Merkmale der impressionistischen Malerei Automatische übersetzen

Zu den wichtigsten französischen Impressionisten gehören: Claude Monet (1840-1926), Renoir (1841-1919), Alfred Sisley (1839-1899), Camille Pissarro (1830-1903), Bertha Morisot (1841-1895), Paul Cézanne (1839-1906), Degas (1834-1917), und Édouard Manet (1832-1883).

Der Realismus führte allmählich zum Impressionismus : mehr über diese Entwicklung siehe: Vom Realismus zum Impressionismus (1830-1900). In ihrem Streben nach Wahrheit suchten die Maler des Impressionismus nach einem optischen Eindruck des Leuchtenden und Vergänglichen, was dazu führte, dass die Form vernachlässigt wurde. Obwohl der Impressionismus für den Normalbürger nicht verständlich war, entsprach er der Entwicklung der modernen Ideen. Nachdem der anfängliche Widerstand überwunden war, verbreitete sich die Bewegung unaufhaltsam in der ganzen Welt.

Der Erfolg des neuen Stils war so groß, dass er schnell eine Gegenreaktion hervorrief. Das Denken des Künstlers wurde zugunsten seiner Vision verworfen. Die Reaktion nahm die Form des Symbolismus an, der die Kunst des 20. Jahrhunderts noch stärker beeinflussen sollte als der Impressionismus, da er die Kunst von der Sklaverei des Scheins befreite.

Siehe auch:
Ursprünge und Einfluss des Impressionismus
Frühgeschichte des Impressionismus
Entwicklung der impressionistischen Malerei

Sichtweisen auf den Impressionismus

Im Laufe der Jahrhunderte, von den Gemälden der Römer über die leuchtenden Landschaften der illuminierten Manuskripte von Jean Fouquet bis hin zu Largillier und Jean-Honora Fragonard (1732-1806), haben die Künstler versucht, das, was sie sahen, darzustellen. Sie untersuchten eines nach dem anderen die verschiedenen Elemente der Wirklichkeit oder die Erscheinungen der Dinge. Am meisten interessierten sie sich für das Licht, seine Quelle und seine Wirkung, doch erst gegen Ende des 19. Jahrhunderts gelangten sie nach langem Zögern und vielen Irrwegen zu einem vollständigen Verständnis des Lichts.

Das Problem der linearen Perspektive, das bis zur Absurdität getrieben wurde, lenkte sie von anderen Problemen der Luftperspektive ab und verdunkelte sie eine Zeit lang. Mit Hilfe von künstlichen Lichtquellen konnte das einfallende Licht so gelenkt werden, dass es eine konstruktive Rolle spielte und die Form durch Licht und Schatten, reflektiertes Licht und Schatten sichtbar machte. (Siehe auch Chiaroscuro und Tenebrismus)) Das Licht wird zum wichtigsten Gut des Künstlers, das er in engen Grenzen einsetzen kann.

Es war jedoch unausweichlich, dass der Künstler eines Tages die visuelle Wahrheit der Realität sehen würde, die er von Zeit zu Zeit erahnt hatte, indem er die Gegenstände mit ihrer Umgebung in Beziehung setzte. Es wurde für die Künstler notwendig, die wahre Erscheinung der Natur zu betrachten, die durch das wissenschaftliche Bildverständnis der Renaissance verfälscht worden war. Sie mussten die Natur auf eine neue Art und Weise betrachten und die Techniken vergessen, die sie in den Ateliers gelernt hatten.

Der Impressionismus erbt den Naturalismus der Schule von Barbizon und die realistische Malerei von Gustave Courbet (1819-1877). Die neue Bewegung gehörte zur positivistischen Weltanschauung von Auguste Comte und entstand in der Atmosphäre, die durch die Forschungsarbeit von Claude Bernard und seine „Einführung in die experimentelle Medizin“ geschaffen wurde. Sie wurde zu einem integralen Bestandteil der nachfolgenden Periode und trug ebenso wie die fortschrittlichste Wissenschaft zum gesamten Charakter des Fin de siecle bei, in dem Physik und Physiologie als die wichtigsten anerkannt wurden.

Im 19. Jahrhundert begannen die Wissenschaftler mit Experimenten mit der Materie und kamen zu den atomaren Entdeckungen der Physik. Die Künstler kamen intuitiv zu den gleichen Ergebnissen. Nach Jahrhunderten der Suche nach taktilen Werten (taktile Werte ermöglichen es dem Betrachter, die Form geistig „zu fühlen“), gingen die Impressionisten dazu über, das Unmögliche zu versuchen - das Flüchtige, Fließende, Undurchdringliche und Bewegende einzufangen. Sie kehrten den Klippen von Fontainebleau den Rücken und schenkten der Dramatik der Elemente keine Beachtung mehr.

