Kubismus:
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In der bildenden Kunst bezeichnet der Begriff „Kubismus“ einen revolutionären Malstil, der von Pablo Picasso (1881-1973) und Georges Braque (1882-1963) zwischen 1907 und 1912 in Paris entwickelt wurde. Ihre kubistischen Methoden - ursprünglich beeinflusst von geometrischen Motiven in den Landschaftskompositionen eines nachimpressionistischen Malers wie Paul Cézanne - haben Art und Umfang der bildenden Kunst und in geringerem Maße der Bildhauerei radikal verändert und völlig neue Formen der Darstellung der Wirklichkeit hervorgebracht. In diesem Sinne markiert der Kubismus das Ende der Renaissance und den Beginn der Ära der modernen Kunst .

Einführung: revolutionäre abstrakte Kunst

Der Kubismus ist größtenteils eine Art halbabstrakter Kunst - obwohl er sich zeitweise der gegenstandslosen Kunst in vollem Umfang nähert - und wird traditionell in drei Phasen unterteilt:

1. Frühe kubistische Malerei (1907-09)
2. Analytischer Kubismus (1909-12)
3. Synthetischer Kubismus (1912-14)

Zu den berühmten Künstlern, die eng mit dieser Bewegung verbunden sind, gehören neben Braque und Picasso die Maler Juan Gry (1887-1927), Fernand Léger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941) und Albert Gliese (1881-1953), André Lotet (1885-1962), Roger de la Fresnaye (1885-1925), Jean Metzinger (1883-1956), Francis Picabia (1879-1953), der universalistische Maler Marcel Duchamp (1887-1968) und die Bildhauer Jacques Lipchitz (1891-1973), Alexandre Archipenko (1887-1964). (Siehe Kubistische Künstler und Bildhauer des 20. Jahrhunderts .) Der Kubismus war der Ausgangspunkt oder ein wesentliches Element einer Reihe anderer moderner Kunstbewegungen, darunter der Futurismus (1909-14), der Orphismus (1910-13), der Vortizismus (1914-15), der russische Konstruktivismus (ca. 1919-1932) und Dada (1916-1924).

Was waren die Ursprünge der kubistischen Kunst?

Nach drei Jahrzehnten der vom Impressionismus inspirierten Kunst, die in der fauvistischen Koloristik gipfelte (zu der übrigens auch Braque gehörte), begann Picasso zu befürchten, dass diese Art der Malerei eine Sackgasse mit immer weniger Potenzial für intellektuelle Erkundungen war. In dieser Haltung machte er sich mit der afrikanischen Stammeskunst vertraut, während er in Spanien begann, Les Demoiselles D’Avignon (1907, MoMA, New York) zu malen, sein bahnbrechendes Meisterwerk, in dem flache, geteilte Ebenen die traditionelle lineare Perspektive ersetzen und seinen Bruch mit den naturalistischen Traditionen der westlichen Kunst signalisieren. Zur gleichen Zeit war Georges Braque, ein ehemaliger Student der renommierten École des Beaux-Arts in Paris, von den Ausstellungen von Cézannes Gemälden 1907 im Pariser Salon d’Haute und in der Galerie Bernheim-June überwältigt. Besonders inspiriert wurde er von Les Grandes Baigneuses (1894-1905). Sie trafen sich im Oktober 1907 und entwickelten in den folgenden zwei Jahren den so genannten Kubismus, eine völlig neue Methode der Darstellung der visuellen Welt.

ANMERKUNG. Wie die nicht-naturalistische Malerei der Impressionisten zur abstrakten Kunst wie dem Kubismus führte, siehe: Vom Realismus zum Impressionismus (1830-1900). Um zu verstehen, warum der Kubismus mit dem Klassizismus verwandt ist, siehe „Klassisches Revival in der modernen Kunst“ (ca. 1900-30).

