Hochrenaissance-Malerei: Merkmale, Ästhetik Automatische übersetzen

Der Stil der italienischen Malerei, der als „Hochrenaissance“ bekannt ist, stellt den Höhepunkt der Kunst der Renaissance und die Krönung aller Studien des Quatrocento dar. Sie zeichnet sich vor allem durch Eigenschaften wie Harmonie und Gleichgewicht aus. Obwohl Bewegung notwendig und wichtig ist, ist sie immer würdevoll und ruhig, und der Blick des Betrachters hat immer einen Mittelpunkt.

Das Gemälde ist stets vollkommen ausgeglichen und selbstgenügsam, was der Definition von Schönheit entspricht, die Leon Battista Alberti (1404-1472) in der Abhandlung „Della Pittura“ vorschlägt: "eine so vollkommene Harmonie der Teile, zu der nichts hinzugefügt oder weggenommen werden kann, ohne das Ganze zu zerstören". Die Malerei der Hochrenaissance ist weder so intensiv noch so selbstbewusst wie die Malerei der Frührenaissance. Sie ist auch nicht so gekünstelt, wie ein Großteil der manieristischen Malerei werden sollte. In ihrer scheinbaren Ruhe und Monumentalität wird sie oft mit der griechischen Skulptur des hochklassischen 5.

Die größten Künstler der Hochrenaissance

Ihre größten Vertreter waren die Florentiner Genies Leonardo da Vinci und Michelangelo, sowie der Urbiner Meister Raffaello Santi, bekannt als Raffael, und der venezianische Kolorist Tiziano Vecellio, bekannt als Tizian .

Andere bedeutende Maler der Hochrenaissance sind Andrea del Sarto (1486-1530) und Fra Bartolomeo (1472-1517) in Florenz, Giovanni Bellini (1430-1516), Giorgione (1477-1510) und Sebastiano del Piombo (1485-1547) in Venedig.

Die Geschichte der Hochrenaissance ist jedoch eng mit der Renaissance in Rom verbunden, wo ehrgeizige Päpste wie Julius II. (1503-13) und Leo X. (1513-21) ein breites Spektrum an öffentlichen Kunstprojekten finanzierten, um sicherzustellen, dass die Stadt Florenz als größtes kulturelles Zentrum Italiens überholte. Tatsächlich wurden sowohl Florenz als auch Rom zu wichtigen Zwischenstationen auf der europäischen Grand Tour des achtzehnten Jahrhunderts. Zu den Künstlern, die außerhalb der großen Zentren arbeiteten, gehört Antonio Allegri da Correggio (1489-1534), der Schöpfer des sehr einflussreichen Freskos „Himmelfahrt der Jungfrau“ (Dom von Parma) (1526-30).

Leonardo da Vinci (ab ca. 1490)

Der fortschrittliche Stil der Malerei, den Leonardo da Vinci in Mailand praktizierte, wurde mit Modifikationen in der Lombardei von seinem wichtigsten Mailänder Anhänger Bernardino Luini (um 1480-1532) und anderen weitergeführt. In seiner Heimatstadt Florenz fand es jedoch keine unmittelbare Anwendung, obwohl seine unvollendete Tafel „Anbetung der Könige“ in der Nähe der Stadt, im Kloster San Donato a Scopeto, erhalten ist. Einige Zeitgenossen Leonardos, wie Botticelli, Domenico Ghirlandaio und Filippino Lippi, ahmten die groben Umrisse des Gemäldes nach, erkannten aber nicht seine tieferen und innovativeren Züge.

Der wirkliche Einfluss von Leonardos Malerei wurde erst nach seiner Rückkehr nach Florenz im Jahr 1500 deutlich. Künstler und Publikum strömten in die Kirche Santissima Annunziata, um seine Naturstudie „Unsere Liebe Frau mit Kind und Heilige Anna“ zu sehen. Sein großes Fresko Die Schlacht von Anghiari (1503-06) konkurrierte mit dem Werk seines Rivalen Michelangelo im Rahmen des städtischen Wettbewerbs zur Aufzeichnung der Geschichte von Florenz. Weder die Tafel noch das Fresko wurden jemals vollendet.

