Romanische Bilderhandschriften Automatische übersetzen

Aufsatzreihe zur mittelalterlichen Buchmalerei
❶ Mittelalterliche Buchmalerei (ca. 1000-1500)
❷ Romanische Bilderhandschriften (ca. 1000-1150)
❸ Gotische Bilderhandschriften (ca. 1150-1350)
❹ Internationale gotische Buchmalerei (ca. 1375-1450).

Details des ältesten illuminierten christlichen Manuskripts der Welt: Das Garim-Evangelium (390-660) aus Äthiopien.

Byzantinischer und karolingischer Einfluss

Vor dem Erscheinen der romanischen Kunst erlebte die Buchmalerei unter der Schirmherrschaft von Kaiser Karl dem Großen (ca. 768-814) eine Blütezeit, und es waren die karolingischen Bücher, die spätere Künstler inspirierten. Zuvor, im frühen achten Jahrhundert, wurden in Irland und England mehrere schöne illuminierte Manuskripte hergestellt ) Book of Darrow um 680), die Initialen mit einer Fülle von geometrischen Verflechtungen und keltischen Mustern zeigen, die mit exquisiter und feiner Sorgfalt ausgeführt wurden.

Darstellungen der menschlichen Figur, zum Beispiel im Lindisfarne-Evangelium im British Museum, sind vollständige Stilisierungen ohne Sinn für Tiefe oder Perspektive. (Siehe auch: das Lichfield-Evangelium und das irische Buch, das als Echternacher Evangelium bekannt ist). Irische Mönche reisten durch Europa und nahmen ihre Bücher mit, und dieser antifigurale Stil blieb in vielen der von ihnen gegründeten Klöster bis zur Zeit Karls des Großen vorherrschend.

In dem Versuch, den Cäsaren nachzueifern und mit den Schätzen der byzantinischen Kunst zu konkurrieren, zeigte Karl der Große den bewussten Wunsch, die Antike wiederzubeleben, und scharte zahlreiche Berater, Gelehrte und Künstler um sich. Er nahm griechische Künstler auf, die nicht mehr für die byzantinischen Kaiser arbeiten konnten, und der Theologe Alkuin von York gehörte zu seinen vertrauten Beratern. Die karolingische Malerei ist eine Synthese der verschiedenen Stile, die den Künstlern zur Verfügung standen, und zeigt eine Kombination aus byzantinischem Einfluss, frühchristlichem Stil , römischer Kunst und Werken, die von irischen Missionaren ins Ausland gebracht und in Bibliotheken an Orten wie St. Gallen in der Schweiz, Bobbio in Italien, Fulda und Würzburg in Deutschland sowie Luxay und Tours in Frankreich aufbewahrt wurden.

Es muss daran erinnert werden, dass die karolingische Kunst nicht auf die modernen Grenzen eines Landes beschränkt war; sie war ein europäischer Kunststil, der sich über ein riesiges Gebiet von Italien bis zum Ärmelkanal und darüber hinaus erstreckte. Jedes Skriptorium hatte seinen eigenen Stil bei der Herstellung von illuminierten Handschriften, wobei der eine oder andere Prototyp besonders hervorgehoben wurde. Das Skriptorium in Reims beispielsweise stellte Bücher her, die mit unscharfen Strichzeichnungen illustriert waren, die sich stark an frühchristliche Vorbilder anlehnten, während die so genannte Palastschule in Aachen prächtige Psalter herstellte, die auf reichem Purpurpergament in direkter Nachahmung der Bücher der byzantinischen Kaiser geschrieben waren.

Die Geschichte der illuminierten Handschriften zeigt, dass das Vorhandensein eines einzigen illuminierten Textes in einem Kloster einen sehr starken Einfluss auf die Arbeit einer ganzen Generation haben konnte, eine Tatsache, die bei der Erörterung der englischen Handschriften aus dem 11. Bei aller Vielfalt hatte die christliche Kunst der Karolingerzeit einen internationalen Charakter, der sich bis zum Aufkommen der so genannten internationalen Gotik im fünfzehnten Jahrhundert nicht wiederholte.

Siehe auch: das Book of Kells (um 800), von dessen Illustrationen viele auf die keltische Kunst und deren Liebe zur Abstraktion zurückgehen.

Ottonische Buchmalerei

Am Ende des neunten Jahrhunderts zerfiel das Karolingerreich, und Westeuropa spaltete sich schließlich in eine Reihe von Ländern auf; im späten zehnten und frühen elften Jahrhundert bildeten sich unterschiedliche nationale Stile heraus. Im Jahr 936 ging der Mantel Karls des Großen an die Dynastie der Ottonen in Deutschland über. Die osmanischen Kaiser folgten weitgehend dem Beispiel ihres großen Vorgängers, und die osmanische Kunst ist in vielerlei Hinsicht eine Wiederbelebung der karolingischen Ästhetik .

Die Kaiser waren große Kunstmäzene, und sie hatten das Glück, dass intelligente Bischöfe wie Egbert von Trier und Bernward von Hildesheim ihre künstlerischen Interessen förderten. Die Kaiser selbst gaben die Abfassung großer Bücher in Auftrag, und obwohl die Manuskripte nicht für den Auftraggeber selbst bestimmt waren, wurden einige Skriptorien für ihre herausragende biblische Kunst bekannt, und die dort geschriebenen Bücher wurden anderen Abteien als ein Akt der Verehrung seitens des Kaisers geschenkt. Dieses aufgeklärte Mäzenatentum führte zur Entstehung einer feinen Schule der Manuskriptillumination.

Trotz der Faszination, die von den karolingischen Errungenschaften ausgeht, ist die osmanische Buchmalerei nicht einfach eine leblose Kopie ihrer Werke. Viele neue Merkmale tauchen auf, es gibt eine neue Betonung der Verwendung von Linien und Grafiken ; es gibt eine neue Beziehung zwischen Figur, Hintergrund und Rand, und die Oberfläche des Bildes wird absichtlich abgeflacht, um die erzählerische Wirkung zu verstärken. Das Interesse an antiken Vorbildern und christlich-byzantinischer Kunst wird jedoch bekräftigt, es werden violette Pergamente oder gemalte violette Hintergründe verwendet, und die Bücher werden häufig in byzantinische Elfenbeineinbände gebunden.

Ein Sakramentar aus Fulda in der Universitätsbibliothek Tübingen, geschrieben und illustriert im zehnten Jahrhundert, zeigt einen interessanten Übergang vom karolingischen zum späteren osmanischen Stil. Das Kalenderblatt zeigt Figuren, die die vier Jahreszeiten darstellen, die ein zentrales Medaillon mit dem Symbol des Jahres umgeben. Die Umrandungen stellen die Arbeiten der Monate dar. Die Figuren sind in Draperien gekleidet, die an Togas erinnern, was auf eine Kenntnis der in der Karolingerzeit so beliebten spätklassischen Malerei hindeutet, aber das völlige Fehlen einer Hintergrundperspektive deutet auf die kommenden Veränderungen in der romanischen Malerei hin.

Unter der ottonischen Dynastie (936-1024) blühten in Deutschland mehrere große Zentren der Buchmalerei. Die vielleicht bedeutendste Schule befand sich auf der Reichenau am Bodensee, aber andere blühten in Trier und Echternach im Moseltal, in Regensburg an der Donau und in Köln am Rhein. Der Stil der Malerei, der sich an diesen Orten am Ende des zehnten und zu Beginn des elften Jahrhunderts entwickelte, hielt noch lange nach dem Ende des ottonischen Reiches an und bildete die Grundlage für die Illumination deutscher Handschriften bis zum Aufkommen des neuen gotischen Stils am Ende des zwölften Jahrhunderts.

