Moskauer Malschule (um 1500-1700): Ikonen, Wandmalereien Automatische übersetzen

Vor und nach der Moskauer Schule
Für frühere Stile von Mittelalterliche Malerei in Russland finden Sie in unserem Artikel auf der Nowgoroder Schule für Ikonenmalerei (1100-1500). Für spätere Malstile aus dem 17. Jahrhundert siehe: Petrine Kunst (1686-1725) in St. Petersburg unter Zar Peter dem Großen. Dies führte ein Russische Malerei (18. Jahrhundert) , dominiert von religiösen Wandmalereien und Porträts. Danach entstand die moderne Schule: Bitte sehen Sie Russische Malerei (19. Jahrhundert) .

Einführung

Aus Kiew, der Heimat von Russische mittelalterliche Malerei, der Schwerpunkt von Russische Kunst verlagerte sich nach Nowgorod (sowie Jaroslawl, Wladimir-Susdal, Pskow und Twer), bevor er sich in Moskau niederließ. Im 16. Jahrhundert lockerte das große Interesse der Moskauer an weltlichen Angelegenheiten die Bindungen, die das russische Volk und die russische Kirche bisher zu einer Einheit verbunden hatten. Die Religion stand immer noch auf der Grundlage des Moskauer Lebens, aber von nun an reagierten sowohl die Krone als auch das Volk auf Ereignisse anders als die Geistlichen, und obwohl alle für die Zeit der Spaltung unbewusst blieben, kann die Wirkung der weltlicheren Einstellung des Laien sein deutlich wahrgenommen in der verminderten religiösen Intensität der Moskauer Ikonenmalerei. Das Erscheinen einer großen Anzahl westlicher religiöser Radierungen in Moskau hatte ebenfalls einen bedeutenden Einfluss auf die Ikonenmaler und erhöhte ihre Zweifel an der Notwendigkeit der strengen Beschränkungen, die die alte ikonografische Tradition ihnen auferlegte Kunst.

HINWEIS: Die größten Ikonenmaler vor der Moskauer Schule finden Sie unter: Theophanes der Grieche Gründer der Nowgoroder Schule; Andrei Rublev, vermerkt für die Ikone der Heiligen Dreifaltigkeit (c.1416); und andere Mittelalterliche Künstler (1100-1400).

Moskauer Ikonenmalerei

Diese Zweifel spitzten sich im 16. Jahrhundert als indirekte Folge eines Brandes zu, der Moskau 1547 verwüstete. Er zerstörte so viele Ikonen der Hauptstadt, dass der Zar gezwungen war, Ikonen von Nowgorod, Smolensk, Dmitrow und Swenigorod und anderen auszuleihen er war bestrebt, sie so bald wie möglich in ihre Häuser zurückzubringen. Er stärkte die Reihen der Moskauer Ikonenmaler, indem er auch Künstler aus Nowgorod und Pskow auslieh mit der Zukunft der Ikonenmalerei, aber für die Einmischung eines bigotten Priesters, Angestellten des Zarenrates und sich selbst kein gemeiner Maler, genannt Viscovati . Es ist verlockend, Viscovatis Eingreifen der professionellen Eifersucht zuzuschreiben, die durch einen verzerrten und voreingenommenen Geist verstärkt wird, der dem des schottischen Reformationspredigers John Knox ähnelt. Was auch immer sein Grund war, Viscovati kritisierte die Panels von Christliche Kunst produziert von seinen Zeitgenossen aus religiösen Gründen und behauptet, dass sie von der ikonografischen Tradition abgewichen. Er forderte, dass der zweite Stoglav-Rat zu Silvester, Iwan IV. Lieblingskleriker, einberufen werde, um die Ikonen unter ethischen Gesichtspunkten zu untersuchen. Die Befolgung dieser Aufforderung führte zu einer offiziellen Kontrolle der Ikonenmaler, die sich künftig an die autorisierten Versionen religiöser Szenen halten sollten, die in den alten Handbüchern mit dem Namen " Podliniki " (Authentic versions) festgehalten waren .

