Kubistische Maler, Bildhauer Automatische übersetzen

Kubistische Meisterstücke
Les Demoiselles d’Avignon
1907, MOMA, NY.
Guernica (1937)
Reina Sofia, Madrid.
Schluchzende Frau (1937)
Tate Modern, London.

Einführung

Obwohl Georges Braque und Pablo Picasso werden mit der Schaffung der neuen Bildsprache von gutgeschrieben Kubismus Es wurde insbesondere von zwei Künstlern, Juan Gris (1887-1927) und Fernand Leger (1881-1955), die als dritter und vierter Kubist gelten, aufgegriffen und weiterentwickelt. Die frühe kubistische Malerei entstand in der Zeit von 1907 bis 1909, als sowohl Picasso als auch Braque getrennt auf Pariser Ausstellungen reagierten Cezanne und primitive Kunst. Von 1909-12 arbeitete das Paar eng bei der Entwicklung von Analytischer Kubismus, das war die strengste Phase der Bewegung. Andere, wie Gris, schlossen sich dieser Phase an und bis 1911 war der Kubismus die vorherrschende Form von Avantgarde-Kunst in Paris nach seinem Auftritt im Salon des Independants . Andere frühe Kubisten waren Maler wie Robert Delaunay (1885-1941), Albert Gleizes (1881-1953), Francis Picabia (1879-1953), Jean Metzinger (1883-1956) und Bildhauer wie der russische Künstler Alexander Archipenko (1887-1964). 1912 änderten Picasso und Braque leicht die Richtung und führten sie ein Synthetischer Kubismus, ein entspannterer und persönlicherer Stil des Kubismus, der Collagen und das Aufbringen von fremden Materialien auf die Leinwand in jeder frühen Form von Junk-Art beinhaltete. Obwohl viele Maler des 20. Jahrhunderts Das kubistische Idiom erforscht, wurden nur Picasso, Braque und Gris als "echte" Kubisten angesehen. Die anderen wurden eher als "Salon-Kubisten" angesehen, die eine weniger puristische Herangehensweise an den Kubismus annahmen. Die wichtigsten Kunsthändler kubistischer Künstler waren Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979) sowie Leonce Rosenberg (1879-1947) und sein Bruder Paul Rosenberg (1881-1959).

Juan Gris

Der in Spanien geborene Maler Juan Gris (1887-1927) begann erst Ende 1910 ernsthaft zu malen, debütierte jedoch 1912 im Salon des Independants mit seinem Porträt von Picasso (Art Institute of Chicago) und wurde bald als dritter Kubist anerkannt. Obwohl er stark von seinem Landsmann Picasso beeinflusst wurde, beschäftigte er sich mit Cezanne und etablierte schnell seinen eigenen Stil des analytischen Kubismus. Dies beinhaltete eine Fragmentierung im geometrischen Stil, aber in Gris ’Fall blieb jede einzelne Ebene eher unterschiedlich, ohne dass die komplexen Überlappungen oder Transparenz in Werken von Picasso und Braque sichtbar wurden. Während der synthetischen Phase malte Gris mit deutlich hellerem, lyrischerem Ton Farbe ) The Open Window, 1917, Philadelphia Museum of Art), oft mit satten, hohen Farbharmonien, die die Ebenheit der Leinwand betonten ) Landscape at Ceret, 1913, National Museum, Stockholm). Andere Arbeiten wie The Wash-Stand (1912, Private Collection), bei denen ein echter Spiegel zum Einsatz kam, wurden mit größter Präzision und Sinn für Humor erstellt.