Dennoch hinterließ sein Werk einen bleibenden Eindruck in seiner Heimatstadt. Er hatte noch viel mehr zu tun. Sein Meisterwerk „Mona Lisa“ („Gioconda“), das sich heute im Louvre befindet, revolutionierte die Porträtmalerei mit seiner bahnbrechenden Schraffurtechnik - sfumato . (Siehe auch das frühere Gemälde „Dame mit Hermelin“, 1490, Czartoryski-Museum, Kraków). Zu denjenigen, die von Leonardos Arbeit mit Licht und Schatten stark beeinflusst wurden, gehörte Fra Bartolomeo (1472-1517), später ein führender Vertreter der Florentiner Hochrenaissance.

Darüber hinaus ermutigten seine Renaissance-Zeichnungen sowohl Künstlerkollegen, solche vorbereitenden Studien für ihre Gemälde anzufertigen, als auch Mäzene, sie zu sammeln. Darüber hinaus wurde der Ruf des Künstlers, der auch ein Gelehrter und Forscher war, an seine Kollegen weitergegeben, was zu einer Stärkung und einem höheren Status für alle Künstler führte.

Raffael (1483-1520)

Der Künstler, der am meisten von Leonardos Malerei lernte, war zweifellos Raffael. Der Sohn des Malers und Schriftstellers Giovanni Santi wurde schon in jungen Jahren stark von Perugino (1450-1523) beeinflusst. Im Alter von 21 Jahren kam er als angesehener Maler nach Florenz und stellte entsetzt fest, dass alles, was er lernte, altmodisch und letztlich provinziell war. Er begann sofort, den neuen Stil von den Florentinern zu lernen, einschließlich der in Florenz tätigen Provinzkünstler wie Luca Signorelli (1450-1523).

Der alte Stil des Zeichnens mit seinen starren Umrissen und inneren Schattierungen war verschwunden; der glattere Stil Leonardos hielt Einzug. Ausgehend von einem genauen Studium von Leonardos Gemälde „Die Jungfrau von den Felsen“ schuf er einen neuen Typus von Madonna vor einer weichen und sanften Landschaft („Madonna mit Goldlöckchen“, Uffizien). Für seine Porträts lehnte er sich an das Format „von Leonardos Mona Lisa“ an und studierte auch die Bildhauerei von Michelangelo sorgfältig. In fünf Jahren, bis zu seiner Abreise nach Rom im Jahr 1509, hatte Raffael alles, was Florenz zu bieten hatte, in sich aufgenommen und war bereit, sich einen Namen zu machen.

Die Stanza della Segnatura, die sich im obersten Stockwerk des Vatikanpalastes befindet, wurde vom alternden Pontifex Papst Julius II. (1503-13) als Bibliothek genutzt. Hier malte Raffael in den Jahren 1509-1511 sein berühmtes Fresko „Schule von Athen“ . Es war das zweite Fresko im Saal nach der „Disputation“ an der gegenüberliegenden Wand und gilt als eines der eindrucksvollsten und vollkommensten Beispiele für den Stil der Hochrenaissance. In diesem Werk schafft Raffael, wie schon Leonardo vor ihm, ein Gleichgewicht zwischen der Bewegung der Figuren und der Ordnung und Stabilität des Bildraums. Er füllte die Komposition mit zahlreichen Figuren in den unterschiedlichsten Posen, manipulierte diese Posen jedoch so, dass der Blick des Betrachters letztlich auf das zentrale Paar von Platon und Aristoteles gelenkt wurde, das er zum Fluchtpunkt seines Systems der linearen Perspektive machte. Ein meisterhaftes Beispiel für die Maltechnik der Hochrenaissance.

Siehe auch seine wunderbar harmonische „Sixtinische Madonna“ (1513-14, Gemäldegalerie Alte Meister Dresden).

Der Stil Raffaels beeinflusste weiterhin Generationen von Künstlern in Rom und anderswo. Zum Beispiel die Werke von Carlo Maratta (1625-1713), dem führenden katholischen Künstler nach Bernini.

Michelangelo (1475-1564)

Während der 26-jährige Raffael die vatikanischen Gemächer mit Fresken bemalte, schmückte der 33-jährige Michelangelo Buonarroti (gegen seinen Willen) die Decke der Sixtinischen Kapelle (1508-12) mit seinem Fresko „Genesis“ . Obwohl Domenico Ghirlandaio ihn in der Freskomalerei unterrichtete und ihn beeinflusste, wie Luca Signorelli, und obwohl er einige qualitativ hochwertige Tafeln malte (z. B. Tondo Doni, 1504-06), sah sich Michelangelo als Bildhauer.

