Gotische Bilderhandschriften, Psalter Automatische übersetzen

Vergleicht man ein Manuskript aus dem zwölften Jahrhundert, wie das dritte „Leben von St. Amand“, mit einem Buch aus der Mitte des dreizehnten Jahrhunderts, wie dem Psalter von St. Louis, so wird deutlich, dass sich in der ersten Hälfte des dreizehnten Jahrhunderts der Stil der mittelalterlichen Malerei stark verändert. Der vollständige Wandel der Einstellung lässt sich nicht auf eine einfache Weise nachvollziehen. Bevor der neue gotische Stil der Malerei in seiner Gesamtheit gewürdigt werden kann, muss ein halbes Jahrhundert komplexer Ideen und Widersprüche enträtselt werden.

Eine Reihe von Aufsätzen zur mittelalterlichen Buchillustration
(1) Mittelalterliche Handschriftenillumination (ca. 1000-1500)
(2) Romanische Bilderhandschriften (ca. 1000-1150)
(3) Gotische illuminierte Handschriften (ca. 1150-1350)
(4) Internationale gotische Buchmalerei (ca. 1375-1450)

Für einen Überblick über die christlichen dekorativen Künste während des
Mittelalters siehe: Mittelalterliche Kunst (ca. 450-1450).

Von der Romanik zur Gotik

Bis zu einem gewissen Grad lassen sich der Niedergang der romanischen Malerei und das Aufkommen des neuen Stils der Gotik in Frankreich wie in England durch neue Kontakte mit der byzantinischen Kunst erklären, die entweder über Sizilien oder aus Konstantinopel selbst kamen. Der neue Naturalismus macht sich besonders in einem Buch wie Souvignys Bibel (Paris, Bibliothèque Nationale) bemerkbar, wo die Szenen von einem neuen Sinn für Form und Komposition durchdrungen sind.

Die Frage, wo diese neue Tendenz zuerst auftauchte, wird durch die Tatsache verkompliziert, dass eine Gruppe von Büchern, die wahrscheinlich in Frankreich während des Exils von Thomas Becket geschrieben wurden, nach Canterbury gebracht wurde. Der Mönch Manerius aus Canterbury war der Schreiber der dreibändigen Bibel (Paris, Bibliothèque Ste Genevieve). In der Bibel von St. André aux Bois (Boulogne, Bibliotheque Municipale) sind die Initialen von Kämpfern eingetragen, die sich durch ihre außergewöhnliche Grausamkeit auszeichneten. Diese beiden Bücher und einige andere können aufgrund des Stils ihrer Initialen zu einer Gruppe zusammengefasst werden. Alle sind mit dichtem Akanthuslaub verziert, das aus einem geordneten Muster von Stängeln hervorgeht, und alle sind in kräftigen Farben gehalten.

In diesen frühen Büchern der Übergangszeit sollte die Bedeutung der Metallarbeiten aus Mosan erneut hervorgehoben werden . Viele der kleinen Werke der Bronzeskulptur aus der zweiten Hälfte des zwölften Jahrhunderts weisen bemerkenswert naturalistische Faltenwürfe auf, bei denen der Stoff in einer Reihe von parallelen Falten von den Knien zurückgeschlagen wird. Die Tafeln des Klosterneuburger Altaraufsatzes, der 1181 von Nikolaus von Verdun, einem führenden Vertreter der Mosaikkunst, ausgeführt wurde, stellen Figuren dar, die einem Buch wie dem Psalter der Ingeborg (Chantilly, Musée de Condé) ähnlich sind. Dieser Psalter wurde für die dänische Königin Philipp Augustus, König von Frankreich, geschrieben und wahrscheinlich um 1200 hergestellt. Das Gemälde hat die metallische Qualität seiner Vorbilder angenommen, und die Draperien weisen die für das Werk von Nikolaus von Verdun charakteristischen auseinanderlaufenden horizontalen Falten auf. In einer anderen Form findet sich dieser Stil in einigen Steinskulpturen der Kathedrale von Reims.

Das Album von Villard d’Honnecourt passt nicht so recht in die Einleitung zu den illuminierten Handschriften, ist aber dennoch erwähnenswert. Die architektonischen Entwürfe wurden in den Musterbüchern offenbar von einem Zentrum zum anderen übertragen. Leider wurden sie von den nachfolgenden Generationen vernichtet, da sie nicht als wichtige Dokumente angesehen wurden. Allerdings ist das Skizzenbuch von Villard erhalten geblieben, das viel über die Verbreitung künstlerischer Ideen aussagt. Er zeichnete Strebepfeiler, Fensterrosen und Lagepläne, vor allem aus der Sicht des Architekten. Es ist jedoch wahrscheinlich, dass Skizzenbücher auch von Malern benutzt wurden, und auf jeden Fall finden wir schließlich heraus, dass mittelalterliche Maler, Maurer und Metallarbeiter das gleiche grundlegende Formenrepertoire verwendeten.

Neben der Zeichnung wurde der neue Stil stark von der Kunst der Glasmalerei beeinflusst. Obwohl die romanische Kunst der Glasmalerei große Aufmerksamkeit schenkte, war die ihr gewidmete Fläche in romanischen Kirchen vergleichsweise klein, und die Dekoration bestand hauptsächlich aus Wandmalerei, der große Flächen gewidmet werden konnten. Aber als die gotische Architektur die Technik des Steingewölbes vervollkommnete, war sie in der Lage, die Last durch die Verwendung von Strebepfeilern zu verringern und viel größere Fensteröffnungen zu schaffen. Diese wurden mit Buntglasfenstern gefüllt. Dieses neue Medium eröffnete den bildenden Künstlern eine breite Palette von Möglichkeiten, die ihrerseits die Gestaltung von Bilderhandschriften sowohl in der Komposition als auch in der Farbgebung beeinflussten.

Der älteste bekannte illuminierte biblische Text ist das Garima-Evangeliar (390-660) aus dem äthiopischen Kloster Abba Garima.

