Spanische Barockkunst Automatische übersetzen
Das goldene Zeitalter der spanischen Malerei – Merkmale
Wie in den Niederlanden, die Ära des 17. Jahrhunderts von Barocke Kunst war das goldene Zeitalter von Spanische Malerei . Befreit von den meisten italienischen Elementen und gesponsert von einer kompromisslosen katholischen Kirche – stark unterstützt von frommen habsburgischen Kaisern – Spanische Barockkünstler nahm einen strengen und edlen Stil an Katholische Gegenreformationskunst Englisch: www.goethe.de/kue/arc/thm/nba/en360536.htm, das Linie und Farbe sowie Grafik und Bild miteinander verband und ein so scharfes Beobachtungsgefühl mit sich brachte, wie es kein anderes Alter und kein anderer Stil Christliche Kunst konnte es in Wahrheit übertreffen. Es war die spanische Schule, in Zusammenarbeit mit Meistern der Niederländischer Barock in Holland hat das die europäische Malerei effektiv auf den Weg des naturalistischen Realismus geführt .
Wie die flämischen und niederländischen Künstler wurden auch die spanischen Barockmaler – insbesondere Ribera - stark beeinflusst Caravaggio ’s Verwendung von Licht und reichlich beschäftigt Tenebrismus und Chiaroscuro , wenn auch nicht aus Gründen einer Theaterästhetik, sondern um ein dringenderes Gefühl für Dramatik zu erzeugen. Zu ihren Reihen gehörten einige Meister der Genremalerei, der Porträtmalerei, religiöser Szenen, wie zum Beispiel Murillo , und herausragende Interpreten der Askese und Spiritualität der spanischen Kultur wie Zurbaran . Und natürlich gab es den unvergleichlichen Velazquez .
In Bezug auf das Thema, Biblische Kunst weiterhin vorherrschend, aber die Schirmherrschaft der katholischen Habsburger finanzierte auch zahlreiche königliche Porträts sowie Gemälde historischer Ereignisse und Genreszenen. Die Hauptschulen von Barockmalerei in Spanien waren es Madrid und Sevilla, die die Schirmherrschaft des Hofes genossen. Andere Schulen betrieben in Valencia und Toledo .
Frühspanischer Barock
Ein früher Vertreter des neuen spanischen Realismus war der bedeutende katalanische Tenebroso und Caravaggist Francisco Ribalta (1555-1628), der in Madrid und Valencia tätig war. Bekannt für seine kühne, lockere Pinselführung, sein Tenebrismus und Helldunkel betonte er die skulpturale Modellierung seiner Formen, indem er Licht und Schatten kontrastierte. Zurbaran gehörte zu den Künstlern, die von ihm beeinflusst wurden.
Ribera
Sitz im fernen Neapel, Jusepe Ribera (1591-1652) war der erste bedeutende spanische Maler, der den neuen naturalistischen Stil von religiöse Kunst verfochten von Caravaggio. Er wurde bekannt für religiöse Gemälde gekennzeichnet durch eine sehr realistische Modellierung, insbesondere die Fleischfarben seiner Heiligen, sowie eine starke Vorliebe für dramatische Themen, wie in seinem heiligen Andreas (1630-32, Prado, Madrid) und seinem Martyrium des heiligen Bartholomäus (1630) dargestellt. Prado). Sein Stil entwickelte sich von einer frühen Betonung auf Karavaggismus durch eine Periode des Experimentierens mit einem silbernen Licht zu einem reifen Stadium, das durch warme, goldene Töne gekennzeichnet ist. Eines seiner schönsten Gemälde ist Die Heilige Familie mit der heiligen Katharina (1648, Metropolitan Museum of Art, New York).
Anmerkung: Zu Beginn des 17. Jahrhunderts war die von Spanien regierte Stadt Neapel mit schätzungsweise 450.000 Einwohnern die zweitgrößte Metropole nach Paris – weit über Rom, Mailand oder Florenz hinaus. Mit mehr als 3.000 Kirchen und Klöstern war es ein wichtiges Zentrum religiöser Kunst. Das Neapolitanische Malschule wurde von Ribera und seinen Handlangern gegründet (und weitgehend kontrolliert). Weitere Informationen finden Sie unter: Malen in Neapel (1600-1700). Für Riberas Schuld gegenüber dem Karawaggismus siehe: Caravaggio in Neapel (1607, 1609 & ndash; 1610).