Ursprung des Begriffs „Kubismus“

Im Sommer 1908 malte Braque während seines Aufenthalts in L’Estaque bei Marseille eine Reihe von Landschaften, die im selben Jahr in einer Pariser Galerie des Kunsthändlers Daniel-Henri Kahnweiler ausgestellt wurden. Der renommierte Kunsthistoriker Louis Vauxcelles kommentierte diese Ausstellung mit der Bemerkung, dass Braque alle Wahrzeichen, Figuren und Häuser auf geometrische Umrisse in Form von Würfeln reduzierte. Im folgenden Jahr verwendete Vauxcelles den Ausdruck „bizarreries cubiques“ (kubische Exzentrizitäten) - eine Formulierung, die angeblich zuerst von Henri Matisse verwendet wurde - und 1911 hatte der Begriff „cubism“ Eingang in die englische Sprache gefunden. Die Beschreibung passt gut zu den Blockformen in einigen der frühen Landschaften von Braque und in mehreren ähnlichen Werken von Picasso, die er in Horta del Ebro in Spanien malte, nicht aber zu den späteren kubistischen Gemälden, in denen die Formen eher in Gesichter als in Würfel zerlegt sind. Der Begriff wurde von zwei praktizierenden Kubisten, Gleizes und Metzinger, in ihrem einflussreichen Buch von 1912 „Kubismus“ verwendet.

Wie ist der Kubismus zu verstehen

Zunächst einmal ist es sehr schwierig, den Kubismus zu verstehen, ohne seine Gemälde zu studieren. Ein guter Ausgangspunkt ist der Vergleich früher kubistischer Stillleben mit traditionellen Stillleben, z. B. aus dem Barock oder dem niederländischen Realismus. Darüber hinaus werden Sie die Radikalität des Kubismus im Vergleich zur traditionellen westlichen Kunst zu schätzen wissen. Beachten Sie auch, dass der Kubismus nicht der einzige Malstil war: Der analytische Kubismus unterscheidet sich völlig vom späteren synthetischen Kubismus . Ersterer befasst sich mit der Struktur - wie ein Gemälde einen Gegenstand darstellen sollte; letzterer befasst sich ausschließlich mit der Oberfläche des Bildes und dem, was in sie eingearbeitet werden kann. Ein letzter Ratschlag: Lassen Sie sich von seiner Fremdartigkeit nicht entmutigen. Der Kubismus ist symbolisch, komplex und voller Ideen, aber er ist keine besonders schöne Form der bildenden Kunst .

Was sind die Merkmale des Kubismus?

Spätestens seit der Renaissance haben Künstler Bilder aus einem einzigen festen Blickwinkel gemalt, als ob sie fotografieren würden. Die Illusion einer Hintergrundtiefe wurde durch die Verwendung der Standardkonventionen der linearen Perspektive (z. B. wurden Objekte kleiner dargestellt, je weiter sie zurücktraten) und durch das Malen von Figuren und Objekten mit abgerundeten schattierten Oberflächen erzeugt, um einen dreidimensionalen Effekt zu erzielen. Darüber hinaus wurde eine Szene oder ein Gegenstand zu einem bestimmten Zeitpunkt dargestellt.

Im Gegensatz dazu glaubten Braque und Picasso, dass die volle Bedeutung eines Objekts nur dann erfasst werden kann, wenn es aus verschiedenen Perspektiven und zu unterschiedlichen Zeiten gezeigt wird. Daher gaben sie die Idee eines einzigen festen Punktes auf und nutzten stattdessen mehrere Blickwinkel. Das Objekt wurde dann aus Fragmenten dieser verschiedenen Ansichten wie ein komplexes Puzzle wieder zusammengesetzt. Auf diese Weise wurden viele verschiedene Ansichten des Objekts gleichzeitig in ein und demselben Bild abgebildet. In gewissem Sinne ist dies so, als würde man 5 verschiedene Fotos (zu verschiedenen Zeiten) von ein und demselben Objekt machen, sie dann zerschneiden und auf einer ebenen Fläche wieder zusammensetzen.

Diese Fragmentierung und Neuanordnung der Formen bedeutete, dass das Gemälde nicht mehr als eine Art Fenster zur Welt betrachtet werden konnte, sondern vielmehr als ein physisches Objekt, auf dem eine subjektive Reaktion auf die Welt geschaffen wurde. In Bezug auf die künstlerische Technik zeigte der Kubismus, wie ein Gefühl von Festigkeit und Bildstruktur ohne traditionelle Perspektive oder Modellierung geschaffen werden konnte.

So konzentrierte sich der Stil auf die flache, zweidimensionale Oberfläche der Bildebene und lehnte die traditionellen Konventionen des Raums und die Techniken der linearen Perspektive, des Hell-Dunkel-Kontrasts (die Verwendung von Schattierungen zur Darstellung von Licht und Schatten) und die traditionellen Ideen der Naturnachahmung ab. Anstatt natürliche dreidimensionale Objekte zu schaffen, schlugen die kubistischen Maler eine völlig neue Art von Bildern vor, die aus zweidimensionalen Fragmenten zusammengesetzt waren und in denen die Objekte aus mehreren Blickwinkeln gleichzeitig betrachtet wurden. Während die Fauvisten und Impressionisten versuchten, ihr persönliches Gefühl für ein bestimmtes Objekt oder eine bestimmte Szene auszudrücken, versuchten die Kubisten, die intellektuelle Idee oder Form eines Objekts und seine Beziehung zu anderen Objekten darzustellen.