Stattdessen zogen sie es vor, Flüsse und andere Wasserszenen zu malen. Sie bevorzugten Momente der Verklärung, Dampf, der im warmen Schein der untergehenden Sonne aufsteigt, oder Wasser, das mitten im Winter gefriert; und sie malten immer gerne Nebel. Sie liebten die Londoner Nebel, die die Architektur verdunkelten, und den Rauch der Züge, der die Eisen- und Backsteinbauten schwerelos erscheinen ließ. Die Realität der Impressionisten war eine Lösung aus Flüssigkeit und Licht, in die alles eingetaucht war. Der Impressionismus kann als die Linie einer großen künstlerischen Strömung betrachtet werden, die, oft tief unter der Erde verlaufend, von Zeit zu Zeit wieder auftaucht und die Wälle des orthodoxen Klassizismus bedroht und manchmal überwältigt, wie es in der Zeit des Barocks und dann der Romantik der Fall war.

Der Barockkunst gelang es mit ihrer komplexen Komposition, ihrem dynamischen Aufbau und ihren ausladenden diagonalen Bewegungen auch, das Wesen der Zeit auszudrücken, die unaufhaltsam vergeht und ewig ist. Die Künstler des Barock übersetzten die Idee der Zeit in ein plastisches Äquivalent, das eher sinnlich als intellektuell organisiert, aber dennoch zielgerichtet ist.

Die puristischen Impressionisten versuchten, den Lauf der Zeit durch unvernünftige Nachahmung ihrer Wirkungen zu reproduzieren; diese puritanische Unbedarftheit führte schließlich zur Katastrophe. Sie dachten, sie wollten einfach nur flüchtige Momente des Lichts einfangen, aber stattdessen untergruben sie die Grundlagen der Malerei selbst. Sie bemerkten diese ästhetische Katastrophe kaum. Sie waren sich weder der entmaterialisierten Bilder bewusst, die sie schufen, noch der allgemeinen Verunsicherung, die sie hervorriefen. Stattdessen singen sie weiter ihre fröhliche Hymne auf die Schönheiten der Natur, malen Zeit und Licht und lassen die Form völlig außer Acht. So wurde die Komposition heruntergespielt, die Zeichnung vergessen: Alles, was zählte, waren Licht und Farbe.

Darstellung des Lichts

Sie malten, wie ein Vogel singt, wie Renoir sagte, und wie die Nachtigall nur eine silberne Kehle ist, so war der impressionistische Maler nur das Auge. Zu den historischen und ästhetischen Möglichkeiten, die die Entstehung des Impressionismus ermöglichten, müssen die Eigenschaften des menschlichen Auges hinzugefügt werden. Auch wenn die Impressionisten die Sehkraft des Auges nicht wie Jan van Eyck einsetzten, so nutzten sie doch dessen außergewöhnliche Wahrnehmungsfähigkeit. Sie fassten die vielen Nuancen und ihre komplexe Verflechtung zusammen.

Von Courbet bis Claude Monet, von dem Cézanne sagte: "Es ist nur ein Auge, aber was für ein Auge!", hat sich eine absolute Tyrannei des Sehnervs entwickelt. Die Vision der Impressionisten schwankte zwischen zwei Polen, zwischen dem Auge Manets und dem Auge Monets, zwischen dem gesunden und dem abnormalen. Das Auge Manets sei gesund, traditionell und französisch, so Mallarmé, der behauptet, Manets Blick stamme aus dem achtzehnten Jahrhundert, geprägt durch den Einfluss von Jean-Antoine Watteau (1684-1721) und Jean-Honore Fragonard (1732-1806). Manet hat deren Raffinesse, Intuition und bezaubernde Klarheit des Blicks geerbt. Im Gegensatz dazu schien Monets Sehen anormal zu sein, als ob er einige Teile der Szene mit erhöhter Sensibilität sah, während andere verschwommen blieben.

Im Laufe des Jahrhunderts stellte die Physik zahlreiche optische Gesetze in Bezug auf Licht und Farbe auf. Die Maler des Impressionismus kamen an den Ufern der Seine und der Oise zu denselben Gesetzen.

Sie liebten es zu beobachten, wie sich das Licht im Wasser spiegelt, wie Lichtstrahlen durch den Nebel dringen und wie sich das Licht in Regenbögen und Spritzer in die Farben des Spektrums aufteilt. Sie bemerkten, wie das Licht seine Form verändern kann und wie sehr die Atmosphäre alles um sie herum verändert. Die Künstler machten diese Entdeckungen nach und nach mit ihren Augen und gelangten zu einer neuen Sichtweise auf die Welt, die sich unter dem Einfluss des Tageslichts ständig entfaltet und verändert. Diesem Idol des Lichts haben die Impressionisten nun alles geopfert. Sie wählten das Licht als einziges Element und verwarfen die ganze Heuchelei des Tenebrismus und alle zweifelhaften Versuchungen des Helldunkels.

