Zeitgenössische britische Malerei Automatische übersetzen

Hintergrund der britischen Kunst

Das Jahrzehnt der 1960er Jahre – das Jahrzehnt, das geboren wurde zeitgenössische Kunst – Der nationale Wohlstand hat stark zugenommen, und die Kaufkraft des Einzelnen ist enorm gestiegen. Flugreisen standen allen zur Verfügung; Schallplatten wurden länger gespielt und jeder Jugendliche hatte die Mittel, sie zu kaufen. Krieg ist in die Vergangenheit zurückgegangen, aber seine technologischen Ableger waren überall. Die materielle Welt des kommerziellen Artefakts dominierte die Wahrnehmung der Realität durch alle. Das Fernsehen war in den meisten Wohnungen zu Hause, und die alltäglichen Bilder des Alltags waren immer mehr die, die der Nachrichtenfotograf zur Verfügung stellte oder die der Werbeagentur erfand. Drogenkonsum, der in Böhmen seit einem Jahrhundert oder länger üblich war, wurde in Mode. Die Einführung der Antibabypille im Jahr 1963 machte die traditionellen Verhaltensauflagen für Männer und Frauen rasch hinfällig.

Amerikanischer Einfluss

In all diesen Dingen stellten das amerikanische Leben und die amerikanische Kultur einen Maßstab dar, der nachgeahmt werden sollte. Amerikanische Soldaten, die noch lange nach dem Krieg in Großbritannien stationiert waren, halfen bei der Einbürgerung ihrer Lebensweise. Amerikanische Filme wurden im Fernsehen gesehen, amerikanischer Slang war auf den Straßen zu hören. Jimmy Porter, der Antiheld von John Osbornes Stück Look Back in Anger (1957), bemerkt reumütig, dass er im "amerikanischen Zeitalter" lebt. In den Künsten wurde dieses Zeitalter in den Werken der Beat-Dichter und Romanciers um Jack Kerouac und William Burroughs sowie der New Yorker Schule der Maler des Abstrakten Expressionismus unter der Leitung von Mark Rothko und Jackson Pollock angekündigt. Pollocks großartige Leinwände, die mit allumfassenden Gesten des Malarms artikuliert sind und oft mit Eimern voll Farbe bespritzt und in Strudeln und Spiralen getropft sind, sind vielleicht existentialistische Übungen wie die weniger titanische Arbeit seiner Zeitgenossen in Europa. Sie sind aber auch positiv, Behauptungen der Energie der Kreativität oder, in Rothkos Fall, der spirituellen Höhen und Tiefen, die in der Betrachtung einer farbigen Leere zu finden sind.

Patrick Heron

Diese Art positiver Energie hat mich angesprochen Patrick Heron (1920-99), einer der wenigen britischen Maler, die direkt mit der New Yorker Gruppe in Verbindung gebracht wurden. In den späten 1950er Jahren gab er die von Braque und Matisse inspirierten Figuren und Stillleben auf und begann, große abstrakte Bilder zu malen, oftmals zunächst "Streifenbilder", hohe Stapel mit vielfarbigen Pinselstrichen, die frühe Überlegungen waren der Entwicklungen in New York; Heron selbst behauptete, an diesem Punkt unabhängig angekommen zu sein und einigen Amerikanern den Weg geebnet zu haben.

Heron lebte einen Großteil seines Lebens in oder in der Nähe von St. Ives, in dem viele der bekanntesten Landschaftsmaler der Vorkriegsjahre lebten, insbesondere Ben Nicholson (1894-1982). Seine Bilder der späten 1950er und frühen 1960er Jahre sind wie verschwommene, farbstarke Reminiszenzen an Nicholsons saubere Geometrien. Sie haben etwas mit der Arbeit eines anderen Malers zu tun, der mit dem nordirischen Künstler St. Ives in Verbindung steht William Scott (1913-89), der sich mit den abstrakten Implikationen des Stilllebens beschäftigte: Eine Pfanne oder ein Krug auf einem Tisch wird im Grundriss wie aus der Luft betrachtet und bildet die Grundlage für eine stark vereinfachte Anordnung von Farben und Formen. Herons Abstraktionen wurden in den 1970er und 1980er Jahren tatsächlich sehr groß. Sie bestehen aus fröhlich gefärbten rosa, blauen oder gelben Flecken, die ineinander und auseinanderschwimmen und es schaffen, ihre Amerikanerhaftigkeit auf eine ungezwungene Frische und ein Gefühl natürlicher Schönheit zu übertragen, die ausschließlich englisch ist.

