Op-Art:
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Op Art (ein Begriff, der 1964 vom Time Magazine geprägt wurde) ist eine Form von abstrakte Kunst (speziell nicht-objektive Kunst), die sich auf optische Täuschungen stützt, um das Auge des Betrachters zu täuschen. Es wird auch optische Kunst oder Netzhautkunst genannt. Eine Form von kinetische Kunst bezieht sich auf geometrische Designs, die Gefühle von Bewegung oder Vibration erzeugen. Op-Art-Werke wurden zunächst in Schwarz-Weiß, später in leuchtenden Farben hergestellt. Historisch kann man sagen, dass der Op-Art-Stil aus der Arbeit des kinetischen Künstlers stammt Victor Vasarely (1908-97) und auch aus dem Abstrakten Expressionismus. Ein weiterer bedeutender Op-Künstler ist der britische Maler Bridget Riley (geb. 1931). Das moderne Interesse an der Kunstbewegung der Netzhaut stammt aus dem Jahr 1965, als eine große Op-Art-Ausstellung in New York mit dem Titel "The Responsive Eye" die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit auf sich zog. In der Folge tauchte der Stil in Printgrafiken, Werbung und Albumcover sowie in Modedesign und Innendekoration auf. Ende der 1960er Jahre war die Op-Art-Bewegung verblasst.

Was ist Op-Art? – Eigenschaften

Op Art kann als eine Art abstrakt oder definiert werden konkrete Kunst Bestehend aus nicht gegenständlichen geometrischen Formen, die verschiedene Arten der optischen Täuschung erzeugen. Beim Betrachten von Op-Art-Bildern kann das Auge beispielsweise ein Bewegungsgefühl (z. B. Anschwellen, Verziehen, Blitzen, Vibrieren) auf der Oberfläche des Gemäldes feststellen. Und die in diesen Bildern verwendeten Muster, Formen und Farben werden in der Regel aufgrund ihrer Illusionseigenschaften und nicht aufgrund ihres inhaltlichen oder emotionalen Inhalts ausgewählt. Darüber hinaus verwenden Op-Künstler sowohl positive als auch negative Räume, um die gewünschten Illusionen zu erzeugen.

Wie Op-Art funktioniert

Die Op-Art nutzt die funktionelle Beziehung zwischen der Netzhaut des Auges (das Organ, das Muster "sieht") und dem Gehirn (das Organ, das Muster interpretiert). Bestimmte Muster verursachen Verwirrung zwischen diesen beiden Organen, was zur Wahrnehmung irrationaler optischer Effekte führt. Diese Effekte lassen sich in zwei grundlegende Kategorien einteilen: Erstens: Bewegungen, die durch bestimmte geometrische Schwarz-Weiß-Muster verursacht werden, wie sie in Bridget Rileys früheren Arbeiten zu sehen waren, oder Aluminiumoberflächen von Getulio Alviani, die das Auge verwirren und sogar Schwindel hervorrufen können. (Anmerkung: Die Assoziation der Op-Art mit den Bewegungseffekten ist der Grund, warum sie als Teil der kinetischen Kunst angesehen wird.) Zweitens Nachbilder, die nach dem Betrachten von Bildern mit bestimmten Farben oder Farbkombinationen auftreten. Das Zusammenspiel unterschiedlicher Farben im Bild – gleichzeitiger Kontrast, aufeinanderfolgender Kontrast und umgekehrter Kontrast – kann zusätzliche Netzhauteffekte verursachen. In Richard Anuszkiewicz "Tempel" -Gemälden sieht es beispielsweise so aus, als würde die architektonische Form in den Raum des Betrachters eindringen, wenn zwei stark kontrastierende Farben angeordnet werden.

Trotz seiner seltsamen, oft übelkeitsauslösenden Wirkung entspricht Op-Art perfekt den traditionellen Kanonen der bildenden Kunst. Jede traditionelle Malerei basiert auf der "Illusion" von Tiefe und Perspektive: Op-Art erweitert lediglich ihren inhärenten illusionären Charakter, indem sie in die Regeln der optischen Wahrnehmung eingreift.

Geschichte

Die Ursprünge der Op Art reichen bis in die Theorie der Vorkriegsmalerei zurück, einschließlich der konstruktivistischen Ideen der 1920er Jahre Bauhaus-Designschule in Deutschland, in dem die Bedeutung der formalen Gesamtgestaltung für die Schaffung eines spezifischen visuellen Effekts betont wurde. Als das Bauhaus 1933 geschlossen wurde, zogen viele seiner Dozenten (insbesondere Josef Albers) nach Amerika und lehrten in Chicago und am Black Mountain College in North Carolina. Josef Albers ordnungsgemäß produziert seine berühmte "Homage to the Square" -Serie von Gemälden, die Op-Art-Tendenzen hatten. In der Zwischenzeit experimentierte der in Ungarn geborene Maler und Grafiker Victor Vasarely ab den frühen 1930er Jahren mit verschiedenen visuellen Tricks wie Trompe-l’oeil und anderen, von bestimmten Arten Plakatkunst : siehe sein Op-Art Bild Zebras (1938). Später wandte er sich der Malerei zu und schuf die geometrischen abstrakten Bilder, für die er berühmt ist. In den 1950er Jahren erschien der Op-Art-Stil auch in John McHales Schwarz-Weiß-Dazzle-Tafeln bei der Ausstellung "This Is Tomorrow" im Jahr 1956. Bridget Riley begann um 1960 mit der Entwicklung ihres unverwechselbaren Stils der optischen Schwarz-Weiß-Kunst.