El Greco
In Sevilla entwickelte sich die Malerei rasch vom Klassizismus der Renaissance zum Naturalismus des Barocks, wie dies in Werken von Francisco Pacheco (1564-1644), Juan de las Roelas (1560-1625) und Francisco de Herrera d. Ä. (1595-1656) dargestellt ist.. In Toledo war um die Jahrhundertwende der vorherrschende Einfluss El Greco (1541 & ndash; 1614). Sein engster Anhänger war der bedeutende Maler Luis Tristan (1585-1624), der die tenebristischen Aspekte von El Grecos Werk hervorhob. Zu den weiteren Malern Toledans gehörten Pedro Orrente (1570-1645), ein Anhänger Ribaltas , Fray Juan Bautista Maino (1578-1649), der Zeichnungsmeister Philipps IV. Wurde , und Fray Juan Sanchez-Cotan (1560-1627).
Velazquez
Der Höhepunkt der Barockmalerei in Spanien wurde in der Person von Diego Velazquez (1599 & ndash; 1660). Für Velazquez war die Art von Caravaggio nur ein Ausgangspunkt. In seinen Gemälden wird das Licht manipuliert, um einen "optischen Realismus" durch die Effekte verschiedener Tonalitäten zu rekonstruieren: mit anderen Worten, die Reproduktion der Realität, die den Haaren eines Bartes oder der Textur eines Gewebes nicht in der gewünschten Weise entspricht von den Malern der Renaissance, aber nach dem, was das Auge tatsächlich sieht, den allgemeinen Eindruck, den wir erhalten, wenn wir etwas betrachten. In Velazquez ’Gemälden wird Licht verwendet, wie es Maler aus zwei Jahrhunderten zuvor verwendet hatten Perspektive, um den Raum greifbar zu machen. Bereiche von Licht und Schatten wechseln sich ab, um die Illusion eines Ortes zu erzeugen, an dem die Figuren nicht gemalt werden, sondern tatsächlich „sind“. Diese Figuren sind mit breiten, geschmeidigen Pinselstrichen gemalt, um sie klar abzugrenzen, ohne auf realistische Details einzugehen. Es war dieselbe Technik, die im neunzehnten Jahrhundert von den französischen Impressionisten angewendet wurde – eine Ähnlichkeit, die nicht zufällig ist: Auch Velazquez schien dem Inhalt seiner Malerei gleichgültig zu sein, zum Beispiel den großen religiösen Themen, die er hatte solche Bedeutung für seine Zeitgenossen. Stattdessen konzentrierte sich seine ganze Aufmerksamkeit auf die Malerei, auf sein Handwerk.
Bekannt für seine Zeichnung aus dem Leben, zeichnen sich auch seine frühesten Werke durch ihre Dichte aus pastos, zurückhaltend Farbe, in der Regel Ocker und Braun, und ihre einfache natürliche Zusammensetzung. Sein erstes großes Meisterwerk, das in diesem Stil ausgeführt wurde, ist Der Wasserverkäufer von Sevilla (1618-22, Apsley House, London), während andere Old Woman Frying Eggs (1618, Nationalgalerie von Schottland, Edinburgh), Christus im Haus der Maria und Martha (1620, Nationalgalerie, London) und The Supper at Emmaus (1620, Metropolitan Museum of Art, New York) gehört ebenso zu seiner frühen Zeit wie eine Reihe von Porträts, die größtenteils auf Tenebrist-Art und Weise ausgeführt wurden, ohne den Kontrasten zwischen Dunkel und Hell eine übertriebene Bedeutung einzuräumen.
1623 wurde Velazquez offizieller Porträtist Philipps IV. Und des höheren Adels. Zwischen 1623 und 1629 vollendete er eine Reihe von Arbeiten mit grauem Hintergrund, die seine Befreiung von der Tenebrist-Formel offenbarten. Aus dieser Zeit stammt der Triumph des Bacchus (Los Borrachos, The Topers) (1629, Prado). 1632 produzierte er Christus gekreuzigt (Christus am Kreuz) (1632, Prado) ein Werk von besonderer Gelassenheit und Einfachheit.