Französische gotische Buchmalerei

Es ist kein Zufall, dass dieser neue Stil der christlichen Kunst seinen Ursprung in Frankreich hat. Die Universität von Paris war das ganze dreizehnte Jahrhundert hindurch das intellektuelle Zentrum Europas, und seit der Zeit Ludwigs des Heiligen (1226-70) gewann der französische Hof zunehmend an Bedeutung. Studenten und Gelehrte aus dem ganzen Kontinent reisten nach Paris, um zu studieren und wissenschaftliche Fragen zu diskutieren. Ritter, die von den Kreuzzügen zurückkehrten, machten sich die östliche Theorie und Wissenschaft zu eigen.

Mit dem Aufstieg der Universität nahm die Bedeutung der Klöster als Zentren der Buchillustration und der Buchmalerei ab. Es entstanden kommerzielle Zünfte, und man begann, Bücher für den Privatbesitz zu produzieren. Große zeremonielle Bücher, reich illustriert und mit Juwelen geschmückt, wurden seltener, und wir müssen die Entwicklung des Stils hauptsächlich in den Psaltern verfolgen, die sich hochgeborene Laien zu eigen machten. Der Psalter wich schließlich dem noch kleineren Chaplet, aber die ersteren waren im dreizehnten Jahrhundert beliebter.

Die in der gotischen Buchmalerei und Illustration verwendeten Muster und Motive wurden stark von den dekorativen Elementen der verzierten gotischen Architektur (1375-1500) beeinflusst.

Die Entwicklung der französischen Malerei in der ersten Hälfte des Jahrhunderts lässt sich anhand einer ganzen Reihe von Psaltern nachvollziehen, die für das Königshaus in Paris gemalt wurden. Der erste von ihnen, der bereits erwähnt wurde, ist der Psalter Ingeborg (Musée de Condé, Chantilly), der für Königin Philippe Auguste gemalt wurde. Zum anderen handelt es sich um den Psalter der Blanche von Kastilien, ein Buch, das wahrscheinlich von ihrem Ehemann Ludwig aus York mitgebracht wurde. Es scheint unwahrscheinlich, dass eines dieser Bücher in Paris geschrieben wurde; Ingeborgs Psalter trägt eindeutig moslemische Züge, während der Psalter der Blanche von Kastilien englische Züge aufweist.

Im Gegensatz dazu scheint der Psalter, der um 1230 für die norwegische Prinzessin Christina geschrieben wurde, in Paris verfasst worden zu sein. Ein weiterer Psalter, der seit jeher mit dem Namen der Blanche von Kastilien in Verbindung gebracht wird (Paris, Bibliothèque de l’Arsenal), stammt aus der gleichen Zeit in Paris. Er zeigt Szenen, die in Medaillons eingeschlossen sind, die wie Buntglasscheiben ineinander verschränkt sind.

Ingeborgs Stil erinnert an die skulpturalen Falten des Madonnengewandes, aber bei den kleineren Figuren tritt diese Art in den Hintergrund. Das reiche, fleischige Akanthuslaub in der Bordüre erinnert noch immer an Bibeln aus dem späten zwölften Jahrhundert, mit ihren gewellten Rändern und der merkwürdigen Art und Weise, in der der Falz des Blattes mit einer Reihe von weißen Punkten markiert ist. Elemente der romanischen Kunst fehlen völlig in einem Psalter, der um 1250 geschrieben wurde (Paris, Bibliothèque Nationale). Hier sind die Szenen unter den dreilappigen Architraven reichlich koloriert. Die Figuren, die vor einem Hintergrund aus gemustertem Gold stehen, werden mit einer neuen Einfachheit behandelt; die Konventionen der Draperie weichen einem neuen Interesse an weichen vertikalen Falten und unkomplizierten Konturen.

Diese beiden letzten Psalmen bilden die Grundlage für den prächtigsten aller Psalter, den Psalter von St. Louis (Paris, Bibliothèque Nationale). Dieses exquisite Werk der biblischen Kunst entstand zwischen 1253 und dem Tod des Königs im Jahr 1270. Das Buch enthält achtundsiebzig ganzseitige Illustrationen, die Szenen aus dem Alten Testament darstellen. Das Buch steht in engem Zusammenhang mit einem anderen schöpferischen Werk Ludwigs des Heiligen, denn die darin dargestellte Architektur ist eine exakte Kopie der Kapelle (1241-48), die von seinem Architekten Pierre de Montray errichtet wurde. Die in reichen Farben ausgeführten Figuren befinden sich vor einem Hintergrund aus schimmerndem Gold, der sie in herrliches Sonnenlicht zu tauchen scheint. Sie sind sehr elegant, mit kleinen Köpfen und großen, schlanken Körpern, die sich mit leichter Anmut bewegen. Sie sind vor allem „eine Edition de luxe“, die als eines großen Königs würdig anerkannt ist.

Die Typologie der biblischen Moral stammt von dem dominikanischen Gelehrten Hugh of St. Cher aus dem dreizehnten Jahrhundert. Es enthält Szenen aus der Bibel, die Szenen von moralischer Bedeutung gegenübergestellt werden. Von diesem großen Werk wurden mehrere Kopien angefertigt, von denen die wichtigste die „Moralische Bibel des Heiligen Ludwig“ ist (Paris, Nationalbibliothek, London, British Museum, und Oxford, Bodleian). In ihr werden die Texte durch Illustrationen unterstützt, und jedes biblische Ereignis wird von seiner moralisierenden Entsprechung begleitet. Die Seiten sehen aus wie auf Pergament übertragene Buntglasfenster. Die Medaillons sind in vertikalen Viererreihen auf jedem Blatt angeordnet, und die dazwischen liegenden Textbänder ersetzen die Pfosten der Fenster. Die Farbe hat die für Buntglasfenster übliche Helligkeit, und die Zeichnungen und Figuren zeichnen sich durch starke Konturen aus, die an Blei erinnern. Manchmal schwankt die tatsächliche Qualität, aber die Künstler müssen etwas entschuldigt werden, da das ganze Buch über fünftausend Medaillons enthält.

