Präraffaelitische Bruderschaft: Geschichte, Philosophie der Präraffaeliten 
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Als wichtiger und einflussreicher Stil der viktorianischen Kunst entstand der Präraffaelitismus aus einer neuen Stimmung in der englischen Malerei und spiegelte die großen moralischen und materiellen Veränderungen des Zeitalters wider, die die mittleren Jahre des 19.Jahrhunderts prägten. Zuvor waren die meisten der wichtigsten Künstler des Jahrhunderts in der Atmosphäre der akademischen Malerei und Komposition des 18. Jahrhunderts aufgewachsen, und ihr Werk war das Ergebnis der Impulse, die William Hogarth (1697-1764), Joshua Reynolds (1723-1792), Thomas Gainsborough (1727-1788) und die topografischen Zeichner der englischen Malerei gegeben hatten. Sogar Turner (1775-1851) und Constable (1776-1837) standen trotz ihrer Neuerungen in der Auffassung und Technik dem Geist von Wilson und Gainsborough näher als ihre viktorianischen Nachfolger.
Wir haben hier Alben mit Gemälden der schillerndsten Mitglieder der präraffaelitischen Bruderschaft zusammengestellt:
Bildergalerie - Präraffaeliten
Die präraffaelitische Bewegung
Aber um die Jahrhundertmitte war eine neue Generation von Künstlern herangewachsen - die Vorläufer der modernen Kunst - und, was ebenso wichtig war, ein neues Publikum, dessen Geschmack und Weltanschauung von den neuen Trends geprägt wurde. Die Reaktion auf die vorherrschenden Stimmungen des 18. Jahrhunderts hatte bereits die romantische Bewegung in der Literatur, eine religiöse Erweckung, die sich in evangelischen und hochkirchlichen Bewegungen äußerte, und ein erneutes Interesse an der Kunst des Mittelalters hervorgebracht, während die industrielle Revolution weitreichende soziale Folgen hatte. (Ein weiterer Einfluss auf die Präraffaeliten war die Aktivität der Nazarener, angeführt von Friedrich Overbeck).
All diese Faktoren prägten den Charakter der mittel- und spätviktorianischen Malerei, zu denen noch die Erfindung der Fotografie und der persönliche Einfluss von John Ruskin hinzukamen, dessen erster Band „der Modern Painters“ 1843 veröffentlicht wurde, wobei die beiden letzteren im Laufe des Jahrhunderts einen immer stärkeren Einfluss hatten.
Der Einfluss dieser Stimuli auf die verschiedenen Gemüter war natürlich sehr unterschiedlich, aber man kann sagen, dass ihr Hauptergebnis die Herausbildung einer allgemeinen Moral war, die bei weniger bedeutenden Männern in Sentimentalität, eine Vorliebe für romantische Themen und einen etwas buchstäblichen Realismus in der Darstellung ausartete.
Die Methode der Annäherung, die den viktorianischen Künstler auf diese Weise prägte, war die folgende. Er wählte aus seiner Lektüre oder seiner Fantasie ein erhabenes, pathetisches oder romantisches Thema aus und setzte es auf der Leinwand so genau um, wie es seine Fähigkeiten zuließen. Auf diese Weise wurde das Thema des Bildes vorrangig, und das Bild als solches war von sekundärer Bedeutung. Es wurde zu einer Sache, die man nicht ansieht, sondern durch die man schaut, ein Fenster, hinter dem ein lebendiges Bild mit einer Moral präsentiert wird.
Man sollte jedoch nicht denken, dass alle typisch viktorianische Malerei ästhetisch unbedeutend war oder dass ein solcher Ansatz notwendigerweise mit guter Kunst unvereinbar ist, wie heute allzu oft angenommen wird, wo vielleicht das gegenteilige Laster der Überabstraktion vorherrscht. Der viktorianische Künstler war zweifellos immer in Gefahr, seine Position als Schöpfer in Bezug auf Form und Farbe zu verlieren, aber er überlebte, wenn er die natürliche schöpferische Kraft und den Instinkt des Künstlers besaß.
Das neue Temperament manifestierte sich in seiner besten und sensibelsten Form im Werk der Präraffaelitischen Bruderschaft, einer Gruppe junger idealistischer Künstler, die sich 1847 zusammenschlossen, um sich dem entgegenzustellen, was sie als entartete Tendenzen in der Kunst ihrer Zeit betrachteten. Zu der Bruderschaft gehörten William Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti, F. G. Stevens, W. M. Rossetti, Thomas Woolner und J. Collinson. Die drei führenden Künstler, Hunt, Millais und Rossetti, sind von großer künstlerischer Bedeutung. Siehe auch: Künstler der Romantik .