Licht war das schöpferische Prinzip, das der Sichtbarkeit zugrunde lag; Licht war Farbe, Bewegung, Zeit und das Leben selbst. Das Licht fand ganz natürlich seine plastische Entsprechung im Wasser, das flüssig, löslich und durchsichtig war. Das Wasser ist zusammen mit der Luft der Ursprung des Impressionismus, der an der Kanalküste zwischen Ruel und Frilloz geboren wurde. Hier brachte einst Eugène Boudin (1824-1898) den jungen Monet (damals 17 Jahre alt) zum Malen. An dieser Küste, in Le Havre, Honfleur und Trouville, entwickelte sich Monet zu einem Künstler.

Das Meer wird zu einem der Lieblingsthemen der Impressionisten. Sie liebten den sich ständig ändernden Rhythmus der Wellen, die Unbeständigkeit seiner Substanz, seine vielfältigen und wechselnden Farben, seine Reflexion und Absorption des Lichts und seine zerstörerische Kraft, die langsam oder plötzlich die Felsen von Etretat aushöhlte oder die Klippen in der Bretagne erodierte. Das Thema der impressionistischen Kunst war also nicht die Emotion, die durch das Vorhandensein oder die Schönheit eines Objekts hervorgerufen wurde, sondern die Beobachtung seines vielfältigen physikalischen Verhaltens in der Umgebung, die es umschließt, zersetzt oder spaltet.

Die Formen hörten nur insofern auf zu existieren, als ihre visuellen Außenflächen zu Oberflächen für das Spiel von Licht und Farbe wurden. Die Gegenstände werden nicht mehr durch Linien und Konturen beschrieben, sondern durch die Durchdringung der Farben, die sich in ihre Bestandteile auflösen. Das ganze Bild wird durch die Beziehung des Lichts geeint, und es geht darum, das Licht mit rein malerischen Mitteln zu etablieren. Die Technik der Malerei änderte sich also in zweifacher Hinsicht: Erstens verwendeten die Maler eine neue Palette, und zweitens erfanden sie eine neue Art der Pinselführung.

Man beachte auch zwei wichtige Vorteile, die sich die impressionistischen Maler zunutze machten: erstens das Aufkommen der Fotografie, die es ermöglichte, die augenblickliche Wirkung des Lichts dauerhaft festzuhalten. Zweitens die Erfindung der faltbaren Zinntube im Jahr 1841 durch den amerikanischen Künstler John Rand (1801-1873). Diese praktische Quelle für Farbpigmente erwies sich als äußerst wertvoll für alle Anhänger der Pleinairmalerei, der Haupttechnik des Impressionismus.

Verwendung der Farbe

Die Impressionisten fanden, dass die von Eugène Delacroix (1798-1863) und anderen romantischen Malern des frühen 19. Jahrhunderts verwendeten Farben für ihre Zwecke zu dunkel waren. Sie zogen es vor, sich mehr oder weniger auf die Farben des Spektrums zu beschränken und wählten Gelb, Orange, Azur, Karminrot, Violett, Blau und Grün. Dies entsprach den wissenschaftlichen Studien von Chevreul zu Beginn des Jahrhunderts, die von Delacroix bekannt gemacht wurden, sowie den Studien von Maxwell, Young und Lambert, die die Chemie der Farben veränderten. Aus malerischer Sicht war diese Veränderung die wichtigste seit der Einführung der Ölmalerei durch Jan van Eyck und Antonello da Messina im fünfzehnten Jahrhundert. (Siehe auch: Farbpalette des neunzehnten Jahrhunderts .)

Nach der Theorie von Chevreul lassen sich die Farben in zwei Gruppen einteilen: die Primärfarben - Gelb, Rot und Blau - und die Sekundärfarben - Orange, das aus der Mischung von Rot und Gelb entsteht, Grün, wenn Gelb und Blau gemischt werden, und Violett, wenn Rot und Blau gemischt werden. Eine Sekundärfarbe erscheint stärker, wenn sie neben einer Primärfarbe steht, die nicht in ihrer Mischung enthalten ist. Zum Beispiel wird Orange intensiver, wenn es neben Blau steht, und Blau wird als Komplementärfarbe zu Orange bezeichnet; ebenso ist Rot komplementär zu Grün und Gelb komplementär zu Violett.

Chevreul stellte fest, dass sich Komplementärfarben gegenseitig auslöschen, wenn sie in gleichen Anteilen gemischt werden, was aus der Sicht des Künstlers bedeutet, dass sie ein neutrales Grau ergeben. Er stellte auch fest, dass die Mischung von zwei Komplementärfarben in ungleichen Anteilen eine verschlechterte Farbe ergibt, d. h. eine neutrale Farbe, die zu Braun, Grau oder Oliv tendiert. Aus all dem folgt eine Reihe von optischen Gesetzen, die sich in quasi-algebraischen Begriffen ausdrücken lassen.