Das moderne Interesse an Op Art geht auf die von William C. Seitz kuratierte Ausstellung " The Responsive Eye " zurück, die 1965 im New Yorker Museum of Modern Art (MoMA) stattfand. Eine breite Palette von Werken wurde ausgestellt, darunter die des bekannten Victor Vasarely und der zeitgenössischen Bridget Riley. Immens beliebt, beleuchtete die Show die Illusion von Bewegung und das Zusammenspiel von Farbbeziehungen, die beide von den Kritikern nicht sonderlich geschätzt wurden.

Obwohl der Op-Art-Stil in der zweiten Hälfte der 1960er Jahre stark in Mode kam, entwickelte er sich trotz regelmäßiger kleinerer Wiederbelebungen rasch zu einer ernsthaften Kunstform. Bemerkenswerte Ausstellungen in letzter Zeit waren: "L’oeil Moteur, Kunstoptik und Filmkunst 1960-1975 (Musée D’Art Moderne et Contemporain, Straßburg, Frankreich, 2005);" Op Art "(Schirn Kunsthalle, Frankfurt, 2007)); "The Optical Edge" (Pratt Institute of Art, New York, 2007); "Optic Nerv: Perceptual Art der 1960er Jahre" (Columbus Museum of Art, Columbus, Ohio, 2007). Werke berühmter Op-Künstler können in mehreren der zu sehen sein beste Kunstmuseen in Europa und Amerika.

Berühmte Op-Künstler

Der führende Exponent und Pionier der Op-Art-Effekte bereits in den 1930er Jahren ist Victor Vasarely , der ursprünglich aus Ungarn stammt und seit 1930 in Frankreich arbeitet. Er hat traditionelle Vorstellungen von Kunst und Künstlern radikal skeptisch gesehen: im Licht der modernen wissenschaftlichen fortschritte und modernen techniken zufolge sollte der wert der kunst nicht in der seltenheit eines einzelnen werks liegen, sondern in der seltenheit und originalität seiner bedeutung – die reproduzierbar sein sollte. Er begann als Grafiker; ein Großteil seiner Arbeit ist in Schwarzweiß (leicht reproduzierbar), obwohl er in der Lage ist, brillante Farben zu erzeugen. Seine beste Arbeit drückt sich in geometrischen, sogar mechanistischen Begriffen aus, ist jedoch in ein Gleichgewicht und einen Kontrapunkt eingebunden, der organisch und intuitiv ist. Er behauptet, sein Werk enthalte "eine architektonische, abstrakte Kunstform, eine Art universelle Folklore". Seine Mission ist "eine neue Stadt – geometrisch, sonnig und voller Farben", die von der Kunst "kinetisch, mehrdimensional und gemeinschaftlich. Natürlich abstrakt und näher an den Wissenschaften" strahlt. Vasarelys Arbeit kann manchmal das Auge blenden, aber er zielt nicht darauf ab, das Gleichgewicht des Zuschauers zu stören.

Die Arbeit der britischen Künstlerin Bridget Riley kann so viel Schwindel hervorrufen, dass das Auge wegschauen muss. Obwohl sorgfältig programmiert, sind ihre Muster intuitiv und nicht streng aus wissenschaftlichen oder mathematischen Berechnungen abgeleitet, und ihre geometrische Struktur wird oft durch illusorische Effekte verschleiert (wie es Vasarelys Struktur niemals ist). Riley weigert sich, zwischen den physiologischen und psychologischen Reaktionen des Auges zu unterscheiden.

Peter Sedgley (* 1930), ein vorwiegend in Deutschland lebender Brite, wurde um 1965 für seine Experimente mit einem der immer wiederkehrenden Bilder der Malerei des späten 20. Jahrhunderts, dem "Ziel" konzentrischer Farbringe, bekannt. Der Effekt wurde durch wechselnde Lichter in Rot, Gelb und Blau, elektrisch programmiert, verstärkt. Später entwickelte er "Videorotoren", die mit leuchtenden fluoreszierenden Farben getupft und durch das Spiel von ultraviolettem und stroboskopischem Licht weiter gedreht und animiert wurden. In seiner neuesten Arbeit hat er Beziehungen zwischen Licht und Ton untersucht. Auf Bildschirmen werden Geräusche und Bewegungen von Zuschauern oder Passanten in farbigem Licht zurückgewiesen.

Weitere mit Op-Art assoziierte Künstler sind: Yaacov Agam, Josef Albers, Richard Allen, Getulio Alviani, Richard Anuszkiewicz, Carlos Cruz-Diez, Tony DeLap, Günter Frühtrunk, Julio Le Parc, John McHale, Youri Messen-Jaschin, Reginald H. Neal, bridget riley, jesus rafael soto, julian stanczak, günther uecker, ludwig wilding und marian zazeela.