Holman Hunt: Führer der präraffaelitischen Bruderschaft
William Holman Hunt (1827-1910) scheint trotz widersprüchlicher Darstellungen der eigentliche Gründer der Bewegung gewesen zu sein. Er wuchs in einem typischen viktorianischen Mittelklasse-Haushalt auf, wo er die strengen moralischen und religiösen Grundsätze der damaligen Zeit verinnerlichte, und war von Natur aus ein Mann mit unabhängigem Charakter und unbeugsamem Willen. Sein Vater, ein Geschäftsmann, wollte, dass er eine kaufmännische Laufbahn einschlug, und nur durch die Überwindung zahlloser Schwierigkeiten konnte Holman den Beruf des Künstlers wählen. Nach zwei gescheiterten Aufnahmeversuchen wurde er 1846 Student an der Royal Academy School, wo er Millais, der bereits ein brillanter Student war, und später Rossetti kennenlernte.
Die präraffaelitische Haltung gegenüber akademischen Stilen
Zu diesem Zeitpunkt hatte Hunt bereits eine für einen Studenten seltene Unabhängigkeit erlangt, die durch seine früheren Schwierigkeiten und Kämpfe begünstigt wurde, und er begann, die blinde Ehrfurcht „vor den Alten Meistern“ in Frage zu stellen, die den Studenten der Akademie eingeimpft worden war. Er kritisierte einerseits die Vertreter „des großen Stils“, die versuchten, Kopien von Raffael und Michelangelo nach den von Reynolds überlieferten Rezepten der Bologneser Eklektiker anzufertigen, und andererseits die schwache Trivialität der populäreren Künstlerschule. Er bemerkte, wie schon Constable vor ihm, den Kontrast zwischen dem frischen Grün der Natur und dem vorherrschenden Braunton der bewunderten Alten Meister. Auf der technischen Seite erkannte er die Absurdität eines Systems, das die Kühnheit der jungen Schüler förderte.
Die künstlerische Philosophie der Präraffaeliten
Die Mittel, die er vorschlägt, lassen sich wie folgt zusammenfassen: die Wahl würdiger und veredelnder Gegenstände, ein strenges Vertrauen auf die Natur in ihrer Behandlung und eine präzise und detaillierte Feinfühligkeit in der Handhabung. Dies war in der Tat die Summe der viel besprochenen präraffaelitischen Prinzipien, die sie nicht durch das Studium italienischer Primitiver, sondern einfach durch gesunden Menschenverstand und unabhängiges Urteilsvermögen erreichten. Millais wurde bald ein Anhänger von Hunts Ansichten, und es wird erzählt, dass sie bei der Durchsicht einer Mappe mit Lacinios Stichen von den Fresken im Campo Santo in Pisa in den Werken dieser frühen Künstler einen Geist naiver Aufrichtigkeit und ein Vertrauen in die Natur anstelle der Regeln, nach denen sie selbst strebten, erkannten. Dies veranlasste sie dazu, den Namen „Präraffaeliten“ anzunehmen, der ihnen von ihren Kommilitonen verächtlich gegeben wurde und der bereits von einer Gruppe deutscher Künstler in Rom übernommen worden war, die die Art und Weise der frühen Maler nachahmten. Rossetti, der dritte Führer der Bewegung, schlug die Gründung einer Bruderschaft und einer organisierten Bewegung vor, um seine Ansichten zu verbreiten.
Die ersten Ausstellungen der Präraffaeliten
Die ersten präraffaelitischen Gemälde, „Lorenzo und Isabella“ von Millais, „Rienzi“ von Hunt und „Jungfräulichkeit der Jungfrau“ von Rossetti, wurden 1848 ausgestellt, die Werke von Millais und Hunt in der Academy, die von Rossetti in der Free Exhibition in Hyde Park Corner. Sie waren alle mit den Initialen P.R.B. nach dem Namen des Künstlers signiert und hatten, ohne viel Aufmerksamkeit zu erregen, eine gute Presse. Im darauffolgenden Jahr wurde die Bedeutung dieser Initialen P.R.B. an die Presse weitergegeben, und die Gemälde der jungen Künstler wurden mit einer für die heutige Zeit unverständlichen Flut von Beleidigungen bedacht. John Ruskin, der ihre Gemälde 1848 anscheinend nicht bemerkt hatte, nahm sie nun in Schutz und antwortete auf die wenig hilfreiche Kritik an ihren Werken in zwei langen Briefen an die „Times“, in denen er ihre eher vagen Vorstellungen von Aufrichtigkeit und Vertrauen in die Natur zu einem System von Prinzipien entwickelte, für das sie nicht verantwortlich waren.