Siehe auch: Berühmte Gemälde analysiert.

St. Ives School

Nach dem früheren Beispiel von Graham Sutherland, viele englische Maler – sowie der einflussreiche Kritiker Herbert Read – fand weiterhin Inspiration in St. Ives und entwickelte eine Tradition der Abstraktion (siehe auch Vortizismus), die mehr Anerkennung verdient. Roger Hilton (1911-75) und Terry Frost (geb. 1915) gehören zu den herausragenden Künstlern, die seit dem Krieg dort gearbeitet haben. Die Lebensfreude, die einen Großteil ihrer Arbeit auszeichnet, zeugt von einer Stimmung der Zufriedenheit, wenn nicht sogar des Optimismus, die viel durchdringt St. Ives School Kunst. In Peter Lanyon (1918-64) hatte die Stadt einen in Cornwall ausgebildeten Sohn, der sich wie Nicholson gerne mischte Malerei der schönen Kunst und 3-D Skulptur auf eine freie, ausdrucksstarke Art und Weise, die ihn auf natürliche Weise zu großen abstrakten Werken führte, die sich an den Merkmalen der lokalen Landschaft orientierten. Er lernte Rothko 1957 in New York kennen, und in Umfang und Breite knüpft seine Arbeit an die New Yorker Künstler an. Aber seine Bilder haben typischerweise die Farben des englischen Landes und der Küste – wirbelnde Grün- und Brauntöne, die von Blau und Weiß durchzogen werden, die Farbe dick und energisch in großen Strichen unter freiem Himmel aufgetragen. Diese Bilder verkörpern physisch Lanyons Sorge um den organischen Kreislauf von Leben, Tod und Wiedergeburt und rufen die Natur hervor, den Windstoß. Es ist vielleicht poetisch angebracht, dass Lanyon an den Folgen eines Flugunfalls gestorben ist.

St. Ives mit seinen weißen, schiefergedeckten Häusern und engen Gassen, der verwinkelten Hafenfront und den breiten Buchten scheint eine außergewöhnliche Fähigkeit besessen zu haben, Künstler auf die Suche nach einer Sprache zu führen, die ihr starkes Gespür für diese eloquente Umgebung ausdrückt. Die Inspiration war entscheidend, da die Frage der Abstraktion nicht geklärt war. War es eine unvermeidliche Entwicklung, die jeder ernsthafte Maler und Bildhauer anstreben muss? Oder sollte es immer einen zugrunde liegenden Bezug zu dieser anspruchsvollen Realität außerhalb geben? In St. Ives war es möglich, beides zu haben. Der Ort war eine Art Abstraktion von sich selbst und verlangte, gezeichnet und gemalt zu werden.

Der englische Maler Victor Pasmore (1908-98) besuchte die Stadt 1950 und brach um diese Zeit maßgeblich mit gegenständliche Kunst Er verzichtete auf seine zart gefärbten, poetischen Themse-Szenen und solide modellierten Figurenstudien zur reinen Abstraktion, die er als Direktor für Malerei an der Art School der Universität von Newcastle-upon-Tyne mit evangelischer Kraft verfolgte. Er übernahm die neue internationale Sprache der nichtrepräsentativen Kunst, in der er sofort perfekt sprach. Aber er erlaubte absichtlich seine Stücke, ob Gemälde, Collagen oder Reliefskulpturen, die die Spuren der "Do-it-yourself" -Konstruktion tragen – zersplitterte Kanten, sichtbare Verklebungen -, die ein Echtheitszeichen sind, das der angeblich "mechanischen" Qualität dieser reduzierten, raffinierten Übungen in reiner Komposition zuwiderläuft.

