Evangelische Reformationskunst: Merkmale, Geschichte Automatische übersetzen

Die protestantische Reformation war eine Revolte gegen die Missbräuche und andere Formen der Korruption, die vom Papsttum und der Kirche in Rom begangen wurden. Der eigentliche Funke, der die Revolte entfachte, war die Entscheidung von Papst Leo X., in Deutschland eine Kampagne zum Verkauf „von Ablassbriefen“ (eigentlich Genehmigungen, die es Sündern erlauben, sich den Weg in den Himmel zu erkaufen) zu starten, um den Bau eines neuen Petersdoms in Rom zu finanzieren.

Die Reformation begann am 31. Oktober 1517, als der deutsche Augustinermönch Martin Luther (1483-1546) sein 95 Punkte umfassendes Manifest an die Tür der Allerheiligenkirche in Wittenberg nagelte, was zur Spaltung der Christenheit in Katholiken und Protestanten führte.

Der Protestantismus (bestehend aus vier Hauptströmungen: Luthertum, Calvinismus, Anglikanismus und Täufertum) fasste in Nordeuropa in den Ländern Fuß, die mit der nördlichen Renaissance verbunden waren, wie Nord- und Westdeutschland, die Schweiz, Holland, Großbritannien und Skandinavien. Dies wiederum führte zur Entstehung einer neuen Art von christlicher Kunst, die das protestantische religiöse Programm feierte und sich radikal von der Kunst der Hochrenaissance in Italien, Spanien, Neapel und anderen Teilen Südeuropas unterschied, die weiterhin römisch-katholisch war. Form und Inhalt der protestantischen Kunst - insbesondere der Malerei - spiegeln das einfachere, schmucklosere und persönlichere Christentum der Reformationsbewegung wider. Folglich wurden großformatige Werke der biblischen Kunst nicht mehr von protestantischen Kirchenorganisationen in Auftrag gegeben. Und obwohl protestantische Sammler weiterhin privat religiöse Gemälde bei Künstlern in Auftrag gaben, insbesondere bei Rembrandt (1606-1669), ging die Gesamtmenge der in protestantischen Ländern produzierten religiösen Kunst stark zurück.

Der Wegfall des kirchlichen Mäzenatentums zwang viele alte Meister, sich weltlichen Kunstformen zuzuwenden, wie der Historienmalerei, Porträts, Genremalerei und Stillleben. Doch obwohl offenkundig religiöse Kunst durch die Reformation verboten oder missbilligt wurde - wie der ikonoklastische „beeldenstorm“ von 1556 zeigt - gab es eine wachsende Nachfrage nach kleinen Werken, die eine christliche Botschaft oder moralische Lektion enthielten. In Holland zur Zeit des niederländischen Barocks kamen die Künstler dieser Nachfrage nach, indem sie eine Art Stillleben schufen, das als „Vanitas“ bekannt war, sowie Genreszenen, die Frömmigkeit und einen frommen Lebensstil propagierten.

Der Unterschied zwischen protestantischer und katholischer Kunst wurde durch das Konzil von Trient (1545-63) weiter betont, das die katholische Gegenreformation einleitete und dabei eine Reihe neuer ästhetischer Normen für einen strengeren Malerei- und Skulpturenstil hervorbrachte. Luther, der Anführer der Reformation, wurde 1520 vom Papst exkommuniziert, erhielt jedoch Schutz und Asyl von Friedrich dem Weisen (1463-1525), Kurfürst von Sachsen.

Charakteristische Merkmale der protestantischen Kunst der Reformationszeit

Die Hauptmerkmale der reformatorischen Kunst ergeben sich aus der protestantischen Theologie, die sich auf die individuelle Beziehung zwischen dem Gläubigen und Gott konzentriert. Diese Betonung spiegelte sich in der Anzahl der gewöhnlichen Menschen und gewöhnlichen Alltagsszenen wider, die in der protestantischen Kunst abgebildet wurden. Darüber hinaus lehrte der Protestantismus, dass das Heil allein Gott zusteht und nicht durch irdische Eingriffe des Vatikans oder einer anderen kirchlichen Autorität herbeigeführt werden kann. Die protestantische Kunst spiegelt diese Lehre angemessen wider.