Gegen Ende des dreizehnten Jahrhunderts entwickelt sich der Buchmaler zu einer eigenständigen künstlerischen Persönlichkeit. Ein gewisser Meister Honoré aus der Rue de Boutebris in Paris wird mehr als einmal erwähnt. Sein Name taucht in den Rechnungsbüchern des Königs und in einem Manuskript auf, den Dekreten des Gratian (Tours, Stadtbibliothek).

Auf der Grundlage stilistischer Vergleiche können andere Bücher Meister Honoré zugeschrieben werden, insbesondere Das Brevier Philipps des Schönen (Paris, Bibliothèque Nationale). Dieses Buch, das zweifellos für den königlichen Haushalt geschrieben wurde, enthält historisierte Initialen und eine ganzseitige Illustration mit Szenen aus dem Leben Davids. Die Erzählung ist leicht zu verfolgen, und die Namen der Hauptfiguren sind unter den Illustrationen angegeben. Dieses Werk ist der Höhepunkt der Tendenzen der ersten Hälfte des Jahrhunderts. Die Szenen sind voller Leben, und die Bewegung der Figuren ist unter den Vorhängen deutlich sichtbar. Der Künstler behielt die gemusterten Hintergründe bei, aber in der unteren Szene führte er Elemente der Landschaftsmalerei ein, wie z. B. baumbewachsene Hügel, um den Eindruck einer naturalistischen Umgebung zu vermitteln.

Jean Pucelle (ca. 1290-1334), der im zweiten Viertel des vierzehnten Jahrhunderts in Paris tätig war, war wie Meister Honoré ein professioneller Buchmaler. Pucelle war zweifellos der Künstler des Breviers von Belleville (1326) und der Billings-Bibel (beide in der Bibliothèque Nationale, Paris). Seine Hand kann in einer Reihe von anderen Stundenbüchern verfolgt werden, insbesondere in dem Meisterwerk „Stundenbuch der Jeanne d’Evreux“ (1324-28, Cloisters, Metropolitan Museum of Art, New York). Dieser Künstler verwendet die in Nordfrankreich und England so beliebten Randdekorationen und füllt die Ränder mit ländlichen Szenen aus dem Alltagsleben.

Schmetterlinge und Schnecken klammern sich an die reifenden Ranken der Erbsen, Libellen gleiten durch das Laub, während der Bauer seine Ernte einbringt. Sein Interesse am Naturalismus zeigt sich auch in „Arbeit des Monats“, wo die üblichen Szenen des Holzhackens oder der Aussaat durch einen Baum ersetzt werden, dessen Äste das wechselnde Laub zu verschiedenen Jahreszeiten zeigen. Obwohl Jean Pucelle der Nachfolger von Meister Honoré und im Wesentlichen ein Pariser Maler war, ist sein Werk insofern von Bedeutung, als er auch Kenntnisse der italienischen sienesischen Malschule, einer wichtigen Strömung der Kunst des Trecento, nachweist.

1309 zog der päpstliche Hof von Rom nach Avignon um, wo der große sienesische Maler Simone Martini (1285-1344) in der zweiten Hälfte seines Lebens arbeitete. Trotz seines eher oberflächlichen Verständnisses der italienischen Manier war Pucelle noch nicht in der Lage, die lineare Perspektive und die plastische Behandlung von Volumen und Raum zu verinnerlichen. Für die vollständige Übernahme dieser Lektionen in Italien muss eine andere Generation abgewartet werden, deren Leistungen im Allgemeinen dem internationalen gotischen Stil der Kunst zugeordnet werden. Zu ihnen gehörten Künstler wie Jacquemart de Esden (ca. 1355-1414) und das als die Brüder Van Limburg bekannte Trio (alle gestorben 1416), sowie der Provenzalist, Schöpfer der bemerkenswerten Pietà von Avignon (1454-6) - Engerrand de Cuarton (ca. 1410-1466).

Englische gotische Illuminationen

Im Artikel über die romanische Buchmalerei haben wir die Anzeichen des Wandels festgestellt, die sich in der Winchester-Bibel (um 1170) zeigen, aber in den folgenden fünfzig Jahren erschien kein Werk, das als wirklich gotisches Manuskript bezeichnet werden könnte. Die Übergangszeit ist ein langer Prozess des Experimentierens und der Veränderung.

Die engen stilistischen Ähnlichkeiten zwischen in Frankreich und in England geschriebenen Handschriften wurden bereits erwähnt. Ihr Zweck lässt sich oft anhand der Aufnahme oder des Ausschlusses bestimmter Heiliger aus dem Kalender bestimmen, aber auch dies sagt in der Regel wenig über die Nationalität des Künstlers aus, da die englischen Skriptorien sicherlich französische Künstler beschäftigten und englische Künstler in Frankreich. Die Pariser Abschrift des Utrechter Psalters scheint ein Beispiel dafür zu sein.

Zu früheren englischen und irischen Buchmalereien im insularen Stil siehe: Book of Derrow (ca. 680), Lindisfarne Gospel (ca. 700), Echternach-Evangelium (ca. 700), Lichfield-Evangelium (ca. 730) und Book of Kells (ca. 800), insbesondere dessen Monogrammseite (Chi/Rho).

Am Ende des zwölften Jahrhunderts weicht die Mode der großen Bibeln für den zeremoniellen Gebrauch kleineren Werken für theologische Studien und Psaltern für die private Andacht der Laien. In dem Maße, in dem sich der Umfang der Bücher änderte, wurde die Qualität der religiösen Kunst in ihnen immer feiner und kleinteiliger und ebnete den Weg für die Miniaturmalerei der internationalen Gotik. Die klösterlichen Skriptorien hielten sich in England jedoch länger als in Frankreich, und in St. Albans und Winchester gab es zumindest bis zur Mitte des dreizehnten Jahrhunderts eine rege Tätigkeit.

