picabia (1879-1953) und Jean Arp (1887-1966), aber die Bewegung wurde auch von berühmten Künstlern wie Juan Miró (1893-1983), René Magritte (1898-1967) und Salvador Dalí (1904-1989) vorangetrieben. Weitere wichtige Persönlichkeiten waren Antonin Artaud (1896-1948), Paul Delvaux (1897-1994), André Masson (1896-1987), Yves Tanguy (1900-1955), Pierre Roy (1880-1950) und Maurice Escher (1898-1972), sowie Tristan Tzara (1896-1963), Meister verschiedener Kunstformen Luis Buñuel (1900-1983), Alberto Giacometti (1901-1966), Robert Matta (1911-2002), Russell Drysdale (1912-81) und Hans Bellmer (1902-1975).

Andere Künstler des 20. Jahrhunderts, die den Surrealismus für sich beanspruchen, ob sie ihn mögen oder nicht: Pablo Picasso (1881-1973), Marc Chagall (1887-1985) und Paul Klee (1879-1940). Zu den führenden amerikanischen Surrealisten gehören Frederick Kiesler (1896-1965), Enrico Donati (1909-2006), Arshile Gorky (1905-48) und Joseph Cornell (1903-73).

Surrealistische Künstler

Trotz der Verurteilung von Frauen in zahlreichen surrealistischen Werken gab es mehrere wichtige surrealistische Künstlerinnen, insbesondere Valentina Hugo (1887-1968), Eileen Agar (1899-1991), Frida Kahlo (1907-1954), Leonore Feeney (1908-1996), Jacqueline Breton (1910-2003), Dorothea Tanning (geb. 1910), Louise Bourgeois (1911-2010), Meret Oppenheim (1913-1985), und Lenora Carrington (geb. 1917).

Die Ursprünge und der Einfluss des Surrealismus

Der größte intellektuelle Einfluss auf die surrealistische Philosophie waren die Theorien von Sigmund Freud (1856-1939), Wiener Neurologe und Begründer der Psychoanalyse . Breton und andere Surrealisten waren sehr beeindruckt von Freuds Ansichten über das Unbewusste, von dem sie annahmen, dass es eine wichtige Quelle für ungenutzte Gemälde und Bilder sein würde. Sie nutzten seine Theorien, um die Grenzen zwischen Fantasie und Realität zu verwischen und eine Reihe störender Triebe wie Angst, Begierde und Erotisierung zu eliminieren.

In ihrer Kunst ließen sich die Surrealisten von einer Vielzahl von Quellen inspirieren. Im Wesentlichen wollten sie Kunst, die man bewundern kann – etwas Mystisches. Was die europäische Tradition der bildenden Kunst anbelangt, so ziehen sie die Obsession und die Exzentrik der Phantasie der rationalen akademischen Arbeit vor.

Besonders beliebt waren die detaillierten Fantasien von Hieronymus Bosch (1453-1516), die bedrohlichen Stiche von Gefängnissen von Giovanni Battista Piranesi (1720-1778) und die dramatischen Alptraumbilder des Schweizer symbolistischen Malers Henri Füssli (1741-1825). Jahrhunderts lehnten die Surrealisten den Impressionismus als zu naturalistisch ab und bevorzugten die Werke der Präraffaeliten und der Symbolisten, wie die alptraumhaften Drucke und Gemälde von Max Klinger (1857-1920) und den lebhaften Primitivismus von Paul Gauguin . Breton war insbesondere von den visionären Gemälden des arbeitswütigen Historikers Gustave Moreau (1828-1898) beeindruckt. Der Kubismus wurde ebenfalls als zu logisch abgelehnt (mit Ausnahme von Picassos berühmtem Meisterwerk Les Demoiselles d’Avignon (1907). Neben dem Dadaismus gab es zwei weitere wichtige Einflüsse auf den Surrealismus, zumindest auf seinen figurativen Flügel, nämlich die Bewegung des Symbolismus des 19. Jahrhunderts und die italienische Schule der metaphysischen Malerei, die von Giorgio de Chirico (1888-1978) begründet wurde.

Der Symbolismus mit seinen esoterischen Bezügen und versteckten oder unbewussten Bedeutungen war eine wichtige Quelle für Bilder und Formen. Das Werk von René Magritte wurde sogar als „Symbolismus Freud“ bezeichnet. Chiricos verstörende Kompositionen von verlassenen italienischen Plätzen (z. B. „Das Geheimnis und die Melancholie der Straße“, 1914) mit übertriebenen Perspektiven, irrationalen Schatten, Gegenständen und Menschen in falscher Größe enthielten eine Atmosphäre unverständlicher Bedrohung. Nach Breton, der ihn sehr bewunderte, gilt Chirico als der wichtigste Vorläufer des Surrealismus. Der wichtigste und unmittelbarste Einfluss auf die Bewegung war jedoch der Dadaismus: wegen seines anti-ästhetischen Ansatzes, seiner Entschlossenheit, die vorherrschende bürgerliche Kunsttradition zu zerstören, und seiner innovativen Methoden.