Die Irritation von Russische Künstler Englisch: emagazine.credit-suisse.com/app/art…1007 & lang = en die traditionelle Meinung für den Gehorsam gegenüber der strengen kirchlichen Gesetzgebung austauschen zu müssen, wurde ärgerlich, als sie feststellten, dass die Kleriker, die die Einhaltung der "Podliniki" am gründlichsten durchgesetzt hatten, keine Einwände gegen die neu eingeführte Porträtkunst hatten (d, nicht religiös Porträtmalereien bekannt als Parsunas), und das sogar der Patriarch Nikon , obwohl er bitter gegen den Naturalismus des Westens war religiöse Kunst und immer wieder beschlagnahmte und verbrannte Beispiele westlicher religiöser Malerei, setzte sich dennoch mehr als einmal für sein Porträt ein.

Das erste russische Äquivalent einer Akademie der bildenden Künste waren Werkstätten, die Ivan IV. Im Palast der Waffen unter dem Spitznamen "Schrecklich" (1533-1584) eingerichtet hatte. Die feinsten Moskauer Gemälde, Illuminationen und Metallarbeiten wurden von den dort beschäftigten Künstlern geschaffen, von denen viele stark vom westlichen Naturalismus angezogen wurden. Trotzdem gelang es diesen Künstlern, in der zweiten Hälfte des 16. und im ersten Viertel des 17. Jahrhunderts genügend Qualitätsikonen zu produzieren, um eine unverwechselbare und höchst glaubwürdige Schule der Moskauer Ikonenmalerei zu bilden.

Eigenschaften der Moskauer Ikonen

Diese Tafelbilder – typisch ausgeführt in Tempera eher als die älteren enkaustisch Farbe oder modernere Öle sind an der Fülle von Details in ihrem überaus dekorativen Hintergrund leicht zu erkennen. Die Fülle an architektonischen Merkmalen ist besonders charakteristisch, ebenso wie die Tatsache, dass diese Gebäude zeitgenössische architektonische Trends anstelle von imaginären Konturen wiedergeben. Auf der anderen Seite werden nichtrussische Merkmale wie zum Beispiel Berge rein dekorativ behandelt, anstatt entweder naturalistisch oder auf traditionelle Weise. Die Heiligen haben die runden Gesichter der Moskauer, aber die Farben ihrer Gewänder sind zwar immer noch angenehm, können aber nicht mit der großartigen Vitalität der Moskauer verglichen werden Farbe Schemata, die von der Novgoroder Schule der Ikonenmalerei verwendet werden und dazu neigen, langweilig und metallisch zu sein. Im Großen und Ganzen reicht das gesamte Spektrum der Moskauer Farbpalette von Blutrot und Gelb bis Braun mit schwarzen Schatten.

Stroganov Workshop, Solvychegodsk

Gegen Ende des 16. Jahrhunderts beschlossen zwei Neffen der ersten Stroganow, die sich in Solvychegodsk niederließen, dort eine eigene Werkstatt für Ikonenmalerei einzurichten. Beide Stroganov-Brüder waren talentierte Amateur-Ikonenmaler, und beide waren Männer von sehr großem Geschmack. Es lag an ihnen, den Anreiz zu schaffen, der den letzten großen Schub in der russischen Ikonenmalerei auslöste. Die Brüder waren große Bewunderer der novgorodianischen Malerei , und die von ihnen beschäftigten Künstler haben ihren Sinn für Stil und Farbe, ihre Liebe zu weißen Akzenten und die elegante Ausdehnung ihrer Figuren wahrscheinlich aus einem Studium der novgorodianischen Arbeit abgeleitet. Die Ergebnisse des Workshops fanden bald breite Beachtung und Bewunderung, denn zu ihrer Zeit wurden in Russland keine besseren Ikonen hergestellt. Trotzdem stellt das sie inspirierende Fachwissen diese Ikonen in eine Klasse für sich, denn obwohl die Stroganov-Maler ihre Aufgaben mit einem frommen Geist angingen, ließen ihre Kultiviertheit und ihre Beschäftigung mit Ästhetik keinen Raum für die intensive religiöse Leidenschaft, die für sie so wesentlich war Produktion einer wirklich feinen Ikone wie erstklassige Kunstfertigkeit. Technisches Können ist die Hauptattraktion der Stroganov-Ikonen. um geschätzt zu werden, müssen sie genau untersucht werden, wie eine persische Miniatur. In ihrer Masse von winzigen Details ähneln sie dem Mittelalter illuminierte Manuskripte Westeuropas, aber es fehlt ihnen die Direktheit solcher Miniaturen, und sie lassen sich vielleicht besser mit den Details in der Arbeit der präraffaelitischen Maler vergleichen.