Die Übergangszeit wird durch ein Werk wie den Huntingfield-Psalter (New York, Pierpont Morgan Library) gut illustriert. Ein Buch, das ganz ähnliche Tendenzen aufweist, ist der Psalter von Imola . Der Beginn des ersten Psalms wird auf der ersten Doppelseite mit dem Anfangsbuchstaben „B“ „Beatus“ gegenüber der verzierten Seite mit dem ersten Vers des Psalms dargestellt. Der Buchstabe „B“ enthält „Jesse’s Dream“. In den Illustrationen herrscht eine ruhige, ausgeglichene Ordnung: Die Könige und Propheten sind symmetrisch in den Abständen der Initialen angeordnet, und der Rahmen wird durch Geschichten aus dem Leben Davids ergänzt. Die Anordnung des Textes auf einem farbigen Hintergrund war zu dieser Zeit sehr beliebt und ist von schlichter Schönheit.

Die De Bello Bibel (London, British Museum) wurde für Robert de Bello, Abt von Canterbury von 1224 bis 1253, geschrieben. Sie ist größer als die meisten Bücher dieser Zeit und hat eine große Initiale am Anfang des Buches Genesis, die mit Szenen der Erschaffung der Welt gefüllt ist. Um Platz für die Szenen der Erbsünde zu schaffen, wurde die Initiale T am unteren Rand in Form des Buchstabens „L“ erweitert, so dass nur eine Textspalte zur Verfügung steht. Jede Szene ist wie in den zeitgenössischen französischen Büchern von einem Medaillon umgeben, aber die blattartigen Vorsprünge an den Rändern der Initiale sind ein neues Merkmal, das in späteren Büchern noch stark erweitert wird.

Einige der besten Bücher des zweiten Viertels dieses Jahrhunderts sind mit der Schattenfigur von W. de Brailes verbunden. Nur der Name des Künstlers ist bekannt. Woher er kam, ob er ein Mönch oder ein weltlicher Geistlicher war, ein reisender Künstler oder im selben Skriptorium arbeitete, sind Fragen, deren Antworten nur spekulativ sein können. Sein Name taucht in zwei Handschriften auf, und mehrere weitere werden ihm aus stilistischen Gründen zugeschrieben. W. de Brailes verfügt über alle Fähigkeiten eines guten Geschichtenerzählers. Er ist in der Lage, die Ideen seiner lebhaften Phantasie in anschaulich gezeichnete Geschichten umzusetzen.

Da er eine bemerkenswerte Kenntnis der Details biblischer Ereignisse besitzt, zögert er nicht, sie in seinen Illustrationen zu verwenden. Es gibt ein Exemplar des Autographs von W. de Brailes auf den Blättern des Psalters (Cambridge, Fitzwilliam Museum); er ist auf charmante Weise auf einer kleinen Figur abgebildet, die beim Jüngsten Gericht aus den Verdammten herausgegriffen wird, offenbar in der Hoffnung, dass seine Mühen mit Erlösung belohnt werden würden.

Eine viel greifbarere Gestalt ist Matthäus Paris . Er wurde um 1200 geboren, trat 1217 in das Kloster St. Albans ein und verkehrte bekanntermaßen mit dem König und anderen Adligen. Im Jahr 1235 wurde er zum Historiographen der Abtei St. Albans ernannt und verfasste zwei Chroniken, die sich heute im British Museum und im Corpus Christi College in Cambridge befinden.

Auf einer der separaten Seiten, die in die Chroniken eingefügt wurden, befindet sich eine Zeichnung der Madonna mit Kind. Dieses berühmte Blatt, auf dem Paris selbst zu Füßen der Madonna kniet, ist ein monumentales Kunstwerk.

Paris’ zeichnerische Qualitäten kommen voll zur Geltung und verleihen der Zeichnung der Figuren eine feste, ausdrucksstarke Form. Die Figuren haben eine königliche Haltung, werden aber durch die lebhaften Faltenwürfe, die durch blasse Farbflecken abgesetzt sind, zum Leben erweckt. Der Text der Chronik ist reich bebildert und enthält an den Seitenrändern und am Fuß der Seiten skizzierte Szenen, die uns die historischen Ereignisse der Jahre 1230-1251 aufschlussreich vermitteln. Nicht alle Illustrationen in einem Werk dieser Größenordnung stammen vom Meister selbst, aber die Ähnlichkeit der Themen lässt vermuten, dass Matthew Paris für die Gestaltung der gesamten Serie verantwortlich war.

Der Einfluss von Matthew Paris ist in der aus St. Albans stammenden Gruppe von Apokalypsen stark zu spüren. Eine große Gruppe dieser Art aus dem romanischen Spanien wurde bereits erwähnt, aber die plötzliche Popularität der Apokalypsen im England der Mitte des dreizehnten Jahrhunderts ist schwer zu erklären. Zu den besten gehört die Apokalypse aus dem Trinity College in Cambridge, der Szenen aus dem Leben des Heiligen Johannes vorangestellt sind. Eine weitere interessante Apokalypse wurde in St. Albans von einem englischen Adligen in Auftrag gegeben.

Französisch war die Wahlsprache des Adeligen, und dementsprechend ist dieses Buch in dieser Sprache geschrieben und wird durch einen glücklichen Zufall nicht in England, sondern in der Hauptstadt Frankreichs (Bibliotheque Nationale) aufbewahrt. Das Buch hat zweiundneunzig Illustrationen am oberen Rand der Textseiten, und im Vorwort sind ganzseitige Szenen aus dem Leben des heiligen Johannes in zwei Ebenen angeordnet. Bei den Illustrationen handelt es sich, wie in den „Chroniken“, um Federzeichnungen mit Farbklecksen. Diese Vorliebe für Umrisszeichnungen, die im angelsächsischen Winchester so ausgeprägt ist, setzt sich bis in die Gotik fort. Die Szenen sind mit bewegten Figuren gefüllt, aber jetzt wird die Bewegung der Charaktere in festeren Formen ausgedrückt, und Schatten helfen, die Form des Körpers zu schaffen. (Siehe auch: Englische gotische Skulptur ca. 1150-1250)

