Moskauer Malschule (um 1500-1700):
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Stroganovs Werkstatt, Solvychegodsk

Ende des 16. Jahrhunderts beschlossen zwei Neffen des ersten Stroganov, die sich in Solvychegodsk niedergelassen hatten, dort ihre eigene Ikonenmalereiwerkstatt zu gründen. Die beiden Brüder Stroganovs waren beide begabte Amateur-Ikonenmaler und zeichneten sich beide durch einen ausgezeichneten Geschmack aus. Ihnen fiel es zu, den Anstoß für den endgültigen Aufstieg der russischen Ikonenmalerei zu geben.

Die Brüder waren große Bewunderer der Nowgoroder Malerei, und die Künstler, die sie beschäftigten, schöpften ihren Sinn für Stil und Farbe, ihre Vorliebe für weiße Glanzlichter und die elegante Streckung ihrer Figuren wahrscheinlich aus dem Studium der Nowgoroder Werke. Die Produkte der Werkstatt erregten bald große Aufmerksamkeit und Bewunderung, denn zu dieser Zeit wurden in Russland keine feineren Ikonen hergestellt. Doch die Kennerschaft, die sie inspirierte, stellt diese Ikonen in eine eigene Klasse, denn obwohl die Stroganov-Künstler ihre Aufgaben mit einem frommen Geist angehen, lassen ihre Raffinesse und ihre Beschäftigung mit der Ästhetik keinen Raum für die intensive religiöse Inbrunst, die für die Schaffung einer wirklich schönen Ikone ebenso wichtig ist wie erstklassige Handwerkskunst.

Die technische Meisterschaft ist das, was an Stroganoffs Ikonen in erster Linie reizvoll ist; um sie für bare Münze zu nehmen, müssen sie wie eine persische Miniatur betrachtet werden. In ihrer Fülle an winzigen Details ähneln sie den mittelalterlichen illuminierten Manuskripten Westeuropas, doch fehlt ihnen die Unmittelbarkeit solcher Miniaturen, und sie sind vielleicht eher mit den Details in den Werken der präraffaelitischen Maler zu vergleichen.

Muratov schreibt die Arbeit der Stroganov-Werkstatt den Jahren 1580-1620 zu, da er glaubt, dass der Stil mit dem Tod seines größten Vertreters, Prokopiy Chirin, im Jahr 1621 endete. Obwohl Tschirin der anerkannte Meister der Schule ist, ist Nikifor Sawin nicht weit hinter ihm. Die Ikone des letzteren „Johannes in der Wüste“ ist ein großartiges Werk der akkuraten Malerei. Bei näherer Betrachtung des kunstvollen Hintergrunds, der einer Vergrößerung in beliebiger Größe standhält, zeigt sich eine Szene, die in ihrer Art ebenso fesselnd ist wie die des niederländischen Malers Hieronymus Bosch.

Sawins Bruder Nazarius und sein Assistent Arafiev waren die ersten Stroganow-Künstler, die in Moskau mit Fresken auf sich aufmerksam machten , die sie 1580 für die Solvychegodsky-Kathedrale ausführten. In der Folge wurden viele Künstler der Werkstatt nach Moskau berufen, um für den Zaren zu arbeiten, insbesondere Simon Borozdin, Ivan Sobelev, Mikhailov, Emilian Moskvitin, die Brüder Nikifor und Nazarius Savin und Istoma Savin, und viele andere. Viele von ihnen wurden mit dem Titel „der königlichen Ikonenmaler“ geehrt, der normalerweise nur den Künstlern des Wappenpalastes verliehen wurde.

Königliches Mäzenatentum

Boris Godunow (1551-1605) wusste die dekorative Wirkung der Werke der Stroganow-Künstler zu schätzen und beauftragte 1591 Nazarius Savin, Prokopiy Khirin und Ioann Parseni, sein Schlaf- und Esszimmer in Kolomenskoje mit weltlichen Szenen zu schmücken. Es ist sehr bedauerlich, dass keine Aufzeichnung dieser Arbeit erhalten geblieben ist, denn die russische Kunst ist durch den Verlust einiger der frühesten und wahrscheinlich erfolgreichsten weltlichen Gemälde ärmer geworden.

Sowohl Boris Godunow als auch sein Sohn Fjodor waren große Liebhaber von Gemälden, die sie nicht nur aus ästhetischen, sondern auch aus inhaltlichen Gründen schätzten, und sie waren es, die die Dekoration der Facettenkammer mit Künstlern aus der Rüstkammer organisierten. Leider sind auch diese Gemälde verloren gegangen; man weiß nur, dass ihre Themen von biblisch bis allegorisch reichten und Szenen aus der russischen Geschichte enthielten.