Als sich seine Kunst noch weiter verbesserte, zeigte er eine größere Präzision der Kontur und eine noch subtilere Mischung von Tönen und Farben. Einer von seinen beste barocke Gemälde zu diesem Zeitpunkt ist Die Kapitulation von Breda (Las Lanzas) (1634-35, Prado) für die Halle der Könige im Palast von Buen Retiro, Madrid. In den nächsten Jahren konzentrierte sich Velazquez weitgehend auf Porträtkunst – siehe Philip IV zu Pferd (1634-35, Prado) und Prinz Baltasar Carlos zu Pferd (1635-36, Prado) – und thematische Gemälde wie Der Zwerg Francisco Lezcano ("El Nino de Vallecas") (1643-45, Prado). Er führte auch mehrere religiöse Werke aus, darunter die großartige Krönung der Jungfrau Maria (1645, Prado). Auf einer Italienreise malte er 1649 sein Meisterwerk Porträt von Innozenz X. (1650, Galleria Doria-Pamphilj, Rom), während er in seiner letzten Periode (1651-1660) malte Venus an ihrem Spiegel (Die Rokeby Venus) (1649-51, National Gallery, London) und Las Meninas oder Die Familie von Philipp IV. (1656-57, Prado).
Wenn wir Velazquez ’ Rokeby Venus kurz mit ähnlichen Gemälden aus der Hohe Renaissance Wir sehen, wie sehr sich die künstlerische Wahrnehmung der Realität im Laufe des Jahrhunderts verändert hat. In der "Rokeby Venus" dreht Beauty dem Betrachter lässig den Rücken zu, während Cupid einen Spiegel vor sich hält. Der Spiegel war bereits ein bekannter Trick, der in römisch-barocken Villen und Palästen häufig verwendet wurde, um einen Eindruck von Geräumigkeit zu vermitteln. Seine mehrdeutige Beleuchtung und Brechung verstärken die malerische Wirkung des Geräts. Anstelle der marmornen Ruhe von (sagen wir) Giorgiones klassischer Schlafender Venus (um 1510) oder Tizians Venus von Urbino (1538) präsentiert uns die Rokeby Venus ein charmantes, aber völlig menschliches und nicht göttliches Studium des Aktes. Insofern war Velasquez das Kind seiner Zeit, der Barock
Es überrascht nicht, dass Velazquez sich als schwierig herausstellte. Neben Anhängern wie Juan de Pareja (1610-70), Francisco de Palacios (1617-76) und Juan Bautista Martinez del Mazo (1615-67) entschieden sich die Maler der Madrider Schule für den leichteren Rubens-Barock.
Zurbaran
Francisco de Zurbaran (1598-1664), ein Amalgam aus Askese aus Estremadura und andalusischer Eleganz, setzte einen Naturalismus und eine extreme Hell-Dunkel-Stimmung ein, die ihn zum zurückhaltendsten und reinsten Künstler des spanischen Barocks machten. Während seiner 20er und 30er Jahre malte er eine Reihe von Kompositionen für einige der Mönchsorden, wie die Mercedarians und die Jeronymites, wie beispielsweise The House of Nazareth (1630, Museum of Art, Cleveland). Dabei wurde er ein Meister der Einzelgänger, einschließlich der Heiligen, deren Augen zum Himmel gerichtet waren. Zweifellos muss seine Kunst enorm von seiner persönlichen Frömmigkeit und religiösen Hingabe profitiert haben, wie es vielleicht der heilige Lukas als Maler vor Christus am Kreuz (1660, Prado) illustrierte, für den er vielleicht selbst das Vorbild war.