Darüber hinaus haben protestantische Theologen und Künstler eine Reihe wichtiger „Geheimnisse des Glaubens“ heruntergespielt oder ignoriert, darunter die Unbefleckte Empfängnis, die Verkündigung der Jungfrau Maria, die Verklärung Christi, um nur drei zu nennen. Die Transsubstantiation (die Verwandlung von Brot und Wein während des Abendmahls in den Leib und das Blut Christi) war ein weiterer wichtiger Streitpunkt zwischen Luther und Rom. Der römische Katholizismus glaubte an eine strenge Auslegung dieser Lehre und neigte daher dazu, Kreuzigungsszenen für seine Altaraufsätze zu verwenden, während die protestantischen Kirchen - zumindest diejenigen, die Figurenmalerei erlaubten - auf der symbolischen Bedeutung der Eucharistie bestanden und daher Szenen des letzten Abendmahls bevorzugten.

Was andere biblische Themen anbelangt, neigte die protestantische Kunst im Allgemeinen dazu, grandiose Bilder von Jesus oder der Jungfrau Maria, große Szenen aus der Bibel (z. B. die Passion Christi), Bilder von Heiligen und insbesondere Bilder von Päpsten und anderen hohen Geistlichen zu vermeiden. Stattdessen konzentrierte sich die protestantische Kunst auf bescheidene Darstellungen biblischer Szenen und moralisierende Darstellungen des zeitgenössischen Alltagslebens.

Siehe auch die architektonischen Gemälde von Emanuel de Witte (1615-1692) und von Pieter Jans Saenredam (1597-1665), die für ihre getünchten Kircheninnenräume bekannt sind.

Nicht alle Protestanten vertraten dieselben Ansichten darüber, welche kirchliche Kunst akzeptabel war: Die Lutheraner beispielsweise waren toleranter als die Calvinisten, die alle figürliche Altarkunst verboten und die meisten religiösen Bilder als götzendienerisch betrachteten. Einige Künste galten jedoch als besser geeignet für einen bescheidenen, persönlichen Zugang zur Religion: Dazu gehörten die Buchillustration und verschiedene Formen der Druckgrafik, wie der Kupferstich und die Radierung (im Zentrum von Antwerpen). Sie alle wurden von der protestantischen Obrigkeit genutzt, um religiöse Ideen in ihre Gemeinden und religiöse Bildung in die Häuser der einfachen Leute zu bringen. Insbesondere diese kleinen Kunstformen ermöglichten die Entwicklung einer spezifisch protestantischen Ikonographie, die Darstellungen von Christus, der Heiligen Familie, Heiligen und Aposteln sowie Illustrationen aller Personen und Ereignisse der Bibel umfasste.

Einfach ausgedrückt: Die Protestanten entfernten die öffentliche Kunst aus ihren Kirchen und städtischen Räumen und zogen es stattdessen vor, ihren Glauben mit kleinen, bescheidenen biblischen Bildern in einer Vielzahl von Druckformaten, einschließlich illustrierter Bibeln, zu verteidigen.

Gleichzeitig übernahmen die protestantischen Gesellschaften einen zurückhaltenden Stil in der Kunst, der das Bedürfnis nach persönlicher Frömmigkeit sowie den Respekt vor der schlichten Schönheit von Gottes Schöpfung, einschließlich des nach seinem Bild geschaffenen Menschen, förderte. Im Gegensatz dazu unterstützte die katholische Gegenreformation voll und ganz die inspirierende oder lehrreiche kirchliche Kunst - wie die berühmten Fresken und andere Plätze in Rom - und setzte sich weiterhin für ihre eigene Marke „der sakralen Kunst“ ein, die wichtige Themen des katholischen Dogmas illustrierte oder katholische Traditionen verherrlichte, insbesondere die Liturgie, die Sakramente und die Heiligen.