Die Gemälde der Präraffaeliten
Als sich die Gruppe gerade zusammenfand, müssen die Gemälde der Präraffaeliten an den Wänden der Akademie durch die Intensität ihrer leuchtenden, reinen Farben und die hohe Detailgenauigkeit ihrer feinen Zeichnungen aufgefallen sein. Es gab keine starken Pinselstriche oder leichte Schattierungen, und die Pigmente wurden mit miniaturisierter Präzision aufgetragen. Die Handlungen der Figuren sind von einer gewissen Unbeholfenheit geprägt, die darauf zurückzuführen ist, dass die Künstler die traditionelle Eleganz der Pose vermeiden und sich ganz auf die soeben beobachteten natürlichen Gesten verlassen wollten. Soweit die Gemälde Ähnlichkeiten mit den Werken früherer Künstler aufweisen, handelt es sich eher um flämische als um italienische Primitive, auch wenn es sich nicht um eine bewusste Nachahmung handelt. Die Künstler hatten wahrscheinlich wenig oder gar keine Kenntnis der frühen flämischen Kunst, als sie ihre ersten Bilder malten.
1851 reisten Rossetti und Hunt nach Frankreich und Flandern und waren von den Werken von Memling und Jan Van Eyck beeindruckt, aber die Grundzüge ihrer Arbeit waren bereits 1848 erkennbar. In einem sehr wichtigen Punkt unterscheiden sich ihre detailreichen Werke von denen der früheren flämischen Meister, auch wenn sich dieser Unterschied nicht leicht in Worte fassen lässt. Es gelang ihnen, zumindest in ihren erfolgreichsten Werken, kleine Details mit einer merkwürdigen Intensität und figurativen Bedeutung auszustatten, die nichts mit der literarischen oder symbolischen Bedeutung zu tun hat, die sie möglicherweise tragen. Jeder noch so unbedeutende Teil des Bildes wird wahrgenommen und emotional vermittelt, nicht nur mit eifriger Geduld kopiert. Dies ist die wichtigste Eigenschaft der Präraffaeliten, die ihren Werken eine besondere Note verleiht und sie über das Niveau einer bloßen fotografischen Reproduktion einer realen oder imaginären Szene erhebt.
Obwohl Hunt der Stammvater der präraffaelitischen Ideale war, scheint es wahrscheinlicher, dass Rossetti der Hauptverantwortliche für diese besondere Qualität ist. Er war zwar technisch weniger geschickt als Hunt oder Millais, aber sein Geist war bereits ausgereift, als die Bruderschaft gegründet wurde, und einige seiner bekanntesten Gedichte waren bereits geschrieben worden. Die brennende Kraft seiner Vorstellungskraft war ansteckend, und in den Jahren ihrer Zusammenarbeit fingen Hunt und Millais etwas von Rossettis romantischer Faszination ein, das in ihren späteren Werken nicht mehr zu finden ist, nachdem die enge Verbindung zwischen ihnen abgebrochen war.
Innerhalb weniger Jahre nach der Verbrüderung schuf Hunt die meisten seiner besten Werke, darunter „Two Gentlemen of Verona“ (Birmingham Art Gallery), „Christian Missionary Taking Refuge from the Druids“ (Oxford, Ashmolean Gallery), „The Hired Shepherd“ (Manchester Art Gallery). Letzteres ist vielleicht sein wichtigstes Meisterwerk, aber alle seine Werke zeichnen sich durch die gleiche Aufrichtigkeit der moralischen Absicht und die gleiche gewissenhafte Gründlichkeit der Technik aus.
Im Gegensatz zu den meisten seiner Kollegen hielt er sich sein ganzes Leben lang strikt an die präraffaelitische Methode, allerdings mit einem dauerhaften Verlust an Intensität der Vorstellungskraft. Der Wunsch, biblische Szenen in ihrer realen Umgebung zu malen, führte ihn 1855 zu einer Reise nach Palästina und Ägypten, die er einige Jahre später wiederholte. Diese religiösen Gemälde sind bemerkenswert wegen ihrer lebendigen Farbgebung und der unbezwingbaren Geduld, mit der er lokale Details sammelte und festhielt, aber seine Vorstellungskraft war seinem Reichtum an Material nicht gewachsen, und sie erheben sich nicht auf das Niveau der großen religiösen Kunst .