Euston Road School

Davor war Pasmore bereits 1937 mit William Coldstream (1908-87) und Claude Rogers (1907-79) Gründer der Euston Road School , um der Unsicherheit über Abstraktion und Repräsentation zu entkommen. Obwohl sie viel von dem, was in letzter Zeit erreicht wurde, bewunderten, waren sie der Meinung, dass das Malen für die Uneingeweihten verständlich sein sollte. Coldstream war stark von den sozialen Problemen betroffen, die durch die Wirtschaftskrise der 1930er Jahre entstanden. Er war der Ansicht, dass eine wahrhaft linke Kunst allgemein zugänglich sein müsse, nicht die verdünnte Intellektualität der Abstraktion. "Ich war überzeugt, dass Kunst auf ein breiteres Publikum ausgerichtet sein sollte", schrieb Coldstream. "Während alle Ideen, die ich gelernt hatte, künstlerisch revolutionär zu sein, in die entgegengesetzte Richtung liefen." Seine eigene Methode, mit dem Problem umzugehen, bestand darin, die Realität einer sorgfältigen Prüfung zu unterziehen, einer Messung mit dem Auge, die mittels eines halb-fiktiven, halb-realen Gitters auf die Leinwand übertragen wurde. Das Raster, das ein Schüler der Euston Road, Lawrence Gowing (1918-91), als "Scan" bezeichnet, gibt den Bildern ein leicht mechanisches Aussehen, das möglicherweise dazu beiträgt, die Anziehungskraft auf die Moderne zu bestätigen, wenn nicht sogar auf die Moderne. Gowing sprach von "einer Ästhetik der Verifikation", und es ist gut möglich, dass die zeitgenössische britische Philosophie vom "Verifikationismus" stark aufgegriffen wurde. Ein pragmatisches Bedürfnis, nur das auszudrücken, was nachweislich wahr ist, durchdringt Euston Road-Bilder.

Ein anderer Euston Road-Maler, Euan Uglow (1930-2000), löste das Problem, indem er den menschlichen Körper mit einer rücksichtslos systematischen Objektivität zeichnete. Sein "Scan" misst und unterteilt Kopf, Gliedmaßen und Rumpf als Elemente in einem Raum, der darauf schließen lässt, dass es eine genaue Antwort auf die Frage gibt: Wie hängen all diese Teile miteinander zusammen? Es gibt keinen Raum für Zufälle. die ergebnisse sind atemlos ausgewogen und werden von einem unaufhaltsamen intellektuellen prozess bestimmt. Trotz der Anwesenheit der Figur handelt es sich im Wesentlichen um abstrakte Malerei.

Traditionelle Themen

Der Meister, der die Welten des Modernismus und der Tradition beherrschte, war Stanley Spencer (1891-1959), und es ist nicht überraschend, dass einige Künstler sein Beispiel im Kampf um einen funktionierenden persönlichen Stil für wertvoll hielten. Norman Blarney (1914-2000) machte Spencers monumentale Figurenkompositionen zu seinem Ausgangspunkt und arbeitete komplexe räumliche Entwürfe in einer kühnen, vereinfachten Sprache aus. Er folgte auch auf Spencers tiefgreifendes religiöses Engagement. Sein Lebenswerk war geprägt von einer Reihe von Gemälden, die die Rituale der Hochanglikanischen Kirche festhielten. Seine Szene während der Dekanatsmesse in der St. Pancras Old Church (1960) ist ein wirkungsvolles Beispiel. Religiöse Themen sind in Großbritannien des 20. Jahrhunderts keineswegs gestorben. Vanessa Bell und Duncan Grant , die im letzten Teil ihrer Karriere keine Avantgarde mehr waren, fertigten großformatige Wandgemälde für die Berwick-Kirche in der Nähe von Charleston an, ihrem Haus unter den South Downs. In Kent, in der kleinen Landgemeinde Challock, hat John Ward (* 1918) eine lyrische Serie von Szenen aus dem Leben Christi (1958) gedreht, die auf dem Land und mit einer Gruppe von Einheimischen spielt. Seit vielen Jahren sind die Mauern der königliche Akademie zeigten Gemälde von Carel Weight (1908-97), die einer unruhigeren Spiritualität des späten 20. Jahrhunderts Ausdruck verleihen und Ereignisse von vage transzendentaler Natur in den tristen Landschaften des Londoner Vororts inszenieren.