Im zehnten Jahrhundert besaß das Kloster Reichenau wahrscheinlich Bücher aus der späten klassischen Periode. Der Codex Egberti (Stadtbibliothek, Trier), ein Evangelienbuch, das um 980 für Erzbischof Egbert von Trier geschrieben wurde, enthält eine Reihe von Illustrationen im Text, die die ruhige Gelassenheit der frühchristlichen und spätklassischen Werke widerspiegeln. Es zeichnet sich durch blasse Pastellfarben und eine gewisse Reinheit der Linienführung aus. An dem Werk waren mehrere Künstler beteiligt, aber es scheint, dass der klassischste Künstler als Inspiration für die anderen diente. Stilistische Hinweise deuten darauf hin, dass dieser Meister bald nach Trier umzog, vielleicht auf persönlichen Wunsch Egberts, da diese Art der Malerei auf der Reichenau nicht überlebt hat.

Ein viel charakteristischeres Buch ist ein anderes Werk, das Erzbischof Egbert in Auftrag gab, der Psalter, der sich heute im Museum von Cividale del Friuli in Italien befindet. Dieser Psalter, bekannt als Egberts Psalter oder Codex Gertrudianus, hat siebenunddreißig ganzseitige Illustrationen mit Porträts von vierzehn Vorgängern Egberts, Gemälden von Spendern und großen illuminierten Initialen. Die Figur des Mönchs, wahrscheinlich der Illuminator von Ruodprecht, steht vor einem einfarbigen roten Hintergrund und nicht vor dem schattierten Hintergrund des Codex Egberti, und die Falten der Draperie tragen nicht dazu bei, die Realität des knienden Mannes hervorzuheben.

Auf dem Bild des heiligen Whitwino steht der Bischof in der Pose eines byzantinischen Orantes, und der Raum hinter ihm ist mit einem mit Blattmotiven besetzten Gitter ausgefüllt; sowohl der Geber als auch der Bischof sind von einer formalen Umrandung aus schillerndem Gold umgeben. Die farbigen Hintergründe scheinen das kostbare violette Pergament der Bücher der byzantinischen Kaiser zu imitieren. Die Initialen dieses Werks sind ebenso prächtig, und der Buchstabe „B“ des Wortes „Beatus“ nimmt eine ganze Seite ein. Auch hier steht es auf einem gemusterten Sockel, und auf jeder Leiste geht das Blattwerk der Füllungen in enger Verflechtung auseinander, um den Rand zu umschließen; die Farben leuchten mit dem Glanz der Emails.

Die Evangelien in Florenz (Biblioteca Laurenziana) sind in einem charakteristischen Format angeordnet. Die ersten sechs Öffnungen des Buches sind mit eusebianischen Kanons gefüllt, die sich auf die entsprechenden Passagen der vier Evangelien beziehen. Am Anfang jedes Evangeliums befindet sich eine ganzseitige Illustration des Evangelisten, der an seinem Tisch sitzt, mit einem symbolischen Bild hinter ihm; auf diese Weise wird der heilige Johannes der Evangelist dargestellt.

Zusätzlich zu diesen Standardillustrationen gibt es in diesem Buch ein Gemälde der Himmelfahrt. Beide Gemälde stellen einen Kompromiss zwischen dem Codex Egberti und dem Psalter aus Cividale del Friuli dar. Die Figuren stehen vor einem schattierten Hintergrund, der eine malerische Perspektive suggeriert, aber die abgerundeten Hügel in der Himmelfahrt sind formalisiert, um einen rein dekorativen Effekt zu erzielen. Den Gesichtern liegt eine visionäre, introspektive Qualität zugrunde, die in den beiden etwas späteren Büchern Das Evangelium und Die Apokalypse, die zwischen 1002 und 1014 für Kaiser Heinrich II. und seine Gemahlin als Geschenk für den Bamberger Dom gemalt wurden, noch deutlicher zum Ausdruck kommt

Die Szenen aus dem Leben Christi im Buch der Evangelien zeigen einen weiteren Schritt weg von der klassischen Tradition, denn hier ist der Hintergrund nun in drei Bänder von fester Farbe unterteilt, so dass es keine Idee von Tiefe mehr gibt; Figuren und Faltenwürfe sind mit starrer, flacher Präzision gezeichnet.

Szenen aus der Apokalypse sind genau das Richtige für diesen visionären Malstil, der viel opfert, um dramatische Wirkung zu erzielen. Die Vision des neuen Jerusalems in der Bamberger Apokalypse ist auf das Wesentliche reduziert, was die anschaulichste Wirkung erzielt. Die Figuren stehen vor einem soliden Goldhintergrund, und die Szene ist mit einer wunderbaren Sparsamkeit der Linien gezeichnet.

Die vielleicht ruhigsten Themen in den osmanischen Handschriften finden sich in der Gruppe von Werken, die unter der Schirmherrschaft von Erzbischof Egbert in Trier geschrieben wurden. Die Nüchternheit des Codex Egberti von Reichenau wurde bereits erwähnt, und es scheint, dass einer seiner Meister mit Egbert nach Trier gereist ist. Bücher dieser Gruppe befinden sich heute in der Bibliothèque Nationale und der Bibliothèque Saint-Chapelle in Paris sowie in Aachen und Prag, aber es sind die Werke des so genannten Meisters Registrum Gregorii, die sie anführen.

Von diesem Manuskript sind nur zwei Seiten erhalten geblieben. Die erste zeigt den heiligen Gregor in seinem Büro, bewacht von dem Diakon Petrus (Trier, Stadtbibliothek). Gregor befindet sich in einem kleinen Gebäude und ist von seinem Diener durch einen drapierten Vorhang getrennt, der auf klassischen Säulen ruht. Die einfachen Umrisse und die feste Struktur der Szene geben diesem Gemälde einen ganz anderen Charakter als die flachen, aber ausdrucksstarken Formen des Psalters, der in Reichenau für denselben Erzbischof gemalt wurde.

Ein anderes Fragment dieses Buches, das sich heute im Musée de Condé in Chantilly befindet, zeigt einen thronenden Kaiser, entweder Otto III. oder Otto II. mit Reichsapfel und Zepter. Der Kaiser ist von vier allegorischen Frauenfiguren umgeben, die die Länder repräsentieren, die zum ottonischen Reich gehörten. Als Vorbild dienten die Bücher der byzantinischen Herrscher, und man darf nicht vergessen, dass die Verehrung für Byzanz zu Ehen mit byzantinischen Prinzessinnen und zur Anstellung ihrer Gelehrten als Hauslehrer im Königshaus führte.

Echternach liegt nur eine kurze Strecke moselaufwärts von Trier entfernt, und die Wechselwirkung der Einflüsse ist kaum unerwartet. Ein Vergleich des Lectionariums in Brüssel (Königliche Bibliothek) und der Seite aus Chantilly Registrum Gregorii zeigt einige Ähnlichkeiten. Beide Skriptorien verwenden architektonische Dekorationen und einfache Draperien, aber die Behandlung der Echternacher Handschrift ist strenger, die Farben sind kräftiger und das Verständnis der klassischen Vorbilder ist viel oberflächlicher. Hier sind beispielsweise die Kapitelle eines kleinen Gebäudes nicht mit korinthischen Akanthusblättern, sondern mit seltsamen Grotesken verziert.

Es ist nicht bekannt, woher das Evangeliarium in Brescia (Biblioteca Queriniana) stammt, aber die Hinweise deuten auf Echternach hin. Die Illustrationen dieses Buches scheinen etwas späteren Datums zu sein als das Brüsseler Lektionar, mit Reichenauer Einfluss im Goldhintergrund und steiferen Draperien. Trotz der hohen Qualität der Echternacher Bücher fehlt ihnen der schillernde Erfindungsreichtum der Reichenauer Schule, ebenso wie die Reinheit der Trierer Werke.

Die auf der Reichenau verwirklichten Ideen hatten den größten Einfluss auf andere Skriptorien in Deutschland. Der Kölner Stil zum Beispiel basiert auf den Büchern der Palastschule Karls des Großen. Die Handhabung der Illustrationen in einem Werk wie dem Codex Heathd der Kölner Schule ist durch Freiheit und Pittoreske gekennzeichnet. Es gibt Hinweise auf schöne Landschaften und einen naturalistischen Sinn für Farben. Dann ändert sich der Stil plötzlich; die einfachste Erklärung ist die Aufnahme engerer Kontakte mit der Reichenau. Das Evangeliarium aus dem Abdinghof (Berlin, Kupferstichkabinett) beispielsweise stammt aus der Mitte des elften Jahrhunderts. Auf dem Gemälde, das Christus darstellt, der den Aposteln seinen Auftrag erteilt, sind die Figuren mit kühnen Linien gezeichnet, und die steifen, kräftigen Faltenwürfe sind charakteristisch für den früheren Stil Reichenaus.