Werke wie „Christus im Tempel“ und „Der Sündenbock“ sind eher Kuriositäten als Kunstwerke, und „Der Triumph der Unschuldigen“, das eine eher figurative Interpretation versucht, scheitert an seiner prosaisch wörtlichen Behandlung des figurativen Materials. Das wichtigste Bild seines späteren Lebens, „Lady Shalott“, war eine Ölwiederholung in größerem Maßstab eines kleinen Holzstichs von 1856 für die Tennyson-Moxon-Ausgabe. Der Versuch, den Geist dieses charmanten Frühwerks zu wiederholen, war nur teilweise erfolgreich, und sein Ruf überlebt nur durch Gemälde seines frühen Lebens.
Hinweis: Viele präraffaelitische Gemälde sind auch in den meisten Katalogen der Plakatkunst zu finden.
John Millais (Milles)
John Everett Millais (1829-1896), der weder die intensive Ernsthaftigkeit der Absichten von Hunt noch die Leidenschaft der Phantasie von Rossetti besaß, war ein brillanterer Künstler als beide, und in mehreren Bildern, die er in den frühen fünfziger Jahren malte, gab er den präraffaelitischen Idealen die vollste Befriedigung.
„Lorenzo und Isabella“ von 1848 (gemalt, als er erst 18 Jahre alt war), war ein bemerkenswertes Werk, voll von Charakter im Kopf und sehr fein ausgeführt, aber es hat Fehler der Schüchternheit und Unbeholfenheit, die in seinen späteren präraffaelitischen Gemälden verschwanden. Sein technisches Können als Maler ermöglichte es ihm, trotz der Entwicklung der präraffaelitischen Methode eine große Menge an Werken zu schaffen, und die Leichtigkeit seiner Hand war so groß, dass man nur selten Anzeichen von harter Arbeit findet, die die Wirkung seiner Bilder beeinträchtigen würden. „Ferdinand und Ariel“, „Marianne in the Mined Manor“, „The Return of the Dove to the Ark“, „The Escape of the Heretic“, „The Carpenter’s Shop“ und „The Blind Girl“ sind einige der Gemälde aus der präraffaelitischen Periode, die sein außergewöhnliches technisches Können zeigen.
„The Carpenter’s Workshop“ ist vielleicht das beste religiöse Gemälde der Epoche, in der solche Themen oft, aber selten, mit einer solchen Vorstellungskraft und schöpferischen Kraft gemalt wurden, dass sie von der Ebene der Illustration zu eigenständigen Kunstwerken erhoben wurden. Es ist mit einer unmittelbaren Naivität und Frische des Blicks gemalt, die unvergesslich sind, und die Stille der Figuren in Verbindung mit der scharfen Darstellung der gesamten Szene erzeugt eine Wirkung von wahrhaft religiöser Ehrfurcht. „Das blinde Mädchen“ kann in der gleichen Gunst stehen. Das Thema wird objektiv behandelt, und sein Pathos lässt es für sich selbst sprechen, ohne aufdringlich zu sein. Keines der Bilder wird dramatisiert, aber in jedem wird dem einfachsten Thema mit rein legitimen Mitteln eine seltsam berührende Bedeutung verliehen.
In den frühen sechziger Jahren gab Millais die präraffaelitische Methode allmählich zugunsten einer umfassenderen Interpretation auf, die wahrscheinlich etwas Velázquez verdankt, aber er erreichte nie die Einfachheit der Vision und die Gerechtigkeit der Werte. In seinem späteren Werk war er nur noch ein Vertreter der viktorianischen Volksschule der Anekdotenmaler, obwohl er bis zum Ende seines Lebens die hohe Kunstfertigkeit zeigte, die ihn in seiner Kindheit ausgezeichnet hatte.