ANMERKUNG. Für Informationen über andere wichtige historische Kunstbewegungen, wie den Surrealismus, siehe In „Künstlerische Bewegungen und Schulen“ (ab ca. 100 v. Chr.).

Geschichte der surrealistischen Bewegung

Der Surrealismus entstand in Paris und wurde zu einem festen Bestandteil der avantgardistischen Kunstwelt (deren Zentrum die französische Hauptstadt war). In den 1930er Jahren verließen einige Anhänger die Bewegung und andere schlossen sich ihr an. Während des Krieges flüchteten viele Teilnehmer nach Amerika, wo sie einen bedeutenden Einfluss auf die moderne Kunst in den Vereinigten Staaten ausübten, bevor sie in den späten 1940er – frühen 1950er Jahren nach Paris zurückkehrten.

Paris

Die Surrealisten, die sich selbst als Revolutionäre im Geiste des Dadaismus betrachteten, fühlten sich von den befreienden Philosophien des Sozialismus und des Kommunismus angezogen, mit denen sie erfolglos versuchten, ein Bündnis zu schmieden, sowie von den Organisationsstrukturen sowjetischen Stils. Sie veröffentlichten 1924 ihr erstes Manifest und gründeten gleichzeitig das Büro für surrealistische Studien sowie eine respektlose, skandalöse Zeitschrift namens La Révolution Surréaliste (1924-9). Die meisten der frühen Diskussionen, der Austausch und die Zusammenführung von Ideen fanden in Cafés statt. Obwohl die Bewegung anfangs vor allem literarisch geprägt war, breitete sie sich schnell auf die bildende Kunst aus (Breton warb eifrig um Picasso, jedoch ohne Erfolg), und seine erste Ausstellung von Gemälden – La Peinture Surrealiste – wurde 1925 in der Galerie Pierre veranstaltet. Die Galerie Surréaliste eröffnete mit einer Ausstellung des Fotografen Man Ray. In den späten 1920er Jahren blühte die Bewegung in Paris weiter auf und wurde zur vorherrschenden Schule unter den Avantgarde-Künstlern der Stadt in allen Bereichen der Kunst.

Der Surrealismus der 1930er Jahre

In den 1930er Jahren trat die Bewegung mit großen Ausstellungen in Brüssel, Kopenhagen, London, New York und Paris auf die internationale Bühne. Sie wurde schnell zu einem weltweit populären Phänomen mit Ablegern in England, der Tschechoslowakei, Belgien, Ägypten, Dänemark, Japan, den Niederlanden, Rumänien und Ungarn.

Die einprägsamsten surrealistischen Gemälde, die der Welt von Salvador Dalí und René Magritte geschenkt wurden, die zwischen 1930 und 1935 den visuellen Stil des Surrealismus prägten, einen Stil, der darauf abzielte, die psychologische Wahrheit zu erforschen, indem gewöhnliche Gegenstände aus ihrem normalen Kontext herausgelöst wurden, um ein fesselndes Bild zu schaffen. Dalis schmelzende Uhren (z. B. in „Konstanz der Erinnerung“) und Yves Tanguys geschmolzene Formen und flüssige Gestalten (z. B. in „Der Palast des Kaps“) wurden zu erkennbaren Merkmalen des neuen Stils. Auch wenn die philosophischen und intellektuellen Bestrebungen nicht verwirklicht werden konnten, haben ihre Bilder die Phantasie des Publikums beflügelt. Die Traumbilder spiegelten sich in allen Bereichen wider, von der bildenden Kunst, der Fotografie und dem Film bis hin zu Modedesign, Werbung usw. Auch die angewandte Kunst (z. B. Dalis Hummertelefon, Mae Wests Lippensofa, Meret Oppenheims pelzbesetzte Teetasse) blieb nicht außen vor. Die gleiche Sehnsucht nach Glamour und Eskapismus, die in den 1930er Jahren zur Popularität des Art Déco führte, zog auch die Öffentlichkeit zum Surrealismus.

Die Surrealisten-Ausstellung London International, die der Kunsthistoriker Herbert Read 1936 organisierte, stellte den Höhepunkt des Rufs und des Einflusses des Surrealismus dar. Im selben Jahr veranstaltete das New Yorker Museum of Modern Art eine große Ausstellung mit dem Titel „Fantastic Art, Dadaism and Surrealism“. Die letzte große Ausstellung der 1930er Jahre, die Internationale Surrealisten-Ausstellung (entworfen von Marcel Duchamp), fand 1938 in der Galerie des Beaux-Arts in Paris statt. Am Eingang wurden die Besucher in Abendgarderobe mit einem Blick auf „Dalis Regentaxi“ begrüßt - ein altes Taxi, das so ausgestattet war, dass Wasserstrahlen an den Innenseiten der Fenster herunterliefen, und in dem sich auf dem Fahrersitz eine Figur mit Haifischkopf und auf dem Rücksitz eine blonde Schaufensterpuppe mit lebenden Schnecken befanden. Im Inneren war das Foyer des Ausstellungsraums wie das Innere einer dunklen Höhle dekoriert, mit über tausend von der Decke hängenden Kohlensäcken, die von einer einzigen Glühbirne beleuchtet wurden. Die Besucher erhielten Taschenlampen, um die Exponate zu betrachten. Auf dem Boden lag ein Teppich aus toten Blättern und anderen Pflanzen. Es überrascht nicht, dass die Besucher empört waren – sehr zur Freude der Organisatoren.