Das Skriptorium von Regensburg erlebte seine Blütezeit im Kloster St. Emmeran unter dem Patronat von Kaiser Heinrich II. Die dort bereits vorhandenen karolingischen Bücher, insbesondere der Codex Aureus Karls des Kahlen, spielten eine wichtige Rolle bei der Prägung des Regensburger Stils. Das Sakramentar Heinrichs II. (1002-1014), das heute in München (Staatsbibliothek) aufbewahrt wird, scheint eine direkte Interpretation des Codex Aureus durch einen in Byzanz ausgebildeten Künstler zu sein.

Der heilige Gregor hat ein rein griechisches Gesicht mit einer scharfen aquilinischen Nase, die Falten seines Gewandes sind in scharfen, kantigen Linien gezeichnet, aber der Künstler verwendet Weiß, um Glanzlichter anzudeuten, ein Erbe der karolingischen Malerei, und das Blattwerk, das den Rand schmückt, verleiht einen reichen dekorativen Effekt. Das Evangelium der Äbtissin Uota von Niedermuster (München, Staatsbibliothek), das eine Seite enthält, auf der die Äbtissin ihr Buch der heiligen Jungfrau Maria darbringt, muss zwischen 1002 und 1035 entstanden sein.

Die Szenen haben den gleichen Reichtum an Dekoration wie im Sakramentar, aber die Kreuzigung hat einen neuen symbolischen Charakter. Die Beherrschung der Farben ist auf höchstem Niveau, aber anstelle der nackten Dramatik des Geschehens, wie in den Büchern der Reichenau, haben wir nun die symbolische Figur Christi, umgeben von Allegorien des Lichts und der Dunkelheit, des Lebens und des Todes, und die Figuren der Soldaten am Fuße des Kreuzes sind durch Symbole der Kirche und der Synagoge ersetzt worden.

Romanische Illumination von Handschriften in Deutschland

Nach dem Tod Heinrichs III. im Jahr 1056 begann für Deutschland eine lange Zeit der Verwirrung und des Konflikts mit dem Papsttum. In dieser turbulenten Atmosphäre hatten die Kaiser wenig Zeit, Bücher in Auftrag zu geben, und der Hauptstrom des königlichen Mäzenatentums wurde unterbrochen. Die Skriptorien in Orten wie Reichenau und Regensburg gingen zurück; zumindest sank die Qualität der dort produzierten Bücher, und neue Zentren wurden wichtig.

In der ottonischen Zeit verbreiteten sich die in Deutschland erzielten stilistischen Errungenschaften eher im Westen, doch nach der Mitte des 11. Jahrhunderts kehrte sich die Situation in gewissem Maße um. Der osmanische Stil wurde durch westliche Ideen modifiziert. Die cluniazensischen Reformen brachten neue Ideen in die Klöster von Schwaben und Hirsau. Weingarten pflegte bis ins zwölfte Jahrhundert eine gute Tradition der Buchmalerei; angelsächsische und flämische Einflüsse sind in seinen Büchern spürbar, denn Gräfin Judith von Flandern schenkte der Abtei, dem Familienkloster der Welfen, Bücher aus Flandern und Südengland. (Siehe auch: Deutsche Kunst des Mittelalters S.800-1250).

Im zwölften Jahrhundert steht Österreich an der Spitze der Entwicklung in diesem Teil Europas. Salzburg produzierte einen großen Korpus an illuminierten Handschriften, und die besten Beispiele seines Stils können in der einfachen, einfarbigen Umrisszeichnung gesehen werden. In diesem Bezirk entlang der Donau wurden neue Klöster gegründet und alte Klöster reformiert; Bücher aus Admont und Mondsee, Zwettl, Heiligenkreuz und Klosterneuburg bezeugen, dass dies das große Zeitalter der österreichischen Miniatur war . Das Zwiefaltener Passionale enthält Illuminationen, die zeigen, wie der Künstler um kraftvolle plastische Effekte ringt, obwohl er noch auf frühere Vorbilder zurückgreift. (Siehe auch: Miniaturmaler .)

Die Abtei Helmarshausen in Sachsen stand unter der direkten Schirmherrschaft des ungekrönten Königs von Norddeutschland, Heinrich des Löwen (1129-1195), und auch hier zeigt sich der wachsende Einfluss des Westens, insbesondere der Schule der mosaischen Kunst, in der Nähe von Lüttich im heutigen Belgien.

Die Ausbreitung der Ideen beschränkte sich nicht auf die westlichen Teile Deutschlands; denn die Handschriften aus Cluny müssen zum Teil für die Entwicklungen in Böhmen bereits im Jahr 1085 verantwortlich sein. Auch in Böhmen, das in den folgenden Jahrhunderten zu einem wichtigen Zentrum werden sollte, entstand zu dieser Zeit eine lokale Schule. Zu den bedeutendsten Beispielen der böhmischen Malerei gehören das Evangeliarium von Vysehrad (Prag, Nationale Universitätsbibliothek) und eine Abschrift von „De Civitate Dei“ des heiligen Augustinus (Prag, Kapitolbibliothek). Die Gemälde im Evangeliarium haben die Naivität der Volkskunst, aber die Pinselführung ist mit einer sicheren Schnelligkeit ausgeführt, die die Illustrationen auf ein höheres Niveau hebt. Besonders deutlich wird dies in der Augustinus-Handschrift, die tiefer und vielfältiger ist als das Evangeliarium. Von diesem Punkt an wird die böhmische Malerei stilistisch mit der rheinischen Malerei verwandt.

Gegen Ende des zwölften Jahrhunderts wurden die Versuche, die Wirkung von Plastizität und Bewegung zu erreichen, viel befriedigender; dies muss zum Teil auf die zweite Welle des byzantinischen Einflusses zurückzuführen sein, die voller Humanität und Naturalismus war, die die künstlerische Entwicklung in Deutschland wie auch anderswo wiederbelebte und die Grundlage des gotischen Stils bildete.

Romanische Handschriftenmalerei in England

Der Stil der Manuskriptillumination in England unterlag im elften und zwölften Jahrhundert weitaus radikaleren Veränderungen als in Deutschland. In Deutschland wandten sich die Künstler des zwölften Jahrhunderts immer wieder der ottonischen Malerei zu, um sich inspirieren zu lassen, aber in der englischen Buchmalerei des zwölften Jahrhunderts überlebte nur ein einheimischer Sinn für Linienführung aus der angelsächsischen Tradition.

Wie in Deutschland waren auch die englischen Künstler um c. 1000 von karolingischen Vorbildern abhängig, aber ein Vergleich zweier zeitgenössischer Handschriften aus Winchester und Trier zeigt, dass jede Schule ganz unterschiedliche Modelle zur Nachahmung wählte. Das Registrum Gregorii in Trier und die Benediction of St. Ethelwold im British Museum wurden etwa zur gleichen Zeit illustriert. Im Trierer Werk wurde ein echter Versuch unternommen, die Figuren im Raum anzuordnen. Die Faltenwürfe sind einfach und die Umrisse werden durch einige schattierte Linien angedeutet.

Die Illustration ist durch eine nüchterne, einfarbige Umrandung streng begrenzt. Im Gegensatz dazu wirkt die Szene der Maria am Heiligen Grab aus dem Benedictarius von St. Ethelwold komplex und ungepflegt. Die Figuren gehen in den Rahmen über und verschmelzen mit den Akanthusblättern des gemalten Rahmens. Die Betonung liegt hier auf der Linie, und die schnelle, impressionistische Zeichnung verleiht der Illustration ein Gefühl von Vitalität und Dringlichkeit, das sich stark von der Nüchternheit der deutschen Werke unterscheidet.

