Niederländische Malerei des siebzehnten Jahrhunderts Automatische übersetzen

Von Zeit zu Zeit erlebt ein Land eine Periode spektakulären künstlerischen Wachstums. Im Fall von Holland war dies während des niederländischen Barocks im 17. Jahrhundert der Fall, als so brillante Künstler wie Rembrandt und Vermeer auftraten. Dieses goldene Zeitalter der holländischen Malerei ist vor allem für den so genannten „holländischen Realismus“ berühmt, eine sehr detaillierte, wahrheitsgetreue Form der Porträtmalerei und Genremalerei, die bei der wohlhabenden Mittelschicht des Landes sehr beliebt war. Die größten Sammlungen von Werken niederländischer realistischer Maler befinden sich im Rijksmuseum in Amsterdam und im Mauritshuis in Den Haag.

Historischer Hintergrund

Im siebzehnten Jahrhundert entwickelte sich Holland zu einer europäischen Großmacht. Nach der Unterzeichnung des Zwölfjährigen Friedens im Jahr 1609 wurden die nördlichen Niederlande von der spanischen Herrschaft unabhängig und erlebten eine reiche kulturelle, wirtschaftliche und soziale Entwicklung. Amsterdam hatte bereits den Platz von Antwerpen im europäischen Handel und in der Wirtschaft eingenommen; es war nun das Zentrum des Bankwesens. Entlang der zahlreichen Grachten wurden reiche Kaufmannshäuser gebaut, und eine wachsende Schicht wohlhabender Kaufleute und Bürger schuf eine Nachfrage nach bescheidenem Luxus. Der Blumenzwiebelanbau wurde zu einer wichtigen Quelle des Wohlstands.

Mitte des Jahrhunderts begann die niederländische Marine, Englands Vorherrschaft auf den Meeren zu bedrohen. Trotz der Schäden, die der Bruch des Landes mit dem Katholizismus für die Kunst mit sich brachte, leisteten die niederländischen Künstler - insbesondere die Schulen in Amsterdam, Delft, Dordrecht, Haarlem, Leiden und Utrecht - in diesem Jahrhundert wichtige Beiträge zur Kunstgeschichte.

Der Einfluss des Protestantismus auf die Malerei war anfangs verheerend. In Deutschland, Holland und England schien es, als würde er nicht überleben. Viele Protestanten betrachteten Gemälde oder Heiligendarstellungen in Kirchen als Götzendienst, und die Künstler in diesen Ländern verloren ihre zuverlässigste und lukrativste Einnahmequelle - das gemalte Altarbild . Auch konnten die Künstler (zumindest in Holland) keine Arbeit in der Ausschmückung luxuriöser Paläste finden, denn die holländischen Bürger waren nüchterne Städter, denen die protzige Opulenz des katholischen Südens missfiel. Buchillustrationen und Porträts schienen die einzigen Möglichkeiten für einen Künstler zu sein, seinen Lebensunterhalt zu verdienen, und für beides scheint es keinen großen Markt gegeben zu haben.

Niederländische Porträtmalerei

Mit zunehmendem Wohlstand stieg jedoch auch die Nachfrage nach Porträts: Ein würdiger Bürger, der Bürgermeister wurde, war stolz darauf, in den Insignien seines Amtes porträtiert zu werden; Statthalter karitativer Einrichtungen oder Mitglieder bürgerlicher Organisationen - von denen es im republikanischen Holland viele gab - wollten Gruppenporträts für ihre Sitzungssäle oder für die Versammlungsräume ihrer Zünfte und Gesellschaften. Diejenigen Künstler, deren Werke beim Publikum beliebt waren, konnten davon leben, diese Art von Malerei zu schaffen.

Frans Hals (1582-1666) war ein solcher Künstler. Der gebürtige Flame Hals zog mit seinen protestantischen Eltern nach Holland und verbrachte dort den größten Teil seines Lebens. Die Schulden, die Hals bei einem Bäcker und einem Schuhmacher anhäufte, zeugen von den ungünstigen Arbeitsbedingungen für den holländischen Maler.

In seinem hohen Alter (er war schon weit über 80, als er starb) lebte er von dem Almosen des städtischen Armenhauses, dessen Vorstand sein Gruppenporträt gefiel. Hals große Begabung war die Porträtmalerei, insbesondere seine impressionistische, „unmittelbare“ Art, den Gesichtsausdruck des Porträtierten einzufangen. Die optimistische und fröhliche Stimmung, in der er viele seiner Landsleute porträtiert, spiegelt vielleicht die Zuversicht dieser ersten Generation freier Niederländer wider.