Weitere wichtige stilistische Strömungen, die dem Kubismus ähneln, finden Sie unter Künstlerische Bewegungen, Epochen, Schulen (ab etwa 100 v. Chr.).

Kubistische Ausstellungen

Der Kubismus hatte zwei Identitäten: die öffentliche und die private. Der Stil wurde von Pablo Picasso und Georges Braque gemeinsam entwickelt und basierte auf Beobachtungen, die von Cézanne und bis zu einem gewissen Grad vom ethnografischen Primitivismus abgeleitet waren, wie er von Picasso während seines Interesses an der afrikanischen Kunst erforscht wurde. Braque debütierte mit einer von Kahnweiler organisierten Einzelausstellung im November 1908. Aber danach gingen er und Picasso mehr oder weniger zurück, aber die Fahne des Kubismus wurde von anderen hochgehalten - den so genannten „Salonkubisten“, d. h. Robert Delaunay, Albert Glaze, Fernand Léger, Henri Le Fauconnier und Jean Metzinger im Salon des Indépendants 1911.

1912 wird eine Gruppe von Kubisten, die sich selbst als Secteur d’Or bezeichnet, mit Delaunay an der Spitze, in der Galerie La Boetie ausgestellt. In einer Rezension dieser Ausstellung prägte der Kunsthistoriker Guillaume Apollinaire (1880-1918) den Begriff „Orphismus“ und bezog ihn insbesondere auf Delaunays Werk. Die erste veröffentlichte Erklärung der kubistischen Theorie stammt von „Metisinger und Glaze“ - „Du Cubisme“, die 1912 veröffentlicht wurde; es folgte „Les Peintres Cubistes“ von Apollinaire, das 1913 erschien. 1913 fand auch die berühmte Armoury Exhibition im Februar und März in der Lexington Avenue in Manhattan, New York, statt, bei der „Nude Staircase (#2)“ von Marcel Duchamp (1912) eine umstrittene, sogar skandalöse Attraktion war. (Das Werk wurde später vom Philadelphia Museum of Art erworben.)

Anfang 1912 gingen Picasso und Braque vom analytischen Kubismus, mit dem sie begonnen hatten, zum synthetischen Kubismus über, einem neuen, eher dekorativen und oberflächenorientierten Stil, der mit neuen Techniken wie Collage und Papiercollé entstand. Die Einbeziehung von Abfällen in ihre Gemälde kann als Beginn der Trödelkunst angesehen werden. In dieser Phase schloss sich ihnen Juan Gry

Während des Ersten Weltkriegs führte der erzwungene Weggang von Daniel-Henry Kahnweiler dazu, dass Léonce Rosenberg (1879-1947) zum Haupthändler der kubistischen Künstler in Paris wurde. Sein Bruder Paul Rosenberg (1881-1959) war in den Zwischenkriegsjahren der Haupthändler von Picasso.

Symbol der künstlerischen und intellektuellen Mode

Der Kubismus war ein Stil mit Anspruch. Er war ikonoklastisch, herausfordernd. Er konzentrierte sich auf Ideen und nicht auf schöne Bilder. Aber er traf den Zeitgeist - das Zeitalter der anspruchsvollen französischen Musiker Claude Debussy (1862-1918), Erik Satie (1866-1925) und Maurice Ravel (1875-1937) - und insbesondere der analytische Kubismus entsprach den Ideen des französischen Philosophen Henri Bergson (1859-1941), dessen Konzept der Simultaneität besagte, dass die Vergangenheit die Gegenwart widerspiegelt, die in die Zukunft mündet. Die bildende Kunst befand sich derweil an einem Scheideweg. Der Impressionismus war von gestern, die Belle Epoque des Pariser Plakats war vorbei, Toulouse-Lautrec war tot, der Art Nouveau war im Niedergang begriffen und selbst der farbenfrohe Fauvismus war am Versiegen. Gleichzeitig steigt die politische Temperatur in Europa und zeigt die schrecklichen Aspekte von Krieg und Chaos. In seinem Angriff auf die alten Merkmale der Renaissancekunst spiegelt der Kubismus den Ruf nach Veränderung in vielen anderen Disziplinen und in der Welt insgesamt wider. Erläuterung einiger der großen kubistischen Werke von Picasso und anderen: Analyse der modernen Malerei (1800-2000).