Den Künstlern des frühen elften Jahrhunderts waren mehrere verschiedene Stile der karolingischen Buchmalerei bekannt, aber es ist bezeichnend, dass der Utrechter Psalter das einzige Werk war, das in England großen Eindruck machte. Dieses Buch, das reichlich mit Skizzen illustriert ist, befand sich bekanntermaßen im Mittelalter in Canterbury. Eine direkte Kopie davon wurde um das Jahr 1000 angefertigt (British Museum), und man kann sehen, wie perfekt dieser karolingische Stil dem lokalen Sinn für kalligraphischen Stil und Design entsprach.

Die angelsächsischen Künstler entwickelten einen eigenen Stil, der an Raffinesse und Kraft kaum zu übertreffen ist. Dieser Stil ist in den Büchern des Erzbischofs Robert von Jumiège gut dargestellt. In all diesen Büchern breitet sich das Akanthuslaub ungehindert über den Rahmen und um die Illustration herum aus, die Erde und der Himmel werden in schnellen Pinselstrichen dargestellt, und überall sehen die Faltenwürfe aus, als würden sie vom Wind aufgefangen werden. Auf dem Psalter aus dem Britischen Museum kommt die Tragödie der Kreuzigung in dieser unruhigen, zarten Technik wunderbar zum Ausdruck. Hier gibt es keine Farbe, nur die schnellen Striche einer feinen Feder.

Die normannische Eroberung im Jahr 1066 hatte keine unmittelbaren Auswirkungen auf den lokalen Stil der Handschriftenmalerei, aber die normannischen Bischöfe brachten fremde Bücher mit und führten so neue kontinentale Ideen ein. Allmählich entwickelte sich ein strengerer, bildhafterer Stil. Ein Exemplar von Augustinus’ „De Civitate Dei“ (Florenz, Laurentianische Bibliothek), das im frühen zwölften Jahrhundert in Canterbury illustriert wurde, lässt die Grundzüge des neuen Stils erkennen.

Die kleinen Figuren behalten den angelsächsischen Stil der Draperie bei, und die Figuren erscheinen so lebendig wie zuvor, aber die Dekoration der Bordüre ist kontrollierter, und das Porträt des Heiligen Augustinus ist ganz anders. Es handelt sich um eine Figur auf einem flachen, gemusterten Hintergrund; das Haar ist auf einen formalen Lockenkranz reduziert, das stilisierte Ohr ist wie eine Jakobsmuschel geformt, und die Draperie, insbesondere über den Knien, ist auf einen durchgehenden Block mit geometrischem Muster reduziert.

Die bisher betrachteten englischen Manuskripte stammen aus den Skriptorien von Canterbury und Winchester, doch muss die Aufmerksamkeit nun auf St. Albans und Bury St. Edmunds gerichtet werden. Im zweiten Viertel des zwölften Jahrhunderts wurde in St. Albans ein Psalter (heute in der Dombibliothek Godehard in Hildesheim) illuminiert, der einen entscheidenden Einfluss auf die Entwicklung der romanischen Malerei in England haben sollte.

Der St. Albans Psalter (Albani Psalter) hat über vierzig ganzseitige Illustrationen und viele verzierte Initialen. In den Gemälden sind die Figuren gut in den starren Rahmen ihrer Umgebung eingebettet, und die langgestreckten, monumentalen Figuren sind nun in schwere, hängende Draperien gekleidet, die die darunter liegenden Körper definieren. Die Szenen sind in kräftigen, düsteren Tönen gemalt, die sich deutlich von den blassen, verwaschenen Farben der Manuskripte aus der Zeit vor der Konquista unterscheiden.

Es liegt auf der Hand, dass die Künstler stark von osmanischen oder byzantinischen Vorbildern beeinflusst worden sein müssen. Es besteht kein Zweifel, dass dieses Buch in St. Albans entstanden ist, aber sein Einfluss erstreckte sich sofort auf Bury St. Edmunds, wie aus dem Evangelienbuch ersichtlich ist, das sich heute im Pembroke College in Cambridge befindet. Die Illuminationen sind nicht so stark koloriert wie im Psalter von Albany, aber die Art der Gesichter und die neue Behandlung der Faltenwürfe verdanken dem Psalter von Albany viel.

Mehrere andere englische Handschriften lassen denselben Einfluss erkennen, insbesondere der für die Nonnen von Shaftesbury geschriebene Psalter (British Museum). Im Großen und Ganzen erwies sich Albanis Stil jedoch als zu streng für den englischen Geschmack, und er wurde schließlich durch engere Alternativen verdrängt.

In der Mitte des zwölften Jahrhunderts wurde in Canterbury eine zweite Kopie des Utrechter Psalters angefertigt. Der impressionistische Realismus war nun von der Zeichnung abgelöst worden, die zarten Federstriche, die den Grund markierten, waren durch formale Figuren ersetzt worden, die Gesichter und Faltenwürfe ähnelten dem Stil Albanis, und obwohl die Illustrationen immer noch in Umrissen gehalten waren, wurden mehrere verschiedene Farben verwendet. Jede Szene ist nun von einem gemusterten Rahmen umgeben, während die Figuren zuvor über den Text verstreut waren.

Zu den besten Büchern des zwölften Jahrhunderts gehört die große Tempest Bible (Corpus Christi College, Cambridge). Solche Bibeln eröffneten den Künstlern neue Möglichkeiten und waren zweifellos schon zu ihrer Zeit berühmt. Die Bury-Bibel zeigt eine vollständige Übernahme von Albanis Stil. Die Figuren sind mit demselben Raumgefühl angeordnet, aber hier wurde der Faltenwurf von Albanis Psalter in einer typisch englischen Weise entwickelt, so dass der Eindruck entsteht, dass sich feuchte Falten an die darunter liegende Form schmiegen. Die Gemälde sind in exquisit leuchtenden Farben gehalten, und die Seiten glänzen wie Schmuck oder Edelmetall.

Die Behandlung von Draperien „mit nassen Falten“, die in der Bury-Bibel fast realistisch eingesetzt wurde, wurde von anderen Künstlern in eine immer dekorativere Form der abstrakten Kunst umgewandelt. Die Lambeth-Bibel, die in Canterbury abgebildet ist, zeigt, wie weit diese Schematisierung ging und die plastische Form auf flache geometrische Muster reduzierte. In der Tempest-Bibel versuchte der Künstler, den Eindruck von Tiefe zu erzeugen, indem er die Farben des Hintergrunds variierte, wie es die osmanischen Maler taten, aber in der Lambeth-Bibel sind die Figuren vor einem einfarbigen Hintergrund dargestellt. Für diejenigen, die die romanische Kunst als eine bewusste Abkehr vom Realismus betrachten, ist dieses Werk zweifellos eines der wichtigsten.

Es gibt stilistische Hinweise darauf, dass einige Künstler von einem Skriptorium zum anderen wechselten. In Winchester gibt es eine weitere große Bibel, die dies bezeugt. Sie ist jetzt in drei Bänden gebunden und stellt eine Synthese der Entwicklung der Malerei in der zweiten Hälfte des zwölften Jahrhunderts dar. Es ist wahrscheinlich, dass dieses Buch - Die Winchester-Bibel - in St. Swithun’s, Winchester, illuminiert wurde, und einige Teile sind mit einem anderen Buch aus Winchester vergleichbar - Der St. Swithun’s Psalter (British Museum) -, aber in der Bibel ist die Arbeit von mindestens sechs verschiedenen Buchmalern zu erkennen.

Der früheste von ihnen, der so genannte Meister der springenden Figuren, stellte Figuren mit einem großen Sinn für Bewegung und Lebendigkeit dar und verwendete die Technik „der rohen Faltung“ in ähnlicher Weise wie der Bury-Bibelmeister. Als fast zeitgenössischer Künstler zeigt der Meister der Apokryphen-Zeichnungen einen klareren Sinn für die Linie und scheint gewollt zu haben, dass seine Zeichnungen nur mit einem schwachen Farbspritzer akzentuiert werden. Die späteren Illustrationen des Buches sind deutlich anders und zeigen einen klaren byzantinischen Einfluss.