Der Surrealismus während des Zweiten Weltkriegs

Bis 1939 waren viele der wichtigsten Surrealisten, darunter André Breton, Max Ernst und André Masson, in den Vereinigten Staaten gut vertreten. Dank des amerikanischen Einflusses und der Kontakte, die Marcel Duchamp während seiner früheren Besuche in Amerika geknüpft hatte, und der Heirat zwischen Max Ernst und der millionenschweren Kunstsammlerin Peggy Guggenheim im Jahr 1941 waren sie sehr einflussreich und gewannen neue Unterstützer wie Dorothea Tanning, Frederick Kiesler, Enrico Donati, Arshile Gorky und Joseph Cornell. Obwohl die vorherrschende amerikanische Kunstschule der 1940er Jahre der Abstrakte Expressionismus war, finden sich in ihren frühen Werken eine Reihe surrealistischer (und dadaistischer) Merkmale. In der Tat wurde ein Großteil der spätmodernen und zeitgenössischen amerikanischen Kunst (z. B. Pop Art, Assembly Art, Installation, Conceptual Art, Performance Art) auf die eine oder andere Weise vom Surrealismus inspiriert.

Surrealismus in Großbritannien

Britische Künstler nahmen sich den Surrealismus ab 1936, wenn nicht schon früher, so doch vor allem in den 1940er Jahren zu Herzen. Der Bildhauer Henry Moore (1898-1986) interessierte sich für biomorphe Figuren, während Lucian Freud (geb. 1922), Enkel des surrealistischen Mentors Sigmund Freud, Francis Bacon und Paul Nash mit surrealistischen Techniken experimentierten. Ihr entschiedenster und konsequentester Verfechter war jedoch der britische Künstler Conroy Maddox (1912-2005), der 1978 bemerkte: "Keine andere Bewegung könnte mehr über den Zustand des Menschen aussagen."

Der Surrealismus der Nachkriegszeit.

Obwohl André Bretons Rückkehr nach Paris nach dem Krieg eine neue Phase surrealistischer Aktivitäten einleitete, war die außerordentlich deprimierte Stimmung des Nachkriegsfrankreichs nicht empfänglich für Launenhaftigkeit oder Satire. Stattdessen sah sich Breton den Angriffen ehemaliger Mitglieder wie Tristan Tzara und des neuen Führers der Avantgarde, des Philosophen Jean-Paul Sartre, ausgesetzt, die ihn für seinen törichten Optimismus verdammten. Trotzdem fanden 1947 und 1959 in Paris große surrealistische Ausstellungen statt, und die surrealistischen Ideen und Methoden prägten zahlreiche Kunstbewegungen der Nachkriegszeit. Für einen südamerikanischen Künstler, der von dieser Bewegung beeinflusst wurde, siehe Fernando Botero (geb. 1932). Zu einem kanadischen Künstler, dessen Werk Anleihen beim surrealistischen Kanon macht, siehe den Artikel über den magischen Realisten Alex Colville (geb. 1920).

Die Pop Art war ein weiteres Nebenprodukt des Surrealismus. Siehe z. B. die satirischen Riesenobjekte von Claes Oldenburg (*1929), die deutlich an das Werk von René Magritte erinnern.

Das Ende des Surrealismus

Zwischen Kunsthistorikern und Historikern besteht keine eindeutige Einigkeit über das Ende des Surrealismus. Einige Kunsthistoriker sind der Ansicht, dass er sich nach dem Krieg aufgelöst hat; andere führen den Tod von André Breton im Jahr 1966 (oder den Tod von Salvador Dalí im Jahr 1989) als das Ende des Surrealismus als organisierte Bewegung an. Unabhängig von seinem Niedergang war (und ist) der Surrealismus als Stilrichtung bei der künstlerischen Öffentlichkeit äußerst beliebt. In New York fanden im Guggenheim Museum und im Metropolitan Museum of Art (1999, 2002) Surrealismus-Ausstellungen statt, und 2001 zeigte die Galerie Tate Modern in London eine Ausstellung surrealistischer Kunst, die 170.000 Besucher anzog. Es folgte in Europa eine große Ausstellung „La Révolution Surréaliste“ im Centre Georges Pompidou in Paris.

Surrealistische Kunststile: Figuration und Abstraktion

Im Surrealismus gab es zwei Hauptströmungen. Die eine, gegenständliche, beruhte auf der Figuration, auf der exakten Wiedergabe natürlicher Formen – in der Regel losgelöst, verschoben, nebeneinander gestellt, transponiert oder verändert von realen Situationen. Der zweite Stil des Surrealismus war abstrakt und basierte auf Bildern, die sich nicht auf natürliche Formen bezogen, sondern in hohem Maße auf Formen, die vom Unbewussten erzeugt wurden.