Spülbecken Schule

Diese einzigartigen Künstler fanden ihre jeweilige Stimme größtenteils, indem sie sich aus den intellektuellen Kämpfen der damaligen Zeit zurückzogen und ihren hochglänzenden Kommerzialismus ignorierten. Für diejenigen, die sich an der Debatte beteiligten, war dies die Inspiration für ein umfassenderes Verständnis der Realität. In den 1950er Jahren die sogenannte Kitchen Sink School - vielleicht die realistischste von allen moderne Kunstbewegungen – erschienen war, was Sickerts Liebe zum heimischen Elend einen Schritt weiterbrachte: Die grob gehandhabten Bilder von John Bratby (1928-92) und Jack Smith (* 1928) rühmen sich der Aktualität von mit Stummeln gefüllten Aschenbechern, Badezimmereinrichtungen und unordentlichen Gegenständen Küchen. Sowohl in Amerika als auch in England fand eine Fülle von Nachrichten von der Straße – Verkehrsschilder, Anzeigen, Zeitungsfotos – Eingang in die Bilder der sogenannten Pop Art – einer der ersten internationalen zeitgenössische Kunstbewegungen. Und während Ölgemälde nicht aus der Mode gekommen, das neue, industriell hergestellte Acrylgemälde Mit seiner sauberen, glatten Textur und einfachen Anwendung bot er eine entsprechend glänzende Alternative.

Britische Pop Art

Mitte der 1950er Jahre begann der englische Maler Peter Blake (* 1932), Postkarten und Titelseiten in seine Bilder zu integrieren, um eine Mischung aus Malerei und Collage zu schaffen – eine Technik, die ihre Wurzeln im Kubismus hat. Von Anfang an Pop-Art verkörperte die Spannungen der neuen angloamerikanischen Kultur. Blakes Mädchen und ihr Held, 1959 (Elvis), in Acryl gemalt, dokumentiert in Bildern, die Zeitungen und populären Magazinen entlehnt wurden, die überwältigende britische Begeisterung für amerikanische Werbemusik, Rock ’n’ Roll und Elvis Presley. In Self-Portrait with Badges (1961) identifizierte sich Blake in Bezug auf seine gegenwärtigen Zugehörigkeiten, Interessen und Loyalitäten als Beweis für die Sammlung von ikonischen Blechabzeichen, die er auf seinen Kleidern zeigt. Die selbstbewusste Jugendlichkeit der Künstler und Ausstattungen ist repräsentativ für den Moment.

Die wachsende Pop-Art-Bewegung erhielt einen starken Impuls aus der Freundschaft eines englischen und eines amerikanischen Künstlers. RB Kitaj (* 1932) war 1957 aus den USA nach London gekommen und hatte dort das Royal College of Art besucht David Hockney (geb. 1937). Hockneys Schülerarbeit war in einer gewissenhaften Euston Road School- Richtung. Seine Übernahme der Pop-Manier gegen Ende des Jahrzehnts war eine bemerkenswerte Veränderung. Verschmierte Oberflächen wie alte Stadtmauern, die mit zufälligen Graffitis bedeckt sind, bilden den Hintergrund für die Suche nach Begegnungen oder bilden manchmal das gesamte Bild. In die Teemalerei im illusionistischen Stil (1961) wurde das heimelige Ty-Phoo-Teepaket integriert, mit dem diese Pop-Version trotz aller Francis Bacon-ähnlichen Ambiguitäten von Raum und Bild unverkennbar im gemütlichen England der unteren Mittelklasse und nicht im englischen Stil platziert wird nervöse Straßen von Manhattan. Im Gegensatz dazu war Kitaj ein Kosmopolit, der Ideen aus Literatur, Philosophie und Kunstgeschichte zu kaleidoskopischen Satiren der modernen Welt kombinierte, die dennoch mit menschlichem Mitgefühl durchdrungen wurden. Dieses Mitgefühl wärmt seine wunderschön gezeichneten und nachdenklichen Porträts. Auch Hockney ist ein guter Zeichner und hat in den 1970er Jahren eine Reihe sensibler Studien seiner Freunde und ihrer gegensätzlichen häuslichen Umgebung in London und Los Angeles verfasst. Er erlag schnell den Anziehungskräften des amerikanischen Lebens und zog nach Kalifornien, wo er Bilder machte, die mit einer angemessenen Offensichtlichkeit den sonnenverwöhnten, gemächlichen Lebensstil von Pool und palmengesäumtem Boulevard hervorriefen. Die Umwandlung von schlammigem, verschwommenem Pigment in brillante, primärfarbene Klarheit ist eine bemerkenswerte Reaktion auf die veränderte Umgebung.