Im dritten Viertel des zwölften Jahrhunderts gab es einen direkten Kontakt zwischen England und Sizilien, und der Realismus und Klassizismus des letzteren Künstlers, der zu Recht als Meister der gotischen Pracht bezeichnet wird, läutet die Geburt einer neuen Art von Figurenmalerei ein, auf die der Name „Gotik“ zutrifft. Die ersten herausragenden Leistungen dieses neuen Realismus finden sich im Westminster Psalter (British Museum), um 1200, wo in fünf ganzseitigen Gemälden die Figuren mit einer neuen Gründlichkeit und Kraft wiedergegeben werden. Ein neuer Stil erscheint auch im Bestiarium (British Museum), in dem alle formalisierten Draperien des romanischen Stils zugunsten von etwas Einfacherem und Weicherem verworfen wurden.

Es ist vielleicht angebracht, die Diskussion über die Handschriften des elften und zwölften Jahrhunderts mit einem Hinweis auf den Pariser Psalter (Bibliothèque Nationale, Paris) zu beenden. Obwohl es sich im Wesentlichen um eine weitere Kopie des Utrechter Psalters handelt, ist die Malerei hier vollständig koloriert, der Stil der Figuren hat sich von den dekorativen Mustern der romanischen Kunst entfernt, und nur die Ikonographie wurde beibehalten. Dieses Werk zeigt deutlich die stilistischen Veränderungen im Laufe der Jahrhunderte, wobei auf jeder Entwicklungsstufe Werke von sehr hoher Qualität entstanden sind. Die Bühne ist nun für einen weicheren, lockereren Stil der englischen gotischen Buchmalerei bereitet.

Romanische Illumination von Handschriften in Spanien

Im neunten, zehnten und elften Jahrhundert gab es in Spanien zwei Arten von Christen: Diejenigen, die im Norden lebten, waren frei und kämpften ständig für die Erhaltung ihrer Unabhängigkeit gegen die Muslime im Süden, aber es gab auch viele Christen, die unter muslimischer Herrschaft lebten. Diese Menschen waren als Mozarabier bekannt.

Es überrascht nicht, dass die mozarabische Kunst stark von arabischen Einflüssen geprägt ist, obwohl ein Buch aus dem späten neunten Jahrhundert, die Bibel aus dem Monasterio della Cava dei Terreni, einen recht starken Einfluss der karolingischen Kunst zeigt. Es scheint, dass sie anfangs nur verzierte Initialen verwendeten. Es sind jedoch nur wenige Bücher aus dem Ende des neunten Jahrhunderts erhalten geblieben. (Anmerkung: Zu den spanischen Fresken siehe: Romanische Malerei in Spanien S.1000-1200).

Die bekanntesten frühen spanischen Manuskripte werden mit Abt Beatus von Libana in Verbindung gebracht, der im achten Jahrhundert lebte. Er ist vor allem für seine Kommentare zu den Offenbarungen des Heiligen Johannes des Göttlichen - der Apokalypse - und seine Studien der Prophezeiungen des Daniel bekannt. Diese beiden Bücher, die eine geheimnisvolle Welt voller Bedrohungen beschreiben, erfreuten sich unter den unruhigen Christen in Spanien großer Beliebtheit und bildeten die Grundlage für einen Großteil der illuminierten Bücher, die heute noch erhalten sind. Von der Apokalypse des Beatus gibt es nicht weniger als dreiundzwanzig illustrierte Exemplare, und viele Szenen haben auch tausend Jahre später noch ihre beeindruckenden Farben.

Eine dieser Apokalypsen ist ein Schatz der Kathedrale von Gerona. Sie ist von den älteren und ehrwürdigen Presbytern und von Ende „Pintrix“ unterzeichnet. Sie stammt aus dem Jahr 975 und ist reichlich mit Szenen aus dem Leben Christi, apokalyptischen Visionen und zahlreichen dekorativen Vögeln und Tieren verziert. Wir haben es hier mit der besten mozarabischen Kunst zu tun, einem Werk von überwältigender Originalität mit brillanten farbigen Hintergründen in komplementären Farbtönen.

Die Illustration „Der Fall des Donners“ bestätigt den erbaulichen Zweck dieser Bücher. Dies ist die Szene, die in der Offenbarung, Kapitel 4, beschrieben wird, und der Künstler hat sich eng an den biblischen Text gehalten, der von vierundzwanzig Ältesten spricht, „die mit weißen Gewändern bekleidet sind und auf ihren Häuptern Kronen aus Gold tragen“. Der Text „vom Blitz aus dem Thron und der Stimme des Donners“ ist um ein zentrales Medaillon herum geschrieben, das eine hoch aufragende Gestalt zeigt, die auf ein versiegeltes Buch deutet. Im Vordergrund des Gemäldes ist der heilige Johannes selbst in Trance dargestellt. Diese didaktische Qualität ist sehr charakteristisch für die mozarabische Kunst und nimmt in gewisser Weise die französischen „Moralischen Bibeln“ des dreizehnten Jahrhunderts vorweg.

Weitere schöne mozarabische Handschriften sind neben den Apokalypsen des Beatus der Codex Vigilano oder Albeldense und der Codex Emilianense, die heute in der Bibliothek von Escorial aufbewahrt werden. Es handelt sich um Bücher, die die Akten christlicher Konzilien enthalten, wobei der letztgenannte lediglich eine Abschrift des Codex Vigilano ist. Auf der letzten Seite des Codex Vigilano sind die Figuren der Könige und Königinnen in getrennten Tafeln dargestellt, und in der unteren Reihe ist Vigila, der Hauptschreiber, mit seinen Assistenten Sarracino und Garcea zu sehen.

Die Ordnung der Seiten und die Eleganz der Draperien lassen auf einen nicht-spanischen Einfluss schließen, und es wird vermutet, dass dieses Manuskript von einem Ausländer illustriert wurde, der tief von spanischem Gefühl und spanischer Technik durchdrungen war. Die Arbeit am Codex Emilianensis wurde im selben Jahr begonnen, in dem der Vigilano fertiggestellt wurde, und schon damals kehrten die Künstler zu einem rein mozarabischen Stil zurück.

Die erzählenden Bilder sind willkürlich über die Seite verstreut, und die menschliche Gestalt wird auf rein kalligraphische Weise interpretiert. Die Namen von Velasco, Bischof Sisebuto und Notar Sisebuto ersetzen die Namen der Autoren des Codex Vigilano.

Sofern wir nicht das Glück haben, das Datum eines Buches zu kennen, wie im Fall von Girona Beatus, ist die genaue Datierung spanischer Handschriften schwierig, aber im Allgemeinen zeigen die Buchmalereien des elften und zwölften Jahrhunderts ein allmähliches Eindringen transpyrenäischen Einflusses. Eine Abschrift der Apokalypse des Beatus aus Silos (British Museum) um 1100 zeigt eine naturalistischere Interpretation des Themas, und die verzierten Initialen haben einen südfranzösischen Charakter.

Dieser kühne, höchst originelle Malstil war einflussreicher, als man hätte erwarten können. Er hatte einen starken Einfluss auf die benachbarten Skriptorien in Südfrankreich (z. B. Die Apokalypse von Saint-North) und auf die Kunst Portugals, verbreitete sich aber auch weiter nach Norden und ist überraschenderweise in Büchern der Skriptoria von Saint-Omer in Nordfrankreich zu finden. Die apokalyptischen Szenen in Lamberts von Saint-Omer’s Liber Floridus (Paris, Bibliothèque Nationale) spiegeln die spanische Vorliebe für bunte Hintergründe wider.

Die romanische Illumination von Handschriften in Italien

Wir müssen uns nun von Spanien, wo die christlichen Mönche ihren eigenen Stil entwickeln mussten, ohne sich von Traditionen oder Vorbildern leiten zu lassen, nach Italien wenden, einem Land mit einem fast ungebrochenen Erbe religiöser Kunst aus frühchristlicher Zeit und in direktem Kontakt mit dem östlichen Reich von Byzanz.