Boris und Fjodor unterstützten nicht nur die dekorativen Künste, sondern förderten auch die Porträtmalerei . Porträts waren im mittelalterlichen Russland keineswegs unbekannt, denn bereits im zwölften Jahrhundert tauchten auf Nowgoroder Fresken manchmal Figuren von Stiftern auf. Im Großen und Ganzen galten sie jedoch als profan, und obwohl Sophia Palaeologus ihrem zukünftigen Ehemann ihr Bildnis schickte , war Iwan IV. der erste König, der sich von Porträts überzeugen ließ. Er befriedigte sein Interesse jedoch nicht durch Mäzenatentum, sondern indirekt, indem er die Porträts der verschiedenen europäischen Königshäuser, die er zu heiraten gedachte, um sich versammelte, und der erste königliche Förderer von Porträts in Moskau war Godunow.

Unter dem zweiten Romanow, Zar Alexei (1645-1676), wurde die Porträtmalerei alltäglich, aber die russischen Künstler konnten sich nicht von der alten Tradition lösen, und ihre Bilder ähnelten immer noch stark ikonografischen Darstellungen. Allerdings wuchs der Wunsch nach vollständigem Naturalismus, und infolgedessen wurden Mitte des siebzehnten Jahrhunderts eine Reihe von Ausländern in die Werkstätten des Zeughauses aufgenommen.

Der prominenteste von ihnen war der begabte Deutsche Hans Detterson, der die beiden herausragenden russischen Maler jener Zeit, Abramow und Stepanow, ausbildete. Auch ein polnischer Scharlatan wurde angeheuert, dem es gelang, Moskau eine Zeit lang zu täuschen. Vielversprechende junge Männer, Ivan Bezmin und Ermolin, hatten das Pech, in seine Schüler zu geraten. Der Niederländer Daniel Vyuhters, Hans Weiter aus Hamburg, der Maler-Dekorateur Peter Engels, der schwedische Perspektivmaler Gul und G. E. Grube aus Hamburg - das sind die berühmtesten westlichen Meister, die von 1667 bis 1694 in Moskau lehrten. Zur gleichen Zeit hielten die Werkstätten des Zeughauspalastes den Kontakt zur byzantinischen Kunst aufrecht und beschäftigten als Lehrer einen arabischen Überläufer, der sich Sasha Yakovlev nannte, einen Armenier namens Saltanov und zwei Griechen namens Yuriev und Salomorov.

Simon Uschakow und der Naturalismus in der russischen Malerei

Aber keiner dieser Lehrer hatte so viel Einfluss wie die Radierungen, die aus Westeuropa nach Moskau gelangten. Die wichtigste dieser Radierungen erschien in Piscators Bibel, die 1650 in Amsterdam veröffentlicht wurde. Sie wurde mit fast dreihundert Stichen illustriert, die Piscator, alias Jan Visscher, von den Werken westlicher Künstler kopierte. Die Holzschnitte eröffneten den Moskauern eine neue Welt und zeigten die ganze Kraft der naturalistischen Malerei, und ihr Einfluss lässt sich in den Werken von mehr als einem Künstler nachweisen.

Simon Uschakow (1626-1686) war der prominenteste der von ihnen beeinflussten Künstler. Er war offensichtlich von der westlichen religiösen Malerei fasziniert, denn er entwickelte den Wunsch, sich an der Herstellung naturalistischer Illustrationen der Heiligen Schrift zu versuchen. Seine Leistungen auf diesem Gebiet waren sehr erfolgreich; wären sie bekannter gewesen, hätte Uschakow zweifellos zu den großen europäischen Zeichnern gezählt werden können. Sein schöner Holzstich mit der Darstellung der sieben Todsünden des Menschen ist voll jener Kraft und Überzeugung, die seinen Ikonen leider fehlt.

Doch Uschakow ist vor allem für seine Ikonen bekannt, die in Russland immer sehr bewundert wurden. Seine Zeitgenossen schätzten sein Genie so sehr, dass Uschakow die Ehre zuteil wurde, im ungewöhnlich frühen Alter von einundzwanzig Jahren zum Hofmaler „ernannt zu werden“. Leider bedeutete dies, dass er viel Zeit der Ikonographie widmen musste.