Der niederländische Maler war wie ein Kaufmann, der Waren verkaufte, die das Publikum kaufen wollte. Wenn er keinen Mäzen hatte, musste er sich auf das Publikum verlassen. Da er kein Talent für Porträts hatte, konnte er keine Aufträge erwarten und musste sich anderen Themen und anderen Arbeitsmethoden zuwenden. Er musste zuerst ein Bild malen und dann versuchen, einen Käufer zu finden. Er bot seine Bilder auf Kunstmärkten zum Kauf an oder wandte sich an Kunsthändler.

Da die Konkurrenz sehr groß war, neigte er dazu, sich zu spezialisieren und sich auf eine Art oder ein Genre der Malerei zu konzentrieren, die er gut beherrschte oder die das Publikum von ihm erwartete. So erwarb sich Paulus Potter (1625-54) den Ruf, der beste Maler von Kühen und anderen Tieren zu sein.

Andere Spezialisten waren Künstler wie Adrian van de Velde (1636-1672) oder Jan van de Kappel (1642-1679), die - vielleicht aufgrund der wachsenden Bedeutung der niederländischen Seemacht - für ihre Seestücke berühmt wurden; Jacob van Reisdal (1628-1682) und Meindert Hobbema (1638-1709), die Landschaften malten. Jan Sten (1626-1679), der auf volkstümlicher Ebene arbeitete, und Gerard Terborch (1617-1681), der sich durch größere Raffinesse und Eleganz auszeichnete, boten dem Publikum häusliche Interieurs mit Figuren, die in der Regel in ein kleines Ereignis verwickelt waren. Diese Art von häuslichen Szenen, die als Genremalerei bezeichnet wird, wurde zu einem wichtigen Merkmal der niederländischen Kunst des siebzehnten Jahrhunderts.

Rembrandt: Menschenmaler

Aber der größte Künstler seiner Zeit, Rembrandt van Rijn (1606-1669), war auf keines dieser Genres beschränkt - seine Vision umfasste eine Vielzahl von Themen, von Porträts aller Art bis hin zu Historienmalerei und biblischer Kunst . Dennoch bleibt Rembrandt im Wesentlichen ein Maler von Menschen: ein Maler von Gesichtern, Gefühlen und Persönlichkeiten.

Seine Karriere war voller Kontraste: Glücklich verheiratet, wohlhabend und weit über seine Heimat Holland hinaus berühmt, schien sein Erfolg in den 1620er Jahren gesichert, doch als er 1669 starb, hinterließ er nichts als alte Kleidung und einige Malwerkzeuge. Rembrandt malte keine zeitgenössischen Prälaten und Fürsten, sondern die Einwohner Amsterdams, Mitglieder seiner Familie und vor allem sich selbst. Seine bemerkenswerte Serie von Selbstporträts erzählt uns viel über den Mann, von den Tagen seiner Jugend und seines Erfolgs bis hin zu seinem einsamen Alter, in dem sein Gesicht die Tragödie des Bankrotts und des menschlichen Elends widerspiegelt.

Rembrandt ging nie nach Italien oder reiste weit, aber er war vertraut mit der Kunst der italienischen Renaissance und des Barock von Caravaggio und anderen italienischen Malern. In den Tagen seines Wohlstandes besaß er auch italienische Gemälde. Er interessierte sich jedoch nicht für die schönen Formen der italienischen Kunst; tatsächlich sind seine Figuren - wie die von Caravaggio - manchmal schockierend in ihrer unerwarteten Hässlichkeit.

In der Verwendung von Licht und Schatten (vgl. Technik chiaroscuro, beispielhaft in seinem Meisterwerk „Der Selbstmord der Lucretia“, 1666, Minneapolis Institute of Art), sowie in der Gruppierung der Figuren in der Komposition, zeigt Rembrandt, dass er nicht wirklich mit den Traditionen der Renaissancekunst gebrochen hat, sondern dass nichts im Geiste von der Malerei der Hochrenaissance (z. B.) Raffaels so verschieden sein könnte wie Rembrandts reife christliche Kunst mit ihrem Naturalismus des wahren Lebens . (Zu den beiden Hauptansätzen siehe: Klassizismus und Naturalismus in der italienischen Malerei des siebzehnten Jahrhunderts 1600-1700).