Mit dem Wandel des Mäzenatentums änderte sich auch die Wahl der Themen. Darstellungen der Madonna mit Kind sind in romanischen Büchern vergleichsweise selten, aber mit dem Aufkommen eines sanfteren, menschlicheren Ansatzes sind Gemälde mit der Jungfrau und dem Kind in vielen gotischen Psaltern enthalten . Die Zeichnung von Matthew Paris wurde bereits erwähnt. Es gibt auch ein rührendes Beispiel im Amesbury-Psalter (Oxford, All Souls College), wo eine Nonne, wahrscheinlich die Besitzerin des Buches, zu Füßen der Madonna abgebildet ist, die ihr Kind stillt. Die Nonne erscheint erneut zu den Füßen Christi in der Majestät, wo die Umgebung mit kunstvollen architektonischen Details verziert ist. Der Amesbury-Psalter fasst die Errungenschaften der Mitte des dreizehnten Jahrhunderts zusammen. Geschickt gewählte, satte Farben spiegeln den goldenen Hintergrund wider, anmutige Weidenfiguren wiegen sich in sanften Kurven, und die Faltenwürfe bewahren eine nervöse Energie, die auf intensive Hingabe hindeutet.

Im Allgemeinen bestätigt die Buchmalerei in der zweiten Hälfte des dreizehnten Jahrhunderts ihre Verbindungen zu Frankreich. Besonders deutlich wird dies bei einem Buch wie dem Tenison-Psalter (London, British Museum), das für keinen Geringeren als den Sohn von König Edward I. bestimmt war. Die winzigen Illustrationen sind auf einem großflächigen gemusterten Hintergrund platziert, und die Themen sind äußerst elegant geworden. Die Ränder der Seiten sind mit einer Bordüre aus Vögeln und Tieren, seltsamen Grotesken und Szenen aus dem täglichen Leben geschmückt.

Die Verzierung der Seitenränder wurde zu einem der Markenzeichen der ostenglischen Schule . Aus nicht ganz nachvollziehbaren Gründen begann die ostanglische Schule ab etwa 1300 eine immer größere Rolle zu spielen, und in diesem Bereich lassen sich die wichtigen stilistischen Veränderungen der nächsten dreißig oder vierzig Jahre nachvollziehen.

Aus einer Gruppe von Psaltern von sehr hoher Qualität können wir den Ormsby Psalter (Oxford, Bodleian) und den Gorleston Psalter (London, British Museum) hervorheben. Hier werden traditionelle biblische Themen mit allen möglichen phantastischen und weltlichen Bildern konfrontiert. Die Felder sind mit Schmetterlingen und Marienkäfern, Zentauren und Drachen, Affen und Menschen gefüllt.

Babevin ist der Name, der diesen Marginalien gegeben wurde, und obwohl das Wort im engsten Sinne vom italienischen „Pavian“ abgeleitet ist, wird es jetzt für alle Arten von Grotesken verwendet. Allmählich beginnt die Betonung der Verzierung der Marginalien Vorrang vor dem narrativen Inhalt des Psalters zu haben. Im Gorleston-Psalter zum Beispiel, der einige Jahre später als Ormsby geschrieben wurde, steht die weltliche Ausschmückung im Vordergrund. Der Stil dieses Werks ist eher humorvoll und sogar satirisch - die Künstler stellen Kaninchen dar, die ein Begräbnis leiten! Dies ist weit entfernt von den Bestiarien des zwölften Jahrhunderts, die für den Unterricht bestimmt waren.

Solche Marginalien waren auf beiden Seiten des Ärmelkanals beliebt und finden sich in Handschriften dieser Zeit aus Nordostfrankreich und den Niederlanden, aber auch die ernsteren Merkmale dieser Bücher verdienen einen Kommentar. Wir haben bereits gesehen, dass Jean Pucelle in Frankreich überraschend früh ein gewisses Bewusstsein für die großen bildnerischen Leistungen Italiens zeigte.

Die Geschwindigkeit der Ausbreitung des künstlerischen Einflusses von einem Land zum anderen sollte nicht unterschätzt werden, denn eine parallele Bekanntschaft mit der italienischen Proto-Renaissance-Kunst erscheint zu dieser Zeit in England. Es gibt keine eindeutigen Beweise dafür, dass Italiener in England arbeiteten, aber wenn man sich die Gemälde ansieht, ist es klar, dass englische Künstler die Werke solch großer italienischer Meister wie Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302), Duccio di Buoninsegna (ca. 1255-1319) und Giotto (1267-1337) gekannt haben müssen. Ormsbys Psalter wurde größtenteils vor 1325 fertiggestellt, aber einige Ergänzungen wurden um diese Zeit vorgenommen, und hier ist der italienische Einfluss offensichtlich.

Es wird ein echter Versuch unternommen, der Bildebene Tiefe und den Figuren eine gewisse Schwere zu verleihen. Der italienische Stil ist in späteren Büchern, wie dem Psalter von Douai (heute stark beschädigt) und dem Psalter von St. Omer (London, British Museum) noch deutlicher zu erkennen. Die Künstler dieser Bücher interpretierten die italienische Behandlung von Draperieformen in ähnlicher Weise wie Jean Pucelle, indem sie schwere, auseinanderlaufende Falten aus weichen Materialien verwendeten.

Der Psalter von Robert de Lisle (London, British Museum) ist insofern besonders interessant, als er eine späte Phase der ostenglischen Schule und einen Stil demonstriert, der sich etwa fünfundzwanzig Jahre zuvor entwickelt hatte. In den späteren Illustrationen in diesem Buch gelingt es dem Künstler, der beginnt, die Perspektive zu verstehen, die Figuren auf recht zufriedenstellende Weise zu einer Gruppe zusammenzufügen.

In England erwies sich diese Phase des italienischen Einflusses jedoch als nicht schlüssig. In Luttrells Psalter, der um 1340 in East Anglia für Sir Geoffrey Luttrell von Irnham in Lincolnshire gemalt wurde, sehen wir bereits, wie er verblasst. Die Figuren werden wieder flacher und werden durch lineare Rhythmen beschrieben.

