Analytischer Kubismus:
Definition, Charakteristik, Geschichte Automatische übersetzen

Einführung

Picassos Porträt von Ambroise Vollard (1909-10) läutete einen neuen Stil ein Kubismus – Bekannt als analytischer oder analytischer Kubismus. In diesem Gemälde Picasso zerlegte eine menschliche Figur in eine Reihe flacher transparenter geometrischer Platten, die sich in verschiedenen Winkeln überlappen und schneiden. Plötzlich alle würfelförmigen Bilder von frühe kubistische Malerei ist verschwunden. Tatsächlich gibt es in der kubistischen Kunst von nun an keine Würfel mehr. Stattdessen das Grundelement davon Gemälde Stil wird zur Ebene oder Facette – ein kleiner plattenförmiger Bereich, der durch gerade oder gekrümmte Linien begrenzt wird und in der Regel in überlappenden Schichten angeordnet ist.

Merkmale des analytischen Kubismus

Eine besonders strenge Form von Avantgarde-Kunst Der analytische Kubismus war das intellektuellste und kompromissloseste Stadium der Kubismusbewegung. In diesem Stil weichen die relativ soliden Massen von Braques und Picassos frühen Gemälden einem konsequenten Kompositionsprozess, in dem die Formen der abgebildeten Objekte in eine große Anzahl kleiner, kompliziert angelenkter undurchsichtiger Platten oder Ebenen fragmentiert werden flaches Relief in einem leichten Winkel zur Bildebene – das miteinander und mit dem umgebenden Raum verschmilzt. Darüber hinaus lösen sich die Kanten dieser Ebenen auf und der Inhalt kann ineinander übergehen. Typischerweise sind die Formen in der Mitte des Gemäldes kompakt und dicht und breiten sich zu den Rändern hin aus, wie bei Picassos Mädchen mit Mandoline (1910) und Braques Mandora (1909). In sehr einfachen Worten kann dieser semi-abstrakte analytische kubistische Ansatz mit dem eines Fotografen verglichen werden, der eine große Anzahl von Fotos eines Objekts aus verschiedenen Blickwinkeln und zu verschiedenen Zeiten macht. Diese Fotos werden dann fast zufällig auf einer ebenen Fläche so zugeschnitten und neu angeordnet, dass sie sich überlappen.

Analytischer Kubismus lehnte Einzelpunktperspektive ab

Seit dem 15. Jahrhundert beherrschten Florentiner Renaissance – Maler wie Masaccio und Piero Della Francesca die Kunst des Geradlinige Perspektive Die Malerei basiert auf der Idee eines einzigen Gesichtspunkts. So wird eine auf einer Leinwand dargestellte Szene oder ein Objekt immer ausschließlich von einem festen Punkt im Raum und zu einem festen Zeitpunkt aus betrachtet. Picasso und Braque kamen zu dem Schluss, dass dieser strikte optische Ansatz unzureichend und sogar unehrlich war, weil er die "Wahrheit" nicht darstellte. Beispielsweise konnte die Seitenansicht oder die Rückansicht des Objekts nicht angezeigt werden. Es konnte das Objekt auch nicht zu verschiedenen Tageszeiten zeigen. Picassos und Braques Lösung war der analytische Kubismus, ein revolutionärer Typ moderne Kunst die Einpunktperspektive ablehnte und versuchte, das Objekt aus mehreren Winkeln in unterschiedlichen Lichtverhältnissen zu zeigen. Es war ein konzeptuelles Bild eines Objekts, basierend auf dem, was darüber bekannt war, und nicht ein optisches Bild, basierend auf dem, was gesehen wurde. Kurz gesagt, eine Art intellektuelles Experimentieren mit Struktur.

Hinweis: Um zu verstehen, wie Kubismus mit Klassizismus zusammenhängt, lesen Sie unseren Artikel: Die klassische Wiederbelebung in der modernen Kunst (c.1900-30).

Gleichzeitigkeit: die vierte Dimension in der Malerei

Nach 1909 und bis 1912 bringt die Einführung und Entwicklung einer Komplikation, die als Gleichzeitigkeit bekannt ist, den Kubismus als revolutionäres Konzept zur Geltung. Die Idee hinter der Gleichzeitigkeit ist einfach genug. Die Formen in Jean Metzingers Tea Time (1911, Philadelphia Museum of Art), die unter dem unglücklichen Nebentitel "Mona Lisa mit einem Teelöffel" leiden, sind in große Facetten oder Ebenen unterteilt. Aber es passiert noch etwas anderes: An manchen Stellen werden diese Ebenen transparent, um andere Ebenen dahinter freizulegen. sie kreuzen sich und verschmelzen mit diesen anderen Ebenen. Links sind eine Teetasse und eine Untertasse in der Mitte durch eine Linie unterteilt, auf deren einer Seite sie von oben und auf der anderen Seite von oben zu sehen sind. Theoretisch wissen wir mehr über die Teetasse, weil wir sie aus zwei Blickwinkeln gleichzeitig sehen. Dies ist unmöglich, wenn eine Teetasse und eine Untertasse in einer herkömmlichen Perspektive dargestellt werden, die jeweils nur einen Blickwinkel zulassen.