Die Gemälde „Northwest Passage“, „Speak, Speak“, „Bubbles“ (von dem das berühmte Plakat reproduziert wurde) und „Ripe Cherry“ sind typisch für sein Spätwerk. Er malte auch Porträts und Landschaften, die einfache Abschriften der Natur waren, bewundernswert als solche, aber nicht durch viel Phantasie oder Konzeption gekennzeichnet. Als Junge war er ein hervorragender Schüler der Royal Academy und starb 1896 als deren Präsident, aber wenn seine akademischen Ehren in Vergessenheit geraten sind, wird sein Andenken wahrscheinlich durch die Bilder seiner frühen Jugend bewahrt werden.
Dante Gabriel Rossetti
Gabriel Charles Dante Rossetti (1828-1882) war der einfallsreichste aller Präraffaeliten - sein bewegtes Leben und sein unvergleichliches Werk werden gesondert betrachtet, siehe Dante Gabriel Rossetti (1828-1882): Dante Gabriel Rossetti .
Andere Mitglieder der Bruderschaft
Die übrigen präraffaelitischen Brüder schufen nur wenige Werke von künstlerischem Interesse, aber viele Künstler außerhalb der Bruderschaft übernahmen ihre Art und Weise, und in der Tat gab es nur wenige ihrer Zeitgenossen in England, die nicht völlig von ihrer Einstellung beeinflusst waren. Ihre lebhaften Farben und hohen Töne wurden in der englischen Malerei des späten neunzehnten Jahrhunderts üblich, und ihre präzise Zeichnung und ihr Umgang mit Gemälden hatten einen positiven Einfluss auf andere Künstler.
Der unmittelbare Einfluss dieser Bewegung teilte sich in zwei unterschiedliche Strömungen auf, von denen die eine ihren Ursprung im Werk von Hunt und Millais und die andere in dem von Rossetti hatte. Ersterer förderte einen frischen und ungekünstelten Naturalismus, letzterer führte zur Entstehung einer Künstlerschule, deren Ziele eher dekorativ als naturalistisch waren. Natürlich erlagen die jüngeren Künstler jener Zeit am ehesten dem Charme der Präraffaeliten, aber auch einige der älteren Künstler wurden von ihnen beeinflusst, darunter Ford Madox Brown, William Dyce und J. F. Lewis.
Ford Madox Brown
Von diesen war Ford Madox Brown (1821-1893) am engsten mit der Bruderschaft verbunden. Er wurde auf dem Kontinent ausgebildet und seine frühen Werke sind ganz anders als die der Präraffaeliten - sie spiegeln die verschiedenen kontinentalen Moden der Zeit wider. Im Jahr 1845 lernte er die deutschen Präraffaeliten Cornelius und Overbeck kennen, deren Werke ihn eine Zeit lang stark beeinflussten. Zu dieser Zeit suchte er, wie die Präraffaeliten, einen neuen Weg und bewegte sich allmählich in dieselbe Richtung wie sie, wie das Porträt beweist, das er „Der moderne Holbein“ nannte.
Durch Rossetti, der für kurze Zeit sein Schüler wurde, mag er einen gewissen Einfluss auf die englischen Präraffaeliten gehabt haben, aber er war nicht, wie manchmal behauptet wird, ein wirklicher Teilnehmer an dieser Bewegung; und erst 1852 übernahm er in „Last England“ (Birmingham Picture Gallery) vollständig deren Methoden. Dieses Bild und das Gemälde „Work“, das sich heute in der Manchester Picture Gallery befindet, sind in ihrer Konzeption völlig naturalistisch und weisen alle Merkmale der Präraffaeliten auf. Beide Gemälde sind Wunderwerke geduldiger Ausführung und voller literarischer Bedeutung, aber sie sind voll von vielen Begebenheiten, die eingeführt wurden, um diese Bedeutung deutlich zu machen.
Viel schöner „Christus wäscht Petrus die Füße“ (National Gallery). Es ist engmaschig und rhythmisch komponiert, hat einen leuchtenden Farbenreichtum, der mit dem von Rossetti konkurriert, und das ganze Thema ist mit wahrhaft poetischer Durchdringung konzipiert. Es ist in jeder Hinsicht ein Meisterwerk. In einigen anderen Werken versuchte er, die tatsächliche Szene absolut getreu wiederzugeben, aber ein Großteil seines späteren Werks spiegelt Rossettis romantische Fantasie wider.
Gegen Ende seines Lebens ließ sein natürlicher, feiner Sinn für Formen nach, seine Zeichenkunst wurde träge und die Klarheit des Strichs ging verloren. Der Auftrag, das Rathaus von Manchester mit Wandgemälden zu schmücken, kam zu spät, als dass er ihn mit vollem Elan hätte erfüllen können, und die von ihm produzierten Bilderserien sind zwar von der Konzeption her interessant, lassen aber die feinen künstlerischen Qualitäten seiner früheren Werke vermissen, wie etwa seine Karikatur für Wanddekorationen „Finding Harold’s Body“.