Fernand Leger

Einer der hellsten Sterne des Kubismus war Fernand Leger (1881-1955). Nach einer Zeit als Auszubildender zum Architekten und einem kurzen Streifzug durch die Schule entdeckte Leger Cezanne in der großen Retrospektive der Salon d’Automne Unter ihrem Einfluss arbeitete er eine Weile im Facettenkubismus, wie in Three Figures (1910-11, Milwaukee Art Center), wo es möglich ist, Hinweise auf das Fahren, wie Energien, die ihn später faszinieren sollten. Aber Leger war immer eine direktere und weniger komplizierte Person als seine Kollegen, und er ärgerte sich über den Intellektualismus der formalen Analyse. Bis 1913 hatte er die sich verschiebenden, überlappenden Komplexitäten des analytischen Kubismus auf eine neue Weise aufgelöst, in der Würfel und Zylinder fester und mutiger und in leuchtenden Farben gestrichen zu erscheinen begannen. Contrast of Forms (Philadelphia Museum of Art) aus dem Jahr 1913 ist typisch für eine Gemäldegruppe, in der Leger kräftige, einfache Formen in reinen Grundfarben – Rot, Blau und Gelb – mit vielen weißen und stark definierenden Linien kombiniert schwarz. Trotz der Überfülle der Formen, die sich über den gesamten Bereich der Leinwand drängeln und schultern, sollte ein Vergleich des Formkontrasts mit drei Figuren nicht nur zeigen, dass der Formkontrast eine logische Fortsetzung des früheren Bildes ist, sondern auch das Es ist ein Schritt in Richtung Klarheit und spezifischer Definition.

Trotzdem fühlte Leger immer noch seinen Weg und erst nach dem Ersten Weltkrieg (in dem er mobilisiert und aufgehört hatte zu malen) fand er, was er tun wollte. Siehe zum Beispiel: Soldaten, die an den Karten spielen (1917, Kroller-Müller-Landesmuseum, Otterlo). Während Gris den Kubismus nachdenklich einsetzte, passte Leger ihn dem klirrenden mechanisierten Leben der Stadt an. Auf der Grundlage der Theorie, dass Kunst in einem mechanischen Zeitalter einen mechanischen Charakter annehmen sollte, entwickelte er einen Stil, bei dem jede Form, wenn sie nicht tatsächlich von einem mechanischen Motiv abgeleitet ist, den Charakter eines Zahnrads, eines Schwungrads, eines Kolbens oder dergleichen annimmt anderes Maschinenteil. Siehe zum Beispiel Der Mechaniker (1920, National Gallery of Canada). Nach eigener Aussage könnte sein täglicher Kontakt mit Maschinen während des Krieges für seine neue Faszination für eine mechanistische Kunst verantwortlich sein, und sein Kriegskontakt mit der gewalttätigen und groben Realität vervollständigte seine Trennung von den Überentwicklungen des analytischen Kubismus. Legers nach außen gerichtete Vision einer neuen mechanisierten Gesellschaft stimmte nicht mit der von Picasso oder Braque überein, die beide eine eher introspektive Ausrichtung auf das Wesen der Kunst befürworteten.

Die Stadt (1919, Philadelphia Museum of Art), eine große Leinwand, ist der Höhepunkt seines neuen Stils und wahrscheinlich das Schlüsselbild seiner gesamten Arbeit. Einige der am leichtesten identifizierbaren Motive sind Träger, Stangen, Rauchwolken und in der Mitte eine Treppe, die hinter den mechanisierten menschlichen Figuren, die sie herabsteigen, in helle und dunkle Bänder zerfällt. Die Farben sind rein und hell, sogar grell und auffällig, dominiert von mehreren leuchtenden Zitronengelb- und leuchtenden Rottönen, die von oben bis unten von einem rosigvioletten Pfahl durchschnitten werden. Die Formen sind größtenteils nicht modelliert, mit Ausnahme der menschlichen Figuren, der Rauchwolken und der Stange, die in glatten geometrischen Ovalen und Zylindern modelliert sind.