Geschichte der Kunst der protestantischen Reformation

Obwohl die Reaktionen von Kirchenmännern, Gemeindemitgliedern und weltlichen Führern von Land zu Land und von Region zu Region sehr unterschiedlich waren, löste die protestantische Reformation im Allgemeinen eine Welle der ikonoklastischen Zerstörung christlicher Bilder aus. Mehrere protestantische Führer, vor allem Johannes Calvin und Huldrych Zwingli, ordneten an, dass die Kirchen von Gemälden und Statuen befreit werden sollten. Wenn ein Gemälde (z. B. ein Fresko) nicht entfernt werden konnte, wurde es übertüncht; wenn eine Skulptur Teil der architektonischen Struktur eines Gebäudes war (eine Säule , Statue oder Reliefskulptur), wurde sie verunstaltet oder zertrümmert, ebenso wie zahllose Beispiele der schönen Glasmalerei . Nebenaltäre wurden demontiert oder physisch entfernt. Alle Reliquienschreine, goldenen Altargeräte und Kivorien (Gefäße für Gegenstände, die bei der Eucharistie verwendet werden) wurden eingeschmolzen, und Gemälde, Skulpturen, Kirchengeräte und andere Gegenstände wurden in großen Scheiterhaufen verbrannt, darunter: Triptychen und größere Polyptychen, andere Tafeln, die meisten Beispiele von Holzschnitzereien, einschließlich Statuen, geschnitzte Chöre und Beichtstühle, Messbücher und andere illuminierte Manuskripte und Messgewänder. Dieser Ikonoklasmus verschärfte sich während der sogenannten „Zweiten Reformation“ um 1560-1619.

Fälle der Zerstörung von Kirchen waren vergleichsweise selten. Um sie ihrer „katholischen“ Identität zu berauben, genügte es, „katholische“ Verzierungen zu entfernen und eine Kanzel an prominenter Stelle aufzustellen. Die neuen Kirchen wurden eher als Auditorien konzipiert, wobei die Kanzel mehr und der Altar weniger im Vordergrund stand.

Die Verzierungen wurden im Allgemeinen auf ein Minimum beschränkt, auch wenn einige Architekten, wie Christopher Wren (1632-1723), mehr Wert auf kirchliche Gestaltung legten als andere. Paradoxerweise könnte die Beseitigung der „katholischen“ Architektur und ihre Ersetzung durch weniger imposante protestantische Entwürfe ein Faktor für die Verbreitung der heidnischen neoklassizistischen Architektur zwei Jahrhunderte später gewesen sein.

Die politischen Führer der protestantischen Länder standen der Reformation sehr wohlwollend gegenüber, nicht zuletzt, weil sie es ihnen ermöglichte, an die Ländereien und den Reichtum der römisch-katholischen Kirche und ihrer Mönchsorden heranzukommen. So wurden beispielsweise bei der Zerstörung des Schreins des Heiligen Thomas Becket in der Kathedrale von Canterbury 24 Wagenladungen mit Schätzen gefunden, darunter viele exquisite mittelalterliche Schmuckstücke, die rasch für die Kassen Heinrichs VIII. eingeschmolzen wurden. Die Reformation gab den weltlichen Herrschern auch eine viel größere Kontrolle über die Ernennung von Bischöfen und anderen Geistlichen.

Nach erheblichen Unruhen kam es 1555 zu einer gewissen Versöhnung zwischen Katholiken und Protestanten durch den Augsburger Religionsfrieden, der den Protestanten die Freiheit der Religionsausübung gewährte. Dieser Kompromiss erstreckte sich jedoch nicht auf die Künste, und Malerei und Bildhauerei sowie Architektur wurden weiterhin von den beiden sich bekriegenden Kirchen als Propaganda benutzt.