Muratov datiert die Ergebnisse der Stroganov-Werkstatt auf die Jahre von 1580 bis 1620, da er der Ansicht ist, dass der Stil 1621 mit dem Tod seines größten Vertreters, Procopius Chirin, endete. Obwohl Chirin der anerkannte Meister der Schule ist, bleibt Nicephorus Savin nicht weit hinter ihm zurück. Die Ikone des Heiligen Johannes in der Wüste ist ein großartiges Stück präziser Malerei. Eine genaue Betrachtung des aufwändigen Hintergrunds, der sich für jede Vergrößerung eignet, zeigt eine Szene, die so faszinierend ist wie die des niederländischen Malers Hieronymus Bosch.

Savins Bruder Nazarius, zusammen mit seinem Assistenten Arafiev, waren die ersten Stroganov – Künstler, die mit dem die Aufmerksamkeit Moskaus auf sich zogen Fresken die sie 1580 für die Solvychegodsker Kathedrale produzierten. Infolgedessen wurden viele Künstler des Workshops nach Moskau berufen, um für den Zaren zu arbeiten, insbesondere Simon Borozdin , Ivan Sobelev , Mihailov , Emilyan Moskvitin und die Brüder Nicephorus und Nazarius Savin und Istom Savin , um nur einige zu nennen. Viele von ihnen wurden mit dem Titel "Royal Icon Painters" geehrt, einer, der normalerweise nur den Künstlern des Palace of Arms verliehen wird.

Schirmherrschaft der Zaren

Boris Godunov (1551-1605) schätzte die dekorative Qualität der Arbeit der Stroganov-Künstler voll und ganz und beschäftigte 1591 Nazarius Savin, Procopius Chirin und John Parseni, um sein Schlafzimmer und sein Esszimmer in Kolomenskoe mit weltlichen Szenen zu dekorieren. Es ist sehr zu bedauern, dass keine Aufzeichnungen über dieses Werk erhalten sind, da die russische Kunst durch den Verlust einiger ihrer frühesten und wahrscheinlich erfolgreichsten weltlichen Gemälde umso ärmer ist. Sowohl Boris Godunov als auch sein Sohn Fedor waren große Bildliebhaber und schätzten sie aus ästhetischen Gründen, nicht nur wegen ihres Inhalts, und sie waren es, die veranlassten, dass der Palast der Facetten von den Malern des Palastes der Waffen dekoriert wurde. Es ist wieder sehr zu bedauern, dass auch diese Gemälde untergegangen sind; Alles, was über sie bekannt ist, ist, dass ihr Thema von biblisch bis allegorisch reichte und Szenen aus der russischen Geschichte beinhaltete.

Neben dem Sponsoring dekorative Kunst Sowohl Boris als auch Fedor ermutigten Porträtkunst. Porträts waren dem mittelalterlichen Russland keineswegs unbekannt, denn schon im 12. Jahrhundert tauchten gelegentlich Stifterfiguren auf novgorodianischen Fresken auf. Im Großen und Ganzen galten sie jedoch als profan, und obwohl Sophia Paleologus ihrem zukünftigen Ehemann ihr Abbild geschickt hatte, war Ivan IV. Der erste Zar, der von der Porträtmalerei fasziniert war. Er befriedigte sein Interesse jedoch eher auf indirekte Weise als durch Mäzenatentum, dh indem er die Porträts der verschiedenen europäischen Lizenzgebühren um sich sammelte, die er mit der Idee der Heirat spielte, und es wurde Godunov überlassen, der erste zu sein königlicher Sponsor der Porträtmalerei in Moskau.