In vielerlei Hinsicht sind die Formen der Stadt so offensichtlich, dass sie zu einfach erscheinen. Feinheiten dürfen nicht in Leger eingelesen werden. vielmehr eine herzliche Kraft, eine Art Primitivismus. Er ist der am leichtesten zu imitierende Maler, und er litt unter einer Fäule viertklassiger Talente, die seine Formel übernommen und ihre Grenzen aufgezeigt haben, ohne sie durch seine Stärke und Begeisterung zu ersetzen. Legers Kunst ist bedeutungslos, wenn sie durch die Suche nach Intellektuellen, die es in ihr nicht gibt, verzerrt wird. Sein Anti-Intellektualismus ist normalerweise erfrischend; zu anderen Zeiten verblasst es, und man ist erleichtert, sich von seinen eindringlichen Farben und offensichtlichen Formen zu lösen, wenn Gemälde weniger Oberflächenerregung und mehr kontemplative Tiefe bieten. (Natürlich mag dies eine Frage des persönlichen Geschmacks sein; ebenso mag es eine Erleichterung sein, sich von Gemälden voller Feinheiten zu lösen und Legers Einfachheit zu genießen.) Manchmal zwingt er seinen Stil auch Motiven auf, die nicht kompatibel sind es – siehe zum Beispiel The Breakfast (1925, Private Collection), in dem drei Akte um einen Frühstückstisch zu entmenschlichten Automaten reduziert werden.

Leger ist ein Maler mit einem nachdrücklich persönlichen Stil, in dem einheimische Kraft und neugierige Zuneigung miteinander konkurrieren – und sich häufig auseinandersetzen. Bei diesen Gelegenheiten ist er ein guter Künstler. bei den meisten anderen ist er zumindest ein guter designer. Tatsächlich war der Stil von Leger direkt und indirekt einer der stärksten Einflüsse auf das moderne Design und auf seine Dekorateure, Designer und kommerziellen Künstler.

Robert Delaunay

Robert Delaunay (1885-1941), unzufrieden mit den statischen Arrangements des Kubismus, begann in unruhigen Ebenen und schwingenden Bögen zu komponieren, um die Kräfte zu enthüllen, die statischen Objekten innewohnen. Als Spezialgebiete wählte er zwei architektonische Werke, in denen dynamische Kräfte in ein strukturelles Gleichgewicht gebracht werden: den Eiffelturm mit seinen Stahlträgern und die mittelalterliche Kirche St. Severin mit seinen Steingewölben. Sein semi-kubistischer Eiffelturm (1909, Philadelphia Museum of Art) zeigt im Vergleich zu seinem späteren Eiffelturm (1925, ebenfalls in Philadelphia) den Wechsel von statischen zu bewegungsähnlichen Formen. In ähnlicher Weise belebte Delaunay die kubistische Farbpalette. Im Jahr 1912, als der Kubismus in ein Dutzend Richtungen ausbrach, formulierte Delaunay " Orphismus, "(aka Orphic Cubism) oder Color Orchestration, bei der er versucht hatte, den Kubismus sofort von den dunklen Farben zu befreien, die ihn während seiner analytischen Phase und von seiner Abhängigkeit vom Thema beeinflusst hatten. Als Orphist malte er eine Reihe von" Fensterkompositionen "- siehe z. B. Windows (1912, Philadelphia Museum of Art) – in völlig abstrakten Ebenen, so etwas wie überlappende Glasscheiben. Obwohl er den Vorgaben dieser Gemälde nicht folgte, sollten andere Maler dies bald tun Delaunay wurde vom tschechischen Maler begleitet Frank Kupka (1871-1957), der sich auch mit dem Kubismus befasst hatte und sich nun in farbenfrohe Landschaften vertiefte abstrakte Kunst.

Jean Metzinger

Jean Metzinger (1883-1956) entwickelten in dieser Periode des analytischen Kubismus gewisse Stilnuancen, die seinem Werk eine leichte, schwule Qualität verleihen, die den spartanischen analytischen Diagrammen von Braque und Picasso durchaus entgegengesetzt ist. Metzinger war jedoch wissenschaftlich eingestellt. Bevor er eine lohnendere Pseudowissenschaft im analytischen Kubismus entdeckte, war er von der Kodifizierung und systematischen Herangehensweise des Neoimpressionismus angezogen worden. 1912, am Ende der Periode des analytischen Kubismus, verfasste er zusammen mit seinem Kollegen die Doktrin Du Cubisme Albert Gleizes (1881-1953). Die erste Studie der neuen Bewegung durchlief allein im Laufe des Jahres 1912 fünfzehn Ausgaben. Sowohl Metzinger als auch Gleizes waren Gründungsmitglieder von Abschnitt d’Or und gehörten zu den Kubisten, die auf die Verwendung von Farben bestanden, während Braque und Picasso das Problem zugunsten einer reinen Analyse von Bräunen, Cremes und Grautönen zurückstellten.