Reine Komplementärfarbe neben unvollständiger Komplementärfarbe = Dominanz der einen und Harmonie der beiden; reine Komplementärfarbe in einem hellen Farbton neben reiner Komplementärfarbe in einem dunklen Farbton = Unterschied in der Intensität und Harmonie; zwei ähnliche Farben nebeneinander, die eine rein, die andere degradiert, erzeugen einen subtilen Kontrast zueinander. (Siehe auch: Tipps zum Mischen von Farben .)

Die Impressionisten waren in ihrer Malerei eher intuitiv als intellektuell. Sie studierten die Natur und benutzten alle wissenschaftlichen Gleichungen, die ihnen in ihrem Streben nach Lebendigkeit nützlich waren. Die Gesetze der Wissenschaft geben dem impressionistischen Maler jedoch moralische Unterstützung. Er wagt nun, was Delacroix nicht konnte. Der Wissenschaftler studiert das Licht, um seine Eigenschaften zu analysieren oder künstliche Wege zu finden, es zu erzeugen, während der Künstler versucht, seine poetische Qualität auszudrücken.

Eine negative Mischung der Farben auf der Palette mindert ihre Reinheit, daher versucht der Künstler, eine positive Mischung zu erreichen, die vom Auge wahrgenommen wird und bei der die Farben ihre Reinheit behalten und zu vibrieren scheinen. Aus einer angemessenen Entfernung betrachtet, schienen die nebeneinander stehenden reinen Farben auf der Oberfläche der Leinwand zu verschmelzen, wodurch diese positive Mischung entstand, die das Aussehen der Natur wiedergab.

Die impressionistische Malerei entstand durch das Nebeneinanderstellen reiner Farben, die nach den optischen Gesetzen der Komplementarität angeordnet waren, um das Aussehen der Natur in einer leuchtenden Atmosphäre zu erzeugen. Infolgedessen bestanden die Gemälde des Impressionismus und noch mehr die Werke des Neoimpressionismus (eine Variante des Seurat’schen Divisionismus) aus einem Sammelsurium von Farbpartikeln, Punkten oder Flecken. Gleichzeitig mit der Interpretation des Lichts führte diese Methode zur Fragmentierung aller Formen im Gemälde.

Impressionistische Gruppen und ihre Stile

Der Impressionismus hat nie eine Schule im eigentlichen Sinne des Wortes geschaffen, obwohl er das Ergebnis von Intuition und Experiment war und trotz der pseudowissenschaftlichen Analogien. Es gab kein Manifest, kein Regelwerk, keinen Kodex. Die impressionistischen Maler waren einfach eine Gruppe (oder besser gesagt, eine Reihe von Gruppen) von Künstlern. Es gab diejenigen, die sich als Gruppe zum Impressionismus entwickelten, diejenigen, die gemeinsam ausstellten, diejenigen, die einen ähnlichen Stil oder eine ähnliche Einstellung hatten, und diejenigen, die gemeinsam oder nebeneinander arbeiteten. Der Impressionismus war extrem gruppenorientiert, doch jedes Mitglied der Gruppe lebte in der Angst, dass die Zugehörigkeit zu einer Gruppe seine Individualität beeinträchtigen könnte.

Drei Gruppen schufen den Impressionismus. Zunächst die so genannte Saint-Simon-Schule, in der sich Boudin, Courbet und Johan-Barthold Jongkind (1819-1891) in Honfleur versammelten und deren Begegnung mit dem jungen Monet das Schicksal des Impressionismus beeinflusste. Ihnen folgten zwei weitere Gruppen: eine Gruppe der Academie Suisse, der Cézanne, Pissarro und Armand Guyon (1841-1927) angehörten, und die Gruppe der Vier, die sich im Atelier von Charles Gleyre (1806-1874) traf und aus Monet, Renoir, Sisley und Frédéric Bazille (1841-70) bestand. Jede der beiden Gruppen, die Academie Suisse und die Gleyre, hatte einen erkennbaren und eigenständigen Charakter, der während des großen Abenteuers des Impressionismus bestehen blieb, auch wenn die beiden Gruppen sehr eng miteinander verbunden waren. Die Landschaftsbilder dieser beiden Gruppen unterscheiden sich auf subtile Weise voneinander. Sie verwenden beide die gleichen impressionistischen Prinzipien, aber ihre poetische Behandlung ist nicht dieselbe.

Claude Monet war ein Maler des Wassers. Künstlerisch bleibt er seinen Ursprüngen an der Kanalküste treu, obwohl er seine Reifezeit an den Ufern der Seine, in Bougival und Argenteuil, verbringt. Im Vergleich dazu malte Pissarro das Land. Er war gemäßigter und weniger gewalttätig. Er bevorzugt die Hügel des Oise-Tals zwischen Pontoise und Auvers und wendet dem Fluss oft bewusst den Rücken zu, um ihn zu betrachten. Die Thematik seines Werks und sogar die Gegend, in der er arbeitete, verbindet ihn mit Charles Dubigny (1817-1878) und Camille Corot (1796-1875).