Figurativer Surrealismus

Der figurative oder gegenständliche Stil des Surrealismus (Verismo) kommt am erfolgreichsten in den Werken von Magritte, Dalí und Delvaux zum Ausdruck, aber auch in den Werken einiger anderer Künstler, die sich aufgrund ihrer Vielfalt und ihrer Leistungen einer Einordnung in einen bestimmten Stil entziehen. Picasso war einer, Ernst – ein anderer, Arp – ein dritter, und in den 1930er und 1940er Jahren – präsentierten Giacometti und Moore (1898-1986) ihre Vision. Darüber hinaus sei darauf hingewiesen, dass dieser Stil der surrealistischen Malerei von dem französischen Symbolisten Odilon Redon (1840-1916) vorweggenommen wurde.

René Magritte

Der bedeutendste figurative Surrealist war der Belgier René Magritte, der sich auf akademische, naturalistische, aber illusionistische Gemälde spezialisierte. Abgesehen von einem kurzen Aufenthalt in der Nähe von Paris zwischen 1927 und 1930, als er Breton traf und mit den Surrealisten ausstellte. Magritte verbrachte ein bescheidenes und fleißiges Leben in Brüssel und malte das Unmögliche mit einer ruhigen und sicheren Überzeugung. Am extravagantesten war er, wenn er konventionelle Erwartungen enttäuschte, indem er auffallende Größenunterschiede nutzte (ein Apfel füllt einen ganzen Raum; ein Zug durchbricht einen riesigen Kamin) und die Gesetze der Schwerkraft außer Kraft setzte. Seine einzigartige Wirkung wird durch die Verwendung von Alltagsgegenständen noch verstärkt. So ist zum Beispiel der Held vieler seiner späteren Gemälde, ein Mann in Stadtkleidung (Mantel, Melone, manchmal Aktenkoffer), so ausdruckslos wie eine Schneiderpuppe. Die Zweideutigkeit des Gegenstandes und seines gemalten Bildes wird immer wieder betont – das genaue Abbild einer Pfeife mit der Aufschrift „Dies ist keine Pfeife“. Seine bekanntesten surrealistischen Gemälde – „The Human Condition“ (1933) und „Red Model“ (1935).

Salvador Dalí

Im Gegensatz zu den anderen Künstlern, die im Mittelpunkt des öffentlichen Interesses standen, wurden die Leistungen Magrittes aufgrund seiner ruhigen Arbeitsweise zunächst unterschätzt. Stattdessen konzentrierte sich die öffentliche Aufmerksamkeit auf die fieberhaften Aktivitäten des Spaniers Salvador Dalí, der seit seiner ersten Verbindung mit dem Pariser Surrealismus im Jahr 1927 der wichtigste Provokateur der Bourgeoisie war. Ironischerweise gehörte Dalís Maltechnik wie die von Magritte zu den akademischen Zügen des Naturalismus des 19. Jahrhunderts, die er auf irreale Sujets anwandte, als ob sie real wären. Er arbeitete in vielen Medien, war Schriftsteller, Maler, machte Schmuckdesign, drehte Filme (mit Luis Buñuel) – aber vielleicht vor allem in diesem fantastisch schnauzbärtigen Mann, in einer beeindruckenden öffentlichen Karriere, die oft fast die gleiche war wie im Showbusiness – man spürte einen gigantischen Egozentrismus, der von einer energischen Paranoia genährt wurde. Sein Verhältnis zum offiziellen Surrealismus war anfangs euphorisch, wurde später jedoch angespannt. Berühmte surrealistische Werke von Dalí sind zum Beispiel „Konstanz der Erinnerung“ (1931), „Weiche Konstruktion mit gekochten Bohnen“ (1936) und viele andere.

Paul Delvaux

Ein anderer Belgier, Paul Delvaux, hatte ein etwas geringeres Talent, fügte aber der Palette der surrealistischen Bilder eine durchweg mysteriöse Note hinzu. In seinen denkwürdigen Gemälden stellt er eine Welt der einsamen Entfremdung dar: verlassene Vorstädte, die von Zügen und Straßenbahnen heimgesucht werden, bevölkert von schweigenden, wartenden Frauen, die sich bei näherer Betrachtung als identisch erweisen – vielleicht die lebendigste Umsetzung eines Traums oder Albtraums, die ein Surrealist erreicht hat. Er wurde jedoch nicht offiziell mit der Bewegung in Verbindung gebracht. Ebenso wenig wie Maurits Escher (1898-1972), ein Niederländer, dessen bekannteste Werke – seine brillant kalkulierten Zeichnungen – Spiele mit der Perspektive, die mit großer Präzision völlig unterschiedliche Bilder darstellen, die sich so vieldeutig durchdringen, dass das Auge nicht sagen kann, wo das eine beginnt und das andere endet.