Francis Picabia

Francis Picabia (1879-1953) befasste sich ebenfalls mit dem Orphismus, gleichzeitig glaubte er jedoch, dass der Kubismus ein Mittel zum Ausdruck von Ideen sein könne. Er hatte als Nachahmer von Sisley angefangen und sein ganzes Leben damit verbracht, jeden neuen "Ismus", der auftauchte, mit Begeisterung zu untersuchen, ohne sich eingehend mit einem von ihnen zu befassen. Ein hervorragendes Beispiel für seine Art des Kubismus ist Physical Culture (1913, Philadelphia Museum of Art).

Marcel Duchamp

Was im späteren Eiffelturm von Delaunay und in Picabias Körperkultur als "dynamischer Kubismus" beschrieben werden könnte, ist in Nude Descending a Staircase (Nr. 2) (1912, Philadelphia Museum of Art) von am lebhaftesten Marcel Duchamp (1887-1968). Es ist ein Gemälde von erheblicher historischer Bedeutung, da es zum wichtigsten Exponat der Waffenschau 1913 in New York, der ersten umfassenden Einführung Amerikas in die Avantgarde-Kunst. Zum ersten Mal reagierten die Amerikaner mit der Heftigkeit der Franzosen, wenn sie mit Kunstwerken konfrontiert wurden, die sie beleidigten. Sicherheitspersonal musste die umstrittensten Gemälde vor Angriffen durch ein wütendes Publikum schützen.

Ein unsympathischer Kritiker bezeichnete Nude Descending a Staircase als "Explosion in einer Schindelfabrik". Die Beleidigung war bis zu einem gewissen Punkt auffällig. Die Figur ist in der Tat in schindelartige Ebenen zerschmettert, die sich zu einem Muster großer Energie verschmelzen und überlappen. Aber der Halse fällt insofern ins Leere, als die zerschmetterte Gestalt nicht chaotisch ist. Im Gegensatz dazu wird es wieder zu einem Muster von großer Ordnung und Lebhaftigkeit zusammengesetzt, das eine hell absteigende Bewegung ausdrückt, als es ein nachahmendes Gemälde eines Aktes sein könnte, der eine Treppe hinabsteigt. Aber für ein Publikum, das noch Burne-Jones ’ The Golden Stairs (1880, Tate Collection, London) bewunderte, das achtzehn junge Frauen in hübschen Kostümen zeigt, die in einer Reihe anmutiger Haltungen eine Treppe hinuntersteigen, das Bild einer nackten jungen Frau, die eine Treppe hinuntersteigt Hunderte von maschinenähnlichen Scherben der Realität waren unverständlich und ärgerlich. Die Tatsache, dass Nude Descending a Staircase nach einem ganzen Jahrhundert immer noch die Fähigkeit besitzt, Sympathisanten zu interessieren und den Antagonisten zu irritieren, während andere sensationelle Neuheiten im Dutzend aufflammten und verblassten, ist ein ebenso guter Beweis wie ein anderer, dass es sich um einen handelt bleibendes Wahrzeichen und ein Kunstwerk mit Erweiterungen jenseits des Kubismus. Eines davon ist der absichtlich provokative Titel, der, wie Picabias unsinnige, mit zwei anderen Sätzen verbunden ist. Dada und Surrealismus, wo Duchamp wieder auftaucht.

Andere Kubisten

Andere Vertreter des Kubismus hatten noch andere Ziele im Sinn. So benutzte der französische Kubist Roger de la Fresnaye (1885-1925) im Gemälde L’Artillerie (1911) die geometrische Vereinfachung nicht, um Mehrdeutigkeiten zu erzeugen, sondern um eine nationalistische Aussage über die französische militärische Stärke zu treffen. Der amerikanische Maler Lyonel Feininger (1871-1956) verwendete in seinem Gemälde Franciscan Church (1924) kubistische Techniken, um religiöses Gefühl zu suggerieren. Für seinen Teil, Andre Lhote (1885-1962) war nicht nur ein begnadeter kubistischer Maler und Bildhauer, sondern auch ein einflussreicher Lehrer und Theoretiker der Kunst.