Die protestantische Kunst des sechzehnten Jahrhunderts

Sowohl die deutsche Renaissance als auch die niederländische Renaissance gingen zu Ende, als die Reformation an Fahrt aufnahm. In Deutschland waren die meisten der führenden Künstler, wie Martin Schongauer (um 1440-91), Matthias Grünewald (1470-1528), Albrecht Dürer (1471-1528), Albrecht Altdorfer (1480-1538), Hans Baldung Grin (1484-1545) und andere, entweder tot oder im hohen Alter. Dasselbe gilt für die Situation in Holland, dessen größter Meister, Hieronymus Bosch (1450-1516), gerade gestorben war, und für die flämische Malerei des 16. Jahrhunderts, zu deren Stars Quentin Massis (1465-1530), Jan Provost (1465-1529), Jan Gossaert (1478-1532), Joachim Patenier (1480-1525) und Jos van Cleuwe (1490-1540) zählten.

Hans Holbein der Jüngere

Hans Holbein der Jüngere (1497-1543) wurde in Augsburg geboren, wo er bei seinem Vater Holbein dem Älteren studierte. Er war im lutherischen Basel tätig, vor allem aber in London, wo er Heinrich VIII. und Thomas Cromwell malte, der die englische Reformation einführte und die Auflösung der Klöster organisierte. Zu seinen Hauptwerken gehören: Porträt von Erasmus (1523, National Gallery, London); Porträt von Sir Thomas More (1527, Frick Collection); Porträt einer Dame mit einem Eichhörnchen und einem Star (1528, National Gallery, London); Kaufmann Georg Gisse (1532, Gemäldegalerie, SMPK, Berlin); Porträt von Thomas Cromwell (1532-4, National Portrait Gallery, London); Botschafter (1533, National Gallery, London); und Porträt von Heinrich VIII (1536, Thyssen-Bornemisza Museum, Madrid).

Pieter Bruegel der Ältere

Nur der große flämische Maler Pieter Bruegel der Ältere (ca. 1525-1569) hatte Zeit, dem protestantischen Malstil in den Niederlanden seinen Stempel aufzudrücken. Er schuf eine Reihe prächtiger Genrebilder (einschließlich Tavernenszenen) und gab sein Können an Lehrlinge wie Frans Snyders (1579-1657) weiter.

Zu Bruegels besten Genrewerken gehören Niederländische Sprichwörter (1559, Gemäldegalerie, SMPK, Berlin); Jäger im Schnee (1565, Kunsthistorisches Museum, Wien); und Bauernhochzeit (1568, KM, Wien). Zu seinen besten religiösen Werken - die alle vor dem Hintergrund gewöhnlicher Landschaften oder Situationen gemalt wurden - gehören Turm zu Babel (1563, KM, Wien); Massaker an den Unschuldigen (1565-67, KM, Wien); und Gleichnis der Blinden (1568, Museo Capodimonte, Neapel).

Flandern war in der Tat ein (weitgehend) römisch-katholisches Land, das von einer kleinen Anzahl wohlhabender (wenn auch im Niedergang begriffener) Handelszentren beherrscht wurde, darunter Antwerpen, Brügge, Gent und Ypern. Mitte des 16. Jahrhunderts floh ein protestantischer Rechtsanwalt aus Antwerpen nach Deutschland, um der religiösen Verfolgung zu entgehen. In Deutschland hatte er einen Sohn, der nach seiner Rückkehr nach Antwerpen der größte Vertreter der katholischen Kunst der Gegenreformation wurde - sein Name war Peter Paul Rubens (1577-1640).

Protestantische Kunst des siebzehnten Jahrhunderts

Die niederländische Barockkunst des siebzehnten Jahrhunderts ist ein Beispiel für neue Formen der protestantischen Malerei. Sie veranschaulicht den von den protestantischen Autoritäten geforderten bodenständigen, alltäglichen Kontext biblischer Themen; sie bringt viele der besten Genremaler des siebzehnten Jahrhunderts hervor, deren Werke klare moralische Anweisungen für ein frommes Leben geben, und einige der besten Stilllebenmaler, die wir je gesehen haben.

Protestantische Bibelmalerei

Ein Beispiel dafür ist das Werk von Rembrandt (1606-1669), dessen religiöse Gemälde stets menschliche Persönlichkeiten und nicht grandiose lehrhafte Themen betonten. Beispiele hierfür sind Bathseba, die den Brief König Davids hält (1654, Louvre, Paris); Die jüdische Braut (ca. 1665-8, Rijksmuseum, Amsterdam); und Die Rückkehr des verlorenen Sohnes (1666-69, Eremitage).