Mit dem zweiten Romanow, Zar Alexis (1645-1676), wurde die Porträtmalerei zur Gewohnheit, aber die russischen Maler konnten sich nicht von der alten Tradition lösen, und ihre Darstellungen von Ähnlichkeiten schmeckten immer noch stark nach ikonografischem Muster. Wunsch nach Vollständigkeit Naturalismus wuchs jedoch, und infolgedessen wurden gegen Mitte des 17. Jahrhunderts eine Reihe von Ausländern in die Ateliers des Palastes der Waffen aufgenommen. Der begabteste unter ihnen war der begabte Deutsche Hans Detterson , der die beiden bedeutendsten russischen Maler dieser Zeit, Abramov und Stepanov , ausbildete. Es wurde auch ein polnischer Scharlatan eingestellt, der es eine Zeitlang schaffte, Moskau zu bamboozern. Die vielversprechenden Jugendlichen Ivan Bezmin und Ermolin hatten das Pech, bei ihm in die Lehre zu gehen. Der Holländer Daniel Vuchters, der Hamburger Hans Waiter, der Dekorationskünstler Peter Engels, der schwedische Perspektivenmaler Gul und der Hamburger GE Grube waren die bedeutenderen Westler, die zwischen 1667 und 1694 in Moskau unterrichteten. Gleichzeitig das Schloss of Arms Workshops pflegten den Kontakt zu Byzantinische Kunst durch die Einstellung eines abtrünnigen Arabers als Lehrer, der sich Sasha Yakovlev nannte, eines Armeniers namens Saltanov und zweier Griechen, die unter den Namen Yuriev und Salomoriov bekannt waren.

Simon Ushakov und Naturalismus in der russischen Malerei

Keiner dieser Lehrer übte jedoch einen ähnlichen Einfluss aus wie die Radierungen, die aus Westeuropa nach Moskau drangen. Die wichtigsten davon erschienen in der Piscator’s Bible , die 1650 in Amsterdam veröffentlicht wurde. Sie wurde von fast dreihundert illustriert Holzschnitte kopiert von Piscator alias Jan Visscher aus Werken westlicher Künstler. Die Holzschnitte enthüllten den Moskowitern eine neue Welt und enthüllten die volle Kraft der naturalistischen Malerei. Ihr Einfluss zeigt sich in der Arbeit von mehr als einem Maler.

Simon Uschakow (1626-1686) war der herausragendste der betroffenen Maler. Er war offensichtlich von Western fasziniert religiöse Gemälde denn er war versucht, naturalistische Illustrationen für die heiligen Schriften anzufertigen. Seine Leistungen auf diesem Gebiet waren durchaus erfolgreich; Wären sie besser bekannt, würde Uschakow sicherlich zu den großen Zeichnern Europas zählen. Sein feiner Holzschnitt mit der Darstellung der sieben Todsünden des Menschen steckt voller Tatkraft und Überzeugung, die seinen Ikonen leider fehlen. Dabei ist Uschakow vor allem für seine Ikonen bekannt, die in Russland seit jeher hoch geschätzt werden. Tatsächlich schätzten seine Zeitgenossen sein Genie so sehr, dass Ushakov die große Ehre hatte, im ungewöhnlich frühen Alter von einundzwanzig Jahren zum "Hofmaler" ernannt zu werden. Dies bedeutete leider, dass er viel Zeit für die Ikonenmalerei aufwenden musste. Seine Ikone der Jungfrau von Vladimir (1652); sein Christus (1657) und seine Verkündigung (1659) sind, obwohl sie als seine besten Ikonen gelten, von exzessivem Humanismus und Sentimentalität geprägt und legen den Schluss nahe, dass Ushakov zu sehr mit Naturalismus beschäftigt war, um sich mit Leib und Seele der Ikonenmalerei widmen zu können. Obwohl seine Tafeln streng ikonografisch sind, beweisen sie, dass Ushakov ein Ikonenmaler des Kompromisses war, und genau diese Kompromissfähigkeit führte dazu, dass seine Ikonen von der Wende des 17. Jahrhunderts bis in die Mitte des 20. Jahrhunderts als Modelle der Perfektion dienten neunzehnten.