Fresko „Genesis“ begann er in Zusammenarbeit mit mehreren anderen Künstlern der Hochrenaissance zu malen, die er aus der Werkstatt von Ghirlandaio kannte, entließ sie jedoch bald und malte die gesamte Decke allein. In den folgenden vier Jahren (1508-12) schmückte er etwa 1000 Quadratmeter der Decke mit einer schillernden Masse von Figuren in leuchtenden Farben, die Szenen aus dem biblischen Buch Genesis sowie aus dem Alten Testament und der klassischen Mythologie darstellen.

Eines dieser religiösen Gemälde - „Die Erschaffung Adams“ , in dem die kinetische Energie des Schöpfergottes in lebhaftem Kontrast zu der schlaffen, leblosen Gestalt Adams steht - wird von vielen Gelehrten als das größte Bildwerk des Christentums angesehen. Die Sixtinische Decke wurde bereits zu ihrer Zeit als Meisterwerk anerkannt, und ihr Schöpfer wurde als „Michelangelo“ Il divino „göttlicher Michelangelo“ bekannt.

Die Zeitgenossen sprachen von seiner ungeheuren Kraft (“ terribilita“) und seinem göttlichen Genie. Diese drei Künstler - Leonardo, Raffael und Michelangelo - trugen entscheidend dazu bei, den Status des Malers (und seines disegno) auf ein neues Niveau zu heben, auf eine Stufe mit Architekten und anderen Spezialisten dieser Art. Ihre enormen Leistungen setzten Maßstäbe, die nicht übertroffen werden konnten, und trugen zur Entstehung des antiklassischen Stils des Manierismus (ca. 1530-1600) bei.

Die Auflösung der Troika der Hochrenaissance

Im Jahr 1513, dem Jahr des Todes von Julius II. und der Thronbesteigung von Papst Leo X., waren die drei größten Künstler der italienischen Hochrenaissance mit neuen Projekten beschäftigt, die sie von ihrem bisherigen Weg abbrachten. Leonardo befand sich am französischen Hof in Mailand, wo er sich der Fertigstellung „der Mona Lisa“ widmete, Abhandlungen schrieb und Aufträge für den französischen Monarchen ausführte. Seine italienischen Gönner wurden jedoch misstrauisch gegenüber seiner unbändigen Neugier, eine zweischneidige Eigenschaft, die dazu führte, dass die meisten seiner Projekte unvollendet blieben.

Michelangelo schuf das Grabmal von Julius II. in Rom. 1516 kehrte er nach Florenz zurück, um eine Reihe von bildhauerischen und architektonischen Arbeiten für die Familie Medici auszuführen. Raffael war als Architekt, der den Bau des neuen Petersdoms beaufsichtigte, mit seinen Verwaltungsaufgaben überfordert. Mit zunehmender Arbeitsbelastung wurde er immer abhängiger von Giulio Romano (ca. 1499-1546) und seinen anderen Assistenten. Infolgedessen entstanden zwischen 1514 und 20 nur wenige Gemälde aus seiner eigenen Hand. Eines davon, die berühmte „Sixtinische Madonna“ (1513-14, Gemäldegalerie Alte Meister Dresden), ist zweifelsohne eines seiner größten Gemälde.

Ein Großteil der Pionierarbeit zur Zuschreibung von Gemälden der Hochrenaissance wurde von dem Kunsthistoriker Bernard Berenson (1865-1959) geleistet, der die meiste Zeit seines Lebens in der Nähe von Florenz lebte und eine Reihe äußerst einflussreicher Werke über die italienische Renaissance in Florenz und anderswo veröffentlichte.