Luttrells Psalter ist nicht zu Unrecht als Modell der ostenglischen Schule in ihrem Niedergang bezeichnet worden. Frische Originalität weicht einer strengeren, mechanischen Technik, aber dieses Buch enthält die berühmte Serie von Bauern bei der Arbeit, Szenen, die für den Sozialhistoriker von Interesse sind, trotz der groben und ziemlich schweren Behandlung.

Der Psalter der Königin Maria (London, British Museum) ist eine der schönsten englischen Handschriften der Gotik. Obwohl der Künstler nicht der ostanglischen Schule angehört, verdankt es etwas ihrem Vorbild. Vorangestellt sind sechshundertsechsundsechzig Szenen aus dem Alten Testament, mit weiteren ganzseitigen Illustrationen und unzähligen Randverzierungen von höchster Qualität. Wenn dieses Buch, wie es wahrscheinlich ist, das Werk eines einzigen Künstlers ist, ist es noch bemerkenswerter. Es ist charakteristisch für die englische Schule - feine Konturzeichnungen und subtile Flecken von zarter Farbe.

Der Schwarze Tod (1348-1349) war wahrscheinlich die Ursache für die etwas spärliche Produktion englischer Manuskripte zwischen 1350 und 1370. Es gab jedoch keine vollständige Unterbrechung, und eine kleine Anzahl von Handschriften half, die Lücke zu füllen. Die interessanteste von ihnen ist „Egertons Genesis“ (London, British Museum), die vielleicht die einzige englische Episode in der Geschichte der illuminierten Handschriften darstellt, in der der Künstler einen ernsthaften Versuch unternahm, die tiefere Bedeutung der Renaissancekunst zu erkennen, die in Italien aufkam. Das eigentliche Thema dieses Buches hat keine englischen Vorbilder, und obwohl die Illustrationen in typisch englischen Umrissen gehalten sind, muss der Stil teilweise aus Italien entlehnt sein.

Die Hand des Meisters „von Genesis Egerton“ ist auf zwei Seiten „der Fitzwarin-Kapelle“ (Paris, Bibliothèque Nationale) zu sehen, obwohl der Rest des Buches viel mehr englischen Charakter hat. Das auffälligste Merkmal „des Stundenbuchs von Fitzwarin“ ist die Einführung von phantastischen Nadeln in den architektonischen Dekorationen und in der Rahmung der Miniaturen.

Dieselben architektonischen Fantasien, Strukturen, die niemals hätten gebaut werden können, bilden eine Verbindung zu einer wichtigen Gruppe von Büchern, die für Humphrey de Bohun, Graf von Leicester, geschrieben wurden. Sein Tod ist für das Jahr 1373 belegt, was ein ungefähres Datum für die Gruppe ist, aber seine Familie setzte das Mäzenatentum fort.

Der Psalter von Brescia könnte lose mit dieser Gruppe von Werken verbunden sein. Die englische Tradition ist in der Anordnung der Seiten stark erhalten, aber fremde Tiere und Grotesken sind hier viel weniger ausgeprägt. Zu dieser Zeit beginnen wir, den französischen Einfluss zu erkennen. Im Laufe des nächsten Jahrzehnts werden weitere neue Ideen in die englische Miniaturmalerei eingeführt, und die Manuskripte werden in England, wie auch anderswo, Teil des europäischen internationalen Stils.

Deutsche gotische Buchmalerei

Wie die frühere deutsche mittelalterliche Kunst war auch die Entwicklung der deutschen Gotik nicht so zentralisiert wie in Frankreich. Hier gab es keinen stabilisierenden Einfluss, der mit dem des Pariser Königshauses vergleichbar gewesen wäre, und die klösterliche Skriptoria dauerte viel länger. In einer solchen Atmosphäre entwickelten die verschiedenen Landesteile ihre individuellen Vorstellungen weiter. Schon allein aus diesem Grund erscheint es sinnvoller, bei der Erörterung der gotischen Malerei dieser Region die modernen Grenzen Deutschlands außer Acht zu lassen und die mitteleuropäische Malerei als Ganzes zu betrachten.

Die Handschriften der ersten Hälfte des dreizehnten Jahrhunderts in Deutschland stellen ein besonderes Problem für die Klassifizierung dar. Sind sie romanisch oder gotisch? Im Großen und Ganzen sollten sie als gotische Werke eingestuft werden, da sie einen weiteren Aspekt der Bedeutung von Byzanz für die Herausbildung des neuen Stils darstellen. Das Missale von Berthold (New York, Pierpont Morgan Library) aus Weingarten wurde kurz nach 1200 geschrieben und zeigt deutlich neue Ideen. Anstelle der üblichen Strichzeichnungen des späten zwölften Jahrhunderts haben wir Gemälde in reichen, kräftigen Farben. Die Anlehnung an byzantinische Vorbilder steht im Vordergrund, und die kompetente Erzählung wird mit einem guten Sinn für Komposition kombiniert. Die Figuren sind mit den Qualitäten der deutschen gotischen Bildhauerei ausgestattet, und auch hier kommt die Kunst der Metallbearbeitung in den Sinn.

Ein auffälliges Merkmal dieser zweiten Welle von Einflüssen aus dem Osten ist, dass sie schnell unter den nationalen Merkmalen der Künstler untergeht. Besonders deutlich wird dies bei den Psaltern des Landgrafen Hermann, die in den ersten Jahrzehnten des dreizehnten Jahrhunderts für den Landgrafen Hermann von Thüringen gemalt wurden.

Darunter befindet sich der Psalter der Heiligen Elisabeth, der heute in Cividale aufbewahrt wird. Es handelt sich um ein prächtiges Buch mit reichen roten, blauen und goldenen Illustrationen, das sowohl ausgewählte Ereignisse aus dem Alten Testament als auch Szenen aus dem Leben Christi enthält. In den Gesichtern und in der Schwere der Figuren finden sich wieder deutlich Elemente der christlich-byzantinischen Kunst, aber die Faltenwürfe sind scharf und eckig und zerfallen in eine Reihe von unregelmäßigen horizontalen Falten. Diese Art und Weise scheint ihren Ursprung in Norddeutschland zu haben, verbreitete sich aber bald nach Süden und Osten nach Bayern, Österreich und Böhmen.