Es gab eine ständige Überschneidung zwischen den Künstlern, die das Wasser als Darstellungsobjekt bevorzugten, und denen, die das Land bevorzugten. Sisley war vielleicht derjenige, der dem allgemeinen Geist des Impressionismus am treuesten war. Chronologisch gesehen tendiert der Impressionismus bis 1880 zur Wassermalerei und nach der fünften Ausstellung der Anonymen Gesellschaft der Maler, Bildhauer und Graveure, wie sich die Impressionisten nannten, zur Landmalerei.

Zu Monets wichtigen Werken gehören: Strand von Trouville (1870, Wadsworth Atheneum); Impression, Sonnenaufgang (1873, Musee Marmottan-Monet); Mohnfeld (Argenteuil) (1873, Musee d’Orsay);  Bahnhof Saint-Lazare (1877, Musee d’Orsay);  Seerosen (Nymphéas) (1897-1926, verschiedene Kunstmuseen); Seerosenteich: Grüne Harmonie (1899, Musee d’Orsay).

Noch vor Pissarro und Monet wird Édouard Manet zum Anführer der impressionistischen Bewegung. Manets ästhetisches und soziales Umfeld unterscheidet sich von dem der anderen Impressionisten; er war nie vollständig in die Bewegung integriert. Für ihn war der Impressionismus nicht mehr als eine vorübergehende Erfahrung, aber er war ihm gegenüber aufrichtig genug, um die Entwicklung seiner Kunst zu beeinflussen. Es wäre richtiger, Manet nicht als Anführer der Impressionisten zu bezeichnen, sondern als Anführer der revolutionären Künstler, derer, die vom Salon abgelehnt wurden und derer, die von der Gesellschaft abgelehnt wurden; er war der Anführer einer gemischten Gruppe von Künstlern, die sich im Café „Herbois“ in Batignolles trafen.

Manets berühmte Gemälde Dejeuner sur l’Herbe (1863) und Olympia (1863) wurden im Stil der peinture claire gemalt, aber sie waren noch nicht impressionistisch. Manet kommt aus eigener Kraft und Schritt für Schritt zum Impressionismus: erstens in Boulogne in einigen Seestücken und Strandszenen; zweitens, und das ist das Wichtigste, beim Beobachten von Stierkämpfen in den vibrierenden Lichtern und leuchtenden Farben Spaniens; und schließlich an der Atlantikküste von Arcachon und Bordeaux. Siehe „Straßenhändler, Rue Bern“ (1878), und sein berühmtes Gemälde „Bar in den Folies Bergères“ (1882).

Manet hat sich nie zum Impressionismus hingezogen gefühlt oder mit ihm ausgestellt; dies unterstreicht seine persönlichen Neigungen. Er lässt sich von der Corot-Schülerin Berthe Morisot inspirieren, die in Manets Atelier wie ein Hauch moderner Luft wirkt. Manet treibt diese Erfahrung auf die Spitze und geht 1874 so weit, dass er in Argenteuil lebt und Flussszenen malt.

Manet überlässt jedoch die Leitung des Impressionismus Monet, den er als Hohepriester des neuen Stils betrachtet. Die Ästhetik des Impressionismus wurde auf der Grundlage von Monets experimentellen Arbeiten formuliert. Später musste sich Monet von seinen Freunden trennen, weil "die erlesene Gruppe sich in einen unkritischen Pöbel verwandelt hatte, der bereit war, jeden in seine Reihen aufzunehmen". Monet bleibt der Hüter des impressionistischen Ideals, auch wenn er schließlich in den Salon aufgenommen wird, und auch wenn einige anspruchsvolle Sammler seine Werke kaufen.

Seine Bilder waren in einigen Salons des Faubourg-Saint-Germain zusammen mit Werken von Renoir zu sehen, der zu diesem Zeitpunkt bereits ein relativ akademischer Künstler war. Es ist wichtig, sich bewusst zu machen, dass Monet der Eckpfeiler des Impressionismus war, eines Stils, der sich international in allen Kunstformen ausbreitete und so den materialistischen Geist der Epoche genau widerspiegelte.

Siehe auch:
Der Impressionist Édouard Manet
Der Impressionist Claude Monet
Renoir, Sisley, Pissarro, Degas, Cézanne
Claude Monet und Camille Pissarro reisen nach London

Degas begann als klassischer Realist - siehe Die Familie Bellelli (1858-67) - und entwickelte dann seinen eigenen Stil der impressionistischen Genremalerei, mit einem besonderen Schwerpunkt auf Rennpferden - siehe Rennpferde. Rennpferde vor Tribünen (1866-8) - Frauen bei der Toilette - siehe Frau bürstet ihr Haar und arbeitende Frauen - siehe Frauen beim Bügeln (1884).