Die insgesamt sanfte Ironie dieser Künstler weicht einer schärferen Satire in der Arbeit von Allen Jones (* 1937), der von der Verwendung der weiblichen Figur in der kommerziellen Kunst besessen ist. Der offensichtlich suggestive Zweck dieser Bilder ist in seinen scharfbrüstigen, mit einem Fischnetz versehenen Beinen, aber oft deutlich gesichtslosen Figuren mit ihrer knalligen Farbe und ihren glatten Umrissen verspottet. Es gibt auch eine Ironie in dem sozialen Kommentar von Richard Hamilton (* 1922), dessen Bilder, die oft auf Pressefotos und Werbung basieren, das Ethos der antikonservativen Satire, die sich in den 1960er Jahren in den Medien verbreitete, destillieren.

Schule von London

Es ist erwähnenswert, dass der britische Maler und Radierer Walter Sickert (1860-1942) hatte bereits in den 1930er Jahren die Verwendung von Zeitungsfotografien als Grundlage für Bilder vorangetrieben. Die Identifizierung einer erkennbaren "London" -Qualität in der Malerei verdankt Sickerts vorsitzendem Genie viel, obwohl man nicht sagen kann, dass die sogenannte " School of London ", die in den 1970er Jahren florierte, einen einzigen Stil oder Ansatz hat. Unter seinem Dach wurden viele der Künstler zusammengefasst, die hier an verschiedenen Orten nach ihren Interessen diskutiert wurden. Vielleicht die grob gehandhabten Schwimm- oder U-Bahn-Szenen von Leon Kossoff (* 1926) mit ihren sehr schweren pastos und dringende Spontanität, weiterhin London mit sickertianischen Augen zu sehen. Ähnlich dichte Farbe begegnet uns in der Arbeit von Frank Auerbach (* 1931), dessen Technik sich wie die von Kossoff vom späteren Stil Bomberg ableitet, der sie beide am Borough Polytechnic unterrichtete. Wie auch Kossoff wählt er Themen aus London – seine Menschen und Landschaften. Es ist eine lohnende Erfahrung, die scheinbare Verwirrung von Auerbachs verformten Oberflächen zu durchdringen, um die festen, straff disziplinierten Strukturen darunter zu entdecken, sei es eines Gesichtes oder eines Baumes auf Hampstead Heath. Im Gegensatz dazu verwendet Michael Andrews (1928-90) Farbe mit großer Zartheit, die sich auf die traditionellen Themen des städtischen Alltags, auf Gruppenporträts und auf topografische Landschaften spezialisiert, wenn auch auf manchmal sehr große Leinwände. Hinweis: Zur Analyse einiger Werke zeitgenössischer britischer Maler siehe: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).

Britische abstrakte Kunst

Die meisten dieser Entwicklungen hatten ihre Parallelen abstrakte Kunst. Die sorgfältige Prüfung und Messung von Coldstreams Studien zur Alltagswelt ist auf die Arbeit von Kenneth Martin (1905-84) und seiner Frau Mary Martin (1907-69) abgestimmt, deren Gemälde und Reliefs eine Entwicklung von Piet Mondrian und Russian sind Konstruktivismus. Sie bauten ihre Kompositionen durch mathematische Berechnungen auf und platzierten minimale Markierungen – Linien, Blöcke oder Räume – auf der Leinwand, nicht als Folge ästhetischer Entscheidungen, sondern nach einer sorgfältig geplanten Abfolge von "Summen". Die resultierenden Muster sind kühl und trocken, aber in Kenneth Martins Fall überraschend und manchmal in ihrer zurückhaltenden Art sehr ausdrucksstark. Sie dehnen sich in Form fein ausbalancierter mobiler Skulpturen auf natürliche Weise in drei Dimensionen aus. Die Gemälde von Mary Martin, ebenso kühl berechnet, besitzen eine seltene Stille und Ausgeglichenheit.