Kubistische Bildhauerei

Wie der Konstruktivismus war er zu radikal, um sich im künstlerischen Mainstream zu etablieren. Dennoch wurden kubistische Ideen auch von anderen Disziplinen wie der abstrakten Bildhauerei sowie der Architektur und der angewandten Kunst aufgegriffen und adaptiert. Die kubistische Bildhauerei entwickelte sich aus der Collage und dem Papiergefäß und ging in die Assemblage ein. Die neuen Methoden gaben den Bildhauern nicht nur die Freiheit, neue Themen zu verwenden, sondern ermutigten sie auch, Skulpturen als konstruierte und nicht nur modellierte Objekte zu betrachten. Die mathematischen und architektonischen Qualitäten im Werk von Gris waren hier sehr einflussreich, wie man an den Werken von Archipenko und Osip Zadkin, Raymond Duchamp-Villon und Henri Laurens, dem Litauer Jacques Lipshitz, dem in Ungarn geborenen französischen Bildhauer Joseph Csaki (1888-1971) und den tschechischen Bildhauern Emil Filla (1882-1953) und Otto Gutfreund (1889-1927) sehen kann.

Berühmte Werke im kubistischen Stil

Picasso (1881-1973)
Kopf einer Frau (1909) MoMA, New York.
Gitarre (1912) Picasso-Museum, Paris.

Raymond Duchamp-Villon (1876-1918)
Großes Pferd (1914) Musée National d’Art Moderne, Paris.

Henri Lauren (1885-1954)
Der Kopf einer Frau (1915) MoMA, New York.

Alexander Arkhipenko (1887-1964)
Schreitende Frau (1912) Privatsammlung.
Schreitender Soldat (1917) Privatsammlung.

Naum Gabo (1890-1977)
Kopf einer Frau (1917-20) MoMA, New York.

Jacques Lipchitz (1891-1973)
Mann mit Gitarre (1915) MoMA, New York.
Matrose mit Gitarre (1915) Nationalmuseum für moderne Kunst, Paris.
Badende III (1917) Barnes Foundation.

Kubistisches Design in der Tschechoslowakei

Tschechische Maler, Bildhauer, Designer und Architekten begeisterten sich für die kubistischen Theorien des Designs, die die Merkmale der kubistischen Malerei (vereinfachte geometrische Formen, Hell-Dunkel-Kontraste, prismatische Flächen, kantige Linien) auf die Architektur und das Kunstgewerbe übertrugen. einschließlich Möbeln, Schmuck, Tafelgeschirr, Keramik und Landschaftsgestaltung. Besonders hervorzuheben sind die Mitglieder der Gruppe Plastischer Künstler, die 1911 von Filla gegründet wurde und sich mit dem Kubismus befasste. Die Gruppe war bis 1914 in Prag tätig und umfasste die Bildhauer Filla und Gutfreund sowie die Architekten und Designer Pavel Janak, Josef Gokar (1880-1945), Josef Hochol (1880-1956), Vlaslav Hofmann (1884-1964) und Otokar Novotny. Gutfreund veröffentlichte einflussreiche Artikel in der Monatszeitschrift der Gruppe.

Das Haus der Schwarzen Madonna (1911-12), ein von Gokar entworfenes Kaufhaus, war das erste Werk der kubistischen Architektur. Es befand sich im Erdgeschoss des Grand Cafe Orient und wurde mit seinem kubistischen Interieur und den kubistischen Einrichtungsgegenständen schnell zu einem Treffpunkt der Avantgarde, bis es Mitte der 1920er Jahre geschlossen wurde. Heute ist das Gebäude Teil des Tschechischen Museums der Schönen Künste. Es beherbergt das Museum des tschechischen Kubismus, das 1994 eröffnet wurde und eine ständige Ausstellung von Gemälden, Möbeln, Skulpturen und Porzellan zeigt. Im Tschechischen Museum des Kubismus ist auch eine Ausstellung mit Collagen des tschechischen Künstlers und Dichters Jiří Kolar zu sehen, der auch in Frankreich tätig war. Seine Ideen stellten die Collage später in einen breiteren Kontext. Paris mag die Geburtsstätte des Kubismus gewesen sein, aber in Prag wurden seine Möglichkeiten am besten erforscht.