In seinen besten Jahren war er einer der bedeutendsten Künstler des viktorianischen Zeitalters und verdient sicherlich mehr Anerkennung, als er zu Lebzeiten erhalten hat.
William Dyce
William Dyce (1806-1864), ein Mann, der viel älter war als die jüngeren Präraffaeliten, zeigte in seinen späteren Werken dennoch eine enge Verwandtschaft mit ihnen. Wie Ford Madox Brown stand er zunächst unter dem Einfluss der deutschen Präraffaeliten, die, wenn sie auch keine großen Künstler waren, so doch zumindest die Vorzüge der italienischen Kunst des 15. Jahrhunderts der Renaissance zu einer Zeit schätzten, in der allgemein nur die Meister des 16. und 17.
Dyce orientierte sich an den Werken dieser Meister, seine Zeichnung war genau und fein, seine Farbe klar, kühl und gleichmäßig aufgetragen, aber erst in seinem späteren Leben tauchte die für die englischen Präraffaeliten charakteristische akribische Detailgenauigkeit in seinem Werk auf. Diese Phase seines Schaffens wird durch das reizvolle und recht phantasievolle Gemälde „Pegwell Bay“ (National Gallery), das 1858 gemalt wurde, gut repräsentiert; es handelt sich um eine äußerst kunstvolle Landschaft mit Figuren.
John Frederick Lewis
John Frederick Lewis (1805-1876) kann aufgrund der brillanten Farben und Details seiner Ölgemälde den Präraffaeliten zugerechnet werden, aber seine emotionale Atmosphäre ist eine ganz andere. Er entwickelte seinen Stil ganz unabhängig und strebte nach noch mehr Details als die Präraffaeliten.
Seine Gemälde, die meist das Leben in Spanien und Ägypten darstellen, sind nicht wegen ihres besonderen Designs oder ihrer Zeichenkunst bemerkenswert, aber als Aufzeichnungen mit fast fotografischer Genauigkeit sind sie von beträchtlichem Interesse, und ihre helle, sonnenbeschienene Farbe verleiht ihnen einen gewissen ästhetischen Reiz.
Die Gemälde „Siesta“ (National Gallery) und „Lilium Auratum“, beide in prächtigen Farben, zeigen ihn in seinem besten Licht als Ölmaler. Er malte auch viel mit Aquarellfarben in einer fein ausgeführten, fleischfarbenen Technik, die an die Arbeiten der mittelalterlichen Miniaturisten erinnert, sich aber in ihrem Geist von ihnen unterscheidet - es sind Illustrationen für ein Reisebuch. Als solche sind sie bewundernswert.
Andere präraffaelitische Künstler
Es gab viele junge Künstler, die die Methoden der Präraffaeliten übernahmen, aber wir werden nur einige wenige erwähnen. Walter Howell Deverell (1827-1854), ein Freund Rossettis, malte vor seinem frühen Tod durch Schwindsucht einige herausragende Bilder. Sie sind sowohl von der Konzeption als auch von der Technik her individuell. Sein Werk war weniger detailliert und seine Farben waren dichter aufgetragen als die anderer präraffaelitischer Maler, aber er starb zu früh, als dass seine Persönlichkeit sich hätte voll entfalten können.
Einer der erfolgreichsten Künstler, die mit dem präraffaelitischen Idiom in Verbindung gebracht wurden, war Lord Frederick Leighton (1830-1896), obwohl seine Themen eher klassisch als traditionell waren. Er verkörperte auch das Credo „der Bewegung der Kunst um der Kunst willen“ des englischen Ästhetizismus des neunzehnten Jahrhunderts. Ein weiterer, eher romantischer Maler historischer und literarischer Werke im Sinne der Präraffaeliten war John William Waterhouse (1849-1917), dessen „Lady of Shalott“ (1888, Tate-Sammlung) zu den beliebtesten englischen Gemälden des neunzehnten Jahrhunderts gehört.