Op-Art

Ebenso fanden die Kommentare der Pop Art zur Bildsprache von Handel und Medien ein Gegenstück in den Abstraktionen von Bridget Riley (geb. 1931). Riley war ein entschlossener Exponent der internationalen Op-Art-Bewegung Das war die Blütezeit der 1960er und 1970er Jahre. Dies war eine Herangehensweise an die Abstraktion, die sich auf starre, aber subtile Geometrie und optisch überraschende Farbkombinationen konzentrierte. Riley fing an, nur in Schwarzweiß zu malen und das Auge mit fein modulierten Streifen oder Punkten zu kitzeln, die zu flackern, zu verblassen oder aus dem Blickfeld zu geraten scheinen, wenn man hinschaut. Ihre kühle, harte Objektivität hat sie dazu veranlasst, Assistenten für den eigentlichen Farbauftrag einzusetzen: Die Persönlichkeit des Künstlers und alle gegenständlichen Bezüge werden in einem für die britische Abstraktion ungewöhnlichen Ausmaß absichtlich beseitigt – vergleichen Sie Pasmores Bestreben, seine Persönlichkeit zu behalten Impressum. Mondrians Gitter liegen Rileys Ansatz zugrunde, aber es ist interessant, dass sie, als sie versuchte, eine Kopie seines Broadway-Boogie-Woogie zu machen, sie aufgab und nicht in Mondrians kreative Prozesse eintauchen konnte. Ihre eigene abstrakte Sprache ist also wesentlich anders und eine der originellsten der Nachkriegszeit.

Howard Hodgkin

Am anderen Ende des künstlerischen Spektrums von Riley und den Martins steht das üppig sinnliche Gemälde von Howard Hodgkin (* 1932), der die auf Repräsentation basierende Tradition der Abstraktion aufrechterhalten hat: die Akte und Stillleben von Sir Matthew Smith (1879) -1959) und die Wasserlandschaften von Ivon Hitchens (1893-1979) scheinen ihn alle beeinflusst zu haben. Er hat Porträts, Interieurs und Landschaften gemalt, die alle in leuchtende Farbkessel verwandelt wurden, die mit Tupfen und geschmolzenen Regenbögen verziert sind und in denen der Glanz der Farbe zur üppigen Wirkung beiträgt. Er hat viel Zeit in Indien verbracht und die brillanten Muster indischer Stoffe spielen eine wichtige Rolle in seiner Arbeit. Sogar seine Rahmen sind bemalt und erweitern die opulente Breite seiner Pinselstriche über den Bildraum hinaus in den Raum. Ein jüngerer Exponent der Werte von üppig angewendet Farbpigment ist Therese Oulton (* 1953), deren oft große Leinwände von plätschernden Farben überschwemmt werden, Fluten von satten, düsteren Farben, die von unterbrochenen Lichtblitzen beleuchtet werden.

Ein weiterer abstrakter Maler der Generation von Oulton, Christopher Le Brun (geb. 1951), reflektierte einige der Sorgen der New Yorker Schule in seinen großen, grüblerischen, lose gemalten Leinwänden. obwohl seine schattigen Räume normalerweise das Transzendentale auf konkretere Weise evozieren. Vor allem in jüngster Zeit hat er starke gegenständliche Elemente eingeführt, die oft den symbolistischen Favoriten Wagner und Dante entnommen sind. Das Abstrakte verschmilzt mühelos mit dem musikalischen Expressionisten. Le Bruns Abkehr von einer völlig abstrakten Darstellung der unbeschreiblicheren Aspekte menschlicher Sehnsucht, Nostalgie oder Schmerz ist symptomatisch für eine zunehmende Pluralität von Ansätzen in den letzten Jahren des Jahrhunderts.