Das früheste erhaltene russische Schriftstück Ästhetik weist darauf hin, dass Uschakows Mängel als Ikonenmaler nicht auf Inkompetenz oder Unaufrichtigkeit zurückzuführen waren, sondern auf seine Sympathie für den westlichen Naturalismus. Dieses wichtige Dokument wurde von einem Ikonenmaler namens Joseph verfasst und in Erinnerung an ihre zahlreichen Gespräche über Kunstfragen Ushakov gewidmet. Joseph schrieb als leidenschaftlicher Verfechter der religiösen Kunst des Westens und griff den rückläufigen Klerus an, um die Inspiration kreativer Künstler zu töten und gleichzeitig Hack-Maler zu ermutigen. "Würden Sie sich hinlegen", erkundigte er sich scharf, "dass nur Russen religiöse Bilder malen dürfen und dass die russische Ikone allein verehrt werden soll, während westliche verschmäht und niemals zum Gottesdienst verwendet werden? Dann wissen Sie, dass im Ausland Länder sind nicht nur Christus und die Jungfrau Maria realistisch dargestellt, sondern auch, dass ihre Merkmale geschickt auf Papierbögen reproduziert werden, und wann immer wir Ikonenmaler gedruckte oder gekonnt gemalte Darstellungen von Christus oder der Jungfrau Maria sehen, ob im Besitz von Ausländern oder von uns eigene Leute, unsere Augen sind voller Liebe und Glück, wir sind nicht eifersüchtig, wir schmähen die Fremden nicht, weil wir sie im Besitz gut gemalter religiöser Bilder sehen, im Gegenteil, wir schätzen solche gesegneten Gegenstände über allem weltlichen Hab und Gut und wir kaufen sie liebevoll oder bitten um sie als Geschenke von unschätzbarem Wert, und wir empfangen das Bild Christi mit Verehrung und küssen es liebevoll Jetzt angewiesen, alle Heiligengesichter als dunkel und düster darzustellen? Ist es so, dass die Menschheit in einer einzigen Form gegossen wird? Waren alle Heiligen düster und verstört? “Joseph bat um Erlaubnis, die Heiligen als körperlich schön darstellen zu dürfen, und erinnerte die Geistlichen daran, dass Gott von„ dem Guten als schön und schön, dem Bösen als dunkel, blutig und abgemagert “sprach und erinnerte Als Moses vom Sinai herabstieg und Gottes Worte hörte, "konnte ihn niemand ansehen, so strahlte sein Antlitz".

Obwohl wir nicht wissen, wie Ushakov auf diesen Aufruf reagierte, zeigen seine hervorragenden Holzschnitte, dass er mit vielen Ansichten Josephs einverstanden war, und es gibt Vorschläge, dass er jede Gelegenheit begrüßte, an etwas anderem als Ikonen zu arbeiten. Er scheint viel Zeit damit verbracht zu haben, Kirchengefäße aus Gold und Email in den Metallwerkstätten des Palastes der Waffen zu entwerfen, und es ist bekannt, dass er Schusswaffen dekoriert und Karten und Pläne gezeichnet hat. Einige Zeitgenossen beziehen sich auf seine Bilder auf Papier, geben jedoch keine Auskunft über ihre Motive oder ihren Stil, so dass Ushakovs Ruf als Künstler heute auf seinen Tafeln, Fresken und Holzschnitten beruht.

Kirchengemälde: Jaroslawl und Kostroma

Moskaus Kathedralen und Kirchen waren üppig mit Wandgemälden geschmückt, die von ihren führenden Ikonenmalern in einem Stil ausgeführt wurden, der ihren Ikonen so nahe kam, dass es nicht erforderlich ist, sie in einer allgemeinen Übersicht genau zu untersuchen. Zu erwähnen ist jedoch eine große Gruppe kurioser und attraktiver Wandgemälde, die zwischen 1670 und 1695 in den Provinzzentren Jaroslawl und Kostroma entstanden sind. Die riesigen Kirchen in diesen Bezirken, wie zum Beispiel die Kirche in Tolchkovo (1694) oder in Romanov Borisoglebsk (1692), waren vollständig mit Wandgemälden bedeckt. Die Kirchen waren so zahlreich und so groß, dass die meisten Wandmalerei wurde beeilt, und das Ergebnis ist oft rau und unpoliert, aber es ist gleichzeitig so individuell und so attraktiv, dass diese Wandmalereien nicht als wertlos abgetan werden können. Das Beste des Moskauer Stils von Gemälde in ihnen verschmelzen die neuen Vorstellungen, die Piscators Holzschnitte hervorrufen, und dieses Ergebnis wird dominiert von dem großartigen Gefühl für Farbe und Dekoration und dem angeborenen Gefühl für Raum und Präsentation, das für Jaroslawls Werk so charakteristisch ist, dass es in den Spielsachen gleichermaßen zu sehen ist. Stickereien, Keramik und Malerei in diesem Zentrum produziert. Wie die früheren Ikonen der Moskauer sind diese Wandgemälde reich an kunstvollen architektonischen Hintergründen mit Gebäuden im Moskauer Stil. Die Heiligen haben runde, zentralrussische Gesichter und ihre Gewänder sowie die Hintergründe sind leuchtend und farbenfroh.