Unter dem Osmanischen Reich war Süditalien ein Zankapfel zwischen germanischen und byzantinischen Interessen; der Kampf wurde durch die Ankunft der Normannen im elften Jahrhundert noch komplizierter. Stilistisch spiegelte sich dies in der Kunst des Benediktinerklosters Monte Cassino, südlich von Rom, wider. Der Abt des Klosters, Desiderius (1057-1085), hatte Verbindungen zu Konstantinopel; er schickte Künstler dorthin, die in der Mosaikkunst ausgebildet waren, um die von ihm wieder aufgebaute Kirche zu schmücken, und gab mehrere Stücke byzantinischer Metallarbeiten in Auftrag, wie etwa ein goldenes Antapendium, das mit Szenen aus dem Leben des heiligen Benedikt verziert war.

Wie sehr der orientalische Einfluss die Arbeit des Skriptoriums von Monte Cassino beeinflusste, zeigt „das Leben des Heiligen Benedikt und des Heiligen Maurus“ (Rom, Vatikanische Bibliothek), das während der Abtei von Desiderius geschrieben wurde. Es ist mit über hundert kleinen Szenen aus dem Leben der Heiligen illustriert. Es handelt sich um lebendige Konturzeichnungen, die mit Farbflecken gefüllt sind, und die Anlehnung an Byzanz ist überraschend oberflächlich. Einige Initialen deuten auf die Kenntnis des ottonischen Sakramentars von Heinrich II. hin, aber es gibt keine direkten Verbindungen. (Zu italienischen Wandfresken und Altarbildern siehe: Romanische Malerei in Italien S.1000-1200).

In Süditalien tauchte ein Phänomen wie die Exultet-Rolle auf. Dabei handelte es sich um einen langen Pergamentstreifen, der einen Osterhymnus enthielt, der vom Priester beim Segnen der Osterkerze gesungen wurde. Die Rolle war mit entsprechenden Geschichten illustriert, die die Gläubigen betrachten konnten, wenn das Manuskript über dem Lesepult aufgefaltet wurde. Die Illustrationen sind natürlich für den Leser auf den Kopf gestellt. Die Rolle von Bari, die aus der Zeit vor 1028 stammt, ist typisch und zeigt die Personifizierung der Erde. Diese monumentalen Figuren wurden wahrscheinlich vom Künstler selbst geschaffen und haben keine offensichtliche Inspirationsquelle, aber die mit Medaillons und Benevent-Schrift verzierten Ränder erinnern an die Kunst von Monte Cassino.

Aus dem Stil der Wandmalereien in mehreren Kirchen in Rom geht hervor, dass dort eine Reihe von großen Bibeln gemalt wurden. Diese „atlantischen“ Bibeln enthalten oft ganzseitige Illustrationen, und ihr Maßstab erlaubt die Verwendung eines breiten Pinselstrichs und verleiht ihnen fast die Qualität von Freskenmalerei . Ein solches Buch ist die Bibel aus Cividale del Friuli . Für das späte elfte Jahrhundert ist dies ein ziemlich primitiver Kunststil. Folio 1 stellt Szenen aus der Schöpfung dar. Die Erzählung wird in horizontalen Bändern dargestellt, und in jeder Szene hebt sich die wichtigste Figur von einem dunkleren Farbband ab. Der byzantinische Einfluss ist in den Gesichtstypen offensichtlich, hat aber den Geist des Künstlers nicht beeinflusst, der einfache Wiederholungen von Formen verwendet (die beiden Figuren von Gottvater sind fast identisch) und eine skizzenhafte Nachlässigkeit in Bezug auf Konturen und Faltenwurf zeigt.

Ein raffinierteres Beispiel für diese Atlantischen Bibeln ist die Riesenbibel (München, Staatsbibliothek), die Kaiser Heinrich IV. um 1075 der Abtei Hirsau schenkte. Im Allgemeinen ist die italienische Miniaturmalerei eng mit den modernen Trends in der Wandmalerei verwandt, und dieses Buch enthält Illustrationen, die den Freskenzyklen in Rom sehr ähnlich sind.

Trotz dieser Bibeln erreicht die mittelitalienische Buchmalerei der romanischen Handschriften jedoch nicht die glorreichen Höhen, die von den Angelsachsen oder der osmanischen Schule erreicht wurden. Im Gegenteil, sie erscheint fast wie eine unbedeutende Art von Malerei, die keine besondere Aufmerksamkeit verdient. Eine große Anzahl von Büchern weist ein einfaches Ornament aus Initialen auf, die nur nach einer sorgfältigen Untersuchung der einzelnen Motive eingeordnet werden können.

Im Norden waren die Künstler jedoch empfänglicher für äußere Einflüsse als in den konservativen Städten des Südens. Die Scriptorien waren, anders als im Süden, bereits zu Beginn des elften Jahrhunderts aktiv, und ein Buch wie das Sakramentar von Ivrea, ca. 1010, zeigt die Übernahme des deutschen Stils. In dieser Handschrift lassen sich mindestens vier verschiedene Hände unterscheiden; ein Künstler verwendet einen realistischen Expressionismus, der einer karolingischen Handschrift wie dem Goldenen Psalter von St. Gallen entlehnt ist, ein anderer zeigt eine engere Verwandtschaft mit dem ottonischen Stil, und ein dritter gibt seinen Figuren die schwermütigen Gesichter Spaniens.

Ein Beispiel für die norditalienische Malerei des späten 11. Jahrhunderts ist das Missale (Mailand, Biblioteca Ambrosiana). Der Großbuchstabe „V“ der Worte Vere dignum steht der Darstellung der Kreuzigung gegenüber. Das enge Geflecht an den Ecken des Rahmens, der „griechische Schlüssel“ und die Palmetten in den Bordüren sowie die Art der Gesichter weisen auf die für die norditalienische Malerei charakteristische Vielfalt der Quellen hin.

Die romanische Malerei überlebte in Italien sehr lange, und im Gegensatz zur raschen Entwicklung andernorts gab es hier keine radikalen Veränderungen bis zum Erscheinen einer völlig neuen Kunstform der Proto-Renaissance - den Fresken in Assisi und den Werken von Giotto, die den Weg für die vollwertige Frührenaissance Malerei des Quatrocento ebneten.

Ein Manuskript in Florenz (Laurentianische Bibliothek) weist Initialen und eine Schrift auf, die auf eine englische Herkunft aus dem zwölften Jahrhundert schließen lassen, aber eine Seite, die von den ursprünglichen Künstlern leer gelassen wurde, wurde von einem italienischen Künstler aus dem dreizehnten Jahrhundert mit Szenen aus „Die Urteile des Hiob“ verziert. Der arme Hiob, von Wunden bedeckt, sitzt auf einer Pritsche, beobachtet von seinen drei Freunden. Satans Schergen verhöhnen ihn von oben, und in der oberen Ecke sehen wir die Zerstörung seines Hauses und seiner Familie. Die erzählerische Wirkung ist gewaltig, aber es ist schwer zu erkennen, dass es sich um die zeitgenössische raffinierte Eleganz des Frankreichs des dreizehnten Jahrhunderts handelt.

Es gab jedoch eine bedeutende, wenn auch isolierte Gruppe von mittelalterlichen Künstlern am Hof von Friedrich II. in Süditalien und Sizilien (ca. 1220-50) . Friedrich selbst war ein großer Mäzen aller Kunstsparten und interessierte sich, vielleicht aus politischen Gründen, für die Wiederbelebung der Antike, was sich in der romanischen Skulptur seiner Künstler im Castel del Monte bei Capua widerspiegelt. Er schrieb auch eine sehr detaillierte Abhandlung über die Kunst der Falknerei, und ein illustriertes Exemplar, das um 1250 im Vatikan aufbewahrt wurde, enthält eine Reihe von bewundernswerten Zeichnungen, die mit lebendiger Direktheit und Originalität ausgeführt wurden. Ein Exemplar von Hippokrates’ Abhandlung über Pflanzen (Florenz, Laurentianische Bibliothek) zeigt eine Stimmung, die weit von den Stilisierungen Nord- und Mittelitaliens entfernt ist, und stammt zweifellos aus dem Kreis Friedrichs.