Paul Cézanne ist vielleicht der am schwierigsten einzuordnende Künstler in Bezug auf seinen Stil. Er begann als Realist und ging unter dem Einfluss von Pissarro zum Impressionismus über - siehe z. B. Dom Cézanne. z. B. Das Haus des Gehängten (1873) - und entwickelte später seine eigene Ausdrucksweise „des verkürzten Impressionismus“, insbesondere in Porträts und Genrebildern wie: Junge in roter Weste (1889-90), Mann, der eine Pfeife raucht (1890-2), Frau mit Kaffeekanne (1890-5), Kartenspieler (1892-6), Dame in Blau (ca. 1900) und Eine junge Italienerin, die sich auf ihren Ellbogen stützt (1900).

Der Impressionismus im übrigen Europa

Wissenschaftliche Entdeckungen finden manchmal gleichzeitig in mehreren Ländern statt. Der Gedanke, der dem Impressionismus zugrunde liegt, ist ein Phänomen dieser Zeit, und es ist interessant festzustellen, in welchem Maße er etwa zur gleichen Zeit in Ländern außerhalb Frankreichs auftaucht.

In Italien scheint die Florentiner Kunstbewegung von Macchiaioli (1855-80), die aus den Ereignissen von 1848 hervorging, dem französischen Impressionismus zu entsprechen, auch wenn sie nicht direkt mit ihm verbunden ist. Die Florentiner Maler des 19. Jahrhunderts beherrschten die Technik, gesättigte und gedämpfte Farben in impressionistischer Weise aufzutragen. Die Macchiaioli, die von einem ihrer Theoretiker, Adriano Cecchioni, ermutigt wurden, versuchten, den Eindruck einer visuellen Wahrheit aus der Ferne zu erwecken. Sie malten mit Farbtönen, die als Striche verteilt wurden, und es war der Ton, der ein Gefühl von Tiefe erzeugte. Giovanni Fattori und die anderen Macchiaioli versuchten eine neue Methode der Formdarstellung, die kein Italiener völlig ignorieren konnte. Sie verwendeten sowohl Farbe als auch Pinsel; der Pinsel wurde breit und mit gerichteten Strichen eingesetzt, um ein Gefühl von Volumen zu erzeugen.

Der französische und der italienische Künstler waren in ihrer neuen Vorliebe für Farbe fast identisch: Der französische Künstler verwendete Farbe, um malerisches Licht zu schaffen, der italienische Künstler verwendete Farbe, um Volumen zu schaffen, und beide verwendeten sie, um ein Gefühl von Raum zu erzeugen. Auch ihre Pinselführung ist ähnlich. Michelangelos Café Michelangelo, Macchiaiolis Treffpunkt, ist dem Café Guerbois und der Nouvelle Athene nicht unähnlich.

Serafino De Tivoli (1826-92) reiste viel und führte ausländische Ideen, insbesondere die Idee der Betonung des Lichts, in das Florentiner Denken ein. Vito D’Ancona (1825-1884) blieb entschieden dem konstruktiven Volumen treu, Telemaco Signorini (1835-1901) näherte sich der französischen Auffassung an, und Vicenzo Cabianca (1827-1902) setzte starke Pinselstriche ein, um scharfe Kontraste zu erzeugen. Giovanni Boldini (1842-1931) war einer der kühnsten Künstler von Macchiaioli. In Italien verwendete er gebrochene Pinselstriche, um die Illusion von Bewegung zu erzeugen. Als er nach Frankreich kam, wollte er merkwürdigerweise nichts mit dem Impressionismus zu tun haben. In Frankreich schuf er langweilige Gemälde, die ebenso oberflächlich wie konstruiert waren. Auch der frühe Stil Giuseppe de Nittis (1846-1884) wird mit Macchiaioli in Verbindung gebracht. Er lernte Degas in Paris kennen und geriet unter den Einfluss des Impressionismus. Seine Interpretation des neuen Stils blieb ganz individuell: Die Konturen wurden mit präziser Genauigkeit gezeichnet, und er fügte ihnen eine angenehme Differenzierung der Tonwerte hinzu. Federigo Zandomeneghi (1841-1917) war wahrscheinlich der impressionistischste aller Italiener, und noch in Florenz zeichnete er sich unter seinen Zeitgenossen durch sein Studium des Lichts aus. Nach seiner Ankunft in Paris lernte er Manet, Degas, Renoir und Pissarro kennen, mit denen er gemeinsam ausstellte, aber seine venezianische Herkunft war in seinem Werk immer spürbar.

In Spanien wurden die damaligen Entwicklungen in der Landschafts- und Lichtmalerei von Martin Rico und Aureliano de Beruete eingeleitet. Diese drei waren stark von der Schule von Barbizon beeinflusst. Weitere Künstler waren Pedro Villalmil, der ein Romantiker war, Carlos de Hayes und Ceferino Araujo y Sanchez. Trotz der ausgeprägten Individualität der spanischen Künstler blieben sie nicht von den französischen Entwicklungen unberührt.