Als gläubiger Protestant war Rembrandt gut mit der Bibel vertraut und drang bis ins Innerste seiner religiösen Themen vor, wobei er sich streng an den Text hielt, die tiefe innere Bedeutung der dargestellten Ereignisse enthüllte und es nie versäumte, die wahre Menschlichkeit der biblischen Figuren zu offenbaren, indem er ihnen seinen tiefen Psychologismus verlieh. So zum Beispiel seine monumentalen Gemälde „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ (1666-9, Eremitage-Museum, St. Petersburg) und „Bathseba hält den Brief von König David“ (1654, Louvre, Paris).

Von Anfang an zeigte er ein natürliches Talent für Porträts. Im Jahr 1631 verließ er Leiden, wo er als Sohn eines Müllers und einer Bäckertochter geboren wurde, und zog in das geschäftige Handelszentrum von Amsterdam. Bald darauf wurde er für sein erstes großformatiges Gruppenporträt „Anatomieunterricht bei Dr. Nicolaes Tulp“ (1632, Mauritshuis, Den Haag) berühmt. Die starke Komposition des Gemäldes, bei der sich die Figuren vor einem dunklen Hintergrund abzeichnen, und die dramatische, direkte Darstellung der Szene weisen auf den Einfluss des in Italien tätigen Meisters Pieter Lastmann hin. Die Tatsache, dass Rembrandt diese Figuren als eine gespannte, eng verbundene Gruppe darstellt, unterscheidet dieses Gemälde von anderen, oft langweiligen zeitgenössischen Porträts von Zünften. (Zu Rembrandts dramatischer Maltechnik siehe Tenebrismus und die als Caravaggismo bekannte italienische Bewegung von 1600-50, die sein Werk stark beeinflusste).

Rembrandts großartigste Porträts Zu Rembrandts Porträts gehören auch eine Reihe erhabener Einzelporträts. Dazu gehören vor allem Porträt von Agatha Bas (1641, Britische Königliche Sammlung) und Porträt von Jan dem Sechsten (1654, Privatsammlung, Amsterdam).

Von diesem Zeitpunkt an bis zu seinem Höhepunkt am Ende des Jahrzehnts wuchs Rembrandts Ruhm, und gleichzeitig mit seinem beruflichen Erfolg stieg sein gesellschaftliches Ansehen durch die Heirat mit Saskia van Uylenburg, einem Mitglied einer wohlhabenden Patrizierfamilie, rapide an. Rembrandt kaufte ein Haus und begann, seinem extravaganten Sammlergeschmack für ausgefallene Objekte zu frönen.

Nach Saskias Tod im Jahr 1642 trugen Einwände gegen Rembrandts zunehmende Verwendung von Helldunkel und die Abweichung von der Tradition in der Komposition seines großen Gruppenporträts „Die Gesellschaft des Hauptmanns Frans Banning Kock“, allgemein bekannt als „Die Nachtwache“ (1642, Rijksmuseum, Amsterdam), zum Rückgang seiner Beliebtheit beim Publikum bei.

Er verschuldete sich, und nach 14 Jahren, im Jahr 1656, wurde er für bankrott erklärt. Sein Haus wurde verkauft und seine Sammlung versteigert. Nur die Hilfe seiner neuen Lebensgefährtin Hendrickje Stoffels und seines Sohnes Titus bewahrten ihn vor dem völligen Ruin, aber beide starben vor ihm, und er wurde allein dreiundsechzig Jahre alt.

In den mittleren Jahren nach Saskias Tod wandte sich Rembrandt der religiösen Kunst, der Landschaftsmalerei und dem Studium der Juden in seiner Umgebung zu, von denen er viele in seinen biblischen Szenen verwendete. Seine Beschäftigung mit der Natur führte zu einer großen Anzahl von Zeichnungen und Radierungen der holländischen Landschaft, in denen er eine „stenografische“ Methode zur Aufzeichnung seiner Eindrücke entwickelte, die in starkem Kontrast zu der oft barocken Art seiner gemalten Landschaften steht.

Rembrandts spätere Werke erlangen jene natürliche Einfachheit, Tiefe und psychologische Durchdringung, für die er gefeiert und verehrt wird. „Nachtwache“ von 1642 markiert den Übergang zu seinem späten Stil; in diesem Gemälde gab er die Tradition des Gruppenporträts auf und ordnete einige der einzelnen Figuren im Interesse einer dramatischeren und einheitlicheren Komposition unter. Rembrandt wählt den Moment, in dem die Trommel den Ruf zu den Waffen ertönen lässt und eine Schar von Bürgern von allen Seiten auf ihre Anführer zustürmt. Auf diese Weise verwandelt er ein statisches Gruppenbildnis in eine lebendige Versammlung. Ein weiteres herausragendes Gruppenbildnis ist Das Syndikat der Tuchmacherzunft (Die Staalmeesters) (1662, Rijksmuseum, Amsterdam). Dieser Auftrag wurde Rembrandt nach seinem Konkurs erteilt, was darauf hindeutet, dass er immer noch respektiert wurde.