Die romanische Illumination von Handschriften in Frankreich

Jede Betrachtung der französischen romanischen Architektur erfordert, dass der Student die Gebäude in regionalen Gruppen betrachtet, die jeweils ihre eigenen Merkmale aufweisen. Ein solcher Ansatz ist auch für das Studium der Buchmalerei dieser Epoche notwendig. In einem Land, das an Deutschland, Italien, Spanien und England grenzt - Nationen, die im elften und zwölften Jahrhundert eine solche Vielfalt an Stilen hervorbrachten - kann man kaum eine homogene nationale Kunst erwarten. Außerdem war das Frankreich des elften und zwölften Jahrhunderts in mehrere separate Feudalfürstentümer zersplittert. Bis zur Gründung von Schulen in Paris im dreizehnten Jahrhundert gab es in Frankreich viele verschiedene Strömungen in der Kunst der Manuskriptillumination.

Die Kunst blüht selten in Zeiten des Stresses, und nach dem Niedergang des Karolingerreichs erlebte Frankreich lange Jahre der Invasionen und Plünderungen, bis die Kapetinger am Ende des zehnten Jahrhunderts an die Macht kamen. Die von Abt Odilon (996-1048) und Abt Hugo (1049-1109) von Cluny eingeführten Klosterreformen betonten die Bedeutung des Buchstabens der benediktinischen Regel und führten zu einem strengeren und frommeren Leben in den Klöstern.

In dieser ruhigeren Atmosphäre begannen die Skriptorien wieder, schöne Werke zu produzieren. Das karolingische Erbe liegt den meisten romanischen Skriptorien in Frankreich zugrunde, aber für weitere Inspiration wandten sich die Künstler entweder an ihre Nachbarn oder an Bücher, die von umherreisenden Würdenträgern der Kirche in ihre Klöster gebracht wurden. (Anmerkung: Zur französischen Wandmalerei siehe Romanische Malerei in Frankreich ca. 1000-1200).

Die wichtigsten Kunden für illuminierte Evangelienhandschriften waren Abteien und Klöster, die von einer wachsenden Zahl von Orden geführt wurden. Diese Mäzene finanzierten auch die Herstellung einer Vielzahl anderer liturgischer und kirchlicher Gegenstände. So ist das Stavelot-Triptychon (1156) ein schönes romanisches Werk, das für die Abtei von Mitgliedern der maurischen Kunstschule geschaffen wurde, zu denen möglicherweise Godefroy de Clair (de Huy) (1100-1173) gehörte. Siehe auch das Werk des besser bekannten Nikolaus von Verdun (1156-1232).

In Südfrankreich gibt es eine merkwürdige, zarte Art von Blattwerk, das in Initialen und Bordüren verwendet wird. Dieses rein dekorative Motiv bildet ein Bindeglied zwischen vielen verschiedenen Skriptorien und trägt dazu bei, sie zu einer einzigen Gruppe zusammenzufassen. Der Kommentar von Beatus zur Apokalypse von St. Severus (Paris, Bibliothèque Nationale) ist eine französische Kopie der spanischen Bücher.

Hier ist der Einfluss des Mozarabismus sehr stark, und die Motive sind eindeutig der arabischen Inspiration entlehnt. Die Figuren stehen vor leuchtenden Hintergründen in Rot und Gelb oder Grün und Blau, und die präzise Ausführung erzeugt den Eindruck von scharf umrissenen Emaillen. Saint-North liegt nicht weit südlich von Bordeaux, und der Künstler Stephen Garcia ist ein Mann, der von den Ideen jenseits der Pyrenäen zutiefst durchdrungen ist, aber die Initialen sind mit den langen, ausgemergelten Ranken der Blätterbindungen geschmückt, die ihren Ursprung in Albi und Toulouse haben.

Bei der Betrachtung der französischen Malerei darf die Bedeutung der Pilgerwege nicht unterschätzt werden. In ganz Frankreich gab es vorgeschriebene Wege, die zum Schrein des Heiligen Jakobus in Santiago de Compostela im Nordwesten Spaniens führten. Entlang dieser Wege blühten bedeutende Klöster auf, große Kirchen wurden für die Pilger gebaut, und wir können davon ausgehen, dass einige Reisende als Opfergaben eher Geschenke als Geld hinterließen.

Die Abtei von St. Marcial in Limoges war eine solche Wallfahrtskirche, die zweifellos viele Besucher aus anderen Ländern empfing. So spiegeln die Bücher aus ihrem Skriptorium nicht nur den Süden Frankreichs, sondern auch die Arbeit der osmanischen Meister wider. Die Große Bibel von St. Marcial (Paris, Bibliothèque Nationale) stammt aus der Zeit um 1100. Sie ist das Werk eines sehr begabten Künstlers mit ausgewogenen, klaren Kompositionen. Die Figuren stehen in einem architektonischen Rahmen, der an die Apokalypse des Heiligen Severus erinnert, und die Farbe wird sorgfältig eingesetzt, um eine maximale dekorative Wirkung zu erzielen.

Die südfranzösischen Formen verbreiten sich überraschend weit nach Norden bis ins Anjou. Die Gruppe der Handschriften aus dem Anjou umfasst die Bibel, den Psalter und das Leben des Heiligen Aubin aus der Abtei von St. Aubin in Angers, die mit dem Werk eines gewissen Fulco in Verbindung gebracht werden, der (1082-1108) mit der Ausschmückung des Klosters St. Jean im Chateau Gontier beauftragt war.

Trotz des unterschiedlichen Umfangs und der unterschiedlichen Technik scheinen alle diese Werke von ein und derselben Person inspiriert worden zu sein. Das Leben von St. Aubin (Paris, Bibliothèque Nationale) zeichnet sich durch eine Schwere aus, die die Kunst des Poitou widerspiegelt. Die Draperien sind massiv und haben scharf abgegrenzte Falten, die den Eindruck erwecken, dass sie aus einem viel steiferen Material als einfachem Stoff gefertigt sind. Diese kraftvollen und eindrucksvollen Illustrationen mit ihren subtilen und kräftigen Farben sind die Essenz der romanischen Malerei.

Die Buchmalerei in Burgund zu dieser Zeit stellt eine rasche Abfolge von Stiländerungen dar. Leider gingen die meisten Manuskripte aus Cluny verloren, als die Abtei während der Französischen Revolution zerstört wurde. Die Äbte von Cluny unterhielten enge persönliche Kontakte zum Germanischen Reich und zu Rom.

Die erhaltenen Bücher sind mit rheinischen Initialen geschmückt, und in den Gemälden sind die Figuren mit einer Sympathie und Sorgfalt wiedergegeben, die nur in byzantinischen Büchern übertroffen werden kann. Die Technik „der Nassfalten“ wird naturalistisch eingesetzt, und man vermutet die Anwesenheit orientalischer Maler. Das Manuskript des Heiligen Hildefons , das heute in Parma aufbewahrt wird, scheint aus Cluny zu stammen. Sie ist jedoch in einem rein deutschen Stil illustriert, was wiederum darauf schließen lässt, dass in Cluny ausländische Künstler am Werk waren.

Die frühen Handschriften des neuen Zisterzienserklosters von Citeaux zeigen dagegen drei sehr unterschiedliche Stile, die in rascher Folge aufeinander folgen. Die ersten beiden Stile sind sogar in einer einzigen Handschrift zu finden. Es handelt sich um eine große vierbändige Bibel, die als Bibel des heiligen Stephan Harding bekannt ist (Dijon, Stadtbibliothek) und im frühen zwölften Jahrhundert geschrieben und illustriert wurde. Die ersten beiden Bände sind mit kunstvollen historischen Initialen und farbigen Illustrationen versehen. Stephen Harding, ein Engländer aus Sherborne, der 1109 Abt von Citeaux wurde, war zweifelsohne für den abrupten Stilwechsel verantwortlich. Der neue Stil hat die ganze Spontaneität der besten englischen Buchmalerei. Die seltsam hässlichen Gesichter und die fetten humorvollen Figuren finden ihre nächsten Parallelen in einem Buch wie dem Shaftesbury-Psalter (London, British Museum), das ebenfalls aus Westengland stammt.