Metzingers Teetasse demonstriert auf elementare Weise das Gerät der Gleichzeitigkeit – die gleichzeitige Enthüllung von mehr als einem Aspekt eines Objekts, um das Gesamtbild auszudrücken. Bei der Teetasse ist der Vorgang einfach. An anderer Stelle im Bild sind das Überkreuzen und Zusammenführen transparenter Ebenen eine kompliziertere Anwendung derselben Idee. Die linke Hälfte des Kopfes ergibt ein Profil, wenn die rechte Hälfte ignoriert oder verdeckt wird. Gleichzeitig ist es in einer Ansicht des ganzen Gesichts enthalten. Das Argument, wir hätten weder ein gutes Profil noch ein gutes Gesicht nach üblichen Repräsentationsstandards, ist unbegründet. Der Kubist interessiert sich nicht für übliche Repräsentationsstandards. Es ist, als würde er um die Objekte herumgehen, die er analysiert, da man frei ist, um ein Skulpturstück herumzulaufen, um aufeinanderfolgende Ansichten zu erhalten. Aber er muss alle diese Ansichten auf einmal vertreten.

Dies ist die berühmte "vierte Dimension" in der Malerei. Über Jahrhunderte hinweg war der Maler damit zufrieden, eine Illusion von drei Dimensionen auf einer 2-D-Oberfläche durch eine systematische Verzerrung darzustellen, die als Perspektive bezeichnet wird. Die dritte Dimension in der Malerei ist Tiefe durch Perspektive; Die vierte Dimension ist die Bewegung in der Tiefe oder in der Zeit oder in der Raumzeit durch die gleichzeitige Darstellung mehrerer Aspekte eines Objekts. Für diese neue Dimension ist eine neue systematische Verzerrung erforderlich, da die alte Perspektive entwachsen ist Der Prozess des analytischen Kubismus wurde erforscht, die Gegenstände, die Gegenstand seiner Ausarbeitung waren, wurden zerstört. “Picassos weiblicher Akt (1910-11, Philadelphia Museum of Art) ist eine viertdimensionale Komplikation von Formen, die zweifelsohne als Formen begannen, die denen von ähneln seine frühere sitzende nackte Frau (1908, Philadelphia Museum of Art). Da sich die Flugzeuge jedoch überlappen, sich am Rand drehen, zurücktreten, voranschreiten, flach liegen oder sich in entgegengesetzten Winkeln drehen, ist das Objekt, von dem sie stammen, lo st eher als völlig aufgedeckt. Hinweis: Eine Erklärung einiger der großen kubistischen Gemälde finden Sie unter: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).

Die Struktur ist von größter Bedeutung: Farbe wird heruntergespielt

Diese Betonung der Struktur führte dazu, dass die Farbe heruntergespielt wurde, um den Betrachter nicht abzulenken, und archetypische analytische kubistische Gemälde sind praktisch einfarbig, in gedeckten Brauntönen oder warmen Grautönen gehalten. Ocker werden häufig für die Ebenen oder Facetten verwendet, Schwarz für die erforderlichen Umrisse und Konturen und Weiß für Oberflächenhighlights. Dieses einfarbige Farbschema (wie das einfache Thema – Gesichter, Figuren mit Musikinstrumenten, Stillleben) war ideal für ein komplexes, vielschichtiges abstraktes Bild geeignet, bei dem ein gewisses Maß an Entschlüsselung erforderlich war. Solch ein strenges Farbschema vermied jede Andeutung von Stimmung und Emotionen und ließ die Komposition frei von naturalistischen und anderen symbolischen oder narrativen Assoziationen, damit sich der Betrachter auf den strukturellen Aspekt des Gemäldes konzentrieren konnte. Picasso und Braque sahen darin auch eine völlige Abkehr von den dekorativen Traditionen früherer Avantgarde-Maler wie den Impressionisten, Les Nabis und Fauvisten. Andere Künstler jedoch besonders Robert Delaunay und Andre Lhote (1885-1962) waren mit diesem monochromen Effekt nicht zufrieden und brachten mehr Farbe in ihre analytischen kubistischen Gemälde. In Delaunays Fall führte dies ihn zum Pionier einer neuen Form der Malerei, die als bekannt wurde Orphismus oder Orphic Cubism.

Hinweis: Trotz seiner monochromen Farbpalette und emotionalen Neutralität könnte das analytische kubistische Bild von Melancholie (Picassos Sitzender Akt (1909-10), Tate Gallery) zu Sinnlichkeit ) Mädchen mit Mandoline (1910), Privatsammlung) wechseln.