Auch die späteren Interpretationen biblischer Szenen durch Rembrandt weichen stark von der Tradition ab. Spektakel und Prunk weichen einer ausschließlichen Beschäftigung mit der inneren, spirituellen Bedeutung des Geschehens, wie in dem Gemälde „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ , das zwischen 1668 und 1669 entstand. Die ganze Aufmerksamkeit richtet sich auf die Begegnung von Vater und Sohn, wobei die Haltung des Vaters, der sich über den knienden Sohn beugt, extreme Vergebung und Zärtlichkeit ausdrückt.

Die gleiche tiefe Vermittlung menschlicher Gefühle und geistiger Werte wie Zärtlichkeit und Vertrauen findet sich in einem anderen späten Gemälde - Die jüdische Braut (Rijksmuseum, Amsterdam) - aus dem Jahr 1665. Die Liebe zwischen dem Paar wird in ihren Gesichtsausdrücken und in der einfachen Geste der Dame, die die Hand ihres Mannes an ihr Herz drückt, rührend vermittelt.

Rembrandts Historienmalerei umfasst einige bemerkenswerte weltliche Werke. Dazu gehören „Aristoteles betrachtet eine Homer-Büste“ (1653, Metropolitan Museum of Art, New York) und „Die Verschwörung des Claudius Civilis“ (1661, Natmuseum, Stockholm).

Jan Vermeer: Maler von kalten Interieurs

Nichts könnte der Kunst Rembrandts ähnlicher sein als die kontrollierten, moralistischen und kalten Interieurs von Jan Vermeer aus Delft (1632-1675). Vermeers kalte Objektivität und Passivität ist das Gegenteil von Rembrandts Wärme und menschlicher Anteilnahme; während Rembrandt eine große Anzahl von Werken schuf, war Vermeer langsam in seiner Arbeitsweise und hatte nur sehr wenige Werke. Dennoch ist das Werk beider Künstler durch eine hervorragende Beherrschung von Licht und Schatten gekennzeichnet.

Vermeer gilt heute als führender Vertreter der niederländischen realistischen Schule der Genremalerei und als Schlüsselfigur der protestantischen Reformationskunst in Nordeuropa. Aber nichts davon war zu seinen Lebzeiten erkennbar. Tatsächlich war er zu Lebzeiten nicht mehr als ein mäßig erfolgreicher Künstler, und nach seinem Tod geriet sein Werk praktisch in Vergessenheit. Dies war der Fall, bis der Kunstkritiker Tore Burger 1866 einen Aufsatz veröffentlichte, der Vermeer aus der Vergessenheit holte.

Zu Vermeers größten Genrebildern gehören Die Milchmagd (1660, Rijksmuseum, Amsterdam); Junge Frau mit Krug (1662, Metropolitan Museum of Art, New York); Die Kunst der Malerei: Allegorie (1666-73, Kunsthistorisches Museum, Wien), auch „Der Künstler in seinem Atelier“ und „Allegorie der Malerei“ genannt; und „Die Spitzenschneiderin“ (1669-70, Louvre, Paris). Einige der schönsten Interieurs Vermeers stellen Frauen in der Privatsphäre ihres Zimmers dar. Zum Beispiel Frau mit einer Waage (1663, National Gallery of Art, Washington); und Frau mit einer Perlenkette (1663, Alte Galerie, SMPK, Berlin).

Vermeer wurde in Delft geboren, als Rembrandt 26 Jahre alt war; er gehörte also zur dritten Generation der großen Zeit der niederländischen Malerei. Um die Jahrhundertmitte hatten sich die Niederländer an die Ruhe gewöhnt, und die optimistische Vitalität der früheren Maler, wie z. B. Hals, wich einer ruhigen Kultiviertheit. Der kulturelle Genuss von Musik und Malerei ist ein häufiges Thema in Vermeers Werk. Ölgemälde wie Frau, die am Fenster eine Laute spielt (1664, Metropolitan Museum of Art, New York); Konzert (1665, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston); Musikstunde (1665, Königliche Sammlung) (auch „Dame und Kavalier bei einem Virginal“ genannt); und Mädchen mit Flöte (um 1665, National Gallery, Washington, DC). 1666, National Gallery, Washington); sie alle zeugen von dem verfeinerten Charakter des niederländischen Gesellschaftslebens.