Manieristische Tendenzen (ab ca. 1512)

In Raffaels späten vatikanischen Fresken in der Stanza d’Elidoro (1512-14) sind bereits manieristische Tendenzen erkennbar - zum Beispiel Die Vertreibung des Heliodorus aus den Tempeln und Die Befreiung des Heiligen Petrus . Eines der letzten (unvollendeten) Werke des Künstlers, „Verklärung“ (1518-20, Pinacoteca Apostolica, Vatikanstadt, Rom), weist ebenfalls deutliche Zeichen des manieristischen Expressionismus auf. Darüber hinaus sind einige Kunsthistoriker der Ansicht, dass die in Raffaels Figuren enthaltene dramatische Spannung in Verbindung mit dem starken Einsatz von Helldunkel die Barockmalerei vorwegnimmt.

Nach dem Tod Leonardos im Jahr 1519 und dem Tod des 37-jährigen Raffael im Jahr 1520 blieb Michelangelo das einzige überlebende Genie der italienischen Renaissance. Er war bis 1527, als die mächtige Familie aus Florenz vertrieben wurde, und dann von 1530 bis 1534 mit den Angelegenheiten der Medici beschäftigt und ließ sich erst 1534 in Rom nieder. Während dieser Zeit veränderte sich die Welt der Hochrenaissance, in der er als Künstler heranreifte, bis zur Unkenntlichkeit.

Rom wird (1527) von den Truppen Kaiser Karls V. geplündert, der den Papst zwingt, den Vatikan zu verlassen und nach Orvieto zu fliehen, Florenz wird belagert. Darüber hinaus wurden die Grundsätze der humanistischen Philosophie der Hochrenaissance durch den nördlichen Protestantismus verworfen, und der Zusammenstoß mit der militanten katholischen Gegenreformation zeichnete sich ab.

Es überrascht nicht, dass sich der Zusammenbruch des Idealismus der Hochrenaissance in dem dramatischen Inhalt, den wirbelnden Bewegungen und den verzerrten Formen von Michelangelos Fresko „Das Jüngste Gericht“ (1534-41) an der Altarwand der Sixtinischen Kapelle widerspiegelte, das heute als das größte Meisterwerk der religiösen Kunst des 16. Unmittelbar nach seiner Entdeckung im Jahr 1541 wurde das Fresko zum Vorbild für junge Künstler. Im Jahr 1586 erinnerte sich der Maler Armenini daran, wie er als junger Mann, der in der Sixtinischen Kapelle malte, Diskussionen über die kleinsten Details von Michelangelos Werk mitbekam. Die Sixtinische Kapelle wurde zu einer Anatomieschule, dem besten Ort in Rom, um den männlichen Akt zu studieren“.

Mit seinem donnernden „Gott des Jüngsten Gerichts“, der mehr damit beschäftigt zu sein schien, das Menschengeschlecht zu verurteilen, als die Seligen im Himmel willkommen zu heißen, vervollständigte Michelangelo die letzten beiden Fresken für die persönliche Farnese-Kapelle von Papst Paul III ) Paolina-Kapelle) - Bekehrung des Heiligen Paulus und Kreuzigung des Heiligen Petrus . Die Figuren in diesen Werken sind noch manieristischer als in „Das Jüngste Gericht“. Angesichts seiner ästhetischen und spirituellen Zweifel ist es nicht verwunderlich, dass Michelangelo in den letzten 20 Jahren seines Lebens die Malerei und Bildhauerei weitgehend aufgab und sich auf Architektur konzentrierte.

Die Ideale der Hochrenaissance außerhalb von Rom und Florenz

Die Ideale oder Ästhetik der Hochrenaissance, die in den Kompositionen von Leonardo, Raffael und Michelangelo zum Ausdruck kommen, entwickelten sich auch außerhalb der beiden großen Zentren Rom und Florenz weiter. In Parma zum Beispiel wurde Correggio (1489-1534) stark von Andrea Mantegna (1430-1506) und den Mailänder Anhängern Leonardos beeinflusst. Seine Gemälde „Rast auf der Flucht nach Ägypten“ (Uffizien, Florenz) und „Madonna mit Kelch“ (1525, Nationalgalerie, Parma) stehen eindeutig im Zeichen der Hochrenaissance. Correggio ist jedoch wahrscheinlich am bekanntesten für seine gewaltigen Fresken im Dom von Parma (1524-30.) und in der Kirche San Giovanni Evangelista bekannt, die als hervorragendes Modell für die illusionistische Quadratura und andere Trompe-l’oeil-Techniken der spätbarocken Malerei dienten, sowie für eine späte Serie von sinnlichen manieristischen Gemälden wie „Jupiter und Io“ (1532-3, Kunsthistorisches Museum, Wien). Siehe Parmaschule der Malerei, für weitere Einzelheiten.