Sie wurde zunehmend übertrieben, wie wir am Beispiel des Psalters aus Tirol (New York, Pierpont Morgan Library) sehen. Dieses Merkmal bestimmt den gesamten Geist der Illuminationen und verleiht den Gemälden einen nervösen, erregten Expressionismus, der an die großen Evangelistenporträts der osmanischen Kunst erinnert.

In Büchern wie dem Mainzer Evangeliar (München, Staatsbibliothek) und dem Bonmont-Psalter (Besançon, Stadtbibliothek) erreicht er seinen Höhepunkt in einem Stil, der vielleicht ein Vorläufer des expressionistischen Idioms der deutschen Renaissance des fünfzehnten Jahrhunderts ist. In diesen Werken sehen wir jedoch die ersten Anzeichen des französischen Einflusses. Der Bonmont-Psalter hat rein französische Initialen mit gotischem Blattwerk.

Wie der französische Stil zu dieser Zeit, um 1250, nach Deutschland kam, ist schwer zu beurteilen, aber er kann teilweise den Mönchsorden der Zisterzienser und Dominikaner zugeschrieben werden. Allmählich breitete er sich nach Osten aus und erreichte um 1300 auch Böhmen. Kleine Stundenbücher kamen in Deutschland nie in Mode, so dass es selten ist, direkte Kopien von Themen aus französischen Büchern zu finden. In den Rechtsbüchern, Chroniken und weltlichen Schriften zeigt sich der Einfluss des französischen Stils am deutlichsten.

Eines der besten weltlichen Bücher des Mittelalters ist das Minnesanger Manuskript der Familie Manesse (Heidelberg, Universitätsbibliothek). Es handelt sich um eine Sammlung von Zeichnungen von Dichtern, Liebhabern und Troubadouren, die für den 1304 verstorbenen Rudger Manesse von Maneck aus Zürich angefertigt und von seinem Sohn Johannes vollendet wurde.

Zu den Themen gehören König Wenzel von Böhmen (1278-1305), der Dichter Wolfram von Eschenbach (1170-1220) und Heinrich Frauenlob, der sein Orchester dirigiert. Plötzlich tauchen wir in eine neue Welt der dekorativen Kunst ein, die voller feiner höfischer Details ist. Die Details der Kostüme werden sorgfältig beachtet: Ein Hermelinumhang wird über die Schultern des Dirigenten geworfen, ein Pelzbesatz säumt den Mantel des Hauptmusikers. Das ganze Buch ist mit einer lebendigen, aktuellen Erzählung gefüllt und ist ein prächtiges Schmuckstück.

Eine Abschrift eines Gedichts von Wolfram von Eschenbach „Willehalm von Orans“, die 1334 für Landgraf Heinrich II. angefertigt wurde, war einer der Schätze der Kasseler Bibliothek. Das Manuskript ging während des Zweiten Weltkriegs auf tragische Weise verloren, aber Fotografien von seiner Schönheit sind erhalten geblieben.

Künstlerisch waren die Gemälde von höherer Qualität als das Minnesanger-Manuskript und zeugen vom hohen Niveau des Künstlers. Er stammte wahrscheinlich aus Köln, und seine Handschrift ist auch im Graduale von Wettingen (Aarau, Kantonsbibliothek) zu erkennen, wo die anmutigen Figuren von schweren, herabhängenden Draperien bedrückt zu sein scheinen. Es stellt sich die Frage, ob der Künstler mit dem Werk von Jean Pucelle vertraut war.

Böhmische gotische Illuminationen

Vor der Thronbesteigung der luxemburgischen Dynastie (1311) zeigt die böhmische Hauskunst deutlich die verschiedenen ausländischen Einflüsse, aus denen sie ihre Inspiration bezog. Aus dem Norden sehen wir die charakteristischen wellenförmigen Draperien der sächsisch-thüringischen Schule, aus Venedig im Süden gibt es starke Spuren von Byzanz und Italien, und aus dem Westen gibt es einen französischen Einfluss, der alles verfeinert hat.

Nach der Thronbesteigung Johanns von Luxemburg werden diese letzteren Einflüsse deutlicher. Zu Beginn des vierzehnten Jahrhunderts werden in Prag im Auftrag des Königshauses Bücher nach dem Vorbild franziskanischer Manuskripte hergestellt, und aus diesen Werken entsteht die schöne Tradition der illuminierten böhmischen Handschriften, die bis in die internationale Gotik des frühen fünfzehnten Jahrhunderts andauert.

Die Passion der Äbtissin Kunigunda (Prag, Universitätsbibliothek) wurde für Kunigunda, die Tochter des Königs von Böhmen, geschrieben. Die Prinzessin starb im Jahr 1321, und das Buch wurde offenbar vor diesem Datum geschrieben und illustriert. „Die Passionsgeschichte“ ist unvollendet, aber ihre Illustrationen sind von höchster Qualität. Zu ihnen gehört die ergreifende Szene des Abschieds Christi von seiner Mutter. Ein starkes, tiefes Gefühl verbindet die beiden und scheint keinen Blick von außen zuzulassen. Die Gruppe wird von einem einzigen Umriss umschlossen, und die vertikalen Linien des Faltenwurfs lenken das Auge auf die beiden ausdrucksstarken Köpfe.

Stilistisch spiegelt das Gemälde die französische Kunst wider, deren Einfluss in der Velislav-Bibel (Prag, Nationalbibliothek), die etwa zwanzig Jahre später illustriert wurde, zu erkennen ist. Die Typologie dieser Bilderbibel basiert auf den Büchern des Franziskanerordens; es handelt sich um ein relativ großes Buch mit über siebenhundert Illustrationen und einem erklärenden Text. Sie wurde für Velislav hergestellt, der später Kanzler von Kaiser Karl IV. wurde. Die linearen Qualitäten „der Passion“ werden in diesem Manuskript weiterentwickelt, in dem die Szenen mit Feder und Tinte gezeichnet und nur leicht koloriert sind.