Francis Bacon

Der irische Künstler Francis Bacon (1909-1992) muss als einer der führenden zeitgenössischen Vertreter des figurativen Surrealismus angesehen werden, obwohl Interviews darauf hindeuten, dass sein komplexes Repertoire an menschlichen Formen seinen bewussten Versuch darstellte, eine neue Art von figurativer Erzählung zu schaffen, die mit der zeitgenössischen filmischen Bildsprache in Einklang steht, sowie seine Sicht auf die Ära der Entfremdung, in der er lebte.

War der figurative Surrealismus unbewusst? Wenn nicht, war er surrealistisch?

Angesichts der Tatsache, dass diese gegenständlichen Werke sorgfältiges „rationales“ Denken erforderten, hätte man meinen können, dass sie über die Definition der surrealistischen Kunst als Produkt unbewussten Denkens hinausgingen. Offenbar nicht. Figurative Werke waren (von Breton und anderen Theoretikern) erlaubt, solange sie die normale „rationale“ Realität in Frage stellten. So wurde Magrittes Werk im akademischen Stil wegen seiner bizarren Gegenüberstellungen, die die Realität auf den Kopf stellten und eine neue Surrealität präsentierten, als surrealistisch angesehen. Auch Dalís Werke bestanden den Test, weil sie (laut Dalí) in einem halb halluzinatorischen Zustand entstanden, den er als kritische Paranoia bezeichnete. "Ich wachte bei Sonnenaufgang auf und setzte mich, ohne mich zu waschen oder anzuziehen, vor meine Staffelei…. und versuchte „wie ein Medium die Bilder zu sehen“, die in meiner Phantasie auftauchten. Wenn ich diese Bilder im Bild genau positioniert sah, zeichnete ich sie sofort an Ort und Stelle." Dalís Bilder, wie seine schmelzenden Uhren und seine bizarren halbmenschlichen Figuren, machten ihn zum berühmtesten aller surrealistischen Maler. Als er jedoch 1937 zu einem konventionelleren akademischen Stil überging, schloss Breton ihn aus der Bewegung aus. Andererseits kann man sagen, dass die surrealistische Kunst auch hochgradig gegenständliche Werke umfasste, sofern sie die Grenzen der sinnlichen Realität veranschaulichten.

Abstrakter Surrealismus

Die surrealistische Abstraktion lehnt geometrische Formen zugunsten der visuellen und emotionalen Wirkung organischer Formen der Natur ab: real (Jean Arp, André Masson, Juan Miró) oder imaginär (Yves Tanguy, Robert Matta). Die ungegenständliche Strömung des Surrealismus war nicht weniger stark ausgeprägt. Die Werke, vor allem von Jean Arp, waren häufiger ungegenständlich als ungegenständlich, aber die wichtigsten Künstler, die sich am konsequentesten von Naturphänomenen unabhängig machten, waren der Spanier Juan Miró (1893-1983) und der Franzose André Masson (1896-1987), deren Ateliers sich in Paris in unmittelbarer Nähe befanden und die sich beide 1924 der surrealistischen Gruppe von Breton anschlossen. Eine Zeit lang experimentierten beide Künstler frei mit „-automatischen“-Zeichnungen, dem visuellen Analogon der entscheidenden „-Nicht-Technik“ des surrealistischen Irrationalismus, dem „-automatischen“-Schreiben. (Ihr Zweck war es, die freie Assoziation zu ermöglichen, die notwendig ist, um einen völlig spontanen Ausdruck zu schaffen.) Aber beide Künstler fanden diese geometrische Abstraktion – ob in den starren doktrinären kubistischen Theorien von Gleizes oder in den strengen geometrischen Reduktionen von Piet Mondrian (1872-1944) – steril und unzureichend für ihre Bedürfnisse.

André Masson

Der französische Künstler André Masson, der für immer von den schrecklichen Ereignissen des Ersten Weltkriegs beeinflusst war, war besessen von der Herrschaft der Zähne und Klauen in allem Leben, ob Tier oder Mensch, und sein Werk – ist die Entfesselung der Gewalt der niederen Instinkte, wie zum Beispiel in „Schlacht der Fische“ (1926). Masson war selbst ein gewalttätiger Mensch und griff häufig Leinwände an, die er für unbefriedigend hielt. 1926 begann er, den „Zufall“ als Teil seiner Technik zu nutzen: Er streute Sand auf Leinwände, die er zuvor (zufällig) mit Leim ausgelegt hatte, und ordnete die zufälligen Konfigurationen dann sehr schnell zu losen Kunstmustern. Die so entstandenen Bilder konnten auch „gewalttätig sein“. Als sie allmählich konkreter wurden, tauchten grauenhafte Kreaturen auf. Drei Jahre später verließ er die offizielle surrealistische Bewegung und sein Werk der 1930er Jahre wurde weniger intensiv und weniger erfolgreich. Während des Zweiten Weltkriegs in Amerika kehrte er jedoch zu seinen frühen automatistischen Techniken zurück, und sein Werk aus diesen Jahren beeinflusste die spätere Entstehung der Schule des Abstrakten Expressionismus.