Die venezianische Malerei der Hochrenaissance

Während des späten Quatrocento folgte die Malerei in Venedig einem ähnlichen Weg wie die Renaissance in Florenz, jedoch mit venezianischer Ausrichtung. So sind beispielsweise Giovanni Bellinis „Madonnen“ von 1505-10 stilistisch den Gemälden Raffaels in Florenz etwa zur gleichen Zeit recht ähnlich. In seinem Altarbild von San Zaccaria (“ Madonna auf einem Thron mit vier Heiligen“) (1505) erhält das Thema der heiligen Kommunion einen gewissen Geschmack der Hochrenaissance.

Giovanni Bellini (1430-1516) war in den 1490er Jahren die dominierende Kraft in der venezianischen Malerei , und sein Stil hatte einen großen Einfluss auf jüngere Künstler wie Giorgione und Tizian sowie Lorenzo Lotto (1480-1556). In jedem Fall legten die venezianischen Maler traditionell mehr Wert auf die Lebendigkeit der Farben (zum Teil aufgrund ihrer Beherrschung der Ölfarbe) sowie auf den kompositorischen Ausdruck - im Gegensatz zu der in Rom vorherrschenden klassizistischen Malweise.

Zu den Altarbildern der Hochrenaissance siehe Venezianische Altarbilder (ca. 1500-1600); zu den Porträts siehe Venezianische Porträtmalerei (ca. 1400-1600). Siehe auch: Tizian und die venezianische Farbmalerei (ca. 1500-76). Siehe auch: Das Erbe der venezianischen Malerei in der europäischen Kunst.

Giorgione (1477-1510)

Giorgione lernte viel von Bellini, übertraf dann aber seinen Meister bei weitem, indem er eine lyrische Landschaftsmalerei schuf, die nur mit pastoraler Poesie verglichen werden kann. In seiner kurzen Karriere gab dieser junge, bahnbrechende Künstler seinen Zeitgenossen einen Meisterkurs in der Verwendung von Ölfarbe, um die Illusion von Textur und Licht in seinen Gemälden zu erzeugen.

Sein frühestes Werk, „Madonna mit Kind und den Heiligen Franziskus und Leperale“ (um 1504, Kathedrale von Castelfranco), lehnt sich stark an Bellini an. Einige Jahre später geht Giorgione jedoch von diesem Malstil zu den geheimnisvollen und ahnungsvollen „Bure“ (um 1505.), Galerie der Akademie von Venedig), zu der lyrischen „Schlafenden Venus“ (1510, Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden) und dem verträumten „Pastoralen Konzert“ (um 1510, Louvre).

Die Vorliebe des Venezianers für Texturen ist im letzten Gemälde offensichtlich: Er fängt die kontrastierenden Texturen von Fleisch, Stoff, Stein, Holz und Blattwerk genau ein. Giorgiones weiches, diffuses Licht in Verbindung mit der sanften Landschaft - sanfte Hügel und ferne, scharfe Konturen - erzeugt eine vollkommen pastorale Stimmung: eine Technik, die für die venezianische Malerei des 16. Jahrhunderts charakteristisch und für die Entwicklung der Barockkunst von großer Bedeutung wurde .

Tizian (ca. 1488-1576)

Giorgiones Einfluss auf die venezianische Kunst war unmittelbar, und auf keinen in größerem Maße als auf Tizian. Obwohl er kein Schüler Giorgiones war, arbeitete er mit ihm an demselben Projekt und führte eine Reihe seiner Gemälde aus.

In dem Gemälde „Heilige Liebe und obszöne Liebe“ (1512-15, Galleria Borghese, Rom) zeigt Tizian, dass er in der Lage ist, mit Giorgione zu konkurrieren, indem er die Techniken von Giorgiones eigener Malerei verwendet. Während Giorgiones Einfluss vor allem in Tizians profanen Gemälden spürbar ist, ist Bellinis Einfluss in seinen religiösen Gemälden spürbar, und er blieb bis zu seinem Tod im Jahr 1516 - etwa sechs Jahre nach Giorgiones Tod - Tizians Lehrer und Rivale, als Tizian selbst zu einer führenden Figur der venezianischen Malerei wurde.