Lucian Freud

Vielleicht ist es kein Zufall, dass das führende Genie der Malerei in Großbritannien am Ende des Jahrhunderts ein älterer Künstler ist, der wiederholt auf den Tugenden der Kunstschule bestanden hat – einer Institution, die in den ikonoklastischen 1960er und 1970er Jahren ernsthaft bedroht zu sein schien. Lucian Freud (1922-2011) kam mit seiner Familie in den 1930er Jahren aus Wien und seine frühen Arbeiten waren atemberaubend Surrealismus und Themen von Deutscher Expressionismus, erschossen von der angespannten Angst der frühen Nachkriegsjahre. Doch schon in seinen Porträts der 1950er-Jahre zeigt sich eine kompromisslose Faszination – Obsession ist kein zu starkes Wort – mit den winzigen Details des menschlichen Körpers. Im Laufe der Jahre wurde die Untersuchung mikroskopischer und lenkte die unerbittliche Aufmerksamkeit auf jede Vene und Pore. Wir werden manchmal an Spencers erdige Akte und an seinen expliziten Vergleich des Menschen mit totem Tierfleisch erinnert – vielleicht nicht so weit entfernt von den Sorgen von Francis Bacon (1909-92), wie es auf den ersten Blick erscheinen mag. Auf lange Sicht war es für Freud nie notwendig, die Kunstschule zu verlassen: Alle seine Materialien sind da. Das willige Model, das sich offen der intensiven Beobachtung des Künstlers aussetzt, die bedeutend unwichtige Umgebung – ein Sofa, ein grob drapiertes Bett, nackte Bretter. All dies ist von uralter Abstammung, und Freud unternimmt keinen Versuch, sein Thema als modern anzuerkennen. Dennoch ist es von Natur aus modern – unzensierend, unerschütterlich, mitfühlend. Dies sind die Eigenschaften, auf die wir nach einer Befreiung stolz sind, die wir immer noch zu verstehen versuchen.

Freud hat viele Porträts gemalt, obwohl er kein Porträtmaler im altmodischen Sinne ist: Er kümmert sich nicht um die Selbstliebe und möchte niemandem schmeicheln, am allerwenigsten sich selbst. Es war sein Großvater Sigmund Freud, der das Metier des Gesellschaftsporträtmalers im 20. Jahrhundert nahezu unmöglich machte. Jetzt ist der Maler des menschlichen Gesichts fast gezwungen, seine eigene Psychologie darzulegen, unabhängig von seinem angeblichen Thema. Die Porträts von Auerbach mit ihrer gequälten, stark bearbeiteten Farbe sind ein typisches Beispiel. Aber aus diesem Grund sollten wir den vielen Künstlern Ehre machen, die weiterhin die Funktion eines sozialen Porträtmalers ausüben. Sie tun dies in einer Welt, in der es immer schwieriger wird, die alten Agenden von Macht, Status und Reichtum zu respektieren, die die Parameter des Porträts diktierten. Es ist typisch für das britische Mäzenatentum, dass die Porträtmalerei eine Vorliebe bleibt. Der Wunsch nach einer erkennbaren Ähnlichkeit ist nach wie vor groß. Blarney und Ward gehören zu denjenigen, die technisch vollendete Porträts zu Aufzeichnungszwecken hergestellt haben, und Howard Morgan (geb. 1949) hat die Tradition der Hochglanzschmeichelei überarbeitet, die von so effektiv ausgenutzt wurde Thomas Lawrence und John Singer Sargent , um einen Stil zu kreieren, der sehr viel von seinem medienbewussten Moment abhängt.

Freuds Beispiel hat ein neues Interesse an der Figur geweckt, und in den letzten Jahrzehnten des Jahrhunderts kam es tatsächlich zu einer Wiederbelebung der Themenmalerei, wie in den rätselhaften, oft surrealistischen Landschaften und Innenräumen des irischen Künstlers Stephen McKenna (geb. 1939) und des Fantasien von Ken Kiff (1935-2001), deren Märchengeschichten, manche mit einem Grimm-ähnlichen Horror, manche mit Comics, in einfachen, kindlichen Formen und lebendigen, ungemischten Farben erzählt werden, oft unter Verwendung eines dichten, aber leuchtenden Aquarells.