Juan (Joan) Miró

Der produktivste, vielseitigste, brillanteste und im Allgemeinen optimistischste Vertreter des abstrakten Surrealismus war der spanische Maler und Bildhauer Juan Miró, obwohl er selbst stets die Behauptung zurückwies, sein Werk sei abstrakt. Für ihn bedeutete jede seiner fantastischen Formen immer einen realen Gegenstand. Wie Picasso und Dalí gehörte er zu den brillanten jungen spanischen Künstlern, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts nach Paris kamen, aber im Gegensatz zu Picasso kehrte er immer wieder aus den Wirren von Paris in sein Heimatland zurück.

Am Ende des Ersten Weltkriegs arbeitete er in einem Stil des akribischen Realismus, aus dem sein reifer Stil um 1924 fast plötzlich hervorging, wie ein Schmetterling aus einer Puppe, was vor allem auf seine Kontakte zu den Surrealisten zurückzuführen war. Auch wenn einige Kunsthistoriker der Meinung sind, dass sein Werk, vor allem während und nach dem Spanischen Bürgerkrieg (1936-39), einige düstere Untertöne aufweist, werden diese durch die kindliche Fröhlichkeit, die in seinen Gemälden aufblitzt, mehr als wettgemacht. Seine abstrakten Bilder sind in der Regel biomorph, ähnlich wie die von Arp, und seine Vorstellungskraft nähert sich oft der von Paul Klee .

Obskure, aber überzeugend dargestellte Organismen nehmen Gestalt an, die durch klare Konturen und scharfe Farben definiert sind – primäre Rot-, Schwarz- und Weißtöne überwiegen, wie in „Harlekins Karneval“ (1924) gezeigt. Im Gegensatz dazu ist Mirós halbabstrakte Bildsprache in seinem berühmten Werk „Dog Barking at the Moon“ (1926) zu sehen. Miró behauptete, seine Ideen entstünden aus „einem Zustand der Halluzination, ausgelöst durch einen objektiven oder subjektiven Schock, für den ich keine Erklärung habe“. Was auch immer die Quelle sein mag, seine anfängliche Konzeption wird dann durch einen unverkennbaren Sinn für Design, Raum und Abstände zu einer seltsamen formalen Harmonie zusammengefügt.

In Spanien wandte er sich während des Zweiten Weltkriegs der Druckgrafik zu, dann der Bildhauerei und insbesondere der Keramik . In der Folgezeit zog es ihn zu monumentalen Werken und riesigen Wandmalereien, zum Beispiel für das Terrace Hilton Hotel in Cincinnati, und zu den Keramikwänden des UNESCO-Gebäudes in Paris (1958). Als ständiger Innovator war er bereit, die Möglichkeiten eines jeden Mediums zu erforschen, oft in Zusammenarbeit mit professionellen Handwerkern, und die Fruchtbarkeit seiner Visionen hat während seiner langen Karriere nie nachgelassen.

Yves Tanguy

Der surrealistische, abstrakte Maler Yves Tanguy entwickelte einen Stil von imaginären Landschaften (oder Meeresböden), die von bizarren, aber überzeugenden, halb pflanzlichen, halb tierischen Formen und amöbenartigen Organismen bevölkert sind, die der Wissenschaft bis dahin unbekannt waren und auf Halluzinationen zurückgehen. Er entwickelte mehr und mehr die Kontraste und die Vielfalt seiner Texturen, so dass seine Gemälde als eine Art metaphysisches holländisches Stillleben klassifiziert werden konnten. Die Formen wuchsen unter Tanguys Pinsel aus eigenem, geheimnisvollem Antrieb, wie er behauptete, und nicht durch irgendeinen Eingriff von seiner Seite. Tanguys Hauptwerke sind „A View of Amber“ (1929), „Palace on the Cape“ (1931), „Palace of Window Rocks“ (1942).

Jean Arp

Der ehemalige Dadaist Jean Arp, der eng mit Max Ernst befreundet war, nahm 1925 an der ersten surrealistischen Ausstellung in Paris in der Gallerie Pierre teil und leistete bis 1930 regelmäßig Beiträge zum Surrealismus. Er war zunächst für seine dadaistischen Holzreliefs, Pappausschnitte und Collagen aus zerrissenem Papier bekannt, seine surrealistischen Werke bestanden aus einfachen biomorphen Formen, die manchmal Anklänge an die primitive Kunst enthielten. Er experimentiert auch mit der automatischen Komposition (Automatismus). 1930 schloss er sich dem Cercle et Carré (Kreis und Quadrat) an, einer Pariser Diskussions- und Ausstellungsgesellschaft von (meist) geometrisch abstrakten Künstlern, und 1931 wurde er Mitglied der größeren Organisation Abstraction-Creation, einer Gruppe, mit der er begann, seine sinnlichen organisch-abstrakten Skulpturen in Marmor oder Bronze zu schaffen. Damit endete seine eher kurze Faszination für den Surrealismus. Nichtsdestotrotz war er sowohl im Dadaismus als auch im Surrealismus eine starke Figur, während sein charakteristischer Stil der biomorphen Abstraktion eine Reihe anderer Bildhauer, insbesondere Henry Moore, stark beeinflusste.