Die historisierenden Initialen in der Abschrift „Moralia des Heiligen Gregor im Buch Hiob“ (Stadtbibliothek, Dijon) haben denselben englischen Charakter mit hellen, leuchtenden Farben und sehr lebendigen Figuren. Die Initiale „R“, die die ganze Seite ausfüllt, besteht aus zwei eleganten Athleten, von denen einer auf den Schultern des anderen steht und einen schönen Drachen angreifen will. Die Initiale „P“ zeigt eine kunstvolle Gruppe kämpfender Männer und Tiere, die sich gegenseitig beißen.

Ein weiteres burgundisches Manuskript, das fast zeitgleich mit der Bibel von St. Stephen Harding entstand, ist die Bibel von St. Benigne (Dijon, Stadtbibliothek). Sie enthält Initialen in kräftigen Farben auf Goldgrund, die Szenen mit Bezug zum Text enthalten. Das „Q“ am Anfang des Lukasevangeliums zeigt eine halb menschliche, halb symbolische Figur, die an einem Tisch sitzt, und das „H“ am Anfang des Buches Exodus ist mit einem Bild von Moses vor dem Pharao ausgearbeitet.

Hier gibt es keine Leichtigkeit, keine Blässe der Farben, keinen subtilen Sinn für Humor, sondern nur schweres Blattwerk und dichtes Geflecht. Dieses Buch ist auch deshalb interessant, weil es mehrere spätere Ergänzungen des Meisters von Citeaux enthält, der die Madonna mit dem Kind und den Baum Isais in einer Abschrift des Jesaja-Kommentars des heiligen Hieronymus (Dijon, Stadtbibliothek) in einem völlig neuen, von Naturalismus und Anmut geprägten Stil malte.

Der heilige Bernhard, der strenge Zisterzienserabt von Clairvaux, veröffentlichte 1134 seine berühmte „Verurteilung der bildlichen Darstellung religiöser Themen“. Seine Äußerungen hatten jedoch erstaunlich wenig Einfluss auf die Buchmalerei, obwohl einige Zisterzienserbücher, insbesondere die Bibel des Heiligen Bernhard (Troyes, Stadtbibliothek), jede Art von erzählenden Szenen und alle außer den einfachsten Farben ablehnten. Die Bernhardinerbibel ist ein Meisterwerk der eleganten Zurückhaltung mit einer exquisiten Schrift und fein gezeichneten Initialen.

Zwischen 986 und 1004 wurde die Abtei St. Bertin in St. Omer im Nordosten Frankreichs von Abt Audbert verwaltet. Der Name Audbert deutet auf einen angelsächsischen Ursprung hin, und die während seiner Abtei verfassten Bücher zeigen eine starke Neigung zum englischen Stil. Das Evangeliar von St. Bertin (Boulogne, Stadtbibliothek) ist zweifelsohne das Werk eines Engländers. Die Zeichnung hat die gleiche bewundernswert schnelle Technik, den gleichen Sinn für Bewegung und Ausdruck wie in den Benediktarien von St. Ethelwold . Odbert selbst war auch ein Künstler und hat dem Psalter, der sich heute in Boulogne befindet, seinen Namen gegeben.

Zu seinen weiteren Büchern gehören „Aratus“ (Leiden), mehrere Evangelienbücher und ein Buch mit dem Leben von St. Bertin, St. Folcuin, St. Silvinus und St. Winnock (Boulogne, Stadtbibliothek), allesamt Heilige, die mit der Abtei von St. Bertin in Verbindung stehen. Die Darstellung des heiligen Bertin mit seinen Gefährten zeigt den seltsamen Charakter von Audbert. Die Darstellung menschlicher Gesichter ist ein Markenzeichen seines Stils; diese Gesichter tauchen immer wieder in seinen Werken auf und scheinen einen stets besorgten, fragenden Ausdruck zu haben.

Er ließ sich von einer Vielzahl von Quellen inspirieren und kombinierte seine Vorbilder zu einem sehr individuellen Stil. Das architektonische Gerüst ist eine Mischung aus ottonischen und englischen Motiven, während die dekorativen Medaillons verzerrte Tiere irischen Ursprungs enthalten. Der Stil der Figuren ist jedoch bemerkenswert statisch, ohne jeden Hinweis auf die windgepeitschten Faltenwürfe der angelsächsischen Kunst. Odbert beweist ein feines Gespür für Farben, die er mit guten dekorativen Ergebnissen einsetzt.

Der Einfluss der normannischen Eroberung auf die englische Buchmalerei wurde bereits erwähnt. In der Normandie markiert die Eroberung die Geburt des echten romanischen Stils, obwohl die genaue Rolle Englands ziemlich kompliziert ist. In der Tat verschwindet der englische Einfluss bald, und neue Ideen lassen an Orten wie Mont Saint-Michel ganz eigene Stile entstehen. Wir haben gesehen, dass sich die stilistische Entwicklung in Canterbury anhand von vier Kopien des Utrechter Psalters nachvollziehen lässt. In ähnlicher Weise gibt es drei Kopien des Lebens von St. Amand aus der Abtei von St. Amand in Valenciennes (heute in der Bibliothek von Valenciennes).

Das erste dieser Werke stammt aus dem späten elften Jahrhundert und bildet die Vorlage für die beiden anderen. Vierzig Szenen aus dem Leben des Heiligen sind in den Text eingefügt und in einer eher einfachen, malerischen Weise ausgeführt. Die zweite Vita ist wesentlich stilisierter. Sie ist das Werk eines selbstbewussten Künstlers aus der Mitte des zwölften Jahrhunderts, der sich manchmal des seltsamen Mittels der Draperie bedient. Er schneidet ein ganzes Stück Stoff mit einer dicken Linie ab und modelliert darin die Figur mit Farben. Diese Technik erinnert an die Kunst des Emaillierens und der Glasmalerei.

Man darf nicht vergessen, dass diese Gegend im Nordosten Frankreichs und das Maastal für ihre wundervollen Metallarbeiten, sowohl Emaille als auch Bronze, bekannt waren, was die Buchmaler durchaus beeinflusst haben könnte. Das dritte „Leben von St. Amand“, das im späten zwölften Jahrhundert entstand, markiert den Höhepunkt des romanischen Stils in St. Amand. Das Buch enthält nur sieben Illustrationen, die jedoch alle von hoher Qualität sind. Die Wahl der Farben - Altrosa, leuchtende Gelb-, Blau- und Violetttöne - ist hervorragend, und die Eleganz und Raffinesse lassen das Aufkommen der gotischen Kunst, eines kommenden neuen Stils, erahnen.

Ebenfalls aus St. Amand stammt eine Bibel in fünf Bänden (Valenciennes, Stadtbibliothek). Jeder Band beginnt mit einer ganzseitigen Initiale, die auf einem blattgeschmückten Teppich steht. Die Initiale „A“, die den vierten Band eröffnet, ist von Savalot, einem Mönch aus Saint-Amand, unterzeichnet. Die Initiale ist eine komplexe Komposition von Drachenkörpern vor einem Hintergrund aus Blattwerk, wobei sich Tiere und Menschen zwischen den Zweigen tummeln. Die gewundene Raffinesse des Blattes erinnert wiederum an die feine Ziselierung von Metalloberflächen.

Der Einfluss Englands auf diesem Gebiet endet nicht mit dem elften Jahrhundert. Aus Lissie stammen zwei Evangelistenporträts aus dem Evangelienbuch (Avesnes, Archäologische Gesellschaft), die eine enge Verwandtschaft mit der englischen Lambeth-Bibel aufweisen. Die merkwürdigen Konventionen der Draperien sind sehr ähnlich, obwohl die Gesichter eher denen in den Büchern von St. Amand ähneln. Obwohl der Stil im Wesentlichen romanisch bleibt, ist es bezeichnend, dass die Avesnes-Blätter enge künstlerische Verbindungen zu England aufweisen. In diesem Umfeld sollte der neue gotische Stil seinen Ursprung haben.

Illuminierte Evangelientexte aus der romanischen Zeit sind in einigen der schönsten Kunstmuseen der Welt zu sehen.