Der baskische Maler Zuloaga verwendet in seinem frühen Stil die Technik des Impressionismus. Die Befreiung der spanischen Malerei ist jedoch weitgehend dem Werk von Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923) zu verdanken. In Madrid führte er die Bewegung hin zur spontanen Freilichtmalerei an. Ihm folgten Dario de Regoyos, Joaquín Mir und Germán Anglada-Camarosa sowie diejenigen, die später als „die Generation von 1910“ bezeichnet wurden, insbesondere Francisco Merenciano, dessen Werk die letzten Schimmer des spanischen Impressionismus darstellt.

Deutsche Künstler hatten die Gelegenheit, die Gemälde der französischen Impressionisten zu sehen, als 1879 in München eine Ausstellung ihrer Werke stattfand. Einige Künstler, die bereits mit dem Realismus von Courbet und Manet vertraut waren, wussten, was sie bei dieser Ausstellung erwartete. Dies waren Wilhelm Leibl (1844-1900), Mihaly von Munkacsi und Otto Scholderer sowie die Wiener Maler Karl Schuch und Hans Thoma. Franz von Lenbach (1836-1904) und Anton von Werner, die akademische Künstler waren, erkannten ihre Bedeutung nicht. In Italien kollidiert die neue Lichtästhetik mit der Tradition der Form, in Deutschland mit der tief verwurzelten Tradition der Zeichenkunst und der Grafik. Der Konflikt bestand zwischen „dem Farbraum“ und der analytischen Linie.

Die deutschen Pleinairmaler bleiben näher an den vom Realismus inspirierten französischen Impressionisten wie Manet und Degas als an Monet und Pissarro. (Das Gleiche gilt für mehrere spätere französische Künstler, darunter Jules Bastien-Lepage (1848-84), Alfred Roll und Henri Gervaix).

In Deutschland hatte der Impressionismus seinen stärksten Einfluss in Berlin. Max Liebermann (1847-1935) geht über die Pleinairbilder von T. Hagen hinaus. Er ließ sich vom Beispiel Manets und Degas’ inspirieren und näherte sich zusammen mit den Mitgliedern der Sezession den Farben und Bewegungen des Impressionismus an; sein Werk behielt jedoch stets eine gewisse Kälte. Die späteren Werke von Lovis Corinth (1858-1925) wurden in einer gewalttätigen und brutalen Technik gemalt. In seinen Werken schien die Materie selbst zu vibrieren, was auf sein umfassendes Verständnis von Licht und Luft zurückzuführen war. Max Slevogt (1868-1932), der bayerische Impressionist, konnte sich nicht dazu durchringen, die Linie aufzugeben; aber Emil Nolde (1867-1956) überbrückte die Kluft zwischen Manet und Van Gogh auf einen Schlag.

Der Impressionismus erreicht die Schweiz durch die Werke von A. Bod-Bovy und dem Symbolisten Arnold Bocklin (1827-1901). Nach Österreich kam er durch die Gemälde von Gustav Klimt (1862-1918), nach Ungarn durch die Werke von Pal von Schiney Merce, Karoly Ferenczy, Etienne Csoka und Jozef Rippl-Ronai. Das Werk von Schinei Merce „Picknick im Mai“ zeigt den Einfluss von Courbet und Manet. Ferenczy wurde von Bastien-Lepage beeinflusst; Ripple-Ronais war mit Mitgliedern von Les Nabis, wie Edouard Vuillard (1868-1940) und Pierre Bonnard (1867-1947), befreundet; und Etienne Choque malte in Serien, wie auch Monet.

Belgien und Holland knüpfen an die französischen künstlerischen Errungenschaften des Jahrhunderts an und tragen ihren Teil zur impressionistischen Bewegung bei. In Belgien wurde Emile Claus von Monet und Pissarro beeinflusst, H. Evenepoel war künstlerisch mit Manet und Toulouse-Lautrec (1864-1901) verbunden, und Albert Baertsoen mit Roll. Holland mit seinem feuchten Klima und seinem wolkenverhangenen Himmel wurde von mehreren Impressionisten besucht. Boudin reiste dorthin und studierte die Werke von Ludolf Bahuizen und Willem van de Velde. Monet malte 1871 in Zaandam und Amsterdam und 1886 in Leiden und Den Haag. Albert Lebour besuchte dieses Land im Jahr 1896. Johan Barthold Jongkind (1819-1891) war ein Niederländer und einer der ersten Impressionisten, der sich den anderen in Frankreich anschloss. Van Gogh war ebenfalls Niederländer, und seine Kunst entstand durch den Kontakt mit den Impressionisten in Frankreich, wobei sein Impressionismus dem deutschen Expressionismus der 1900er Jahre näher stand als irgendeinem französischen Idiom.

Sowohl England als auch Holland trugen dazu bei. Pissarro und Monet kamen hierher und ließen sich von den Nebeln, dem Nebel und dem Regen Nordeuropas inspirieren. Sie entdeckten auch die Werke von Turner, die sie mit Begeisterung erfüllten. Sisley und Walter Sickert (1860-1942) - Führer der Camden Town Group waren Engländer; Dieppe fühlte sich besonders zu Sickert hingezogen, dessen Werk durch den Einfluss von Degas und Whistler stark bereichert wurde.