Marcel Duchamps Malerbruder Gaston, der das Pseudonym Jacques Villon (1875-1963) annahm, arbeitete in einer persönlichen Variation über den Kubismus, immer eher ruhig und elegant, und entwickelte sich schließlich zu leuchtenden Konfigurationen von großer Auszeichnung. In der Geschichte des Kubismus nimmt er einen besonderen Platz als Leiter einer Gruppe ein, die sich in den Anfängen in seinem Atelier zum Diskutieren und Theoretisieren getroffen hat. Nach ihrer kontroversen Ausstellung im Salon des Independants in Salle 41 nannte sich die Gruppe 1912 Section d’Or (nach der mathematischen Formel für proportionale Harmonien) und veranstaltete eine weitere große Ausstellung in der Galerie La Boetie. Zu den Teilnehmern zählten Juan Gris, Fernand Leger, Robert Delaunay, Francis Picabia, Marcel Duchamp und Jean Metzinger sowie Albert Gleizes, Roger de la Fresnaye, Louis Marcoussis (1883-1941), Andre Lhote (1885-1962) und viele Andere. Als ein Höhepunkt in der Vollendung des Kubismus fasste er die Kräfte zusammen, die vor ihrer Verbreitung in das allgemeine Feld von Kuba am Werk waren Gemälde, die sie so tief betroffen haben. Picasso und Braque allein, die beiden Hauptfiguren der Entwicklung des Kubismus und die beiden Maler, die später am bedeutendsten darauf zurückgingen, waren nicht vertreten. Der unmittelbare Grund war, dass die Ausstellung in einer kommerziellen Galerie stattfand, in der sie aufgrund ihrer vorherigen vertraglichen Verpflichtungen gegenüber Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979) nicht gezeigt werden konnte. Aber psychologisch war ihre Abwesenheit angemessen, denn während man sich die Männer, die ausgestellt haben, als Kubisten vorstellen kann, ist es unmöglich, sich Braque und Picasso nicht als Maler vorzustellen.

Bemerkenswerte kubistische Gemälde

Lyonel Feininger (1871 – 1956)
Franziskanerkirche (1924) Staatsgalerie, Stuttgart.

Albert Gleizes (1881 – 1953)
Badende (1912) Musee National d’Art Moderne, Paris.

Fernand Leger (1881 – 1955)
Im Kontrast der Formen (1913) Guggenheim Museum, NYC.
Die Treppe (1914) MOMA, NYC.
Die Stadt (1919) Philadelphia Museum of Art.
La Creation du Monde (1923) Bühnenmodell für ein Act-Ballett.

Jean Metzinger (1883 – 1957)
Auf der Radrennstrecke (1911-12) Peggy Guggenheim Museum, Venedig.
Frauenstricken (1919) Musee National d’Art Moderne, Paris.

Roger de la Fresnaye (1885-1925)
L’Artillerie (1911) Metropolitan Museum of Art, NYC.
Die Eroberung der Luft (1913) MOMA, NYC.

Robert Delaunay (1885 – 1941)
Die Stadt, Nr. 2 (1910) Musee National d’Art Moderne, Paris.

Andre Lhote (1885-1962)
Die Rugby-Spieler (1917) Privatsammlung.

Juan Gris (1887 – 1927)
Porträt von Picasso (1913), Art Institute of Chicago.
Frühstück (1915) Musee National d’Art Moderne, Paris.
Violine und Spielkarten (1913) Metropolitan Museum of Art, NYC.
Flasche Rum und Zeitung (1913) Guggenheim Museum, NYC.
Stillleben (1917) Minneapolis Institute of Arts.

Alexander Archipenko (1887-1964):
Glas auf einem Tisch (1920) MOMA, NYC.