Ähnlichkeit des Stils

Beide Künstler haben in dieser Zeit sehr eng zusammengearbeitet. Als Sohn eines Handwerkers war Braque schnell dabei, neue Techniken anzuwenden, obwohl sein Partner sie kreativer einsetzen konnte. Beispiele für Gemälde, die zeigen, wie ähnlich die beiden zu diesem Zeitpunkt im Stil waren – Braques The Portuguese (1911, Kunstmuseum, Basel) und Picassos The Accordionist (1911, Guggenheim Museum, New York). In der portugiesischen Sprache hat Braque zuerst Schablonenbuchstaben eingefügt und damit möglicherweise versehentlich die Form der kommenden fremden Dinge signalisiert.

Verdrängt vom synthetischen Kubismus

Wie wir gesehen haben, beinhaltete der analytische Kubismus die Dekonstruktion von Objekten und ihre Neuformierung als vielschichtige Anordnungen überlappender Scheiben, um die "Realität" des Malprozesses zu verbessern. Als dieser Dekonstruktionsprozess an Schwere zunahm (vergleiche Picassos Porträt von Ambroise Vollard mit seinem späteren Porträt von Daniel-Henry Kahnweiler), wurden die Bilder immer weniger erkennbar nicht-objektive Kunst. Dann, abrupt im Jahr 1912, gaben sie den Stil ganz auf und wandten sich dem zu, was als bekannt geworden ist Synthetischer Kubismus – eine ebenso revolutionäre Form der Malerei, bei der neben realen Materialien auch Farbe und Leinwand zum Einsatz kamen.

Bedeutung des analytischen Kubismus

Analytischer Kubismus ist für viele Laien Kubismus. Im Vergleich dazu sind die lebhaften Farben früherer Gemälde im kubistischen Stil und der spätere synthetische Kubismus weit weniger bekannt. So revolutionär wie der analytische Kubismus Kunstkritiker sagen? Haben Picasso und Braque wirklich eine neue Bildsprache in der bildenden Kunst geschaffen? Es ist fast unmöglich, diese Fragen ein Jahrhundert nach dem Ereignis richtig zu beantworten. Der analytische Kubismus wurde zu dieser Zeit sicherlich als revolutionär gepriesen, aber nicht von der Öffentlichkeit: Es waren andere Künstler, Kritiker und Händler, die am meisten beeindruckt waren. Dies lag vor allem daran, dass mit Ausnahme der New Yorker Waffenausstellung von 1913 weder Picasso noch Braque ihre analytischen kubistischen Arbeiten vor dem Ersten Weltkrieg öffentlich ausstellten. Trotzdem wurde das Idiom von vielen Malern in Paris übernommen und weiterentwickelt und von Kunsthändlern wie Daniel-Henry Kahnweiler und Leonce Rosenberg (1879-1947), so dass bis 1911 Kommentatoren von einer "kubistischen Schule" sprachen. Picasso beschäftigte sich weiterhin einen Großteil seines Lebens mit kubistischen Bildern aus mehreren Blickwinkeln (z. B. Porträt von Dora Maar, 1937, Musee Picasso, Paris; Weiblicher Akt und Raucher, 1968, Galerie Rosengart, Luzern), während Braque einen Großteil seiner Bilder widmete Leben zu Stillleben malen in einer Vielzahl von Stilen. Der vielleicht schönste Kommentar lautet: Ja, der analytische Kubismus war wirklich revolutionär, aber nicht wirklich für sich. Es war revolutionär, weil es die Maler dazu anregte, die Kanons des Traditionellen zu überdenken Kunst.

Größte analytische kubistische Gemälde

Hier finden Sie eine kurze Liste der besten Arbeiten des analytischen Kubismus von Picasso und Braque.

Pablo Picasso:
Nude (1909) Hermitage Museum, St. Petersburg.
Junge Frau (1909) Eremitage.
Sitzender Akt (1909-10) Tate Gallery.
Frau sitzt auf einem Stuhl (1910) Musee National d’Art Moderne.
Porträt von Ambroise Vollard (1910), Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste.
Porträt von Daniel-Henri Kahnweiler (1910), Art Institute of Chicago.
Mädchen mit einer Mandoline (Fanny Tellier) (1910) Museum of Modern Art, New York.
Porträt von Wilhelm Uhde (1910) Sammlung Joseph Pulitzer, St. Louis.
Frau mit einer Gitarre (1911), MoMA, NY.
Die Privatsammlung Pont-Neuf (1911).
Mann mit einer Klarinette (1911-12) Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.
Tisch in einem Cafe (Flasche Pernod) (1912) Hermitage Museum.

Georges Braque:
Stillleben mit Heringen / Fisch (1909-11), MoMA, NY.
Mandora (1909-10), Tate Gallery, London.
Stillleben mit Violine und Krug (1910), Kunstmuseum, Basel.
Die Fabriken von Rio-Tinto in Estaque (1910) Musee National d’Art Moderne.
Violine und Kerzenhalter (1910), San Francisco Museum of Modern Art.
Violine und Palette (1910), Solomon R Guggenheim Museum, New York.
Stillleben mit einer Violine (1911) Musee National d’Art Moderne.
Mann mit einer Gitarre (1911), MoMA, NY.
Stillleben mit Glas, Würfel, Zeitung, Karte (1913), Art Institute Chicago.

Für Kunstwerke anderer Kubisten siehe Kubistische Maler.