Der Wandraum, den die Bilder bedecken mussten, war so groß, dass eine Reihe neuer ikonografischer Szenen entwickelt werden mussten, um den Malern die notwendigen Inhalte zu bieten. Die Tatsache, dass viele der neuen Szenen aus Piscators Bibel entnommen wurden, ist eine ein Hinweis auf das Interesse, das Russland als Ganzes, nicht weniger als Moskau, an beiden hatte Malerei der Frührenaissance (c.1400-1490) und Malerei der Hochrenaissance (c.1490-1530). Aber obwohl die Maler Jaroslawl und Kostroma ihr Material von Piscator bezogen, kam es ihnen nie in den Sinn, seine Holzschnitte in ihrer ursprünglichen Form zu reproduzieren, da keiner von ihnen ein unterwürfiger Kopist war. Alle automatisch übertragenen Szenen von Piscator in im Wesentlichen russische Kompositionen, die in einem Stil gemalt wurden, der eine überraschende Verwandtschaft mit den heute in den von der Sowjetregierung gesponserten Palekh- Pappmaché-Werkstätten hergestellten Entwürfen aufweist. Wenn Platz vorhanden wäre, wäre es interessant, diese unerwartete Ähnlichkeit zwischen den byzantinischen Interpretationen westlicher religiöser Kunst aus dem 17. Jahrhundert und den säkularen Szenen des 20. Jahrhunderts zu diskutieren, die von der letzten überlebenden Gemeinschaft erblicher Ikonenmaler produziert wurden. Wir können hier jedoch nur auf die Ähnlichkeit aufmerksam machen. Es ist zum Beispiel in einem Wandgemälde von David aus dem Jahr 1691 , der in der Kirche des hl. Johannes des Vorgängers in Jaroslawl gegen den Bären kämpfte, deutlich zu sehen Radierung von Bonse aus dem Jahr 1608. Die Ähnlichkeit ist noch deutlicher in einer Szene aus dem Leben von Elisa aus dem Jahr 1681 in der Kirche des Propheten Elijah in Jaroslawl. Der Holzschnitt von Piscator aus dem Jahr 1640 basiert auf Martin de Foss ’Leben mit Elisha. Die Jaroslawl-Version unterscheidet sich deutlich von der Piscator-Version, aber ihre Gruppierung und Färbung, insbesondere die Gegenüberstellung des leuchtend gelben Mais, des intensiv blauen Himmels und der leuchtend rosa und roten Blusen der Schnitter, könnte von einem modernen Palekh-Künstler stammen, der Puschkin illustriert.

Trotz ihres Charmes und Interesses fehlen diesen Wandgemälden die inspirierten Kunstwerke ebenso wie die zarten, vollendeten und raffinierten Stroganov-Ikonen und die außergewöhnlich dekorativen Tafeln, die in den Werkstätten des Palastes der Waffen ausgeführt wurden. Wir müssen zu dem Schluss kommen, dass Moskau zwar eine Klasse von Kunstliebhabern hervorgebracht hat, deren hohe kritische Maßstäbe und Fähigkeit zur schnellen Anerkennung zu der überraschend schnellen Entwicklung der verwestlichten russischen Kunst des 18. Jahrhunderts beigetragen haben, psychologisch jedoch nicht in der Lage war, Werke von gleicher Qualität zu inspirieren als Nowgorod.

In einigen Gebäuden sind Gemälde zu sehen, die den Stil der Moskauer Schule aus dem 16. Und 17. Jahrhundert widerspiegeln beste Kunstmuseen in Russland insbesondere das Novgorod Arts Museum und das Tretjakow-Galerie, Moskau.