Kubistische Bildhauer

Der Kubismus hatte auch einen großen Einfluss auf Bildhauer des 20. Jahrhunderts, der kubistische Ideen auf verschiedene Weise adaptierte: insbesondere durch die Öffnung von Formen, so dass sowohl Hohlräume als auch Körper unterschiedliche Formen bilden. Picasso selbst machte kubistische Skulpturen und andere führende Künstler, die in dieser Sprache arbeiteten, schlossen den Maler / Bildhauer Marcel Duchamp (1887-1968), den französischen Bildhauer, ein Jacques Lipchitz (1891-1973), Henri Laurens (1885-1954), Raymond Duchamp-Villon (1876-1918) und die russischen Bildhauer Alexander Archipenko (1887-1964) und Vladimir Baranoff-Rossine (1882-1942). Ein weiterer bekannter kubistischer Bildhauer war der Tscheche Otto Gutfreund (1889-1927), der in den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg Teil einer bemerkenswerten Blüte der kubistischen Kunst und des kubistischen Designs in Prag war. Im angewandte Kunst, Kubismus war eine der Quellen von Art Deco und im Allgemeinen hatte es einen großen und vielfältigen Einfluss auf moderne Kunst und Design.

Berühmte kubistische Skulpturen

Raymond Duchamp-Villon (1876 – 1918)
Pferd (1914) Tate Collection; MOMA, NYC.

Pablo Picasso (1881 – 1973)
Kopf einer Frau (1909) MOMA, NYC.

Vladimir Baranoff-Rossine (1882 – 1942)
Symphony Number 1 (1913) MOMA, NYC.

Henry Laurens (1885 – 1954)
Gitarre (1914) Museum Ludwig, Köln.
Clown (1915) Wilhelm Lehmbruck Museum, Duisburg.

Alexander Archipenko (1887 – 1964)
Walking Woman (1912) Denver Kunstmuseum.
Der Boxkampf (1914) Guggenheim Museum, NYC.
Marschierender Soldat (1917) Privatsammlung.
Stehender Akt (1921) Privatsammlung.

Otto Gutfreund (1889 – 1927)
Vikey ) Kubistischer Kopf) (1911-13) Privatsammlung.

Ossip Zadkine (1890-1967)
Mutter und Kind (1918) Hirshhorn Museum / Skulpturengarten, Washington DC.
Musiker (1927) Puschkin-Museum der Schönen Künste.

Jacques Lipchitz (1891 – 1973)
Mann mit Gitarre (1915, Museum of Modern Art, New York)
Badende III (1917) Barnes Foundation, Merion.
Frau mit Gitarre (1927, Privatsammlung)

Vermächtnis / Einfluss auf andere Bewegungen und Künstler

Der Kubismus erwies sich als immens anpassungsfähig und war Ausgangspunkt oder wesentlicher Bestandteil mehrerer anderer moderne Kunstbewegungen. In seiner allgemeinen Verwendung der Bildfragmentierung beeinflusste der Kubismus das Italienische Futurismus (c.1909-14) und Englisch Vortizismus (c.1914-15) angeführt von Percy Wyndham Lewis (1882-1957) sowie russische Malstile von Rayonismus (c.1912-14) und Suprematismus (c.1913-18), zusammen mit den Designstilen von Konstruktivismus (c.1919-32) und De Stijl (1917 & ndash; 31). Der Kubismus beeinflusste auch Robert Delaunays Orphismus sowie den Purismus. Andere Gruppen des 20. Jahrhunderts, die von kubistischen Mitteln und Bildern profitierten, waren: die Dada-Bewegung, deren Methode, Wörter mit Bildern und Kunst mit Nichtkunst zu verbinden, ohne Picassos und Braques Erfindung der Collage, der Präzisionismus Stil des urbanen / industriellen Realismus in den 1920er Jahren Amerikas, entwickelt von Charles Demuth (1883-1935) und Charles Sheeler (1883-1965); während die Surrealisten der Zwischenkriegszeit durch die mehrdeutigen Bilder des Kubismus stark gestärkt wurden. Das kubistische Erbe kam auch den deutschen Expressionisten zugute, die seine Formen benutzten, um seine Botschaft zu schärfen, und den abstrakten Expressionisten, die von der Förderung des Primats der flachen Leinwand profitierten.