Techniken der surrealistischen Kunst

Die Surrealisten erfanden eine Reihe von Techniken, um zufällige oder „automatische“ Bilder zu schaffen. Bedeutende Pionierarbeit auf diesem Gebiet leistete der bedeutende deutsche Maler, Bildhauer, Grafiker und Dichter Max Ernst (1891-1976). Ernst, ein Mann mit immensen kreativen Fähigkeiten, heiratete zunächst eine Kunsthistorikerin, lebte dann mit der in Großbritannien geborenen surrealistischen Malerin Leonora Carrington zusammen, heiratete dann die Kunstsammlerin Peggy Guggenheim und ließ sich wieder scheiden, bevor er schließlich eine andere prominente surrealistische Künstlerin, Dorothea Tanning, heiratete. Bis zu seinem Tod schuf er weiterhin bahnbrechende Werke. Zu seinen wichtigen Werken gehören „Wald und Taube“ (1927), die Serien „La Femme 100 tetes“ (1930er Jahre), „Die ganze Stadt“ (1935) und „Immortelle“ (1966) sowie ein Schachspiel aus Glas.

Frottage
Ernst, einer der frühen Vertreter des Dadaismus und des Surrealismus, erfand die Frottage (1925) – eine Technik, um ein Bild zu schaffen, indem er ein Blatt Papier auf eine raue Oberfläche, wie gemasertes Holz oder Stein, legt und das Papier mit einem Bleistift oder einer Kreide reibt, bis die Oberflächenbeschaffenheit der darunter liegenden Substanz den Eindruck einer strukturierten Oberfläche vermittelt.

Dekalkomanie
Ernst erfand auch die Dekalkomanie, eine Technik, bei der Farbe auf das Papier gespritzt wird, gewöhnlich mit einem großen Pinsel, und dann – das noch feuchte Papier – mit einem anderen Blatt Papier bedeckt und gerieben wird. Auf diese Weise entstehen eine Reihe seltsamer Muster.

Grattage
Ernst war auch der Pionier einer Technik, die als Grattage bekannt ist. Dabei wird die bemalte Leinwand auf eine strukturierte Oberfläche (z. B. Drahtgitter oder Parkett) gelegt und die Farbe abgekratzt, um einen Abdruck zu erzeugen.

Collage
Um 1930 begann Ernst mit einer Reihe von „Collage-Romanen“, von denen der berühmteste „Une Semaine de Bonte“ („Woche des Überflusses“) ist. Indem er viktorianische Stahlstiche zerschnitt und neu anordnete, schuf er skurrile Fantasien von der sicheren bürgerlichen Welt, in der er aufwuchs.

Drip Painting
Nachdem Ernst während des Zweiten Weltkriegs nach New York gezogen war, begann er mit Farbe zu arbeiten, die aus einem oszillierenden Gefäß tropfte, – eine Methode, die möglicherweise die Arbeit von Jackson Pollock in seiner Methode des dynamischen Malens initiiert hat.

Fumage
Eine weitere surrealistische Technik war als Fumage (Rauchen) bekannt. Sie wurde erstmals von Wolfgang Paalen (1907-1959) in den späten 1930er Jahren vorgeschlagen und bestand darin, eine Kerze unter ein Blatt Papier zu stellen, um ein Rußmuster zu erzeugen. Durch Bewegen der Kerze änderte sich das Muster.

Automatisches Zeichnen
Die Methode des automatischen Zeichnens, die von André Masson, Juan Miró und Paul Klee entwickelt wurde, bestand in der Fähigkeit, einen Stift oder ein anderes Zeichenwerkzeug ohne bewusste Planung zu bewegen.

Automatisches Malen
Um 1926 begann André Masson zu experimentieren, indem er Sand und Leim auf eine Leinwand auftrug, dann Ölfarbe auftrug und aus den entstandenen Formen Gemälde schuf.

Abstrakter Expressionismus unter Verwendung surrealistischer Techniken

Obwohl sich viele europäische Surrealisten mit einigen dieser „automatischen“ Freihand-Maltechniken beschäftigten, hatten sich die meisten bis Anfang der 1940er Jahre vom Automatismus entfernt. Ihr Einfluss in Amerika (wohin viele während des Zweiten Weltkriegs gezogen waren) war jedoch enorm. In New York beispielsweise brachten die europäischen Surrealisten ihre Ideen wichtigen Meinungsführern wie Leo Steinberg, Clement Greenberg und Peggy Guggenheim sowie den als New York School bekannten Avantgardisten wie Arshile Gorky (1904-1948), Jackson Pollock (1912-1956), Robert Motherwell (1915-1991), Mark Tobey (1890-1976) und Robert Matta (1911-2002) nahe. Insbesondere Pollocks großformatige Abstraktionen „von Aktionsbildern“ enthalten ein starkes Element des surrealistischen Automatismus. Mehr dazu siehe: Jackson Pollocks Gemälde (ca. 1940-56).