Fast alle Genrewerke Vermeers enthalten figurative Elemente - die Ausnahme ist „Kleine Straße“ (1658, Rijksmuseum, Amsterdam) - und einige grenzen an Porträts. Zum Beispiel Mädchen mit Perlenohrring (1665, Mauritshuis, Den Haag), bekannt als „Mona Lisa des Nordens“ ; und Mädchen mit rotem Hut (1667, National Gallery of Art, Washington).

Andere wichtige niederländische Genremaler waren: Adriaen Brouwer (1605-1638), Adriaen van Ostade (1610-1685) und David Teniers der Jüngere (1610-1690), alle bekannt für ihre moralisierenden „Tavernenszenen“ ; Gabriel Metsu (1629-1667), bekannt für seine intimen häuslichen Szenen; Samuel van Hoogstraten (1627-1678), bekannt für seine Interieurs mit tiefer linearer Perspektive; und Pieter de Hooch (1629-1683), der ebenso unpersönliche Interieurs malte. Hendrik Terbruggen (1588-1629) schuf ebenfalls einige schöne Genrebilder, obwohl er am besten für seine religiösen Gemälde bekannt ist.

Niederländische Stilllebenmalerei

Wie bereits erwähnt, ging nach Luthers Aufstand gegen die römische Kirche (um 1517) die Nachfrage nach religiösen Gemälden in der neuen unabhängigen protestantischen niederländischen Republik stark zurück. Wie wir bereits gesehen haben, führte dies zu einem Aufschwung der Genremalerei und der Porträtmalerei. Darüber hinaus entstand ein drittes Genre, nämlich das Stillleben, ein Genre, das durch die Beliebtheit der Ölmalerei bei den Künstlern begünstigt wurde, die eine stärkere Bearbeitung des Bildes und damit feinere Details ermöglichte.

Das Stillleben war in vielerlei Hinsicht die reinste Form der protestantischen Kunst, zumindest in Holland. Es war eine bodenständige Form der Malerei, die den fleißigen holländischen Hausbesitzern gefiel und eine komplexe Mischung aus religiöser Symbolik enthielt. Eine Art von Stillleben (genannt Vanitas) bestand aus verschiedenen Arrangements von Alltagsgegenständen, die den Betrachter an die Vergänglichkeit des irdischen Lebens erinnern sollten.

Zu den führenden niederländischen Stilllebenmalern gehörten: Frans Snijders (1579-1657), ein Antwerpener Maler ; Pieter Claes (1597-1660), bekannt für seine Stillleben mit Frühstück ) ontbijtjes); Willem Claes Heda (1594-1680), Jan Davids de Hem (1606-1683) und Harmen van Steenwyk (1612-1656), bekannt für ihre Vanitas-Gemälde; und Willem Kalf (1619-1693), am besten bekannt für seine prunkvollen Stillleben ) pronkstilleven).

Niederländische Kircheninterieurs

Eine andere Art der Malerei, die im Goldenen Zeitalter der Niederlande populär wurde, war die Darstellung von Kircheninterieurs. Der größte oder zumindest der reinste Vertreter dieses Trends war der bucklige Pieter Jans Sanredam (1597-1665), der als erster Künstler architektonisch korrekte Darstellungen von Gebäuden schuf und nicht die eher phantasievollen „Erfindungen“, die von anderen popularisiert wurden.

Ein weiterer prominenter Vertreter war Emanuel de Witte (1615-1692), der eher für sein Verständnis der linearen Perspektive und seinen Sinn für Atmosphäre als für die präzise Architektur seiner Kompositionen bekannt ist. Zu den weniger bekannten Meistern gehören Gerard Haukgest (1600-1661) und Hendrik Cornelizzon van Vliet (1611-1675).

1672 fiel der französische König Ludwig XIV. in Holland ein. Der Vormarsch der Franzosen wurde von Wilhelm III. gestoppt, aber trotz dieses Erfolges war Holland als Weltmacht bereits im Niedergang begriffen. Dieser Niedergang spiegelte sich in der künstlerischen Produktion wider, und gegen Ende des Jahrhunderts „war das goldene Zeitalter“ der niederländischen Malerei vorbei.

Eine Liste wichtiger Daten im Zusammenhang mit der Entwicklung von Kunst und Kunsthandwerk finden Sie in: Chronologie der Kunstgeschichte (2,5 Millionen Jahre v. Chr. bis heute).