Protestantische Genremalerei

Niederländische realistische Genremalerei - meist kleine Ölgemälde, die Alltagsszenen mit einer impliziten christlichen oder moralischen Botschaft darstellen -, an der einige der größten alten Meister Hollands beteiligt waren. Zu den Künstlern, die Gasthausszenen malten, gehören Adrian Brouwer (1605-1638), Adrian van Ostade (1610-1685) und Jan Sten (1626-1679); zu den Künstlern, die häusliche Szenen darstellten, gehören Gerrit van Honthorst (1592-1656), David Teniers der Jüngere (1610-1690), Gerard Terborch (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667) und Pieter de Hoch (1629-1683). Zum Beispiel moralistische Gemälde: „Konzert“ (1625, Galleria Borghese, Rom) von Gerrit van Honthorst, „Ein flirtendes Paar auf der Straße“ (c. 1650, Stedelijk Museum, Leiden) von Jan Wall und „Eine Mutter, die ihr Mieder an der Wiege schnürt“ (1662, SMPK, Berlin) von Pieter de Hoch.

Der größte Genremaler war jedoch der Delfter Maler Jan Vermeer (1632-1675), zu dessen Meisterwerken gehören: Kleine Straße (1657-58, Rijksmuseum, Amsterdam); Milchmädchen (1658-60, Rijksmuseum); Frau, die eine Waage hält (1662-63, National Gallery, Washington); Junge Frau, die einen Krug hält (1662, Metropolitan Museum of Art, New York); Frau mit Perlenkette (1663, Gemäldegalerie, SMPK, Berlin); und Spitzenklöpplerin (1669-70, Louvre, Paris).

Protestantisches Stillleben

Die protestantischen Stillleben waren hauptsächlich symbolische Gemälde, die eine versteckte religiöse Erzählung enthielten. Ein besonderes Beispiel ist Stillleben „Vanitas“ - eine Passage aus Prediger 12:8 „Eitelkeit der Eitelkeiten, sagt der Prediger, alles ist Eitelkeit“ -, die in der Regel symbolische Bilder enthält (u. a. Totenköpfe, erloschene Kerzen, Sanduhren, Uhren, Schmetterlinge usw.), um den Betrachter an die Vergänglichkeit des irdischen Lebens im Vergleich zur Beständigkeit wahrer christlicher Werte zu erinnern.

Zu den Künstlern, die sich auf die Malerei von Stillleben spezialisiert haben, gehören: Frans Snyders (1579-1657), der für seine Stillleben bekannt ist, die totes Wild und Fleisch darstellen und mit religiösen Anspielungen und moralischen Anweisungen versehen sind; Harmen van Steenwyk (1612-1656), ein führender Vanitas-Maler; Willem Claes Heda (1594-1681), ein Verfechter des monochromen banketje ; Pieter Claes (1597-1660), Spezialist für ontbijtjes (Frühstücksstillleben) ; Jan Davids de Heem (1606-1683) und Willem Kalf (1619-1693), der sich auf dekorative Stillleben spezialisiert hat; Samuel Van Hoogstraten (1627-1678), dessen Spezialität Interieurs mit tiefer linearer Perspektive waren; und Rachel Ruysch (1664-1750), vielleicht die größte Floristin.

Zu den größten protestantischen Stillleben gehören: „Eitelkeit des menschlichen Lebens“ (1645) von Harmen Stenwick; „Stillleben mit Vanitas“ (1645) von Peter Claes; „Krabbenfrühstück“ (1648, Eremitage Museum, St. Petersburg) von Willem Claes Heda; Stilleben mit einer chinesischen Porzellankanne (1662, SMPK, Berlin) von Willem Kalf; Pantoffeln (1654) von Samuel Hogstraten; Dekoratives Stilleben gegen Architektur (Dessert) (1640, Louvre, Paris) von Jan Davids de Heem.

Die Kunst der protestantischen Reformation ist in einigen der schönsten Kunstmuseen der Welt zu sehen.