1348 gründete Karl IV. die große Universität von Prag und öffnete damit die Tore Böhmens für die ausländischen Künstler und Handwerker, die nach Prag strömten. In dieser internationalen Atmosphäre sollte sich ein neuer, einheitlicher Stil herausbilden.

Italienische gotische Illuminationen

Zu einer Zeit, als Matthäus Paris und Meister Honoré die Kunst der Manuskriptillumination in England und Frankreich in den Vordergrund rückten, kämpften die Buchmaler in Italien noch um ihren eigenen Stil. Heute wird die italienische Buchmalerei des späten dreizehnten Jahrhunderts immer noch als eine im Wesentlichen unbedeutende Kunst angesehen, die völlig im Schatten der Leistungen von Cimabue, Duccio und Giotto steht. Diese Tatsache ist an sich schon bedeutsam, und es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass in Italien neue künstlerische Entwicklungen immer aus der Tafel- und Freskomalerei hervorgingen, während in Nordeuropa die ersten Fortschritte durch die Buchmalerei erzielt wurden.

Bologna ist eine der ältesten und berühmtesten Universitätsstädte, und hier finden wir das erste Zentrum der gotischen Buchmalerei. Hier scheint es eine regelrechte Werkstatt gegeben zu haben, in der nicht nur weltliche Lehrbücher und Bücher für den theologischen Unterricht hergestellt wurden, sondern auch Dienstbücher für den Kirchenfonds.

Es gab zahlreiche Gesetzbücher, ein gutes Beispiel dafür ist das illustrierte Buch des Zivilrechts (Turin, Nationalbibliothek), das in lebhaften Farben gestaltete Szenen enthält. In der Illustration, die die Justiz bei der Arbeit zeigt, sind die Figuren mit einer starken Patina der plastischen Kunst versehen, die zweifellos auf den allgegenwärtigen Einfluss Giottos zurückzuführen ist, und die Szenen sind mit einer lebhaften Vitalität ausgestattet.

Die Bologneser Schule der Buchmalerei - nicht zu verwechseln mit der von Annibale Carracci begründeten barocken Bologneser Schule - mit ihrem festen Figurenaufbau und ihrer zurückhaltenden Dekoration fand ihren größten Vertreter in Niccolò da Giacomo . Dieser Künstler, der in der zweiten Hälfte des vierzehnten Jahrhunderts tätig war, leitete eine große Werkstatt, und eine Reihe von Handschriften tragen seine Signatur. Niccolò da Giacomo war ein hochbegabter Individualist.

Die Abschrift „der Farsalia“ Lucan (Mailand, Biblioteca Trivulziana) ist typisch für sein bestes Werk und weist viele seiner charakteristischen Züge auf. Kein Schönheitsideal hält ihn zurück, die Gesichter sind von einer abscheulichen, leuchtenden Farbe, und die grellen Farben und die ostentative Oberflächlichkeit unterstreichen den weltlichen Charakter des Meisters.

Mehr als jede andere Stadt demonstriert Florenz die Unterordnung der Manuskriptillumination unter monumentalere Kunstformen. Anklänge an die Malerei Cimabues finden sich in den großen Chorbüchern von San Marco, und Pacino da Buonaguida lehnt sich in seiner Ikonographie und seinem Stil an Giotto an. Seine Werke sind grob und eher schwerfällig, als ob er nicht gewillt war, den Maßstab seiner Vorbilder auf die winzigen Dekorationen der Bücher zu reduzieren. Das Biadaiolo (Florenz, Laurentianische Bibliothek) ist eine Art „Spiegel des Lebens“ und enthält Szenen aus dem Alltag. Es wurde von einem Florentiner Getreidehändler als eine Art Tagebuch zusammengestellt. Die Geschichte wird einfach mit Hilfe einiger Figuren erzählt; es handelt sich um eine farbenfrohe und im Wesentlichen volkstümliche Handschrift, die gleichzeitig ein Meisterwerk darstellt.

Die frühen gotischen Handschriften von Siena zeigen eine Verbindung mit der Bologneser Skriptoria, aber der Stil wird unter dem Einfluss des großen Duccio verändert. Der beste Buchmaler der sienesischen Schule war zweifelsohne Simone Martini . Seine Beherrschung der Buchmalerei ist nur auf einem einzigen Blatt zu sehen. Es handelt sich um das Frontispiz eines Exemplars von Virgil, das Petrarca gehörte (Mailand, Ambrosianische Bibliothek). Simone war während seines langen Aufenthalts in Avignon mit Petrarca befreundet, und der humanistische Charakter der Illustration ist zweifellos auf Petrarca’s eigene Anweisungen zurückzuführen.

Der Stil des Gemäldes zeigt eine bemerkenswerte Verschmelzung der linearen Rhythmen, die Simone in Frankreich gelernt hat, mit den lebhaften Farben der italienischen byzantinischen Tradition. In gewissem Sinne war Simone tatsächlich ein Maler, der seiner Zeit voraus war. Er starb 1344 in Avignon, und sein unmittelbarer Einfluss ist schwer einzuschätzen, aber Simones Kunst war zweifellos eine treibende Kraft bei der Herausbildung des Internationalen Stils eine Generation später, und es war zu dieser Zeit, dass die Sienesen ihn als ihren größten Künstler betrachteten.

In Venedig und Mailand erscheinen die wichtigsten Manuskripte erst im späten vierzehnten Jahrhundert, und wir werden sie in unserem nächsten Artikel über den Internationalen Gotischen Stil untersuchen.

Gotische illuminierte Texte sind in einigen der schönsten Kunstmuseen der Welt zu sehen, vor allem im Musée de Condé, Chantilly, im British Museum und im Metropolitan Museum of Art in New York.