Junge britische Künstler (YBAs)

Wir haben gesehen, wie einige Gemälde des 20. Jahrhunderts – von Nicholson, Martin und anderen – dazu neigten, auf natürliche Weise zur Skulptur zu führen. In den letzten Jahrzehnten sind die Grenzen zwischen den verschiedenen Medien zunehmend verschwommen, viele Künstler arbeiten in mehreren zusammen. Die Kamera hat eine immer wichtigere Rolle gespielt: Fotografie, Film und Video haben alle die Arena der Mixed-Media-Kreativität betreten. Konzeptkunst hat das Rampenlicht erobert, vor allem unter den "Britpacks", einer viel beachteten Gruppe von Enfants Terribles, angeführt von Damien Hirst die in den 1990er Jahren entstanden sind und in ihrem Britart die alten Techniken der Avantgarde neu erfunden haben: Bizarre Inkongruenzen, Alltagsgegenstände oder Erotik werden eingesetzt, um die immer vielfältiger werdenden Erfahrungen des modernen Lebens zu erforschen. Trotz dieser Explosion technischer Mittel haben viele jüngere Künstler die Malerei als geeignetes Medium für ihre Reflexionen über die Welt gewählt. Die Stimmung der Zeit ist jedoch von einem selbstbewussten Bewusstsein für die Kunst vergangener Epochen durchdrungen, und es gibt eine ständige Unterströmung ironischer Anleihen, eine postmoderne Liebe zur Dekonstruktion traditioneller Konzepte und Arbeitsmethoden.

Einer der eher traditionellen jüngeren zeitgenössischen Künstler ist Peter Doig (* 1959), der mit Figuren auf die erkennbare Sprache der Landschaft zurückgreift und mit den Mustern der Bäume gegen den Schnee spielt (Wintersport ist ein häufiges Thema) oder die Wechselbeziehung von natürlichen und architektonischen Formen. Gary Hume (* 1962) belebt einige der brasilianischen Aspekte der Pop-Bewegung in Bildern, die einen Großteil ihrer Wirkung aus einer kühn vereinfachten Abstraktion ziehen, die in aufmerksamkeitsstarken Farben und Formen der Werbung projiziert wird.

In den Abstraktionen von Fiona Rae (geb. 1963) nimmt der Wunsch, eine Kritik der jüngeren Kunstgeschichte anzubieten, eine interessante Form an. Ihre Kompositionen können als Dekonstruktionen vieler Bewegungen des 20. Jahrhunderts gelesen werden und beziehen sich auf Picasso, Bacon und Pollock. Sie sind aus Motiven aufgebaut, die durch scheinbaren Zufall verbunden sind. Der Effekt besteht darin, die Abstraktionsmöglichkeiten an ihre Grenzen zu bringen.

Ausgehend von einer ganz anderen Position, Jenny Saville (* 1970) geht mit Freuds 183 Anatomien des menschlichen Körpers einen Schritt weiter und zeigt ihre riesigen weiblichen Akte in Brobdingnagianischer Nahaufnahme, verzerrt und manchmal wie Mutanten deformiert.

Der schottische Maler dagegen Jack Vettriano (geb. 1951) erzielte enorme wirtschaftliche Erfolge mit seiner Formel-Genre-Malerei, die nostalgische, wenn auch etwas suggestive Mann-Frau-Szenen darstellt, wie beispielsweise The Singing Butler (1992, Private Collection).

Trotz der Prophezeiungen über den baldigen Untergang, die seit fast einhundertfünfzig Jahren vorherrschen, ist die Malerei noch nicht aus ihrer einzigartigen Position in der bildenden Kunst verdrängt worden und zieht ernsthafte Praktiker an, während sie mit der gebotenen Nachdenklichkeit eines älteren Geschwisters nachdenkt, viele der Innovationen der zeitgenössischen Multimedia-Kunst. Die Abstraktion verfolgt ihre Mission, die unbeschreiblicheren Aspekte des Denkens und Erlebens zu erforschen, während in einer wiederbelebten figurativen Tradition unsere Menschlichkeit erneut auf Individuen und ihre Interaktion hin untersucht wird. Die Dinge sind selten genau das, was sie scheinen: Diese Künstler machen auf die Seltsamkeit des Lebens und der Menschen aufmerksam, die es leben: auf uns selbst. Die Auseinandersetzung mit der menschlichen Realität ist entscheidend für das Wiederaufladen der Kunstbatterien, und diese Begegnung kann kein Ende haben.