Murillo
In der Schule von Sevilla Bartolome Esteban Murillo (1618-1682) steht für den Höhepunkt von Eleganz und Zartheit, und es muss gesagt werden, die größte Hingabe an die Stimmung des Volkes. Zunächst stark beeinflusst von Alte Meister wie Ribera und Zurbaran borgte er sich später bei Van Dyck, Rubens und Raphael aus. Er entwickelte seinen eigenen leichten und filmischen Stil – den estilo vaporiso – mit weichen Konturen, zart getönten Farben und einem gold-silbernen Lichtschleier. Ein Stil, der eine Vielzahl von Nachahmern und Anhängern inspirierte. Neben religiösen Werken spezialisierte er sich auf Genre-Malerei von Straßenkindern und Bettlern, am Beispiel des Jungen Bettlers (1645, Louvre-Museum, Paris) und der Jungen, die Trauben und Melonen essen (1645-46, Alte Pinakothek, München). Ein weiteres wichtiges Frühwerk ist Angels ’Kitchen (1646, Louvre, Paris). Ab 1660 war er als Mitbegründer der Akademie der bildenden Künste in Sevilla als Lehrer tätig. Ein Beispiel für sein spätes Werk ist Die Unbefleckte Empfängnis (1678, Prado).
Juan de Valdes Leal
Nach dem Tod von Murillo war Juan de Valdes Leal (1622-1690) der bedeutendste Maler in Sevilla. Obwohl er wie Murillo größtenteils ein religiöser Maler war, war Valdes Leal dramatischer, theatralischer, makaberer und aufregender: Seine Werke zeigen ein lebendiges Gefühl für Bewegung und brillante Farben. In vielerlei Hinsicht war er ein Vorläufer der Romantik. Seine berühmtesten Werke sind die beiden Allegorien des Todes im Hospital de la Caridad in Sevilla – Im Handumdrehen (1671) und Das Ende des weltlichen Ruhms (1672). Weitere Hauptwerke sind Mariä Himmelfahrt (1659, National Gallery of Art, Washington) und Christus mit dem Kreuz (1660, Hispanic Society, New York). In seinen letzten Lebensjahren vollendete Valdes Leal zahlreiche Gemäldezyklen für Kirchen, Klöster und philanthropische Einrichtungen – darunter eine Reihe von Szenen, die das Leben des heiligen Ignatius (1674-1676) für die Jesuiten veranschaulichten.
Während des 17. Jahrhunderts wurde der spanische Barock in Madrid von Velazquez und dem vielseitigen Bildhauer, Maler und Architekten angetrieben Alonso Cano (1601-67) – Spitzname "der spanische Michelangelo". (Siehe auch den Bildhauer Juan Martines Montanes (1568-1649) Weitere interessante Vertreter der Madrider Barocksprache sind: der Monumentalist Fray Juan Ricci (1600-1681), Sohn eines Malers aus der Bologneser Schule, der nach Spanien kam, um an der Dekoration des Escorial zu arbeiten, und Antonio Pereda (1608-1678), Schöpfer mehrerer eleganter religiöser Gemälde und allegorischer Kompositionen. Von höherer Qualität ist das Werk des Porträtisten Juan Carreno de Miranda (1614-1685), des offiziellen Malers Karls II., Der die Nachfolge von Philipp IV. Antrat . Sein Schüler Mateo Cerezo (1626-1666) war ein besonders talentierter Kolorist, ebenso wie Jose Antolinez (1635-1675).
Werke des spanischen Barock sind in einigen der Museen zu sehen beste Kunstmuseen in der Welt. Einzelheiten zu europäischen Sammlungen mit bedeutenden Beständen an spanischen Gemälden des 17. Jahrhunderts finden Sie unter: Kunstmuseen in Europa. Für Sammlungen moderner und zeitgenössischer spanischer Kunst siehe Reina Sofia Madrid.
- Retrospective of painting by Viktor Popkov at the Academy of Arts
- Exposición de la fotógrafa ruso-canadiense Nikita Stupin "Ciudad abierta" en la Galería FotoLoft
- Who was Layton’s model for Burning June? She is depicted in one of the most famous paintings in the world - and yet remains a mystery
- New surrealistic paintings by Julio Valdez at the June Kelly Gallery
- Exposición "Perlas de las Antillas en el paisaje ruso"
Adblock bitte ausschalten!
Wenn Sie einen grammatikalischen oder semantischen Fehler im Text bemerken, geben Sie diesen im Kommentar an. Vielen Dank!
Sie können nicht kommentieren Warum?