Charles Allston Collins (1828-1873), Arthur Hughes (1832-1915), W. L. Windus (1823-1907), der irische Maler William Barton (1816-1900) und Frederick Sandys (1832-1904) schufen alle interessante Werke in präraffaelitischer Manier. „April Love“ von Arthur Hughes ist eines der erfolgreichsten Gemälde der Schule, reizvoll in den Farben und sehr fein in der Ausführung. In der Darstellung von Laubdetails steht es Millais in nichts nach, und in seiner Vorstellungskraft übertrifft es sogar den allgemeinen Standard seiner Werke. Hughes schuf weitere Werke von Zartheit und Charme, aber die meisten von ihnen bleiben hinter diesem Niveau zurück. Frederick Sandys war ein besonders starker und energischer Zeichner und Designer, der seine besten Leistungen in der Buchillustration erbrachte . Seine Ölgemälde zu romantischen Themen waren zu oft steif und metallisch in der Ausführung und nicht sehr ansprechend in der Farbe.
Trotz der offensichtlichen und fast unüberwindlichen Schwierigkeiten wandten einige Künstler die präraffaelitischen Methoden auf reine Landschaften an . Dies taten John William Inchbold (1830-1888) und George Boyce (1826-1896), ein Aquarellist nicht ohne besonderen Reiz, sowie John Brett (1830-1902), ein Marinemaler. Brett wandte sich schon früh dem Präraffaelitismus zu und malte eine fast reine Landschaft vor dem komplizierten Hintergrund von „Stonecutter“. Es folgte „Val d’Aosta“, ein Wunder an Geduld, und seine späteren Panoramabilder vom Meer verdanken ihre hohe Vollendung und ihre lebhaften Farben sicherlich den Präraffaeliten.
Andere Anhänger des präraffaelitischen Naturalismus in einigen ihrer Gemälde waren Sir Noel Paton (1821-1901), Sir William Fettes Douglas (1822-1891), James Archer (1823-1904), W. Bell Scott (1811-1890), Thomas Seddon (1821-1856), R. B. Martineau (1826-1869), G. D. Leslie (1835-1921), G. A. Storey (1834-1919) und Byam Shaw (1872-1919).
Sir Edward Burne-Jones (1833-1898) war bei weitem der bedeutendste der Künstler, deren Werk eher auf Rossettis Werk als auf dem Präraffaelismus im engeren Sinne beruhte. Eng mit ihm verbunden war der Designer William Morris, der zwar nur wenige Bilder malte, aber durch seine dekorativen Werke, seine Schriften und seine Vorträge einen großen Einfluss auf die englische Kunst hatte.
Burne-Jones
Edward Burne-Jones (1833-1898), der Sohn eines kleinen Einrahmerbetriebs aus Birmingham, war ursprünglich für kirchliche Arbeiten bestimmt und begann erst im Alter von dreiundzwanzig Jahren mit der Malerei. Noch während seines Studiums in Oxford entfachten er und William Morris eine Begeisterung für die Kunst, nachdem sie einige präraffaelitische Gemälde gesehen hatten. Beide verließen ihre ursprünglichen Berufe und Burne-Jones begann unter Rossetti zu malen. Er hatte keine Erfahrung, aber auf Rossettis Rat hin begann er sofort, eigene Werke zu schaffen. Unter den gegebenen Umständen war dies wahrscheinlich der klügste Weg, aber einige Mängel in seinem Werk, insbesondere sein schlechtes Verständnis für feste Formen, sind auf seinen Mangel an sorgfältiger Ausbildung zurückzuführen, und diese blieben für den Rest seines Lebens bestehen.
In seinen frühen Werken identifizierte sich Burne-Jones so weit wie möglich mit Rossetti, sowohl was die Thematik als auch die Behandlung betrifft. Aber selbst in so frühen Aquarellen wie „Clara Van Bork“ und „Sidonia Van Bork“ lässt sich unter der Rossetti-schen Verkleidung eine eigene Persönlichkeit erkennen. Diese Periode dauerte nicht lange, und während sich seine eigene Persönlichkeit entwickelte, wurde Rossettis Einfluss von dem einiger italienischer Künstler, insbesondere Botticelli, Michelangelo und Mantegna, verdrängt. Seine wirklich herausragende Gabe war die abstrakte lineare Musterung, eine Gabe, die es seinen Werken ermöglichte, länger zu überleben als einige andere. In diesem Zusammenhang ist die Tatsache, dass Burne-Jones keltischer Herkunft war, sehr aufschlussreich, da die englische mittelalterliche Tradition der linearen Muster ursprünglich von der keltischen Kunst abstammt.