Seine Ikone Unserer Lieben Frau von Wladimir (1652); seine Christus (1657) und seine Verkündigung (1659), die als seine besten Ikonen gelten, sind von übermäßigem Humanismus und Sentimentalität geprägt und zeigen, dass Uschakow zu sehr im Naturalismus gefangen war, um sich mit ganzer Seele der Ikonographie zu widmen. Obwohl seine Tafeln streng ikonographisch sind, beweisen sie, dass Uschakow ein Ikonograph des Kompromisses war, und es war diese Fähigkeit zum Kompromiss, die dazu führte, dass seine Ikonen von der Jahrhundertwende bis zur Mitte des neunzehnten Jahrhunderts als Musterbeispiele dienten.

Das früheste erhaltene russische Werk über Ästhetik zeigt, dass Uschakows Unzulänglichkeiten als Ikonograph nicht auf Inkompetenz oder Unaufrichtigkeit zurückzuführen waren, sondern auf seine Sympathie für den westlichen Naturalismus. Dieses wichtige Dokument wurde von einem Ikonographen namens Joseph geschrieben und von ihm in Erinnerung an ihre vielen Gespräche über Kunst Uschakow gewidmet. Joseph schrieb als leidenschaftlicher Verteidiger der westlichen religiösen Kunst, indem er den rückschrittlichen Klerus dafür angriff, dass er die Inspiration kreativer Künstler abtötete, während er gleichzeitig Potboiler förderte.

„Nehmt ihr an“, fragte er sie inbrünstig, „dass nur Russen religiöse Bilder malen dürfen und dass nur russische Ikonen geehrt werden sollten, während westliche Ikonen abgelehnt und niemals für die Anbetung verwendet werden sollten? Wenn wir Ikonenmaler gedruckte oder gekonnt gemalte Darstellungen von Christus oder der Mutter Gottes sehen, sei es von Ausländern oder von unserem Volk, dann sind unsere Augen mit großer Liebe und Freude erfüllt, wir sind nicht neidisch, wir schmähen die Ausländer nicht, weil wir von ihnen gut geschriebene religiöse Bilder sehen. Im Gegenteil, wir schätzen diese gesegneten Gegenstände über alle weltlichen Dinge, wir kaufen sie liebevoll oder bitten um sie als Geschenke von unschätzbarem Wert, wir empfangen das Bild Christi mit Ehrfurcht und küssen es mit Liebe. Woher kommt es, dass wir heute angewiesen werden, alle heiligen Gesichter als dunkel und düster darzustellen? Ist die Menschheit nach demselben Muster geformt? Waren alle Heiligen bräunlich und verhärmt?“

Joseph begann, um die Erlaubnis zu bitten, die Heiligen als körperlich schön darzustellen, erinnerte die Kleriker daran, dass Gott „die Guten schön und lieblich, die Bösen aber dunkel, blutig und abgemagert“ nannte, und erinnerte daran, dass, als Moses vom Sinai herunterkam, nachdem er Gottes Worte gehört hatte, „niemand ihn ansehen konnte, so groß war der Glanz seines Antlitzes“.

Obwohl wir nicht wissen, wie Uschakow auf diesen Aufruf reagierte, zeigen seine prächtigen Holzschnitte, dass er mit vielen von Josephs Ansichten sympathisierte, und es gibt Spekulationen, dass er jede Gelegenheit begrüßte, an etwas anderem als Ikonen zu arbeiten. Er scheint viel Zeit damit verbracht zu haben, in den Metallwerkstätten des Rüstungspalastes Kirchengefäße aus Gold und Emaille herzustellen, Feuerwaffen zu verzieren sowie Karten und Pläne zu zeichnen. Einige Zeitgenossen erwähnen seine Gemälde auf Papier, geben aber weder ihre Themen noch ihren Stil an, so dass sich Uschakows Ruf als Künstler heute auf seine Tafeln, Fresken und Holzschnitte stützt.

Kirchliche Wandmalereien: Jaroslawl und Kostroma

Die Kathedralen und Kirchen Moskaus waren mit Wandmalereien reich geschmückt, die von den führenden Ikonenmalern in einem Stil ausgeführt wurden, der ihren Ikonen so sehr ähnelt, dass es unnötig ist, sie in einem allgemeinen Überblick im Detail zu behandeln. Die Aufmerksamkeit sollte jedoch auf eine große Gruppe kurioser und attraktiver Wandmalereien gelenkt werden, die zwischen 1670 und 1695 in den Provinzzentren Jaroslawl und Kostroma entstanden.

Große Kirchen in diesen Gebieten, wie z. B. die Kirche in Tolchkov (1694) oder in Romanov-Borisoglebsk (1692), waren vollständig mit Wandmalereien bedeckt. Es gab so viele Kirchen und sie waren so groß, dass ein großer Teil der Wandmalerei in Eile ausgeführt wurde, und das Ergebnis ist oft grob und ungeschliffen, aber gleichzeitig so individuell und attraktiv, dass diese Wandmalerei nicht als nutzlos abgetan werden kann.