In Dänemark war der wichtigste Impressionist P.S. Kroyer (1851-1909), der als ein Virtuose des diffusen Lichts bezeichnet wird. Wichtig war auch Wilhelm Hammershøj (1864-1916), ein Maler des intimistischen Genres, der für seine gedämpften Interieurs in Blau- und Grautönen bekannt war. Die schwedischen Künstler versammelten sich nicht nur in dem Dorf Grös-sur-Loing. Eine Gruppe von ihnen blickte in Richtung des neuen Paris von Batignolles.

Zu ihnen gehörten Anders Zorn (1860-1920), dessen Karriere eher Pariser als internationaler Natur war, Ernst Josefson, der Manet als seinen Meister anerkannte, Carl Larsson, der Sisley bevorzugte, und Bruno Liljefors. In Norwegen manifestierte sich der Impressionismus in Form eines großen Interesses an der Malerei des bewegten Wassers. Christian Krogh wurde als der norwegische Manet bezeichnet, ebenso wie Fritz Taulov. Edvard Munch (1863-1944) und Erik Werenskiold waren figurative Maler. Munch begann als Schüler von Bonn und wurde dann eine Zeit lang von Cézanne, Degas und dem Symbolisten Odilon Redon (1840-1916) beeinflusst.

Außerhalb Frankreichs verbreitete sich der Impressionismus nur langsam. Er wurde oft mit späteren Bewegungen wie dem Pointillismus und dem italienischen Divisionismus verwechselt. Es kam zu einer allgemeinen Vermischung französischer Stile, oft vermischt mit einem lokalen Akademismus, der neue Möglichkeiten erkunden wollte. Der Impressionismus beeinflusste bis zum Ersten Weltkrieg auch Länder außerhalb Frankreichs.

In Polen wurde die Malerei in hohem Maße von Joseph Pankiewicz vertreten, einem Freund von Renoir, Bonnard, Signac und Vuillard. Pankiewicz entwickelte den impressionistischen Stil bis zu seinem Tod im Jahr 1940 weiter.

In Russland wurde der neue Stil von Gruppen wie „Die Welt der Kunst“ und „Die Peredvizhniki“, einer Gruppe von Landschaftsmalern, übernommen. Ilja Repin (1844-1930) war ein eigenständiges Genie; Isaak Lewitan (1860-1900) wurde von Monet inspiriert, Valentin Serow (1865-1911) von Manet und Maria Baschkirzewa von Bastien-Lepage; die sterbende Glut des Impressionismus zog Pawel Kusnezow nach Frankreich, wo er 1935 starb.

Der Impressionismus in Amerika und Australien

Der Impressionismus war nicht auf Europa beschränkt. Er war bereits stark der Neuen Welt verpflichtet, da Pissarro ursprünglich von den Westindischen Inseln stammte. In der Tat war er ziemlich kosmopolitisch, denn seine Vorfahren waren Portugiesen, Franzosen und Juden, die sich auf einer dänischen Insel niedergelassen hatten. Bevor Nordamerika in die impressionistische Malerei eintrat, trugen mehrere Künstler dazu bei - Whistler (1834-1903), der sehr französisch wurde und stark von Courbet, Manet und Henri Fantin-Latour beeinflusst war; die Pittsburgher Künstlerin Mary Cassatt (1845-1926), eine junge Bewunderin von Degas; William Merritt Chase (1849-1916), ein früher Vertreter des Impressionismus in Amerika, der vor allem als hervorragender Kunstlehrer bekannt ist; Alden Weir (1852-1919), der sowohl für seine Landschaften als auch für seine eher konservativen Stillleben, Blumenbilder und Porträts bekannt ist; Childe Hassam (1859-1935), der den Impressionismus in Paris (1886-9) studierte; und natürlich der große Porträtist John Singer Sargent (1856-1925) - berühmt für seine impressionistischen Meisterwerke „Edward Darley Boyte’s Daughters“ (1882) und „El Haleo“ (1882), der eine Einladung zur Ausstellung mit einer Gruppe von Impressionisten ablehnte.

In Australien wird der impressionistische Stil beispielhaft von der Heidelberger Schule in der Nähe von Melbourne vertreten, die von Tom Roberts (1856-1931), Arthur Streeton (1867-1943) betrieben wurde, Charles Condor (1868-1909), und Fred McCubbin (1855-1917) - stand dem Naturalismus von Bastien-Lepage viel näher als der extrem freien Pinselführung von Monet. Für weitere Einzelheiten siehe: Australischer Impressionismus (1886-1900).

Mehr über den Einfluss des Impressionismus finden Sie in den folgenden Artikeln:

Impressionistische Ausstellungen in Paris
Die Spaltung der impressionistischen Gruppe
Das impressionistische Vermächtnis von Monet