Tizians inspirierte „Himmelfahrt der Jungfrau Maria“ (1516-18, Santa Maria Gloriosa dei Frari, Venedig) etablierte ihn als Nachfolger Bellinis. Es spiegelt die venezianische Liebe zur Farbe in der Malerei, in der Haltung und in der Bewegung wider, und ist trotz einiger offensichtlicher manieristischer Elemente mit „Raffaels“ Athener Schule“ vergleichbar, sowohl in der Konzeption als auch in der Größe.

„Mariä Himmelfahrt“ - zusammen mit „Heilige und unzüchtige Liebe“ (1512-15), „Grablegung Christi“ (1523-26, Louvre, Paris) und „Pesar-Madonna“ (1519-26; Santa Maria dei Frari) - sind Beispiele für Tizians Beitrag zur Kunst der Hochrenaissance. Nach 40 Jahren entfernte sich Tizian, abgesehen von gelegentlichen ruhigen Kompositionen wie „Venus von Urbino“ (1538, Uffizien, Florenz), immer weiter vom Idiom der Hochrenaissance.

Tizians Porträts waren abgeleitet, aber eindeutig venezianisch. Sein Meisterwerk Papst Paul III. mit seinen Enkeln (Kardinäle Alessandro, Ottavio Farnese) (1546, Museo Capodimonte, Neapel), das bewusst mit Raffaels „Papst Leo X. mit den Kardinälen“ (Giulio de’ Medici und Luigi de Rossi) (ca. 1518, Galleria Palatina, Palazzo Pitti, Florenz) - zeigt deutlich, dass die venezianische Malerei der florentinisch-römischen Tradition nicht nachstand. Seine „Dänen mit Krankenschwester“ (um 1553, Prado, Madrid) stellt den sinnlichen Kolorismus der venezianischen Malerei auf eine Stufe mit der bildhauerischen Tradition Michelangelos, wie die Historiker später beurteilen werden.

In den späteren Werken Tizians erreicht die Ölfarbe neue Höhen. Zu seinen Maltechniken gehören: die vollständige Verwendung von vorbereitenden Skizzen und Zeichnungen, die es ihm ermöglichen, Gemälde zu schaffen, die aussehen, als wären sie gerade in der Hitze der Inspiration gemalt worden; die Verwendung von frei nebeneinander liegenden Farbflecken; die frei und nachlässig mit dem Pinsel aufgetragene Farbe, die dann mit den Fingern verfeinert wird.

Zwei späte Werke zeigen besonders deutlich das Ausmaß von Tizians Genialität. „Das Martyrium des heiligen Laurentius“ (ca. 1548-50, Jesuitenkirche, Venedig), gemalt, als der Künstler 60 Jahre alt war, zeigt die ganze Begeisterung der Jugend. Man beachte die manieristische Perspektive und die Übertreibung sowie die Arbeit mit dem Licht, die dazu dienen, den dramatischen und emotionalen Inhalt des Gemäldes zu unterstreichen.

Die gleiche Intensität der Dramatik, des Lichts und der Farbe ist in dem Gemälde „Die Entführung der Europa“ (um 1559-62; Isabella Stewart Gardner Museum, Boston) zu sehen, einem Stil, der das Werk von Rubens und den Barock vorwegnimmt. Tizians lange Karriere als Maler hatte einen großen Einfluss auf die Künstler des Manierismus in Venedig. Zwei weitere große Maler des 16. Jahrhunderts, Paolo Veronese und Tintoretto, orientierten sich an verschiedenen Aspekten von Tizians Stil und entwickelten ihn weiter.

Sammlungen

Fresken und Ölgemälde der Hochrenaissance sind in den meisten der besten Kunstmuseen der Welt zu sehen, vor allem in den Uffizien in Florenz, in den Vatikanischen Museen in Rom und im Pitti-Palast in Florenz.

CHRONOLOGIE DER VISUELLEN KUNST
Mehr über Kunstrichtungen und -stile, einschließlich aller Epochen der italienischen Renaissance, siehe: Geschichte der Kunst . Für einen chronologischen Leitfaden, siehe: Chronologie der Kunstgeschichte .