Surrealistische Bildhauerei

Giacometti schuf surrealistische Meisterwerke wie „Frau mit aufgeschlitzter Kehle“ (1932), ein Bronzeentwurf einer zerstückelten weiblichen Leiche, und „Unsichtbares Objekt“ (Hände, die die Leere halten) (1934). Beide stellten den Körper der Frau als unmenschlich und gefährlich dar. Als er jedoch in den späten 1930er Jahren zu einem klassischeren Stil zurückkehrte und mit Porträtierten arbeitete, wurde er von der Bewegung ausgeschlossen. Viele andere Bildhauer experimentierten mit surrealistischen Stilen, darunter Pablo Picasso, Henry Moore und der irische Bildhauer F. E. McWilliam .

Surrealistische Fotografie

Man Ray war der erste surrealistische Fotograf. Eines seiner berühmtesten Werke – „The Enigma of Isadore Ducasse“ (1920), das heute nur noch durch seine eigene Fotografie einer Nähmaschine bekannt ist, die in ein schwarzes, mit Schnur verschnürtes Tuch eingewickelt ist. Er schuf es zu Ehren des Dichters Lautréamont (d. h. Isadore Ducasse), dessen lapidare Bemerkung: "Schön wie das zufällige Zusammentreffen einer Nähmaschine und eines Regenschirms auf einem Seziertisch" zu einem bestimmenden Kommentar zur ästhetischen Philosophie des Surrealismus wurde. Als einer der größten Fotografen seiner Zeit, der sich auf Dunkelkammermanipulationen, Nahaufnahmen und unerwartete Gegenüberstellungen verstand, arbeitete Man Ray erfolgreich in den scheinbar unvereinbaren Welten der Pariser Avantgardegesellschaft und der kommerziellen Fotografie. Seine Fotografien wurden sowohl in Fach- als auch in Publikumszeitschriften veröffentlicht – von Vogue und Vanity Fair bis zu La Surrealisme au service de la Revolution (1930-33) und La Revolution Surrealiste (1924-29). Er erfand mehrere Techniken wie Solarisation und Radiographie, und zu seinen Mitarbeitern gehörten zahlreiche bekannte Künstler wie James Joyce, Jean Cocteau und Meret Oppenheim. Andere bemerkenswerte Vertreter der surrealistischen Fotografie waren Hans Bellmer (1902-1975), Brassai (1899-1984), Jacques-André Bouffard (1902-1961) und Raoul Ubac (1909-1985). Siehe auch: Die Kunst der Fotografie .

Surrealistischer Film und Kinematographie

Luis Buñuel, der an mehreren Projekten mit Dalí arbeitete, ist wahrscheinlich der bekannteste surrealistische Filmemacher, obwohl auch Man Ray viele kurze Avantgardefilme drehte.

Sammlungen

Wichtige Sammlungen surrealistischer Kunst befinden sich unter anderem in den folgenden Museen:
Chrysler Museum, Norfolk, Virginia, USA
San Francisco Museum of Fine Arts
Juan Miró Foundation, Barcelona
Kunstmuseum, Düsseldorf
Salvador Dali Museum, St Petersburg, Florida
Tate Modern, London.

Das Erbe des Surrealismus

Der Einfluss des Surrealismus als Kunststil findet sich in einer Vielzahl zeitgenössischer Schulen – insbesondere im frühen Abstrakten Expressionismus, der Pop Art und dem Konzeptualismus – und durchdringt fast alle Formen der zeitgenössischen Kunst, einschließlich Assemblage, Installation und Performance. Sie hat auch viele der Kernkonzepte der postmodernen Kunst vorweggenommen. Einige der Konzepte von Damien Hirst und anderen jungen britischen Künstlern würden zum Beispiel perfekt in das avantgardistische surrealistische Idiom des Paris der 1920er Jahre passen. Die letzte Bewegung, die Elemente aus dem surrealistischen Idiom entlehnt – zynischer Realismus . Eine chinesische Bewegung der zeitgenössischen Malerei, die von Yue Minjun (geb. 1962) und Zhang Xiaogang (geb. 1958) angeführt wird und in den 1990er Jahren in Peking entstanden ist.

Zu Kunstwerken nach 1860, siehe: Moderne Kunst .
Für eine Liste von Schulen und Künstlergruppen, siehe Bewegungen in der zeitgenössischen Kunst .

BEDEUTUNG DER KUNST
Für eine Diskussion der Arten, Werte und Bedeutung der bildenden Künste siehe Definition der Kunst : Definition der Kunst .

LEBEN
Für weitere Informationen über die Entwicklung der Öl-, Acryl-, Aquarell- und anderer Arten der Malerei sowie über berühmte Künstler siehe: Malerei .