Die besten Merkmale des Moskauer Stils der Malerei werden in ihnen mit den neuen Ideen kombiniert, die durch Piscators Holzschnitte zum Leben erweckt wurden, und das Ergebnis wird von dem überlegenen Sinn für Farbe und Dekoration und dem angeborenen Sinn für Anordnung und Darstellung beherrscht, die so charakteristisch für die Werke von Jaroslawl sind und die sowohl in den Spielzeugen, Stickereien, Keramiken als auch in den Gemälden dieses Zentrums zu sehen sind. Wie die früheren Moskauer Ikonen sind auch diese Wandmalereien reich an kunstvollen architektonischen Hintergründen, die Gebäude im Moskauer Stil darstellen. Die Heiligen haben runde, mittelrussische Gesichter, und ihre Gewänder sind wie die Hintergründe in leuchtenden und fröhlichen Farben gehalten.

Aber obwohl die Künstler in Jaroslawl und Kostroma Material von Piskator bezogen, kam es ihnen nie in den Sinn, seine Holzschnitte im Original zu reproduzieren, denn keiner von ihnen war ein unterwürfiger Kopist. Sie alle übertrugen Piskators Sujets automatisch in rein russische Kompositionen, die in einem Stil gemalt wurden, der eine überraschende Verwandtschaft mit den Zeichnungen aufweist, die heute in Palekh Pappmaché-Werkstätten entstehen, die von der sowjetischen Regierung gefördert werden.

Wenn es der Platz erlaubt, wäre es interessant, diese unerwartete Ähnlichkeit zwischen den byzantinischen Interpretationen westlicher religiöser Kunst aus dem 17. Jahrhundert und den weltlichen Szenen aus dem 20. Wir können jedoch nur auf die Ähnlichkeiten hinweisen. Deutlich sichtbar sind sie beispielsweise in dem Wandgemälde von 1691 „David im Kampf mit einem Bären“ in der Kirche St. Johannes der Täufer in Jaroslawl, das auf einem Piskatorov-Stich von Bons aus dem Jahr 1608 basiert.

Noch deutlicher ist die Ähnlichkeit bei einer Szene aus dem Leben des Elisa, datiert 1681, in der Kirche des Propheten Elias in Jaroslawl. Der Holzschnitt von Piscator aus dem Jahr 1640 basiert auf dem Leben des Elisa von Martin de Fosse. Die Jaroslawler Version unterscheidet sich deutlich von der Piscators, aber ihre Gruppierung und Farbgebung, insbesondere die Kombination aus leuchtend gelbem Korn, tiefblauem Himmel und den leuchtend rosa und roten Blusen der Schnitter, könnte von einem zeitgenössischen Künstler aus Palekh stammen, der Puschkin illustrierte.

Trotz ihres Charmes und ihres Interesses sind diese Wandgemälde jedoch ebenso weit von inspirierter Kunst entfernt wie die feinen, perfekten und exquisiten Stroganow-Ikonen und die hervorragenden dekorativen Tafeln, die in den Werkstätten des Rüstungspalastes ausgeführt wurden. Wir müssen zu dem Schluss kommen, dass Moskau zwar eine Klasse von Kunstliebhabern hervorbrachte, deren hoher kritischer Anspruch und ihre Fähigkeit zur schnellen Beurteilung ihren Teil zur bemerkenswert schnellen Entwicklung der verwestlichten Kunst im Russland des 18. Jahrhunderts beitrugen, aber psychologisch nicht in der Lage war, Werke von derselben hohen Qualität wie Nowgorod zu inspirieren.

Gemälde, die den Stil der Moskauer Schule des 16./17. Jahrhunderts widerspiegeln, sind in einigen der besten Kunstmuseen Russlands zu sehen, insbesondere im Nowgoroder Kunstmuseum und in der Tretjakow-Galerie in Moskau.

Vor und nach der Moskauer Schule
Zu den früheren Stilen der mittelalterlichen Malerei in Russland siehe unseren Artikel über die Nowgoroder Schule der Ikonographie (1100-1500). Zu den späteren Malstilen ab dem siebzehnten Jahrhundert siehe Petrinische Kunst (1686-1725) in St. Petersburg unter Zar Peter dem Großen. Dies führte zur Entstehung der Russischen Malerei (18. Jahrhundert), die von religiösen Fresken und Porträts beherrscht wurde. Danach entstand die moderne Schule: siehe Russische Malerei (neunzehntes Jahrhundert) .