Vermächtnis

Letztendlich ist der Kubismus selbst weniger als künstlerischer Stil von Bedeutung, sondern vielmehr als Indikator dafür, was in der bildenden Kunst möglich ist. Er erweiterte die Grenzen der Kunst, um Alternativen zum traditionellen Einzelstandpunkt einzubeziehen; er zeigte, dass schöne Kunst aus allem gemacht werden kann, sogar aus Schutt; und er warf wichtige Fragen über die Natur der Realität in der Kunst auf. Er war eine der wichtigsten Bewegungen im Zusammenhang mit der Pariser Schule und leistete einen bedeutenden Beitrag zur Avantgardekunst des frühen 20. Jahrhunderts. Insbesondere hatte der Kubismus einen weitreichenden und anhaltenden Einfluss auf eine Vielzahl von Malereibewegungen, darunter vor allem der Futurismus (ca. 1909-14) - siehe z. B. „Frau auf einem Balkon“ (1912, Privatsammlung) Carlo Carr (1881-1966). Andere von kubistischen Motiven beeinflusste Bewegungen und Stile sind der französische Orphismus (ca. 1910-13), der englische Vortizismus (ca. 1913-19), der russische Luchismus (ca. 1912-15) und Konstruktivismus (ca. 1914-25), die niederländische Designgruppe De Stijl (1917-31) und amerikanische Stile wie Synchromismus (ca. 1913-18) und Precisionism (1920er Jahre). Die antikünstlerischen Elemente dieser Strömung stimulierten das Aufkommen von Dada im Jahr 1916 und Surrealismus im Jahr 1924.

Die größten kubistischen Gemälde

Pablo Picasso
Houses on the Hill (1909) Museum of Modern Art, New York.
Frau mit Fächer (1909) Puschkin-Museum.
Porträt von Ambroise Vollard (1910), Staatliches Museum der Schönen Künste Puschkin.
Mädchen mit Mandoline (Fanny Tellier) (1910) Museum of Modern Art, New York.
Stilleben mit Stuhl Stühle (1911-12) Picasso-Museum, Paris.
Drei Musikanten (1921) Museum of Modern Art, New York.
Guernica (1937) Museum Königin Sofia, Madrid.
Weinende Frau (1937) Sammlung Tate, London.

Georges Braque
Häuser in L’Estaque (1908) Kunstmuseum, Bern.
Großer Akt (1908) Nationalmuseum für moderne Kunst, Centre Pompidou.
Stillleben mit Hering (1909-11), MoMA, New York.
Portugal (1911) Kunstmuseum, Basel.
Obstschale und Glas (1912) Privatsammlung.

Juan Gry (1887-1927)
Porträt von Maurice Raynal (1911) Privatsammlung.
Porträt von Pablo Picasso (1912) Art Institute of Chicago.
Geige und Gitarre (1913) Privatsammlung.
Stilleben mit Obst und Wasserflasche (1914) Kroller-Muller Museum, Otterlo.
Kaffeeverpackung (1914) Ulmer Museum, Ulm.

Fernand Léger (1881-1955)
Akt im Wald (1909-11) Kroller-Müller, Otterlo.
Hochzeit (1911) Nationalmuseum für moderne Kunst, Centre Pompidou.
Soldaten beim Kartenspiel (1917) Kroller-Muller Landesmuseum, Otterlo.

Marcel Duchamp (1887-1968)
Akt, der eine Treppe hinuntergeht (Nr. 2) (1912) Philadelphia Museum of Art.
König und Königin vor schnellem Akt mit hoher Geschwindigkeit (1912) Philadelphia.

Robert Delaunay (1885-1941)
Fenster (1912) Morton J. Neumann Collection, Chicago.
Kreisförmige Formen: Sonne und Mond (1912) Kunstmuseum, Zürich.

Francis Picabia (1879-1953)
Udny, junge Amerikanerin (1913) National Museum of Modern Art.

Albert Glaeses (1881-1953)
Porträt von Jacques Nayral (1911) Tate Modern, London.
Frau mit Tieren (1914) Sammlung Peggy Guggenheim, Venedig.

Jean Metzinger (1883-1956)
Tea Time (Frau mit Teelöffel) (1911) Philadelphia Museum of Art.
Tänzerin in einem Café (1912) Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.

Lionel Feininger (1871-1956)
Franziskanerkirche (1924) Staatsgalerie, Stuttgart, Deutschland.

Roger de la Fresnaye (1885-1925)
L’Artillerie (1911, Metropolitan Museum of Art, New York).