Von Natur aus war Burne-Jones für dekorative Arbeiten in großem Maßstab geeignet, aber er hatte in England nicht die Möglichkeiten, die er gehabt hätte, wenn er Franzose gewesen wäre. Mehrere Entwürfe von Wanddekorationen für Privathäuser und eine Reihe von Mosaiken für eine amerikanische protestantische Kirche in Rom bilden den Großteil seines dekorativen Werks, mit Ausnahme der Glasmalerei .
Sein Name wird heute hauptsächlich mit den Fenstern der Firma „Morris and Co“ in Verbindung gebracht, die von seinem Freund William Morris gegründet wurde, um dekorative Arbeiten aller Art nach den Grundsätzen der Arts and Crafts-Bewegung (ca. 1862-1914) auszuführen. Einige seiner Karikaturen gehören zu seinen besten Arbeiten, wie die „Kreuzigung“, die er für die St. Philip’s Church in Birmingham schuf und die sich heute im Victoria and Albert Museum befindet, aber in Glas sind sie fast immer enttäuschend. Morris’ Misserfolg in Glas ist überraschend, wenn man bedenkt, dass er in den meisten Kunsthandwerken, die er ausübte, ein Genie war und eine leidenschaftliche Bewunderung für das Glas des Mittelalters hegte.
Anhänger der Präraffaeliten
Das Werk von Rossetti und Burne-Jones inspirierte auch eine Reihe anderer Künstler, darunter Walter Crane (1845-1915), Simeon Solomon (1840-1905) und Spencer Stanhope (1829-1908). Keiner von ihnen war Präraffaelit im ursprünglichen Sinne des von Hunt und Millais verwendeten Wortes. Ihre Ziele waren eher dekorativ als naturalistisch, und Rossettis Werke sind das einzige Bindeglied zwischen ihnen und der ursprünglichen Bewegung. In einem anderen Sinne kann man sie mit Recht als Präraffaeliten bezeichnen, da die meisten von ihnen die Inspiration von Künstlern zeigen, die vor Raffael lebten.
Der Präraffaelitismus war die wichtigste künstlerische Bewegung des viktorianischen Zeitalters in England. Auch wenn er als Bewegung schon seit einigen Jahren aus der Mode gekommen war, war sein Einfluss auf die englische Kunst noch nicht erschöpft. Aus ihr erwuchs ein wiederbelebtes Interesse am dekorativen Kunsthandwerk, das zur Gründung von Gesellschaften wie der Arts and Crafts Society und der Art Workers Guild beitrug und den Standard der dekorativen Künste in ganz England anhob. Dadurch wurde der rapide Niedergang der englischen Malerei zu Beginn des 19. Jahrhunderts aufgehalten, und die Inspiration der Präraffaeliten ist noch immer in den Werken vieler englischer Künstler der modernen Schule zu finden, zusammen mit Elementen aus ausländischen Quellen.
Zum Einfluss der romantischen Kunst auf die Malerei in Deutschland siehe: Deutsche Kunst, 19. Jahrhundert . Insbesondere Burne-Jones war trotz der schmachtenden Eleganz seiner Figuren, die heute so unmodern sind, durch sein Beharren auf abstrakten Elementen in der Malerei ein Vorläufer der modernen Kunst.
TOP-KÜNSTLER DER WELT
Für Biografien und Werke von Top-Künstlern der Gegenwart, siehe: Berühmte Künstler .
DIE BESTEN MODERNEN BILDER
Für eine Liste großer Werke siehe: Die größten modernen Gemälde .
FARBEN UND TÖNUNGEN
Für Einzelheiten zu den Farbpigmenten, die von den präraffaelitischen Künstlern in Ölfarben und Aquarellen verwendet wurden, siehe: Farbpalette des neunzehnten Jahrhunderts .
DIE GRÖSSTE KUNST DER WELT
Liste der 10 besten Maler und Bildhauer: Die besten Maler aller Zeiten . Eine Liste der 300 besten Ölgemälde und Aquarelle finden Sie unter Die größten Gemälde aller Zeiten . Eine Liste der 100 besten Skulpturen finden Sie unter The Greatest Sculptures of All Time .
DIE BEDEUTUNG DER KUNST
Für eine Diskussion über die Arten, den Wert und die Bedeutung der bildenden Künste, siehe: Definition der Kunst .
ENTWICKLUNG DER VISUELLEN KUNST
Für weitere Informationen über Trends und Stile in der Kunst, siehe: Geschichte der Kunst .
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